La película de Bruno Martín parte con seis posibles premios seguida por 'Disforia', 'El poder del silencio', 'Pequeños calvarios' y 'Azul de niño' con cinco
Los Blogos de Oro, los premios al cine independiente español, han anunciado sus nominaciones para el año 2026. Luger, de Bruno Martín, parte ligeramente en cabeza con seis posibles premios, incluyendo Película, Dirección y Guión, seguida de cerca por Disforia, de Christopher Cartagena; El poder del silencio, de Saúl Pérez Ruano; Pequeños calvarios, de Javier Polo, y Azul de niño, de Raúl Guardans, con cinco cada una.
En la terna por Mejor Película, y también Dirección y Guión, estará también el documental Esto no es Hollywood, de Nere Falagan y Jone Ibarretxe.
La Gala Virtual de entrega de premios de los Blogos de Oro 2026 se celebrará el próximo sábado 7 de febrero de 2026 a partir de las 17:00 a través de las diferentes cuentas oficiales de los @BlogosDeOro en redes: X, Facebook e Instagram.
Nominaciones a los Blogos de Oro 2026
Mejor Actor de reparto
Ferran Vilajosana por Disforia
Javier Botet por Historias de Halloween
Mario Mayo por Luger
Tony Corvillo por Azul de niño
Vito Sanz por Pequeños calvarios
Mejor Actriz de reparto
Aída Folch por Historia de Halloween
Ana Turpin por Luger
Claudia Salas por Disforia
Marta Belenguer por Pequeños calvarios
Meritxell Huertas por Azul de niño
Mejor Actor principal
David Marcé por SinÉl
David Sainz por Luger
Iván Villanueva por Santa Zeta
Javier Chueca por El poder del silencio
Raúl Guardans por Azul de niño
Mejor Actriz principal
Eva de Luis por Azul de niño
Fariba Sheikhan por Disforia
Nekane Otxoa por Santa Zeta
Nuria Santos por El poder del silencio
Sandra Escacena por La casa en el árbol
Mejor Guion
Bruno Martín y Santiago Taboada por Luger
Enric Pardo, David Pascual y Guillermo Guerrero por Pequeños Calvarios
Nere Falagan, Jone Ibarretxe, Javier Echániz por Esto no es Hollywood
Raúl Guardans por Azul de niño
Saúl Pérez Ruano por El poder del silencio
Mejor Dirección
Bruno Martín por Luger
Christopher Cartagena por Disforia
Javier Polo por Pequeños calvarios
Nere Falagan y Jone Ibarretxe por Esto no es Hollywood
Saúl Pérez Ruano por El poder del silencio
Mejor Cortometraje
893 Kilómetros, de Rubén Guindo Nova
Amira, de Javier Yañez
El cuerpo de Cristo, de Bea Lema
I walked through the wall, de Pablo Larcuen
La barraca, de Júlia Castaño
Ne me quitte pas, de Karim Huu Do
Pálpito, de Marisa Crespo y Moisés Romera
Pobre marciano, de Alex Rey
Póligono X, de Néstor López
Una cabeza en la pared, de Manuel Manrique
Mejor Película
Disforia, de Isabel G. Peralta, Pablo López Torres y Christopher Cartagena
El poder del silencio, de Saúl Pérez Ruano y Manuel Valenzuela Iglesias
Esto no es Hollywood, de Euskadi Movie S.L.
Luger, de José Luis Rancaño y Bruno Martín
Pequeños calvarios, de Javier Polo, Gerard Rodríguez, Borja Aracil, Guillermo Polo, Jorge Hernández y Frank Lucas
En una calurosa y eterna tarde en un barrio de Madrid, un dependiente de una tienda de alimentación, entre sueños y recuerdos de infancia, empieza a tener una premonición: la ciudad se está autodestruyendo. Es el hilo de ficción de Mitología de barrio, una rigurosa recolección de imágenes reales de las calles de la periferia de la capital que termina convirtiéndose en una misteriosa espiral apocalíptica. Después de ganar el Premio del Público en el Documenta Madrid, la película llegó a salas seleccionadas el pasado enero y ahora a Filmin.
Mitología de barrio es el resultado de un largo camino —o, mejor dicho, de muchos caminos— que empezó hace seis años. Fue entonces cuando Jorge Rojas, Antonio Llamas y Alejandro Pérez Castellanos, amigos desde su paso por la ECAM y reunidos, junto a otros, en el colectivo espírituescalera, decidieron recorrer y filmar, con un equipo mínimo, las calles de distintos barrios que rodean el centro de Madrid. En una entrevista conjunta para Cine con Ñ, Jorge Rojas explica que empezaron en las zonas que más conocían (Legazpi, Carabanchel), pero que pronto el proyecto «se fue expandiendo» a las calles de Orcasitas, Hortaleza o Fuencarral.
Alejandro Pérez Castellanos explica que empezaron a grabar por «un impulso casi archivístico, de generar un gran mapa de todos los barrios de la periferia de Madrid», aunque, aclara, «no desde la sociología o la arquitectura, sino a través de nuestro pensamiento del cine». Por eso, los tres cineastas se marcaron unas reglas muy precisas: rodar siempre en la misma franja horaria de la tarde y a través de planos muy generales en los que las personas se vieran empequeñecidas en comparación con los edificios que las rodeaban. La idea de fondo era, explica Antonio Llamas, conseguir imágenes «que simulasen o pudiesen recordar a la postal turística de lugares que nunca la tendrían».
La mitología de barrio: de la cartografía a la ficción
Mitología de barrio arranca precisamente con una de esas estampas de la ciudad para consumo externo, en unas secuencias de archivo de TVE que vuelan sobre el centro de Madrid. Una imágenes por Gran Vía o las Torres KIO que acaban por aterrizar en una tienda de barrio. Este concepto, explican los cineastas, también estuvo marcado desde que empezaron a caminar: «Lo archivístico, con esa forma de acotarlo, sale desde un ímpetu político también, de querer ver y sentir un estado de las cosas. En este caso de la ciudad o de los barrios», cuenta Pérez Castellanos.
Estas premisas conectaban con los relatos de leyenda a los que remite el título de la película: «La mitología sirve para explicar o contar elementos de la realidad a través de ficciones», dice Pérez Castellanos, que, sin embargo, cree que «de un tiempo a esta parte, la mitología ha sido apropiada por el cine o por las historias y desprendida de la realidad». Continúa: «Se pone la mirada sobre barrios como Orcasitas para romantizarlos, atacarlos o generar ideas que no tienen que ver con lo que en realidad hay dentro de ellos».
«No queríamos que la película fuese una denuncia social»
Llamar al proyecto —aún no película en aquel momento— Mitología de barrio les servía para «trasladar discursos más grandilocuentes a lugares que a priori parece que no les pertenecen», comenta Antonio Llamas. Pese a estas ideas de fondo, los tres directores tenían claro desde el inicio que no querían que la película tuviera un tono de «denuncia social», recalca Llamas. Aunque temas como la gentrificación o la crisis de la vivienda se cruzan en la lectura de sus imágenes documentales, el codirector aclara que están ahí «no porque nosotros los hayamos puesto, sino porque los lugares conectan a los espectadores con esa realidad».
Para ir más allá, los creadores de la película quisieron incluir desde el principio algunas situaciones ficcionadas, en las que distintas personas (encontradas por la calle, amigos o los propios responsables) lidian a su manera con un peligro invisible que les acecha. Es una «amenaza de guerra o de algo que estaba por encima de la gente que habitaba estos lugares y que no son capaces de localizar», dice Llamas, que cree que este primer germen narrativo les permitía hablar de «un territorio de gente que habita lugares que no controla, diseñados por otras personas».
Tendero profeta de «un apocalipsis de clase»
La ficción terminó por cruzarse en el camino de los directores y convertirse en un largometraje cuando se encontraron de casualidad a Jun Tang, el tendero protagonista. «Un día que estábamos por el barrio de Hortaleza», relata Rojas, «se nos acabó la pila del micrófono que llevábamos, y entramos en una tienda de alimentación a buscar más. Ahí nos encontramos al señor Tang, limpiando un instrumento musical tradicional chino». Y esa compra acabó derivando en la incorporación de este hombre y su tienda como ejes de la película. «Qué es más periferia y castizo o qué representa más un barrio que una tienda de alimentación», resume Pérez Castellanos.
Los directores se decidieron a escribir un guión a partir del material y de la incorporación interpretativa de Tang, que nunca había actuado frente a una cámara y que hablaba poco castellano por aquel entonces. Acompañado por elementos reales (su entorno, su biografía o su pasión por la música), su personaje (Qing Dao) va descubriendo en sueños que la ciudad está empezando a cambiar. Rojas define a este enigmático protagonista como «un enviado»: «En toda mitología siempre hay una figura que puede recibir un mensaje del pasado o del futuro. Algo que él sabe y que los demás no», explica el cineasta sobre este particular profeta/narrador.
En la película, Quin Dao percibe que el fin de Madrid, que se transforma al mismo tiempo que él también cambia, está cerca. Con la incorporación casual de situaciones extremas como la borrasca Filomena, Mitología de barrio acaba cogiendo tintes apocalípticos. En ese sentido, Pérez Castellanos define el filme «como ciencia ficción cercana» por tratar «algo que viene de dentro, de la realidad, como en ciertas películas de serie B de los 50». Sin extraterrestres ni naves espaciales, la película «es un apocalipsis de clase, que tiene que ver con el estancamiento de un sistema y no, por ejemplo, con un meteorito que cae a la tierra», explica el codirector.
Este halo del fin de los tiempos que puede sugerir la película, que se convierte en una dinámica cíclica entre la creación y destrucción, era una sensación buscada — «tuvimos incluso que descartar algunas secuencias por no ser demasiado obvios», recuerda Rojas—. La idea de fondo, y con la que los directores esperan conectar con el público que busca experiencias cinematográficas diferentes, era intentar no caer en «arquetipos como el costumbrismo o en tratar algo muy circunstancial», explica Llamas, que piensa que pensar en «un estado de las cosas que está colapsando» da pie a «un pensamiento más amplio» sobre estos espacios urbanos.
La directora adapta la comedia argentina del mismo título firmada en 2012 por Diego Kaplan y que también tiene una versión mexicana de 2022
Gracia Querejeta dirige 2+2, una comedia que sobre parejas en crisis, el desgaste de la rutina y las relaciones abiertas protagonizada por Diego Martín, Natalia Verbeke, Marta Hazas y el actor colombiano Sebastián Martínez en su primer papel en España. La película «invita al espectador a participar en el juego con una sencilla pero inquietante pregunta: ¿Hasta dónde estarías dispuesto a llegar por no perder a tu pareja?».
2+2 es el remake español de la comedia argentina del mismo título de 2012 de Diego Kaplan, que también tiene una versión mexicana de 2022 dirigida por Alfonso Pineda Ulloa.
La trama gira en torno a Adrián (Diego Martín) y Julieta (Natalia Verbeke), un matrimonio que, tras diecisiete años, parece modélico de cara a la galería, pero cuyas conversaciones privadas se asemejan más a un combate de boxeo. La monotonía se rompe cuando sus mejores amigos, Tomás (Sebastián Martínez) y Silvia (Marta Hazas), les confiesan durante una cena el secreto de su renovada felicidad: son swingers. Lo que comienza como una propuesta descabellada acaba convirtiéndose en una oportunidad —o un riesgo mortal— para reavivar la chispa de Adrián y Julieta.
Gracia Querejeta aborda esta historia reflexionando sobre los pilares que sostienen las relaciones largas: «¿Es posible mantener viva la pasión? ¿Es suficiente el amor para mantener unida a una pareja? ¿Dónde está el límite?», se pregunta la directora.
«Estamos ante una historia de un claro protagonista y tres roles que se mueven al vaivén de sus emociones», ha explicado. «El orden frente al caos, la rutina frente a la diversión. El yin y el yang de la vida se dan la mano en esta comedia donde los personajes acaban enfrentándose a sus propias contradicciones», concluye Querejeta.
2+2, producida por La Pirueta Films, Sygnatia y La pirueta2mas2 AIE, ha completado su rodaje tras seis semanas de trabajo en diversas localizaciones de Pamplona y Madrid. Cuenta con la participación de Prime Video y A Punt Media y con la financiación del ICAA.
Sinopsis de 2+2
Adrián y Julieta son un matrimonio modélico… en apariencia.
Él, cirujano plástico de prestigio y de ego inflamable; ella, presentadora del tiempo que lleva años prediciendo tormentas emocionales en casa. Después de diecisiete años juntos, sus conversaciones se parecen más a un combate de boxeo que a una cita romántica.
Hasta que una cena con sus mejores amigos, Tomás y Silvia, cambia las reglas del juego. Ellos anuncian, con una copa de vino y una sonrisa iluminada, que son swingers: intercambian parejas y son más felices que nunca.
Entre el escepticismo de Adrián y la curiosidad peligrosa de Julieta, la idea empieza a revolotear como una mosca en plena comida. Lo que al principio parece una locura inmoral se convierte en una oportunidad inesperada para reanimar la chispa (o provocar un cortocircuito).
Con diálogos tan afilados como bisturís, personajes que se aman, se odian y se necesitan al mismo tiempo, y situaciones donde la dignidad se deja en la puerta, 2+2 se pregunta si mantener vivo el deseo en pareja puede ser la operación más arriesgada en la que hasta se pueden perder los amigos más íntimos.
La carrera de Alexia Putellas ya fue reflejada en los documentales 'Alexia. Labor Omnia Vincit' (2022) y '#SeAcabó: Diario de las campeonas' (2024), ambos de Joanna Pardos y este último ganador del Emmy Internacional
La vida de Alexia Putellas, la futbolista estrella del FC Barcelona y la Selección Española, se convertirá en un largometraje de ficción dirigido por Lucía Alemany (Mari(dos), Pídeme lo que quieras) y que se rodará en 2026. Será la segunda ocasión en que la carrera de la doble ganadora del Balón de Oro se lleve al audiovisual, después de Alexia, Labor Omnia Vincit (2022), de Joanna Pardos, quien también firmó #SeAcabó: Diario de las campeonas, largometraje documental ganador del Emmy Internacional.
Poco más se conoce de este futuro biopic del que de momento no existe reparto. El guion correrá de la mano de Valentina Viso (Esto no es Suecia, No me gusta conducir) y Daniel González (Mamen Mayo, La mujer dormida, Donde caben dos).
El anuncio explica que Alexia «será un largometraje de ficción que durará alrededor de 90 minutos y que contará la historia de una niña apasionada por el fútbol que desafía las barreras de género y las dificultades económicas para cumplir su sueño de ser futbolista profesional, enfrentándose a la discriminación y a la dura realidad del deporte femenino».
La película tiene previsto su estreno en 2027 y contará con un presupuesto aproximado de tres millones de euros. Alexia estará producida por LaCima Producciones, Lazona Films y You First Originals (la agencia que representa a la futbolista y productora de su docuserie y de #SeAcabó: Diario de las campeonas), con la colaboración de Movistar Plus+ y el apoyo del Instituto Catalán de las Empresas Culturales (ICEC).
Alexia y el cine sobre deporte
El título sobre Alexia Putellas se une a la ficción basada en hechos reales del fútbol femenino español Pioneras: solo querían jugar, largometraje dirigido por Marta Díaz de Lope Díaz (Mi querida cofradía, Los buenos modales) y escrito por esta y Zebina Guerra (Mi querida cofradía, Los buenos modales). La historia de la primera selección española femenina de fútbol en los años 70 y que cuenta en su reparto con Sofía de Iznájar, Bruna Lucadamo, Daniel Ibáñez, Aixa Villagrán, Elena Irureta, José Troncoso y Jordi Sánchez, entre otros.
Esta película coincidirá el año que viene en los cines españoles con Karateka, de Aritz Moreno, el biopic de la campeona olímpica en Tokio 2020, Sandra Sánchez. Andrea Ros interpreta a la protagonista y Patrick Criado a Jesús del Moral, su entrenador, a partir de un guion de David B. Gil, Javier Gullón y Pablo Tobías, en una historia que se ha rodado entre España y Japón.
También prevista para 2026, aunque sin que esté clara su fecha de estreno, se encuentra La Roja, nuevo proyecto de Marcel Barrena tras El 47 (2024), que repite con Alberto Marini al guion. La historia de la selección española de críquet que logró dos bronces en los europeos de 2022 y 2023, formada casi por completo por jugadores de origen indio o paquistaní, y que contará con Paco León en su reparto.
Son títulos que siguen la estela 42 segundos (2022), de Dani de la Orden y Álex Murrull, sobre la selección olímpica de waterpolo de los 90 y su plata en Barcelona’92, o la más reciente El Gran Salto (2024), serie sobre Gervasio Deferr con Óscar Casas en el papel del gimnasta.
Un intenso thriller psicológico. dirigido con cuidado, pero también estancado en un planteamiento que se agota demasiado rápido
Elsa (Estér Expósito) tiene el talento de tocar el violonchelo. Aunque está a una sola prueba de ser aceptada en un prestigioso conservatorio, decide darse una tregua en su preparación para ir al lujoso cumpleaños de una amiga (Mirela Balic). Pero lo que iba a ser una jornada de celebración y felicidad se convierte en toda una encrucijada: o acepta una vergonzosa oferta del padre de su amiga (Pedro Casablanc) o su familia y su brillante futuro estarán en peligro.
Polo Menárguez, que estrenó en 2019 la interesante El plan, vuelve a dirigir una película de ficción. Lo hace de la mano de Fernando León de Aranoa, que ha confiado en su evidente talento como para producir y coescribir con él esta revisión para nuestros tiempos de La señorita Else (1924), novela de Arthur Schniztler —que inspiró con otra de sus novelas Eyes Wide Shut (1999)— construida desde el monólogo interior de una joven en la decadente burguesía austrohúngara.
En El talento, la encrucijada de la novela de Shchnitzler se convierte en material para un thriller psicológico, que va escalando y estrechando sus tiempos para acercarse a una joven que tiene que decidir entre mantener su dignidad como persona o posiblemente hundir su carrera profesional y la vida de su familia. Y, pese al esmero que le pone Menárguez, esa diatriba de desclasamiento se queda un poco corta.
El problema principal de El talento es que el núcleo del dilema de su protagonista, sobre el que se sostiene la propia película, no aguanta todo lo que se le echa encima. Sobre todo porque se sostiene en torno a una tensión argumental que, una vez presentado el dilema y sus implicaciones, pasa una y otra vez por las mismas sensaciones cinematográficas, aguantadas por la expectativa morbosa del espectador — por cierto, aguantada a su vez por lo mismo que te están diciendo que no es bueno (sexualización de las mujeres, la impunidad de las élites)—.
No ayuda a darle más matices la interpretación de una hiperprotagonista Ester Expósito, a la cual se le están dando varias y grandes oportunidades en cine (Venus, El llanto) y no las está terminando de aprovechar. Pese a que encaja perfectamente en el papel, su forma de abordarlo se estanca rápido, sin darle ningún matiz que no nos esté señalando ya Menárguez desde la dirección —otro añadido: su excompañero en Élite, Jaime Lorente, tendría algo que decirle sobre la «lágrima en seco»—.
Es posible que esta novela no fuese la mejor base para convertirse en película. La señorita Else funciona precisamente porque no está definida solo desde la disyuntiva a la que se enfrenta la protagonista, sino que este problema se dispara desde un «flujo de consciencia», de pensamientos. Seguimos la cabeza de Else saltando de un tema a otro, pensando, repensando, escapándose y recorriendo distintas emociones en cuestión de segundos, yendo desde la descripción precisa hasta la fantasía más absoluta. Algo prácticamente imposible de hacer en cine.
Menárguez y León de Aranoa han pensado, legítimamente, que el punto central de la novela conectaba con ciertas claves del feminismo contemporáneo y, en la línea del Aranoa de El buen patrón (2021), en la lucha de clases. Por eso se han decidido a actualizarlo, reforzando el peso del dilema (a diferencia que en la novela, no es solo la familia lo que está en juego) y cambiando su destino final. Es pertinente, pero no añade nada nuevo a la reflexión sobre la reapropiación de las mujeres de sus propios cuerpos como para que lo estéril del planteamiento valga la pena.
Al final, lo que queda de El talento es una película sostenida por la vehemencia y precisión sensorial de su director, un Polo Menárguez que demuestra que la mano que se veía en El plan no era una casualidad. Es lo que salva a la película de ser un thriller psicológico del montón, lastrada por un punto central que se agota a mitad de camino.
La crisis de asistencia al cine y movimientos como la compra de Warner por Netflix amenazan a un sector de la exhibición atrapado entre la falta de soluciones claras y el cambio de hábitos de consumo
Cada vez menos gente va a las salas de cine en España, a ver lo que sea. 2025 ha sido el año en el que definitivamente los superhéroes dejaron de copar la taquilla, con apenas los dinosaurios de Jurassic World: El Renacer y algunas películas familiares como Lilo&Stitch y Zootopía 2, más el fenómeno de La película de Minecraft y el de la reciente Avatar: Fuego y ceniza, tiraron de la taquilla. El cine español saca pecho de haberse mantenido en cifras muy similares a las del año pasado, lo que le ha permitido incrementar ligeramente su cuota de pantalla.
Entre los nubarrones a futuro, la compra de Warner, el estudio que más gente llevó a los cines en este año que acaba, bien por Paramount, bien por Netflix y su consabida política de muy estrechas ventanas para pasar por la sala. Y luego, alguna estadística incontestable: en 2024 cada español fue al cine 1,5 veces de media, según el Anuario de la SGAE. Sin embargo, el 15% de la población ve filmes en casa diariamente y el 60,7% al menos una vez por semana, según la Encuesta de Hábitos y Prácticas del Ministerio de Cultura.
«La experiencia con Disney–Fox demostró consecuencias derivadas de una mayor concentración, racionalización y menor diversidad de títulos en salas, a lo cual se añaden ahora factores vinculados alstreaming, todo ello con impacto en los estrenos en cines», señala Almudena Fernández-Golfín, directora general de la Federación de Cines de España (FECE). Aunque afirma que «vemos también oportunidades: abre una ventana para que el cine europeo e independiente ganen espacio, consolidando una tendencia al alza».
La selección de películas del año de Cine con Ñ, con una variedad de títulos más híbrida y menos marcada, con la juventud como principal inspiración
Hora de recapitular y seleccionar lo más destacado del año con la lista de las mejores películas españolas de 2025. Una selección que solidifica la tendencia del 2024, con una gran variedad de títulos, pero con una diversidad más fluida: se han impuesto formatos, modelos de representación y géneros híbridos, con toques de fuga al naturalismo pero también apoyándose en él. La no ficción sigue empujando como espacio de libertad, mientras que emerge la juventud y sus tránsitos como inspiración.
La tarea subjetiva de elegir las mejores películas españolas de todo un curso —estrenadas en cines entre el 1 de enero y el 31 de diciembre— es cada vez más grande, difícil y, obligatoriamente, menos representativa en un estado en el que se producen el doble de largometrajes que hace una década (según fuentes oficiales, más de 350 largometrajes por curso). El ‘cine español’, como significante general, es cada vez más esquivo.
Ver, ponderar y elegir se ha vuelto un camino de renuncias que este medio especializado camina por la utilidad de descubrir otras maneras de entender el cine y valorar novedades bienvenidas en el panorama nacional. El capítulo de ausencias, inmerecidas por distintas y variadas razones, es largo: Golpes, Los Tigres, Ariel, Olivia y el terremoto invisible, Decorado, Balearic, Un hombre libre, Singular, Mi amiga Eva y otras tantas podrían haber estado. Aunque la no inclusión más llamativa sea la de una película que está haciendo historia y ha estado en las listas de medio mundo.
Las mejores películas españolas de 2025
20. LA CENA
Una de enredo, entre la negrura y la burla directa del franquismo, que parece de otra época en el cine español. Una en la que existía una comedia con voluntad comercial que se hacía desde unos códigos propios y con una cierta atención por el ritmo interno, el espacio dentro del plano y la simetría para la colocación del chiste. Quizá hace un tiempo esta misma película no se habría colado en una lista de mejores películas españolas del año, pero la sensación de ‘agua en el desierto’ hace el resto.
Las calles de la periferia madrileña son postales turísticas imposibles en una ciudad que se está autodestruyendo. Es el apocalipsis de clase, entre el documental callejero y la ciencia ficción de proximidad, que plantean Jorge Rojas, Antonio Llamas y Alejandro Pérez Castellanos, del colectivo espírituescalera. Una película llena de ideas originales para repensar nuestros espacios urbanos y la compañera perfecta de la sinfónica Madrid Ext. para un programa doble para visibilizar ese ‘otro’ Madrid.
Una de las películas españolas más celebradas del curso. Eva Libertad ha hecho una respetuosa simbiosis, nítida pero a cierta distancia, con las circunstancias de su personaje principal, una mujer sorda que es madre en un mundo oyente. Comandada por la vulnerabilidad de Miriam Garlo, que ha encontrado su contrapunto ideal en Álvaro Cervantes, Sorda es una película horizontal y suave, que invita a ‘desjerarquizar’ la comunicación.
La particular y original visión de la tauromaquia de Albert Serra, ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Un documental embelesado por la dimensión estética del validado rito circense, que encuentra sus mejores imágenes en el ritual de preparación y mitificación de la figura masculina del torero. A Serra le fascina la mirada brava y el cuerpo en movimiento de Andrés Roca Rey, y aquí encuentra su principal razón de ser.
Película dividida en distintos y sencillos relatos existenciales. Santi Amodeo se vuelve a desmarcar de cualquier tendencia con esta viñetesca y encantadora película sobre cómo afrontar la muerte, un campo abierto a la reflexión a partir de una serie de pinceladas, ideas casi más vinculadas a un orden natural que a lanzar mensajes concretos. Tiene ese toque humano y marciano más que bienvenido en estos tiempos de literalidad.
Documental que cuenta y rehace el viaje que hizo un colectivo de acción política y cultural italiano (Cantacronache) en 1961 para grabar en la clandestinidad canciones populares de la resistencia al franquismo por toda España. Pablo Gil Rituerto ha hecho esta película documental que cuenta una historia musical apasionante y que, además, acierta en su puente con el pasado. Algunas de sus secuencias musicales están entre lo más poderoso del año.
Hay una fina línea entre representar con verdad a una comunidad y un lugar históricamente estigmatizados —a ese ‘otro’ impuesto desde fuera— y, al mismo tiempo, permitir que las imágenes respiren, se eleven, encuentren un pulso propio. Es la que recorre Guillermo Galoe en Ciudad sin sueño, una película que se mete de lleno en la Cañada Real para acercarse a la encrucijada vital de un adolescente que asiste al desajuste progresivo entre el mundo en el que ha crecido y aquel al que, quiera o no, deberá incorporarse.
Después de La hija de un ladrón (2019), Belén Funes sigue uniendo el hilo entre lo íntimo y lo político. El diagnóstico de Funes y Marçal Cebrian en el guión une un duelo y una complicada relación madre-hija con la idea de que los problemas del campo o la ciudad hacen más difíciles las vidas de los mismos: la clase trabajadora. La película mantiene siempre una esencia turbulenta y, por lo tanto, valiosa, tanto en el drama individual como en el social.
Honores al drama histórico de Celia Rico que, en su atención por el detalle y su respeto al contexto de la época, nos traslada de una forma precisa a la vida de muchas mujeres españolas durante la posguerra. Esta cosmovisión está sintetizada en el rostro caligráfico de Loreto Mauleón que, junto a Patricia López Arnaiz (Los domingos) y Ángela Cervantes (La furia), hace una de las interpretaciones del año en el cine español. Una producción que, por delicada y sin estridencias, no merece ser ninguneada entre las mejores películas españolas de 2025.
El misterio oculto del cine español de este año va por debajo del nivel del mar. Ingrid García-Jonnson es una asesina a sueldo y un ser entre dos mundos en medio de una batalla entre contrabandistas por el control de un puerto. Es la vía de entrada al mundo particular entre el neo-noir, el terror y el cine de mafiosos que ha creado Pablo Hernando en una Bilbao que parece post-soviética. La película encuentra su poesía en la belleza de lo oscuro y lo perverso: los monstruos a los que se traga la profundidad del océano viven entre nosotros.
El cine español sobre la Transición, uno de los períodos históricos más revisitados en los últimos tiempos, necesitaba una película como esta. La ópera prima de Irati Gorostidi, que recupera la historia real de lo que se vivió en la comunidad tántrica Arco Iris, recoge el tránsito emotivo que fue de la ilusión de cambio social al desencanto durante aquellos años. Y lo hace de una forma distinta, saliéndose de las imágenes preconcebidas que tenemos de esos años. A la vez, especialmente a través de secuencias físicas difíciles de olvidar, nos conecta con nuestra propia crisis de época.
El cine de Avelina Prat ( directora de Vasil (2022), que ya estuvo entre lo mejor de aquel año) es suave, transparente y clarividente. Lo vuelve a demostrar en Una quinta portuguesa, película en la que Manolo Solo se convierte en un anodino profesor de geografía que, tras ser abandonado por su mujer, decide suplantar la identidad de un jardinero en Portugal. Con empatía y sin estridencias, Prat orquesta una película hábil. Hace un buen programa doble con la película que sigue en la lista.
La interpretación masculina para todos los premios es la de José Ramón Soroiz como un hombre que, tras haber dado un vuelco a su vida, entra en una residencia de ancianos y decide no contarle a nadie que es gay. Los Moriarti (aquí, Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi), responsables de títulos como Loreak (2014), La trinchera infinita (2017) o Marco (2024), vuelven a sus orígenes con este interesante estudio de personaje en el que vuelven a plantear el ocultamiento como refugio y condena. Mientras miras, te arriesgas también a ser visto.
Este año se han estrenado en cines varios documentales que reivindican, cada uno a su manera, a grandes cineastas españoles (Borau y el cine, Eloy de la Iglesia: adicto al cine,El último arrebato), pero lo que hace Caja de resistencia es especial. La historia de Fernando Ruiz Vergara, para siempre director de la impactante Rocío (1980), es una de censura e intentos fracasados de crear nuevas imágenes. Con el compromiso y la dolorosa derrota de los proyectos de Ruiz Vergara, que nunca más volvió a dirigir una película, Concha Barquero y Alejandro Alvarado buscan formas de desvelar un pasado a no olvidar y un presente a agitar.
Carla Simón cierra su trilogía sobre la familia trasAlcarrás (2022) y Verano 1993 (2017). Lo hace dejándose llevar por la mirada de incomprensión de una joven que no sabe cómo reconstruir el rastro que dejaron sus padres, víctimas de la heroína en los años 80. En ese sentido, Romería es una película inclemente pero también liberada, con Simón quitándose la necesidad de buscar la empatía a través de sus personajes y saliéndose de las líneas que marca el naturalismo. De formas francesas y corazón gallego, hay una salida poética que confirma a una directora que está marcando su propio camino.
La mejor película española de no ficción del año es la de Adrián Orr (Niñato). A nuestros amigos sigue la vida de Sara Toledo, una joven de la perifera de Madrid que ve cómo su vida de siempre empieza a cambiar cuando llega a la universidad. El impulso de la mayoría de edad a estrenar, las ganas de comerse el mundo, lo que se va dejando por el camino y lo que tiene que permanecer. Podría ser la segunda parte de la maravillosa Quién lo impide (2021), pero esta vez con conciencia de clase. Irse del barrio sin que el barrio salga de ti.
En un tiempo donde parece que la IA nos va quitando espacio para imaginar, Nacho Vigalondo —que hace doblete con cine y series del año— nos recuerda que el capitalismo tech nunca va a poder controlar (o no del todo) lo que soñamos. La ficción es aún un campo de juego abierto en esta historia sobre la posibilidad de negarnos el duelo. Puede que Daniela forever no se acerque a la meditada perfección, pero quizá por eso es la película más viva y gozosa de esta lista.
Decía Kierkegaard que la fe «es la única fuerza capaz de vencer al porvenir». En la película española que más conversación ha generado este año —con permiso de Sirât—, Alauda Ruiz de Azúa (Cinco lobitos) se pregunta si hay algún otro amor, aparte del divino, que pueda darnos seguridad hacia el futuro. Película de terror o fiel retrato; crítica o conservadora; todo parece caber en la lectura de Los domingos, lo cual dice mucho de la mirada de su directora, que ha venido al cine español para quedarse, pero aún más de nosotros mismos como espectadores.
Quizá por ser mayoritariamente de producción francesa o por la pérdida de favor que ha recibido su director con la decepcionante —y mal promocionada— Girasoles silvestres (2022), la nueva y fantástica película de todo un ganador del Goya como Jaime Rosales no ha tenido casi eco en España. Es una película romántica y llena de ideas atrevidas sobre amores juveniles en una ciudad de provincias (Morlaix). ¿Cómo darle un sentido a tu vida en un lugar que parece no tenerlo? Entre el amor y la muerte, Rosales se da una nueva oportunidad en el cine.
Una ópera prima lidera la lista de las mejores películas españolas de 2025. Es la de Jaume Claret Muxart, que utiliza un marco reconocible (el coming-of-age veraniego de un adolescente junto a su familia) para superarlo, buscando el misterio que hay detrás del primer deseo. Todo está en los ojos de Jan Monter, extensiones azules de un agua que es portal para un tiempo nuevo, también para el cine español. Estrany riu es aire fresco.
Ruido es la historia de Lati, una joven barcelonesa de origen maliense que se refugia en el rap para superar la muerte de su padre y que quiere triunfar en el mundo de las batallas freestyle. Lo que pasa que no es nada fácil cuando se es mujer y negra como ella y además tiene que ayudar a su madre con su hermana pequeña y seguir estudiando su módulo de higienista dental. Eso sí, cuando se convierte en alumna de Judy, una rapera que lo fue todo pero ahora solo se dedica a dar clases, un nuevo mundo se abrirá para ella. Con sus rimas bien engrasadas y el nombre de La Tiniebla, ahora solo le quedará superar dos enemigos: su propio miedo y el rechazo de su madre a esa carrera.
Estrenada en Sección Oficial en el Festival de Málaga, Ruido es una nueva ópera prima de una directora joven (Ingride Santos) que trata sobre el duelo y el desarraigo. La novedad en este caso, aparte de la ambientación en el mundillo particular de la música urbana y que coproduzca Filmin, que se prodiga poco pero cuando aparece bendiciendo un Original siempre tienen algo, es que busca explícitamente a un público joven o muy joven, y que se entiende que habitualmente no pisa el cine. Por un lado, por sus protagonistas, dos raperas actrices no profesionales. Luego, por su forma, entre el comercial clásico y la mimesis de los modos y maneras de las redes sociales.
La trama de Ruido, no obstante, no puede ser más clásica, casi de película deportiva al estilo de Kárate Kid (1984), de John G. Avildsen. La comparación no la hago gratis, y menos para quien ande revisitando Cobra Kai (2018-2025) completa: al parecer las competiciones de freestyle consisten en hacerse bullying hasta que uno de los dos contrincantes acaba en posición fetal llamando a su mamá o el público aclama al ganador. El esquema puede ser de eliminatorias a lo Mundial de Fútbol y cada ciudad tiene sus estilos y modismos, en esta película contrastando los de Barcelona y Ciudad de México (que para algo es coproducción).
Dar ruido, pulir ruido
Santos no se complica y tira de clichés, visuales o narrativos, en historias de superación y coming-of-age. Que si la madre que lo desaprueba, que si la chaqueta del padre muerto que también quiso ser músico como bautizo y equilibrio de la nueva personalidad de Latifa (Latifa Drame, la actriz se llama así, aunque sirva de guiño a Queen Latifah), que si las pruebas absurdas de Judith (Judith Álvarez) que luego resulta que otorgan habilidades nuevas como si estos fuese un episodio de Bola de Dragón y la protagonista el mismísimo Son Goku. Todo muy de manual pero con ritmo adecuado y no pidiéndole a las protagonistas amateur registros que no pueden dar.
El que suscribe vio Ruido en su pase de prensa en el Festival de Málaga, entre un señor mayor al que había que chistarle para que dejase de mirar el móvil, el muy maleducado, y una chavala de la edad de las actrices que disfrutaba cada giro dramático con intensidad, celebrando los insultos ingeniosos y rimados de La Tiniebla como si fuesen goles por la escuadra. Obviamente la segunda actitud es como hay que vivir la sala de cine, y la joven debía encajar en el perfil del público objetivo de Ruido. Que luego vaya a partir la pana, lo desconozco, pero busca valores que emocionan a gente que no soy yo, eso ya se lo digo.
Con esto quiero decir que el planteamiento de Ruido es, sin más, el de ser una historia de superación que hemos visto mil veces en entornos más originales, como una panda de jamaicanos en un trineo de bobsleigh, pero que al final van de lo mismo: ver orgullo, ver poder y ver a la hija de dos malienses que no aguanta las vaciladas de ningún rapero. O lo que sea. La parte de cómo ella equilibra sus dos identidades, digamos, barcelonesa urbanita laica con la de descendiente de africanos musulmanes, está más o menos bien llevada, sin restregarla ni dramatismos innecesarios.
La música del Imperio
Porque claro, el mensaje de Ruido no es ni catalán, ni maliense, ni latino. Es yanqui 100% puro, con el toquecito protestante de que te pasan cosas buenas cuando equilibras pecados y virtudes en laico, es decir, psicologizado y modernizado a que cuando unes tu identidad diversa de migrante te conviertes en la mejor versión de ti mismo/a y lo petas en la vida. Aunque muestren a Lati practicando cual estajanovista que lo tiene complicado para vivir de la cultura porque es de familia pobre, no es esa disciplina de monje guerrero la que le da el flow, sino la identidad integrada y la seguridad en una misma. Un camino a la inversa de pensamiento mágico y narcisismo, facilón y comercial.
Por ahí se diluyen algunas cosas más originales o menos tontorronas de Ruido, como cuando se conecta la vocación de Lati con la tradición de los griots, una especie de bardos de la tradición medieval maliense que se encargaban de comunicar a vivos y muertos a través de la música. O cuando Judith la lleva al metro y la obliga a cantar sobre lo que ve y dejarse de zarandajas de bandas y pistolas Glock, recordándole que vive en Barcelona y no en el puñetero Chicago.
En fin, que sin tirar el micro ni nada: Ruido funciona, porque está hecha con plantilla y no quiere abusar de sus actrices amateur (el drama gordo se lo come Asaari Bibang, que hace de la madre de Lati y lo clava). Pero es más o menos lo mismo de siempre, con todo lo bueno y todo lo malo que ello conlleva. Obviamente suena mejor hacer la típica fábula de éxito neoliberal con mensaje antirracista, feminista y etcétera. Pero de últimas uno podría pensar que qué más da el maquillaje que le pongas, si a la larga el resultado a va a ser el mismo.
Desde los flashbacks de Adolfo Suárez al debut de Masiel en Eurovision y la nostalgia del torero con miedo a la muerte, unos pocos episodios han elevado a sus series en este año
¿Tiene sentido una lista de los 10 mejores episodios de series españolas de 2025? El ‘ritmo machete’ de Netflix ha hecho que en muchas series se pierda la conciencia del episodio. Una unidad narrativa en mitad de una cadena más grande con un propósito en ese río. En los seriales diarios, no avanzar nada más que un poquito. En los thrillers clónicos, marear la perdiz. Y en los casos de un conjunto que funciona, no deberían valer más que la suma de sus partes. Pero, a veces, sí. Y otras, explican perfectamente por ese todo es armonioso.
El año pasado se nos quedó pendiente destacar, precisamente, los episodios clave, los que se habían elevado sobre sus propias series o las habían colocado en lo más alto. Fue, sobre todo, no poder destacar el magnífico 1×03 de Querer(2024) —sí, el del juicio, el que Bob Pop no dejó de mencionar en la gala de los Feroz— lo que dejó a este redactor con una cuenta pendiente que salda con un año de retraso.
No coincide exactamente con nuestra lista de las10 mejores series españolas de 2025, aunque obviamente muchas repiten. No quiere decir que el resto de episodios sean malos, o peores, porque, como todas, es una lista subjetiva. Así que, una vez más. No están todos los que son, pero sin duda son todos los que están.
LOS 10 MEJORES EPISODIOS DE SERIES ESPAÑOLAS DE 2025
10. ENA 1×01: ‘Bodas de sangre’
El episodio que te viene a contar que hay formas y maneras de contar la Historia. Anaïs Pareto dirige este juego de espejos con la María Antonieta (2006), de Sofía Coppola en el que un pastel de bodas, el primero de un casamiento real en España, se guiña el ojo con el asesinato sin resolver de Mateo Morral, un anarquista que quiso ser un héroe del pueblo y solo fue un idiota.
9. ENTREPRENEURS 1×02: ‘Zona de Confort’
La serie de los Pantomima Full no está muy lejos de uno de sus vídeos habituales: cada personaje es una parodia en el delicado equilibrio entre lo extremo y lo reconocible. Va perdiendo fuelle conforme avanza, pero este episodio, uno de los dirigidos por el mismísimo Álex de la Iglesia, ya desbarata a sus posturetas protagonistas para lo que resta. Un asalariado visita el coworkingy los autónomos y emprendedores con mentalidad de tiburón flipan tanto que todos intentan echar el curriculum en su empresa. Datos, no opiniones.
8. PUBERTAT 1×02: ‘La duda’
En la serie de Leticia Dolera, la comunidad a la que pertenecen los niños es tan protagonista como ellos, y su armonía se expresa a través de la de la colla castellera de la que forman parte. Cuando esa comunicación, es confianza, se rompe, el castillo se cae. Por si no quedase bastante claro, la directora antes ha desmontado a su propio personaje, en el que proyecta sus propias dudas como activista feminista, pillada en una charla divulgativa sin información suficiente para contar a los demás qué es exactamente el consentimiento.
7. ANATOMÍA DE UN INSTANTE 1×01: ‘Un falangista de provincias’
Aunque parezca que la clave está en el episodio 4, ‘Todos los golpes del golpe’, la serie, y lo que tenga que decir sobre España, están en este. Adolfo Suárez era un trepa sin ideales, un jeta, un chisgarabís, un bailarín de verbena de pueblo… pero hizo lo que había que hacer, el día adecuado y en el momento justo. El equilibrio entre el cinismo y el peso exacto de las cosas está en el montaje de este episodio, con su recurrencia: a cada giro, un recuerdo de Adolfo diciendo ‘¡Arriba España!’.
6. LA CANCIÓN 1×03: ‘La gala’
El de Eurovisión en sí, que para eso habíamos venido. Si tiene algún mérito La canción es que cuando llega el momento en que Carolina Yuste interpreta el La, la, la… te olvidas de que no se parece a Masiel, de que Franco era un dictador sanguinario y no un simpático vejete que tarareaba viendo la tele, de que el concurso era una chufla política mucho antes de Israel… La canción funciona dentro de La canción como les ocurre a los personajes de Patrick Criado y Eneko Sagardoy. La votación ya es lo de menos.
5. LA SUERTE 1×05: ‘Penúltimo’
Pablo Guerrero firma este paseo por la esencia de quién es El Maestro cuando el personaje ya le ha robado el protagonismo a David, el opositor que se saca unas perras al taxi de Ricardo Gómez. La serie tampoco le pierde la cara a la comedia, regalándonos el encuentro entre el padre del protagonista y la cuadrilla. Pero lo importante es el aire de nostalgia, de despedida, de reflexión sobre la edad y el tiempo que se escapa, ejemplificado por un torero y un toro al que perdonó hace tanto que ya ni lo tiene claro.
4. SU MAJESTAD 1×04: ‘Dúplex’
Nunca sabremos cómo le habría ido a una macarrada tan de actualidad como Su Majestad estrenando semana a semana. Este episodio es otro nivel, y el ritmo machete hace que se pierda su magia. La ficticia infanta Pilar, sustituyendo a su padre, inaugura el año judicial y se lleva a los jueces del Tribunal Supremo de farra a uno de los pisitos de su padre, Alfonso XIV. Además del despiporre y el cinismo, es el episodio donde a la protagonista se empieza a caer del guindo y evolucionar hacia lo que será al final de la serie.
3. FURIA 1×01: ‘Marga y Tina’
Si quieres ver cómo se hace presentación del tono y los temas de una serie, no tienes más que verte el primer episodio de Furia, aunque el 1×02, ‘Nat’, también habría valido. Carmen Machi, Alberto San Juan y Claudia Salas se entregan al esperpento más desaforado de la mano de Félix Sabroso para contarnos que los ricos no es que también lloren, es que son gente horrible con la que hay que liarse a tiros (metafóricamente).
2. SUPERESTAR 1×02: ‘El extraño caso del doctor Leonardo y míster Dantés’
Claudia Costafreda firma una pequeña joya de la historia de la televisión en España. Sí, el anterior, protagonizado por Margarita Seisdedos, ya te avisa de que Superestarha venido a dar dignidad a los rechazados, pero esto es otro nivel. El cariño, respeto y admiración hacia Leonardo Dantés, reivindicado como el compositor de éxito que la telebasura apisonó, es una reflexión sobre el arte, la fama y los lugares donde aparece el verdadero yo digno del arte de mayor calado. Y pocos premios le van a dar a Secun de la Rosa.
1. LA SUERTE 1×04: ‘La por’
La por, el miedo, sobre el que El Maestro reflexiona para el documental que se rueda en color, mientras el resto del episodio saca petróleo del blanco y negro y los 3:4 a través del rostro de Óscar Jaenada. Uno de los episodios donde el mundo del torero y el de David más contrastan y mejor se entienden, Paco Plaza coquetea con una representación taurina más tradicional —incluyendo guiños a Juncal (1984)— y ya observamos al taxista como uno más de la cuadrilla, gracias a ese momento tan sencillo del ‘¿y quién es Susana?’.
La navidad de Sofía no puede ser peor: una ruptura inesperada, convivir con su familia y estar atrapada en tópicos romántico-navideños. Su único consuelo lo encuentra en Marina, con quien parece tener una conexión muy especial. Todo sería idílico, si no fuera porque Marina es la novia de su hermano. El típico narrador navideño seguirá a Sofía en esta historia de autodescubrimiento y romance encubierto. ¿Serán unas felices navidades para Sofía y Marina?
Lo que tienes que saber
Primera serie vertical original de Flooxer, el canal joven de atresplayer, contará con 54 episodios que se estrenarán todos a la vez. Un microdrama navideño.
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