Fernández Armero combina el misterio de la novela juvenil clásica con el humor funerario al estilo Addams, apoyándose en una buena pareja protagonista
Los Muértimer son en realidad los Mortimer, una familia con una funeraria de pueblo a la que llega Gabrielle (Iratxe Emparan), una estudiante francesa de intercambio. Pronto hace buenas migas con Nico (Diego Montilla), el hijo único de los Mortimer, al que hacen bullying en el colegio. En el momento en el que los dos descubren un cadáver y unas joyas robadas en el cementerio, las cosas se pondrán cada vez más raras en el colegio.
Álvaro Fernández Armero (Ocho apellidos marroquís, Vergüenza, Todo es mentira) dirige para Mediaset y el equipo de Pokeepsie Films (Álex de la Iglesia y Carolina Bang) una de aventuras que adapta el cómic francés de Léa Máze. Una historia de pandilla de amigos, al estilo ochentero y ‘goonie’, salpicada con un poco de terror y humor negro familiar, que puede ir desde A dos metros bajo tierra (2001-2005) hasta el referente más claro: La familia Addams.
Los Muértimer deja buenas sensaciones como misterio de aroma episódico gracias al cuidado que se le ha puesto a sus dos personajes principales (Diego Montilla e Iratxe Emparan): están bien escritos, dirigidos e interpretados. Y el resto, sin grandes alardes, funciona como pasatiempo veraniego gracias a una buena producción, impulsada por Mediaset.
Los Muértimer y el aroma a misterio
Fernández Armero, le haya salido mejor o peor, ha sido un un director con las cosas claras, identificando las necesidades de cada proyecto. Lo hace también en Los Muértimer, que no se focaliza en el remix de la estética ochentera regurgitada de Estados Unidos al estilo Stranger Things (2016-…) oIt (2017) sino que apuesta por un tono más de novela juvenil, al estilo de las de Enid Blyton (Los cinco y derivados) o Los Tres Investigadores, siempre bajo un filtro irónico.
Este aire de aventura más clásica, que es la misma fuente sobre la que bebían los Spielberg y compañía, le beneficia a una película que tiene un campo más abierto así para desarrollarse y no ahogarse en el homenaje por el homenaje, como sí hizo otra de aventuras reciente que también coqueteaba con el terror comoEl hombre del saco (2023).
Como decía, la personalidad propia se la terminan de dar su pareja protagonista, a la que Fernández Armero ha conseguido compenetrar y darle una cierta identidad, muy por encima de los otros tres personajes de la pandilla (la apuesta por la cantanteMelani García no ha terminado de salir). Además de darles un toque, hay que celebrar también que no se haya metido con calzador una historia de amor entre ellos, sino que su dinámica parece funcionar de manera natural.
Una muerte bien producida
La producción la han puesto Álex de la Iglesia y Carolina Bang (Pokeepsie Films) a partir de un guión de Jelen Morales, que viene trabajando regularmente con Pokeepsie desde Un mal día lo tiene cualquiera (2024). Después de los patinazos de producción para Pokeepsie que fueron la propia Un mal día lo tiene cualquiera yAnatema(2024), Los Muértimer tiene buenas hechuras; se nota que todo navega en la misma dirección. Incluso deja un par de secuencias de acción bastante bien resueltas.
Por supuesto, Los Muértimer podría ser mejor película. Su misterio principal no es demasiado elaborado y, pese a que sus giros están bien distribuidos, no tiene nada de particularmente original o atrevido en la propuesta. Y el maravilloso cómic original es más bien un apoyo más que una fuente clara. Aún así, la base clásica y la mezcla con el humor funerario funciona y, de paso, deja también una reflexión sobre cómo relacionarse de forma más sana con la muerte.
'La gran familia' vuelve a los cines por Navidad, y nos preguntamos si la ficción transversal no tuvo una función y es una dejación de funciones por parte de nuestro audiovisual no intentar recuperarla
Este 23 de diciembrevuelve a los cines La gran familia(1962), el éxito de Fernando Palacios que entre el padrino búfalo y Chencho se convirtió en una forma, más o menos transversal, de verse a sí mismos de muchos españoles. Un modelo que saltó a la televisión no solo en Cuéntame cómo pasó (2001-2023), sino también en las series familiares de los 90 y 2000, con su target de aluvión que iba del abuelo al nieto pasando por la tía soltera y moderna. Un modelo hoy casi desaparecido, tanto en España como en el resto del orbe occidental.
Una aldea gala resiste al invasor y mantiene vivo el formato en el cine más mainstream: Padre no hay más que uno (que hace un homenaje explícito a La gran familia en la tercera parte) y todas sus secuelas y adaptaciones, por no hablar de sus hijas bastardas, las multirraciales —La familia Benetón (2024)—, okupas —El Casoplón (2025)— o con crisis de identidad —¿Quién es quién? (2024)—, entre muchísimas otras. Pero la centralidad familiar como eje de todas las ficciones ha desaparecido y la respuesta a por qué es tan tecnológica como sociológica, con su contraparte simbólica: el fin de los espacios compartidos.
Lluís Miñarro conversa sobre su nueva película, 'Emergency exit', para reflexionar sobre el encierro como forma cinematográfica, la pérdida de la inocencia del cine y las resistencias frente a un modelo industrial
Aunque a Lluís Miñarro (Barcelona, 1949) se le reconozca sobre todo por su importante trabajo como productor (Eddie Saeta), desde 2009 ha ido construyéndose una carrera particular como director. Primero en el documental (Familystrip, Blow Horn) y después abriéndose camino en una ficción en la que lleva una década entre el surrealismo y lo simbólico, en un paseo personal por la historia y los mitos (Stella cadente, Love me not) sin atender especialmente a líneas narrativas. El cine como espacio de tránsito, de encierro y de duda, donde la realidad deja de ser un territorio estable para volverse permeable y ambiguo.
Hay mucha continuidad de su mirada y sus intereses, con una tendencía más humorística, en su nueva película: Emergency exit, una película que encierra a una serie de personajes-símbolo en un autobús y que será recordada para siempre como la última interpretación en cine deMarisa Paredes. Antes del estreno de la película este viernes 19 en cines, Miñarro atiende a Cine con Ñ para recordar a la actriz, pero también para explicar las bases de su cinefilia, el rechazo al naturalismo dominante y su mirada crítica sobre el presente industrial del cine.
La selección de series del año de Cine con Ñ, con dominio de la comedia, Disney+ coronando por fin una lista de lo más destacado y Movistar Plus+ una vez más siendo la que se multiplica en títulos
Otro año que se va, y parece que fue ayer cuando hicimos nuestro primer Top 10 de series. La lista de las 10 mejores series españolas de 2025 viene marcada por la comedia, el género dominante no solo por cantidad, también por variedad. También es la primera vez que este redactor le da el primer puesto a una serie de Disney+, en medio de tanta excelencia crítica de Movistar Plus+ que ya nos asfixia —y que vuelve a dominar la lista, con hasta cuatro títulos— y se le cuela Netflix en el podium. Sí, con esa, la que estáis pensando.
El ramillete de comedias ha sido tan amplio que se queda fuera alguna que habría sido excelente otros años, comoCustodia repartida, la segunda temporada de Poquita fe o, ¿por qué no decirlo?, la tercera de Machos Alfa. Y al desopilante capítulo 200 de La que se avecina ya le dedicaremos espacio en otro artículo. E incluso la autoparodia a la enésima potencia de Manual para señoritas habría merecido un hipotético Top20. Tampoco le hemos podido hacer justicia a la no ficción, con Los archivos secretos del No-Do a la cabeza.
Por otro lado, como cuando todo es thriller, nada es thriller, es una pena no mencionar Asuntos internos, Cuando nadie nos ve, La fronterao El Centro. También en el debe se nos quedanPubertat, o series más del abierto, que quieren ser entretenidas y ya, comoLa Agencia, y ese intento de terror con ciencia-ficción que ha conseguido el hito de una segunda temporada titulado Punto Nemo. Como siempre, no están todas las que son, pero son todas las que están. Y, como toda lista, es subjetiva y un poco arbitraria.
LAS MEJORES SERIES ESPAÑOLAS DE 2025
10) ANATOMÍA DE UN INSTANTE
La adaptación de la novela de Javier Cercas sobre el 23-F tiene una conclusión ambigua, compleja e incluso cínica: el día del golpe, la democracia la salvaron traidores, hombres imperfectos y llenos de contradicciones. Los honrados, los coherentes, los honestos que nunca renunciaron a sus ideales, fueron los golpistas. Y eso los convirtió en monstruos. Solo por eso, que no es una respuesta fácil o complaciente y ni se acerca a un final que cierre nada, merece un sitio entre las series del año.
La dirección de Alberto Rodríguez y el guión de Rafael Cobos, además, dotan de una distancia irónica que el original literario no tenía a todo el conjunto, con unos Manolo Solo y Eduard Fernández tan brillantes como suelen y un Álvaro Morte que supera cualquier expectativa al mimetizarse con Adolfo Suárez… y con algún político de la actualidad igual de vendemotos. El montaje a saltos entre pasado, presente y futuro, que tan bien calca el de la novela, remata el efecto.
La cuota de RTVE, la tercera en estrenarse del triplete borbónico de este año y una serie que viene a demostrar que, cuando la pública quiere, puede, y que se pueden hacer vidas de reinas respetando sus historias de amor sin convertirlas en panfletos clasistas y apolillados. Solo por colocar a la reina Victoria Eugenia en pie de igualdad, o al menos en trayectoria paralela en cuanto a su alejamiento de la sociedad que desea representar e ingenuidad, con el mismísimo Mateo Morral que la quiso asesinar el día de su boda.
Para Ena, regreso de Javier Olivares (El Ministerio del Tiempo, Isabel) a TVE, Alfonso XIII, Victoria Eugenia o la reina madre María Cristina son seres que pueden resultar altaneros e insoportables, pero también son humanos, capaces de lo mejor y lo peor. Un pequeño paseo por la historia de España de comienzos del siglo XX que no se olvida de lo grotesco de la dictadura de Primo de Rivera o los desastres de la Guerra de Marruecos, sin renunciar a guiños cinematográficos como la María Antonieta (2006) de Sofía Coppola.
Cortita y al pie. En la línea de la malograda Reyes de la noche (2021), Movistar Plus+ vuelve a sacar petróleo de explorar la historia POP de España, país de Dios, y marcarse una miniserie entre lo histórico, lo nostálgico, lo musical y el cachondeito fino. Con los guionistas de Rapa(2022-2024) y el director de Te estoy amando locamente (2023), un despiporre que parodia al franquismo y celebra a Eurovision sin olvidarse de atizar a la falsedad del show bussines y a los nacionalismos de todo pelaje.
Aunque las miradas se han centrado en Carolina Yuste, siendo una de estas ocasiones en las que el carisma del intérprete se come al del personaje real, el que está inmenso y descomunal, en otra lección de modificar la expresión corporal para dar carácter al personaje, es Patrick Criado. Con un protagonista, por cierto, que podría salir en Anatomía de un instante: un trepa, un pelota, una rata sin ideales… que se deja atrapar, aunque no quiera, por la magia del La, la, la,…
Larga a vida a Félix Sabroso. Tras la fallida Mentiras pasajeras (2023), el (co)director de Los años desnudos (2008) o Perdona bonita, pero Lucas me quería a mí (1996) ha vuelto en plena forma y, sobre todo, pudiendo hacer lo que le da la gana. Una serie sobre divas que han pasado ya del borde de un ataque de nervios, mujeres maltratadas por una sociedad enferma y en crisis que las enfrenta a desafíos grotescos ante los que solo les queda una solución digna: la furia.
Los dos primeros episodios son pequeñas obras maestras de la televisión en España, con sus juegos de color, historias paralelas y choques entre ricas y pobres, viejas y jóvenes y desclasados obsesionados con las apariencias. Que al contrario que la mayoría de lo que se estrena vaya a tener continuidad, conservando su carácter de antología y su compleja narrativa, es buenísima noticia. Me podría parar a decirles que Carmen Machi, Cecilia Roth, Candela Peña, Ana Torrent, Nathalie Poza, Claudia Salas o Pilar Castro son la leche. Pero no hace falta.
La comedia negra de Dani de la Orden, extrañamente desapercibida quizás por su estreno original en una plataforma tan poco visible como AppleTV+, y que es la única contribución a esta lista de una Atresmedia que otros años ha copado los primeros puestos. Una anticomedia romántica con unos enormes Joan Amargós y Verónica Echegui, tristemente desaparecida este año a edad demasiado temprana, en un paralelismo siniestro con los personajes que quizás también ha contribuido al olvido de la serie.
De la Orden, junto a Natalia Durán y Oriol Capel, propone con el reverso tenebroso de la historia en la que la chica ideal saca al protagonista pazguato de su letargo, atreviéndose con bromas con las que pocos se atreven, y más sin caer en lo zafio. Siete episodios a cada cuál más macarra y al mismo tiempo más canónico de las historias de amor, pero sin dejar el humor más negro que el carbón, y con uno de los finales desoladores de este año lleno de finales abiertos que te rompen el corazón. En este caso, literalmente.
Diego San José hace doblete en este Top 5, aquí acompañado por Borja Cobeaga en un retorno conjunto a la grandeza que, si está tan abajo en esta lista, es porque llega 10 años tarde. La mamarrachada borbónica, con un punto de ternurita marca de la casa, que deja al mítico Juan Carrasco por un gestor serio. Una comedia esperpéntica con momentos que parecen sacados de un documental, en la que se atreven con chistes que en otro tiempo te sentaban delante de la Fiscalía, incluyendo a jueces del Supremo aficionados a las fiestas bunga.
Ernesto Alterio se las apaña para componer un payaso serio que es el único personaje que cree que está en un thriller político serio, mientras Anna Castillo nos convence de que su personaje es más joven, más pijo y más imbécil que ella. Y luego para que el final, como el de la serie que la adelanta en esta lista, nos descubra que en el fondo sus creadores son unos buenazos que se creyeron la Cultura de la Transición y no piden ya ni un Borbón eficiente, se conforman con uno que quiera hacerlo bien y no se tome España como su cortijo.
La Historia de España tiene momentos para dar y regalar que nuestro audiovisual no aprovecha, pero Cristóbal Garrido y Adolfo Valor, que nunca firman dos historias iguales, se atreven con todo. La ventaja de hacerlo en Movistar Plus+ es que no te lo va a convertir en culebrón, como Atresmedia, ni dejarte con el presupuesto a medias, como RTVE, así que La vida breve luce, y mucho, para poder ser una comedia bastante cafre sobre la estupidez intrínseca del poder.
Se pega tantos lujos que tiene a Javier Gutiérrez y Leonor Watling de (hilarantes) secundarios, y conforme avanza se acaba destapando no como una serie macarra con el corazón de oro, que esa era Su Majestad, sino como un drama. Uno gracioso, pero que roza lo trágico, sobre inevitabilidad de la muerte, la necesidad de buscar la libertad incluso en las peores circunstancias —como siendo judío en secreto o monja de clausura— y la pesada carga del poder cuando se es demasiado mediocre para sostenerlo.
Nadie se cree lo que ha hecho Nacho Vigalondo con esta serie, es probable que ni siquiera él mismo. Ha convertido a Leonardo Dantés y Tamara en héroes trágicos, homenajeado a David Lynch y John Waters a través de la telebasura de los 90 —sin negarle, además, la condición de espectáculo bizarro y sin alma— y nos ha recordado que Secun de la Rosa, Pepón Nieto e Ingrid García-Jonsson no son actores, sino extraterrestres. En seis episodios. Y con Javier Gurruchaga saliendo en todos y acreditado como ‘Capricho del director’.
El cántabro no ha estado solo, con unos guiones con Paco Bezerra, María Bastarós, Natalia Boadas y la propia Yurena y codirección con Claudia Costafreda, quizás de las mejores directoras de series en España y que es una pena que no saque más proyectos propios, como su Cardo (2021-2023). El mérito es, además, de Los Javis, Ambrossi y Calvo, que le han regalado la libertad que ellos tienen y que habría sido raro que Netflix concediese a otros. Una pequeña joya. Historia de la televisión en España. Y solo la tercera mejor.
Si más de una serie de este año habla de la mediocridad encumbrada hasta donde no debe, Yakarta nos recuerda que los más mediocres de todos, los que no conoce nadie, también merecen que sus historias sean contadas, que nos sepamos su nombre y que alguien recuerda el día que se enfrentaron al temible Lee Chun-soo. Que por cierto, aunque estemos diciendo que es una comedia, también es tragedia. Solo que le han dejado la estructura de comedia, y el timing es el del mundo real. Y para reírte de tragedias como esta hace falta distancia.
Ni voy a comentar lo de Javier Cámara y Carla Quílez, dos monstruos de la naturaleza, el veterano y la que empieza. Prefiero pararme en el más difícil todavía de Diego San José tras Celeste (2024- ). ¿Qué podía ser más aburrido sobre el papel pero más épico en esa historia que no percibimos? ¿El fracaso, la ludopatía, los abusos nunca denunciados, las expectativas nunca cumplidas? ¿O, simplemente, alguien que es un poco como todos nosotros, no particularmente malo o torpe, solo triste?
Seis capítulos, seis toros, seis estilos. Una comedia sin un solo chiste. Una serie sobre un torero en la que nunca se ve una plaza, pero en la que el personaje del Maestro danza alrededor de la idea de la muerte como lo haría ante el toro en la corrida. Un opositor que se saca unas perras en el taxi mientras estudia, pudiendo competir en aburrimiento con un entrenador de bádmiton, convertido en nuestra Alicia en el particular mundo del toreo, al que no se le ahorra ni ápice de mamarrachismo en el retrato, y aún así escapa con dignidad.
La suerte es una historia sobre personas normales, muy diferentes, capaz de hacerse amigas aunque no se entiendan del todo. También sobre eso con tan mala sombra que es el destino, el miedo y las decisiones que toman los adultos, desde torear una última vez en Las Ventas hasta presentarse a un examen. Y otro final tan abierto como desolador, que deja al espectador solo para que saque sus propias conclusiones, aunque se haya reído mucho para llegar hasta él.
Cine con Ñ adelanta en exclusiva las películas con mayor número de visualizaciones del año en la plataforma, con dominio del cine español clásico con los quinquis, Ozores y Pata Negra ‘acorralando’ al cine de Hollywood
Se acaba 2025 y toca hacer balance. Entre otros, de eso tan imprevisible que es lo más visto, las películas a las que más nos hemos acercado todos juntos o hemos vuelto una y otra vez. Algo que la actual etapa del streaming permite independizar de los estrenos y abrazar los títulos que se convierten en atemporales.
FlixOlé, la plataforma por excelencia del cine español clásico, ha adelantado en exclusiva a Cine con Ñ su lista de las 10 películas más vistas del 2025. Un Top 10 dominado casi en su totalidad por el cine español, que muestra la vigencia del cine quinqui, las comedias del mismísimo Mariano Ozores o el calado social de aquello que se llamó ‘La Tercera Vía’.
Repasamos esos diez títulos, por qué más de uno y más de dos siguen de actualidad y su peso en la historia reciente de nuestro cine, de la mano de la propia plataforma.
10. EL PAN DEBAJO DEL BRAZO (1984)
https://youtu.be/Ye5WpQxSqTI?si=n4nRg81wNQgk1xUt
“El cine de los Ozores es uno de los principales reclamos de la plataforma, sinónimo de éxito”, nos explica Miguel López, responsable de Marketing y Programación de FlixOlé. En el año del fallecimiento de Mariano Ozores, dos de sus títulos se han coleado en este ránking de popularidad, este incluso siendo uno de los menos famosos, un ‘autoremake’ de su comedia Crónica de nueve meses (1967).
«Es una comedia amable sobre la paternidad donde los actores habituales de este cine aseguran los visionados de la película», añade López. Antonio Ozores, Adriana Ozores, Pepe Da Rosa, Juanjo Menéndez, María Luisa Ponte… una historia sobre parejas enfrentándose a la descendencia en diferentes momentos vitales que reflejó los cambios de la sociedad española a mediados de los 80.
La otra comedia de Ozores en este top. La historia de un currito que ha prosperado sin meterse en política durante la dictadura y ante las primeras elecciones democráticas descubre que le toca mojarse y empieza a probar con todos los partidos disponibles a su alcance a ver cuál le encaja mejor. José Luis López Vázquez, rodeado de un elenco de secundarios de lujo como Antonio Ozores o Carmen Sevilla, regala algún diálogo de antología en ese cine de los 70 que tanto quiso pegarse a la actualidad… y tomársela un poco a chufla.
Miguel López señala que «otro de los grandes temas en este 2025 era la Transición. Uno de los periodos más diversos y ricos en el cine español que hemos tenido oportunidad de reivindicar gracias al 50 aniversario de la llegada de la democracia. El apolítico es un buen reflejo de esa época en la que España afrontaba sus primeras elecciones democráticas tras la dictadura».
El pasado abril, la plataforma estrenó la trilogía completa del Torete que dirigió José Antonio de la Loma a caballo entre los 70 y los 80. La saga «era uno de los contenidos más solicitados por los usuarios, finalmente hemos podido incorporarla y ha sido todo un éxito a nivel de visionados», añade López. Cero sorpresas, dado que «el cine quinqui es uno de los géneros más populares en la plataforma desde nuestros inicios».
Ángel Fernández, el ‘Torete’, se enfrenta a la acusación de un crimen que, precisamente, no ha cometido. En esa línea del cine pegado a los hechos reales de la Transición, mientras está en prisión intentando levantar una coartada se ve atrapado en medio del célebre motín de La Modelo. Un clásico del ‘quinqui’ que fue todo un fenómeno social en su día.
Roberto Bodegas dirigió esta comedia con una alta carga de crítica social y estrenada todavía en vida de Franco, que se enmarca en la llamada ‘Tercera Vía’ del productor José Luis Dibildos. Un cine comercial pero con sello de autor y preocupaciones políticas y sociales de la época con la que abrió paso a un camino intermedio entre la comedia popular y el cine más intelectual inaccesible del momento.
«Eran películas muy conectadas con lo que estaba sucediendo en la España de la época, un gran reflejo de la sociedad. Nos sorprende que las películas en general hayan funcionado muy bien», comenta López. Añade que además «son muy reivindicables y con un gran valor cinematográfico».
La cuota de integración, como el Goya Internacional o el amigo racializado del protagonista que muere para justificar su enfado final. Literalmente acorralada por comedias clásicas españolas, la cinta que lanzó al estrellato definitivo a Sylvester Stallone tras Rocky(1977) convive con otros títulos de la época con tiros un poquito menos creíbles que los del Vaquilla y el Torete.
«Otro tipo de cine que también funciona muy bien en FlixOlé es el de acción», nos comenta López. «Hemos tenido la oportunidad este 2025 de volver a incluir Rambo (ya estuvo anteriormente en 2023) y ha sido todo un éxito. Además es una película que da un valor añadido muy importante al catálogo, ya que nos permite indagar en un cine comercial estadounidense que no es lo más común en la plataforma».
«Las películas de Chiquito son otro de los atractivos en la plataforma desde nuestros inicios. Es un cine desprejuiciado que se rinde a la gracia natural que tenía Chiquito y que se disfruta como pocas películas. Era otro de los títulos más solicitados por nuestros suscriptores», resume el responsable de FlixOlé.
¿Se puede añadir algo más? Un veterano de mil batallas como Álvaro Sáenz de Heredia dirigió esta segunda entrega de las aventuras de Chiquito de la Calzada y Bigote Arrocet, filmadas en plena “Chiquitomanía” noventera. En un viaje en barco un tanto accidentado, nuestro Pecador de la Pradera viaja del Oeste a Transilvania para acabar confundido con el mismísimo Conde Drácula vuelto a la vida. Y claro, se tiene que liar a morder. Sus canciones, porque en parte es musical, son mitológicas.
Otro clásico instantáneo y que demuestra la vigencia del cine que sirvió de retrato de su época. Fernando Colomo, en pleno apogeo de su carrera, adaptando una obra de José Luis Alonso de Santos. «Una comedia que funciona genial, con un reparto de actores estupendo que se combina con la música de los Pata Negra, el ambiente de Lavapiés y la crónica del Madrid de los 80″, añade López.
Este año FlixOlé ha homenajeado a Colomo estrenando también su ópera prima, Tigres de papel (1977) y ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?(1978), también comedias muy pegadas a la realidad de su público, los españoles jóvenes de la Transición. En este caso, la historia de dos parejas que trapichean entre Marruecos y España y viven sus propias cuitas amorosas, con un elenco de lujo: Verónica Forqué, Antonio Banderas, Juan Echanove y Aitana Sánchez-Gijón, más Chus Lampreave de secundaria de lujo.
José Luis Saénz de Heredia firmó en los 60 esta secuela, física y espiritual, del clásico Historias de la radio (1955), cambiando al medio de moda en el momento. Es la película que hizo célebre la canción de La chica ye-yé. El salto temporal entre ambos títulos tiene además la virtud de reflejar los cambios en una sociedad española que ya no era la de la posguerra y no solo tenía otras inquietudes, sino que estaba un poco más resabiada.
«La comedia clásica española ha funcionado muy bien siempre en FlixOlé. Creo que esta era una película que iba a ser un éxito asegurado, por contar con López Vázquez, Tony Leblanc y Concha Velasco», comenta Miguel López.
La ópera prima de Carlos Iglesias —que también estrenaba película este año, de nuevo relacionada con la memoria familiar y la historia reciente de España— es un clásico, contemporáneo, pero clásico, y el título más reciente de esta lista de películas más vistas de FlixOlé. Su temática, centrada en la infancia del propio director, que interpreta a un trasunto de padre y la emigración en Suiza, subraya el papel de ‘guardianes de la memoria’ tanto del cine español en general como de la plataforma.
«Habla de una historia que nos toca de cerca, como la emigración de los años 60 a otros países europeos. Es fácil que nuestra audiencia haya conectado con la película, ya que todo el mundo tiene conexiones familiares con gente que ha emigrado durante esos años», opina López, que también comenta que «la película guarda un gran equilibrio entre el drama y la comedia, y cuenta con grandes interpretaciones».
La joya de la corona. Ya comentamos siete puestos más abajo, en su secuela, que el cine quinqui es garantía de audiencias. La película inaugural del subgénero, el gran éxito que convirtió en director estrella a José Antonio de la Loma y al ‘Torete’ en un icono cinematográfico, nace aquí. Una película barata, casi explotation, que a base de actores no profesionales, diálogos sacados de la vida real y una ausencia absoluta de moralejas, conectó con su público como pocas lo han hecho.
Perros callejeros (1977) tiene la virtud de que, donde se emite, triunfa, sea en la televisión en abierto, reposiciones o ahora en la época del streaming. Ángel Fernández Franco, alias ‘El Trompetilla’, se convierte en ‘El Torete’, el alias que ya no lo abandonaría, para interpretar al Juan José Moreno Cuenca, conocido como ‘El Vaquilla’, dando inicio a una saga de más de cinco películas cuya relevancia, como vemos, llega hasta la actualidad.
La serie de Antena 3 de los 2010, mezcla de 'X-Men' y 'Los Serrano', vive una segunda vida a base de miniseries, aumentando su contenido de ciencia ficción, gracias al factor nostalgia y al público internacional
En 2021, Los Protegidos (2010-2012) volvió a la vida con Los Protegidos: El Regreso (2021), en principio una miniserie de seis episodios que recuperaba, factor nostalgia por medio, a los personajes de la serie de la década anterior. Este pasado 14 de diciembre llegaba, sin hacer mucho ruido, Los Protegidos: Un nuevo poder (2025), otra entrega en formato mini, la tercera, con trama navideña y niños con superpoderes, la tercera desde el retorno tras Los Protegidos: ADN (2022-2023). ¿El secreto de esta continuidad? Una base de fans y, sobre todo, la estrategia multiventana de su plataforma, Atresmedia, con el mercado internacional.
«Se ha comprobado que no es muy fácil hacer renacer una marca de ficción. Se ha intentado muchas veces en el mercado internacional y no siempre sale bien. Sin embargo, con Los Protegidos se ha abrazado de nuevo a los personajes por las nuevas generaciones de una manera espectacular», valora Montse García, directora de ficción de Atresmedia.
Desde luego de los intentos de Atresmedia es el más exitoso. UPA Next (2022) no superó la primera temporada y el regreso de Física o Química se quedó en un guiño nostálgico antes de reiniciar la serie desde cero. La clave puede ser que estas dos eran ligeramente anteriores en el tiempo a Los Protegidos y que no tenían el carácter familiar de la anterior, donde el paso de los protagonistas adolescentes de 2010 a padres de familia en 2025 es mucho más orgánico y es posible que paralelo al de su público objetivo.
La gran ópera prima de Irati Gorostidi relee la Transición desde el desencanto, la comunidad y el cuerpo, y conecta aquella crisis de época con la nuestra
Aro berria (Nuevo orden) nos sitúa en la San Sebastián del año 1978. Un grupo de jóvenes, obreros de fábrica, busca organizar una gran huelga para frenar la firma de un nuevo convenio colectivo. Su fracaso lleva a la disgregación del grupo. Algunos de ellos deciden abandonar la fábrica, irse a la montaña e integrarse en una comunidad llamada Arco Iris, donde se practican formas de vida distintas y experiencias catárticas.
La reciente ola de cine español centrado en relatos político-sociales alternativos de la Transición (Te estoy amando locamente, Alumbramiento, Las buenas compañías, Modelo 77, El 47…) suma una nueva película. La ópera prima de Irati Gorostidi Agirretxe, que consiguió una Mención Especial en el Festival de San Sebastián (New Directors), recoge y ficcionaliza lo que fue la lucha obrera de los años 70 en el País Vasco y, especialmente, la experiencia de esta gran comuna surgida en la montaña navarra.
Inspirada por la biografía de sus padres, la historia que plantea Gorostidi ya es en sí muy interesante. Pero lo que la hace realmente especial es cómo la cuenta: Aro berria es una película que se sale del canon del cine sobre la época —incluso del citado, que tira más hacia determinadas fórmulas o construcciones de género— y propone una mirada formal y narrativa diferente.
El umbral crítico de Aro berria
La película recoge un tránsito emotivo concreto que vivieron distintas capas de la sociedad española durante los años de la Transición (1975-1982): el que va de la ilusión de cambio social y político al desencanto. Es un sentimiento que, con más o menos graduación y distancia cronológica, ha impregnado muchas películas o series españolas (por ejemplo, desde el cine de Eloy de la Iglesia hasta el de Alberto Rodríguez).
Lo que hace Aro berria es introducirte en esta sensación de decepción de época y recanalizarla en la utopía comunitaria, encarnándola en unos personajes que renuncian al cambio sistémico y construyen —o intentan construir, con todas sus contradicciones— una opción alternativa en una pequeña sociedad esotérica. Gorostidi plantea que no es solo que algunos sucesos y oportunidades de la Transición no se trataran o cerraran correctamente, sino que el país que arrancaba (estamos en 1978, año de la aprobación de la Constitución) venía ya de una pérdida de oportunidad.
Este enfoque crítico, muy vinculado al obrerismo, se complementa bien con la estructura de la película, que en sí misma ya propone una reflexión sobre la Transición como período histórico. Como diría Koselleck, esos años fueron «un umbral de época», una zona de transformación acelerada de la Historia de España. Ahí, experiencia y expectativa se desacoplaron porque el pasado ya no servía para anticipar el futuro. La extensa y fundamental introducción de Aro berria (su título no aparece hasta los 20 minutos), que acaba en vacío, sugiere algo parecido: la «nueva era» venía ya con una carga dentro.
El cuerpo hacia el presente
Después, lo más valioso de la película viene en la forma de reproducir la época al detalle—las fotos de Arco Iris evidencian la intención de réplica— y, a la vez, salirse de las imágenes preconcebidas que tenemos de esos años y que, más o menos, se han ido solidificando en nuestro cine de ficción. Desde la fotografía hasta el vestuario, la reconstrucción de lo que era el País Vasco y Navarra de aquel 1978 es distinta al diseño de producción habitual. Está desnudada de algunos de sus artificios habituales, parece más natural, y, a la vez, el efecto es de una cierta atemporalidad.
Acompaña a esa sensación todo el trabajo sobre lo físico que plantea la película, plasmado en las secuencias de prácticas tántricas que nos acercan Gorostidi y de Sosa (director de fotografía). Estas escenas explícitas, de varios minutos, nos llevan directamente del pasado a nuestro presente más inmediato: pocas cosas están tan ligadas al presente como la conciencia denuestra propia corporalidad frente a la pantalla.
Así, Aro berria es capaz de conectar también con la crisis de época actual. La incesante búsqueda de una experiencia auténtica, esta tendencia cultural que vivimos de querer trascender el momento a través de refugios místicos, se queda en un gesto que no perdura si no se acompaña de una transformación real. ¿Estamos ya en una «nueva era» de la renuncia?
La nueva película como director de Miñarro es una fábula estridente, colorida y teatral sobre el deseo y la moral burguesa
Como productor, Lluís Miñarro ha trabajado con directores como Apichatpong Weerasethakul, Manoel de Oliveira, Albert Serra, Naomi Kawase —ahora también una de sus actrices— o Ainhoa Rodríguez. Como director ha desarrollado paralelamente un estilo propio, capaz de canalizar tendencias estéticas de estos cineastas. Se eleva, así, como una de las figuras más disruptivas y originales del panorama cinematográfico español, y lo confirma con su última película, Emergency exit.
Situada en una temporalidad indeterminada, el elenco coral de personajes sin nombre,conformado por un cura (Oriol Pla), una doctora (Emma Suarez), una actriz (Marisa Paredes) o un director de cine (Albert Pla), entre otros, se encuentra viajando por Tenerife sin tener un claro destino.
Como ya sucedía en otras películas del director, como Stella cadente (2014), poco importa el fin narrativo. Entre referencias literarias, artísticas y cinematográficas, que ponen en el centro la experiencia con la memoria, la fe y el deseo, Miñarro está más preocupado por que estas sean transmitidas de una forma sensorial, alejándose de la lógica, de la literalidad y dejándose llevar por el surrealismo, la teatralidad y la afectación.
La ficción estética de Emergency exit
Al apostar por colores vibrantes, una fotografía extremadamente plástica, con elementos de collage, una composición a base de primeros planos y detalles que fragmentan rostros y cuerpos, y una banda sonora en la que los sonidos del típico afilador se entremezclan con melodías clásicas, Emergency exitse sostiene en la exageración y el artificio, para recalcar su construcción onírica y surrealista, a veces incluso pareciéndose a un videojuego.
Ese autobús en el que los personajes están atrapados, noche y día, es casi como un Limbo, que cita directamente El ángel exterminador(1962), aunque abraza la parte más ilógica y surreal de la misma sin adentrarse en el drama psicológico de sus personajes. Estos se deben enfrentar al pasado, pero que al darse la mano con el presente le otorga a la película un halo kitsch, especialmente en el personaje de Marisa Paredes, una diva de la cual lo primero que se ve son unos tacones y un vestido de lentejuelas, y que de alguna manera conecta con el cine más almodovariano que ha protagonizado.
Miñarro explota, de hecho, el componente cinematográfico como estética de lo falso, desvelando la parafernalia del cine y la ficción que está abordando, por ejemplo, a través de la escena en la que Naomi Kawase deja unas cenizas en la falda del Teide, pero realmente atraviesa un plató en el que el fondo es una tela con la montaña pintada. También sucederá con los planos en los que la cámara abandona el bus para capturar las ventanas de este de frente, y construir una composición a modo de tira cómica en los que los personajes interactúan o bailan de manera horizontal. Y aún pese a esto, en ocasiones se proyecta cierto minimalismo compositivo del cine de Apichatpong, principalmente en los planos en los que los intérpretes interactúan con el exterior, con lo salvaje.
Un cuento sobre la burguesía
Por el halo onírico, fantástico y mágico que adopta la película es inevitable no pensar en ella como una fábula, un cuento cuyo tema es el deseo. Toma cuerpo en el personaje interpretado por Jhonattan Burjack, como una tentación erótica, trasladado a la pantalla como si se tratase del Sebastián(1976) de Derek Jarman. Habita el bus como un fantasma, siempre presente, pero sin decir palabra. Mientras el resto de personajes hablan, entendiéndose en distintos idiomas, esta venus de las pieles o Eros hecho carne humana, materializa lo que los demás no dicen, sus deseos más profundos.
Es Marisa Paredes la que recuerda el papel político del deseo, el orgasmo como momento de plena libertad, y, por tanto, también el poder de Emergency exit como una película política. Un «orgasmo» de colores, de luces y texturas —combinando digital y analógico—, a veces incomprensible, pero que también reta la moral burguesa del pasado y del presente desde su sensibilidad, multiplicidad y estética performativa.
De esta manera, Miñarro firma con Emergency Exit unapelícula que sobre todo se reconoce a sí misma como cine. Explota y exagera su componente cinematográfico y ficcional, resultando en una obra por momentos absurda e intensa, pero siempre profundamente autoconsciente e hipnótica.
El certamen neerlandés anuncia el grueso de su programa, donde se verán por primera vez también los cortos 'Like moths to light', de Gala Hernández, 'El cuerpo de Cristo', de Bea Lema, además de una selección de películas del 2025: 'Romería', 'Gaua', 'Sirât', 'Los domingos' y 'Calle Málaga'
Las películas españolas Despois das cidades (Después de las ciudades), de Xacio Baño, y Krakatoa, de Carlos Casas, tendrán su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Róterdam (IFFR). Los dos largometrajes han sido seleccionados en la sección no competitiva Harbour, una de las paralelas del certamen.
Aunque ninguna película española ha entrado en las dos principales competiciones del Festival (Tiger y Big Screen Competition), las de Baño y Casas entran en el tercer gran escaparate del Festival, donde también estarán películas españolas de 2025 como Sirât, Los domingos,Gaua y la coproducción Calle Málaga. También se verá Romería, que pasa por la sección Limelight.
Despois das cidades es el nuevo largometraje como director de Xacio Baño tras Trote(2018), que supuso el primer papel protagonista en cine de la actriz María Vázquez. Según lo que contó el propio Baño en una entrevista a El Correo Gallego, es un largo entre la ficción y el documental vinculado a la ciudad de Santiago de Compostela: «Es una película para conocer cómo se veía y cómo se ve desde fuera una ciudad tan característica como Santiago, para entender Santiago con los ojos del otro».
‘El cuerpo de Cristo’, de Bea Lema
En cuanto a Krakatoa, cuya participación en el IFFR se anunció el pasado mes de octubre, coge su nombre de un volcán que entró en erupción en 1883 en Indonesia. La película, una historia de ficción, sigue a un joven pescador de Bagan (Birmania) que vive una erupción volcánica y despierta en una isla desierta. Mientras busca agua y comida, se irá adentrando en las profundidades de la tierra. La proyección de la película estará acompañada de una videoinstalación (Art Directions: Installations) relacionada con la erupción.
La representación del cine español en el Festival de Róterdam se cierra con dos cortometrajes, que también vivirán en tierra neerlandesas su estreno mundial. Se trata delike moths to light, el nuevo cortometraje de la multipremiada Gala Hernández López (+10k, La mecánica de los fluidos), que competirá en la Tiger Short Competition; y de El cuerpo de Cristo, corto de animación de Bea Lema que adapta su propia novela gráfica y se verá en la sección Short & Mid-lenght.
La sección Panorama de la Berlinale selecciona la ópera prima de Ian de la Rosa, una historia de amor ambientada en Almería
Iván & Hadoum, la ópera prima de Ian de la Rosa, se convierte en la primera película española confirmada en el próximo Festival de Berlín 2026. El primer adelanto de programación de la 76 edición de la Berlinale ha incluido el estreno mundial de esta historia de amor ambientada en Almería.
Será la sección Panorama de la Berlinale, donde el año pasado se estrenó también otra ópera prima como Sorda, el espacio en el que se podrá ver por primera la película. En declaraciones a la prensa, el director y guionista ha asegurado sentirse «muy privilegiado» por poder estrenar su primer largometraje en Berlín, en un festival «con el que hemos tenido una conexión especial».
Ian de la Rosa, que terminó de rodar el filme el pasado verano, asegura estar «feliz por todo el equipo, que tanto se ha esforzado. Sin ellas hubiera sido imposible llegar hasta aquí, y es un orgullo». Además, siente «una profunda alegría por mostrar al mundo la tierra donde crecí: los paisajes de Almería y Níjar, sus playas, desiertos e invernaderos».
Stefan Schmitz y Emilia Fort (Avalon), productores de la película, aseguran que «es un honor y un placer acompañar a Ian en su debut en el largometraje. Su mirada única sobre el mundo nos cautivó desde que le conocimos, cuando Iván & Hadoum era solo una idea. Su estreno en Berlinale Panorama es muy emocionante, y no podemos imaginar una mejor plataforma para presentar nuestra película al mundo».
Así es Iván & Hadoum
¿Y qué es Iván & Hadoum, la película que ha conquistado a los programadores del Festival de Berlín? Protagonizada por el artista multidisciplinar Silver Chicón y la también cantante Herminia Loh, la película cuenta la historia de acercamiento entre dos jóvenes trabajadores en un invernadero. Con ella, se exploran «cuestiones como la identidad, la herencia familiar y la conquista del cuerpo propio a través del amor».
Según su director, Iván & Hadoum es una película que «aboga por la defensa férrea del amor. En tiempos donde el odio parece conquistarlo todo, espero que nuestra película pueda ser un refugio para el público. Amor y Cine para que podamos transformar nuestros corazones, y también el mundo».
La selección en Berlín aumenta la expectación con la ópera prima de Ian de la Rosa, que ya venía con un currículum que la marcaba como película a seguir de cerca. Su primer corto, Víctor XX, consiguió el Premio Cinéfondation del Festival de Cannes y fue seleccionado en más de 60 festivales internacionales.
En 2022, fue nominado al Premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción y ganó el Premio Gaudí en la misma categoría por Farrucas, convirtiéndose en el primer hombre trans en conseguir este premio. Además, ha coescrito la serie Veneno y dirigido varios capítulos de su secuela/spin-off, Vestidas de azul.
Sinopsis de la película
Iván se enamora de Hadoum, una nueva compañera, en el invernadero de Almería donde ambos trabajan. Sin embargo, su anhelado ascenso laboral interferirá en su relación, forzándole a decidir qué tipo de persona quiere ser.
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