La segunda temporada de Memorias de Idhún en Netflix adapta la segunda parte del primer libro de la saga. Con un salto de dos años respecto a la primera entrega, vemos como la resistencia de Idhún, o al menos los personajes principales, se reúnen de nuevo para continuar la lucha contra Kirtash y la búsqueda del último dragón y el último unicornio. Mientras, los protagonistas siguen descubriendo detalles sobre sus poderes mágicos y sus orígenes secretos.
La verdad es que no tengo muy claro lo que acabo de escribir en el párrafo anterior. Memorias de Idhún parece ser una serie demasiado explicativa, como si le diese miedo perder al neófito en su complicada mitología, y al mismo tiempo hecha apenas para fans que ya saben lo que van a pasar y solo quieren verlo en otro formato. Y, de hecho, divertirse criticándolo y reelaborándolo (entreténgase quien guste en buscar los «redoblajes» que pululan por redes).
Así, es difícil saber si Memorias de Idhún se le puede recomendar a alguien que no haya leído los libros. Su público objetivo queda restringido al espacio en el que se cruce el gusto por sagas fantásticas con adolescentes que descubren sus poderes mágicos y un ciclo del héroe más o menos básico y quien además le guste ver eso mismo en formato anime. Ojo, es un público objetivo al que Errejón no le hará videoclips en campaña, pero más amplio que el de, qué se yo, Anunciaron tormenta. Porque Netflix no quiere reinventar la rueda, Netflix quiere dinero. Montañas y montañas de dinero de sucio y asqueroso dinero.
Memorias de Idhún para señores mayores
Aparte queda la polémica por el doblaje, casi la única pega a nivel técnico que le podría poner a la producción de Zeppelin. Acuérdense que aquí a los mandos está Maite Ruiz de Austri, veterana de Vietnam de la animación española y codirectora de la mítica La leyenda del viento del Norte. Es cierto que se nota que algunos actores no están especializados y contrastan con los que sí, pero tampoco molesta. Se han visto cosas peores. Recuerden ustedes que Manel Fuentes le puso voz al Cid el El Cid: La leyenda y Fernando Tejero dobló El Espantatiburones.
Las novelas de Laura Gallego, en realidad, comenzaron a publicarse en 2004. Las lectoras y lectores originales están más cerca de ver la continuación de Física o Química sabiendo los nombres de los personajes que de entender el argumento de Skam, no sé si me explico. Sin embargo los dobladores de la discordia son actores conocidos por sus papeles en Élite, porque se sigue considerando, tanto los libros como su adaptación, un producto adolescente.
Algunas de las críticas recibidas por la primera temporada de Memorias de Idhún se deben, además, a su fidelidad al libro. La sobreexplicación constante, ese primer capítulo en el que le pasan cosas a un protagonista que ni se sabe quién ni por qué debe importarnos, los tópicos del mundo de fantasía de El Elegido(tm)… Es necesario cultivar cierta paciencia para ver cómo esos argumentos se traducen en algo original, mientras los descubrimientos de los poderes mágicos remiten a Harry Potter o los mismísimos X-Men, según les pille el día.
La estructura de la serie, además, responde al plan original de la autora, que escribió seis novelas que la editorial decidió agrupar de dos en dos para convertirlas en trilogía. Los dibujos animados se convertirán, pues, en seis temporadas de cinco capítulos de 25 minutos cada una. Es decir, se tarda menos en ver las dos primeras entregas que una película de Nolan. Es algo que juega a su favor, pues realmente si se tiene cierto interés en ver en qué acaban las movidas de Kirtash y eso, pues no da tiempo a aburrirse.
En fin, que decir que Memorias de Idhún es «buena», «mala» o «recomendable» tiene poco objeto. Si te has leído los libros disfrutarás como un gorrino en una charca, aunque sea para decir que es una mala adaptación -que no lo es, de hecho, se pasa de fiel según el momento-. Si no, hacer falta ser muy fan del género fantasía y del formato anime para aguantar capítulos suficientes, y mira que son pocos.
El año que empieza será el primero en el que se verán los efectos reales de la pandemia en el cine. Tanto en número como en presupuesto medio, las películas españolas de 2021 serán el primer reflejo de lo que está trayendo ya la crisis del coronavirus a la producción. La incertidumbre ante la situación de las salas de cine y el incierto desarrollo del virus ha provocado que se hayan retrasado ya interesantes proyectos (lo nuevo de Carla Simón, Eduardo Casanova o Albert Serra), que llegarán en 2022, y que haya pocos estrenos confirmados para este año. Pero, aunque menos que otros cursos, no significa que no los haya.
Entre los estrenos aplazados y los nuevos que se han terminado de rodar en 2020, está confirmado que en 2021 se podrán ver seguro algunos grandes proyectos, esperados por los nombres que hay detrás o por el contenido en sí de la película. Mientras se van confirmando nuevos y se completen otros trabajos con posproducción más sencilla, podemos ir desgranando algunas de las películas españolas más destacadas que, en principio, llegarán al público este año. No hemos tenido en cuenta otras producciones o coproducciones internacionales con participación española (El olvido que seremos -estreno 12 de marzo- o El agente topo -26 de febero-).
D’ARTACAN Y LOS TRES MOSQUEPERROS
Será el primer gran estreno español del año. La película de animación, basada en la famosa serie de dibujos de los 80, verá por fin la luz el 12 de febrero. Toni García es el director de este filme, que está más enfocado al público infantil pero que espera tirar de la nostalgia de muchos padres, que son los que hicieron famosos a estos personajes caninos cuando ellos eran niños. Por lo visto en los tráilers, esta aventura original basada en la novela de Alejandro Dumas se contará desde el principio.
EL BUEN PATRÓN
El buen patrón será seguro una de las películas españolas de 2021 que más interés despierte a priori. Primero porque es la nueva película de Fernando León de Aranoa (Barrio, Un día perfecto), que después de un documental (Política, manual de instrucciones) y un biopic (Loving Pablo) regresará a una temática social española. Y segundo porque está protagonizada por Javier Bardem, que vuelve al cine español y repite por tercera vez con el director con el que empezó en Los lunes al sol. Según León de Aranoa, El buen patrón será «el contraplano» de aquel primer trabajo con Bardem, aunque esta vez en clave de comedia negra.
MALNAZIDOS
Caso práctico de aplazamiento COVID. Como veremos también más adelante con otro caso, Telecinco ha optado por el estreno en salas y retrasar hasta este año sus pocas pero potentes apuestas cinematográficas del 2020. Uno de los casos más flagrantes es el de la película de Javier Ruiz Caldera (Superlópez, Anacleto. Agente secreto) y Alberto de Toro, que despertó un gran interés desde el principio por su línea argumental: una comedia de zombis ambientada en la Guerra Civil. Vista ya en Sitges 2020 con buen recibimiento, Malnazidos será la apuesta comercial española para el próximo otoño (estreno fijado el 24 de septiembre).
LA ABUELA
Los aficionados al terror en España pueden apuntarse este título en mayúsculas y subrayado: La abuela. Es el regreso al género de Paco Plaza (saga [•REC]) después de Quien a hierro mata, y encima será a partir de un guion de Carlos Vermut (Quien te cantará, Magical girl). La historia de una nieta (Almudena Amor) que vuelve a Madrid a cuidar de su abuela enferma (Vera Valdez) será esta nueva mesa de mezclas con la que Plaza parece que seguirá depurando su estilo de terror cada vez más alejado de las fórmulas comerciales tradicionales. Su rodaje terminó el pasado verano y se espera que pueda estrenarse en 2021.
LIBERTAD
Todo apunta a que Libertad puede ser uno de esos títulos españoles que acabe en la temporada de premios de 2022. Su directora y guionista es Clara Roquet, coresponsable de los guiones de las películas de Carlos Marqués-Marcet (10.000 km, Los días que vendrán) y que ahora debuta a los mandos en cine -en series ya lo ha hecho con un capítulo de Escenario 0– con este largometraje rodado en 2019. La historia, en la línea de Verano 1993 o Las niñas, nos presenta a una joven adolescente que pasa un verano muy diferente a partir de una amistad veraniega. Con una compañía como Avalon detrás, el cine catalán tendrá en Libertad una de sus grandes bazas de este año.
LAS LEYES DE LA FRONTERA
Una de las películas españolas de 2021 sobre la que más expectativass hay es Las leyes de la frontera, adaptación del libro de Javier Cercas que ha hecho Daniel Monzón (Celda 211, El niño). Después del sinsabor de Yucatán, el director regresa a coordenadas más cercanas a las de su cine anterior con esta película de robos ambientada a finales de los años 70. Con vocación e inspiración del cine quinqui ochentero, está protagonizada por un pujante trío de actores (Marcos Ruiz, Begoña Vargas y Chechu Salgado) y contará con el bombo de la combinación de Atresmedia y Warner.
ESPÍRITU SAGRADO
Otro debut en largo sobre el que hay muchas ganas es el de Chema García Ibarra con Espíritu sagrado. García Ibarra se ha convertido en uno de los totems del cortometraje español de la última década con El ataque de los robots de Nebulosa-5 (2009), Protopartículas (2010), Misterio (2013), Uranes (2014), La disco resplandece (2016) y la reciente Leyenda dorada (2019). Ahora, con la garantía de calidad de una fábrica de talentos como La Incubadora de la ECAM, pone en marcha esta película que juega con el fantástico y los avistamientos de ovnis en el Levante.
LA HIJA
Finalizado su rodaje en verano tras un parón obligado por la pandemia, La hija es la nueva película como director de Manuel Martín-Cuenca tras Caníbal y El autor, con la que consiguió dos nominaciones a los Goya. Ahora Martín-Cuenca repite otra vez con Javier Gutiérrez como protagonista, al que se le suma Patricia López Arnaiz, una de las actrices españolas del momento gracias a Ane. A partir de una historia de Félix Vidal, este thriller dramático parece seguir la línea de personajes perturbados de los últimos trabajos del director andaluz: en ella veremos a un tutor (Gutiérrez) que se hará cargo de una adolescente embarazada y huida de un centro de menores.
COMPETENCIA OFICIAL
Una idea de Penélope Cruz, cada vez más implicada en procesos de creación, se convertirá en película. El resultado se llamaCompetencia oficial, un trabajo de producción española (Mediapro) pero dirigido por los argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat (El ciudadano ilustre), que recogieron el guante que les lanzó Cruz: escriben y dirigen esta comedia sobre el mundo del cine. La actriz española será una excéntrica directora que rueda una película en la que se produce un enfrentamiento de altura entre dos actores (interpretados por Antonio Banderas y Óscar Martínez). Ver a estos tres juntos en un tono humorístico será un gran aliciente entre las películas españolas de 2021.
WAY DOWN
La otra gran película de Telecinco para 2020 que se ha quedado en el armario. Jaume Balagueró (saga [•REC], Los sin nombre) sigue los pasos de su compañero Paco Plaza y pasa del terror al thriller en esta gran producción en la que Luis Tosar y José Coronado acompañan a un reparto anglosajón con Freddie Highmore, Astrid Bergès-Frisbey o Liam Cunningham. En la línea de La casa de papel, Way Down es una película de atracos en la que el objetivo es llevarse el dinero del Banco de España mientras todo el país está pendiente del Mundial de Sudáfrica de 2010. No ha parado de retrarse su fecha de estreno, pero en teoría llegará a los cines el 12 de noviembre.
2021 es un campo abierto aún por definir, pero lo que será seguro es el año del centenario del nacimiento de dos figuras imprescindibles del cine español: el director Luis García Berlanga (1921-2010) y el también director, actor y escritor Fernando Fernán Gómez (1921-2007). El primer programa del curso del podcast ‘Los jueves, milagro’ está dedicado a estos 100 años de Berlanga y Fernán Gómez, dos referentes que marcaron la historia del cine español durante décadas y que fallecieron a finales de los 2000.
El equipo del programa repasa la importancia tanto de Berlanga como de Fernán Gómez en nuestra cinematografía, analizando las claves y algunas de las obras que marcaron su filmografía. Además, el equipo del programa adelanta algunos de los homenajes y eventos que se están preparando para celebrar esta efémeride centenaria, como las que se están preparando en Valencia, ciudad natal del director de El verdugo, o el ciclo ‘Las 100 de Fernán Gómez‘, que está ya en marcha por iniciativa de Filmoteca Española.
El tráiler de Nieva en Benidorm es engañoso -aunque cuál no lo es-: presenta a la última película de Isabel Coixet como una suerte de comedia romántica en la incomparable Benidorm, epicentro del turismo de sol y playa patrio. A pesar de que en el filme no faltan ciertos toques cómicos, la cinta de la reciente ganadora del Premio Nacional de Cinematografía supone, en el fondo, una revisión original y pintoresca del cine negro.
Ajustándose a los cánones más reconocibles del género, Coixet nos propone una relectura, hasta cierto punto paródica, del cine noir. A través de un personaje solitario como Peter Riordan (Timothy Spall), Nieva en Benidorm nos embarca en un viaje iniciático por las calles y edificios más reconocibles de la ciudad de los rascacielos alicantina en búsqueda de su hermano desaparecido. En ese vagabundeo descarriado se encontrará con personajes tan irreales y extravagantes como el lugar en donde se desarrolla la trama.
En este sentido, los personajes principales estarán interpretados por un conjunto de rostros cuya mezcla se antoja, a priori, del todo imposible: Carmen Machi da vida a una policía local lectora de Sylvia Plath; Ana Torrent a una enigmática y callada limpiadora, y Pedro Casablanc se pone en la piel de un mafioso carnicero de tres al cuarto. En torno a estos personajes, Coixet construye una trama criminal con ciertos altibajos, que se superpone a esa historia de amor tardío entre el protagonista y Alex, toque exótico de la película, interpretada por Sarita Choudhury. Salvo el personaje principal, todos parecen esconder más de lo que muestran.
Como en toda obra de género negro, en la película de Coixet no faltan los claroscuros. No solo a lo que respecta a esos personajes que parecen poseer una doble cara, sino en la propia composición secuencial. Durante la trama se van alternando las escenas diurnas bajo el sol radiante del Mediterráneo con aquellas nocturnas envueltas en una atmósfera de neón. Luz natural y luz artificial. Realidad y artificio. Este juego es sobre el que se sustenta la propia trama: ¿qué es real dentro de una ciudad y unos personajes que parecen del todo artificiales?
Esta es la pregunta que debe hacerse el propio Peter Riordan, un hombre tranquilo y solitario, que por primera vez deja atrás la fría y oscura Manchester para embarcarse en su particular odisea en un lugar tan extraño para él. Un personaje bien definido, que vivirá una transformación existencial al lado de Alex. En esta relación podemos ver precisamente lo más marcado del universo Coixet en la película.
Otro de los rasgos esenciales de Nieva en Benidorm es su marcada estilización. En la magnífica fotografía de Jean-Claude Larrieu encontramos un cierto toque almodovariano, que se observa en la amplia paleta de colores con las que se nos presentan los escenarios principales por donde pululan sus estrafalarios personajes. En este sentido, hay que recordar que El Deseo (productora de los hermanos Almodóvar) está detrás de la película.
Los reconocibles edificios, calles y playas recuerdan al “cine turístico” que lleva haciendo desde hace dos décadas Woody Allen, ese que consiste en rodar en ciudades y lugares que en algún momento les llegó a enamorar en su vida real. Si el director neoyorkino ha hecho lo propio con ciudades españolas como Barcelona, Oviedo o, más reciente, San Sebastián, Coixet opta por dar protagonismo a una ciudad diseñada para sus visitantes.
Esa heterogeneidad de la que hace gala es un reflejo del propio enfoque, excesivamente abierto, con el que la directora catalana concibe la película. Imitadores de Elvis, acróbatas vaginales, británicos en busca de fiestas interminables, grupos del Imserso, cutres despedidas de solero. Una mezcla de personas, que, como le ocurre con la arriesgada mezcolanza de géneros de la que hace gala la película, no siempre casan bien.
De este modo, Nieva en Benidorm se convierte en algunos tramos de la película en una perfecta postal animada de los encantos y los horrores de una ciudad que atrae a millones de personas al año, especialmente a esos británicos a los que, a veces, parece que va dirigido el filme. Esto se observa especialmente en el doblaje al castellano, un auténtico despropósito, que hace que la cinta pierda parte de su esencia: el problema de incomunicación entre los personajes, los malentendidos lingüísticos y la mayoría de los gags cómicos no tienen sentido en la versión doblada. La película debe ganar muchos enteros en su versión original.
En definitiva, Nieva en Benidorm es una película irregular, que peca principalmente de falta de concreción. Un ejercicio de libertad creativa que puede descolocar a más de uno, aunque esto es lo que precisamente pretende Coixet. A través de personajes más bocetados que definidos, la directora y guionista juega al despiste en una trama que se convierte en una mera excusa para ahondar en la psicología de Peter Riordan y llevarnos a un viaje iniciático tan incierto como irreal. Pero que en el fondo esconde una clara moraleja: nunca es tarde para encontrar tu verdadero hogar.
La vida no se acaba en 2020 y «la mejor la historia» es siempre una exageración. Habrá más series españolas en 2021. Las cadenas y plataformas ya llevan meses anunciando sus nuevos proyectos, algunos de estreno inminente, otros aún sin fecha. En Cine con Ñ nos hemos atrevido con una lista, como siempre arbitraria, como siempre que se queda corte, de las series españolas más esperadas de este año que comienza:
LA CASA DE PAPEL T5
El gran pelotazo global de Netflix alcanza su última temporada. Después de la decepción de algunos fans con la cuarta –aunque aquí no nos pareció tan mal-, el equipo de Vancouver Media se enfrenta al reto de terminar por todo lo alto y darle un final digno al Profesor y compañía. Lo tienen complicado, pero no imposible. Al fin y al cabo La casa de papel vive de reflejar la indignación social y hacerlo con el máximo exceso posible, y a 2021 no le van a faltar ninguna de las dos cosas.
CUÉNTAME CÓMO PASÓ T21
La veterana serie de TVE alcanza las Olimpiadas de Barcelona’92 y también, excepcionalmente, el presente. La temporada 21, que se dice pronto, saltará entre 1992 y 2020 para reflejar a través de la familia Alcántara el año de la pandemia. Carlos Hipólito pondrá cara a Carlitos además de voz por primera vez en dos décadas y podremos ver el futuro de los personajes, es decir, nuestra actualidad. La serie que ha sobrevivido a todos los saltos mortales de credibilidad se enfrenta aquí a un reto más complicado de lo que parece.
LOS ESPABILADOS
La nueva serie de Albert Espinosa parece ser otra reivindicación de la vida, el optimismo y la independencia de los adolescentes, esta vez mucho más centrada en la salud mental que Pulseras rojas. El autor de Todo lo que podríamos haber sido tú y yo si no fuéramos tú y yo vuelve a adaptarse a sí mismo, en este caso su otra novela Lo que te diré cuando te vuelva a ver. Hay muchas expectativas en su regreso a la televisión, que contará con el respaldo de producción que siempre supone Movistar+.
EL INOCENTE
Mario Casas protagoniza un drama de ocho capítulos con tintes de thriller y judicial en el que lo acompaña un reparto de lujo con Aura Garrido, José Coronado, Alexandra Jiménez, Juana Acosta, Ana Wagener o Gonzalo de Castro. Es el proyecto más llamativo de Netflix para este 2021, y eso que incluye un par que mencionaremos más abajo. Basado en la novela homónima de Harlan Corben y dirigida por Oriol Paulo, que ya tuvo a Casas de protagonista de su thiller Contratiempo.
EL INTERNADO: LAS CUMBRES
El reboot de la mítica serie de Antena 3 llegará en febrero con lanzamiento mundial por parte de Amazon Prime Vídeo. Nuevo internado, nuevos profesores, nuevos alumnos pero la promesa del mismo cóctel de tramas de instituto, terror clásico drama de la original. De las resucitadas series de los 2000s que está recuperando Atresmedia, la única que hará tabula rasa y en la que se espera un mayor despliegue de producción que favorezca tanto a la ambientación como a los monstruos.
HIERRO T2
Vuelve la jueza interpretada con Candela Peña con un nuevo misterio tras el éxito de crítica, premios y público de la primera entrega. Que repita todo el equipo, tanto delante como detrás de la cámara, con el carisma de Peña y Dario Grandinetti para llevar el peso de la serie, es la garantía de la serie de Movistar+, la cual ha sabido adaptar los tropos del policial del norte de Europa al contexto canario.
DEUDAS
Carmen Maura es el gran atractivo de esta comedia negra de Atresmedia con dos clanes liderados por sus respectivas matriarcas que se enfrentan por el control de la ciudad de Madrid. A los mandos está Daniel Écija, cambiando de registro tras La valla. El elenco de una serie coral por concepto a pesar de llevar a Maura de cabeza de cartel lo completan una larga nómina de veteranos de la comedia patria como Salva Reina, Carmen Ruiz, Mona Martínez, Ibrahim Al Shami, Ana Verónica Schultz , Javier Coll, Pedro Ángel Roca o María de Nati.
TODO LO OTRO
Abril Zamora dirige, escribe y protagoniza otra serie generacional más, de la que se espera que huya de tópicos irreales estilo Valeria y proponga una vuelta de tuerca. La guionista y actriz repite como máxima responsable de un producto después de su lejana experiencia en la ya lejana Temporada baja, pero esta vez con la marca HBO como respaldo.
DOS VIDAS
Esta serie diaria sustituirá a Mercado Central en la franja de la tarde de TVE1 antes de Servir y Proteger. La propuesta llega como un giro ambicioso para lo que se espera de este tipo de producciones: una historia narrada en dos tiempos, entre los 50 y la actualidad, que refleje tanto la España de 2020 como el colonialismo en la Guinea Ecuatorial de la época. Tanto por lo poco tratado del tema en nuestra ficción como por lo raro que es ver, por razones de producción, una propuesta tan compleja en la ficción diaria, una serie a seguir.
SKY ROJO
La nueva serie de Álex Pina y Esther Martínez Lobato para Netflix es un thriller sobre tres mujeres que huyen del proxeneta que las extorsionaba. El contrato en exclusiva de Vancouver con la plataforma se vuelve a traducir, tras la malograda White Lines, en otra serie adrenalínica de gente muy guapa haciendo cosas muy locas, esta vez con un mensaje social -y feminista- mucho más explícito que en otras series marca de la fábrica. Repartazo que forman Verónica Sánchez, Lali Espósito, Asier Etxeandia, Yany Prado, Miguel Ángel Silvestre y Enric Auquer.
La nueva serie de Agustín Martínez y Carlos Montero para Netflix estará ambientada en la Andalucía de los 90 y se define como thriller sobrenatural. Narra la vida de dos hermanas en plena adolescencia que descubren que sus padres son responsables de hechos y que el pueblo en el que viven no es tan inofensivo como parece.
Cuéntame cómo pasó, la veteranísima serie de RTVE, ya tiene fecha de estreno para su temporada 21, la que llegará a los Juegos Olímpicos de Barcelona’92 y también, de manera inédita, al presente, contando la experiencia de los personajes durante el confinamiento de la pandemia de COVID19 en el reciente 2020. El primer capítulo se podrá ver el próximo jueves 14 de enero, con Carlos Hipólito prestándole a Carlitos por primera vez no solo su voz sino también su presencia física.
TVE hizo pública la fecha de estreno el pasado Día de Reyes después de especularse con que la nueva y esperada temporada no se estrenaría hasta septiembre. Entre otras novedades la serie incorpora a la actriz Silvia Abascal como la joven María Alcántara ya una adulta de 48 años y enfermera que tendrá que enfrentarse a la crisis del coronavirus en los hospitales de Madrid.
Calificar a Carlos Hipólito de cara nueva en la serie es más relativo: el actor lleva ya casi dos décadas poniendo voz a Carlos Alcántara, el narrador y punto de vista del espectador durante toda la serie, pero hasta ahora nunca le había puesto cara. Se confirma así que el futuro del personaje interpretado por Ricardo Gómez es convertirse en el veterano actor.
Cuéntame se une a las «series de la pandemia»
Aunque la abuela Herminia que interpreta desde hace 20 años María Galiana ya no estará en 2021, Imanol Arias y Ana Duato sí que repiten sus papeles de unos ya ancianos Antonio y Mercedes, que si se sigue la cronología de la serie estarían rondando la centena de años.
El elenco de Cuéntame cómo pasó sigue batiendo récords, ya que los actores celebran nada menos que 20 años al pie del cañón en la serie como una familia Alcántara cada vez más numerosa y de la que pronto conoceremos su futuro, nuestro presente, en este recién terminado 2020.
Cúentame se une así a series como Vitals o documentales como 2020, aunque será la primera ficción popular española en reflejar en coronavirus, además en una serie tan consolidada y con un valor de documento y reflejo de la historia reciente como es la producción de Grupo Ganga.
Laura Hojman es una de las socias de la productora independiente sevillana Summer Films. Licenciada en Historia del Arte, gestora cultural, productora, guionista, documentalista y directora, estrenó el pasado otoño Antonio Machado. Los días azules, documental sobre la vida del poeta sevillano y el peso de su figura como representación del exilio tras la Guerra Civil española. Una película que rima con su anterior documental, Tierras solares, dedicado a Rubén Darío, figura clave en la vida y la obra de los hermanos Machado. Hojman nos atiende por correo electrónico en mitad de los vaivenes de la promoción del filme y poco antes de las fiestas.
¿Cómo ha ido hasta ahora el recorrido del documental? Está siendo un año relativamente bueno para los documentales en taquilla, pero siempre es complicado.
Teniendo en cuenta el año en el que estamos y todas las consecuencias de la pandemia sobre el sector cultural y el cine en particular, el recorrido del documental está siendo muy bueno. Durante el confinamiento, en el que terminamos la postproducción, llegué a pensar que ni siquiera podría estrenarse, pero por suerte llegaron las selecciones en festivales y pude estrenar en la SEMINCI, el Festival de Sevilla, el Iberoamericano de Huelva, el Festival de Cine Español de Edimburgo y tantos otros por los que sigue su recorrido. Por supuesto, las restricciones de aforo han hecho que muchos espectadores no pudieran verlo en pantalla grande durante estos festivales, pero por otra parte, el hecho de haber estado en Filmin durante el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, que se celebró online, hizo que el documental llegara a muchísimo público y en solo dos días se colocara como el más visto de toda la plataforma.
Durante la celebración de estos festivales, además, recibí el Premio RTVA a Mejor Cineasta de Andalucía y el Premio Imagenera a Mejor Largometraje Documental, que otorga el Centro de Estudios Andaluces, lo que arropó mucho el recorrido de Antonio Machado. Los días azules. Respecto al estreno en cines, es un año muy difícil. El cierre de los cines en Andalucía hizo que tuviéramos que cancelar el estreno en mi comunidad, pero hemos podido estrenar en cines de Madrid y Barcelona con una acogida muy buena. Seguimos cerrando pases en salas de cine, porque creemos firmemente que la experiencia de la sala de cine es única e irremplazable. Es un documental que hicimos para el cine y como distribuidora independiente seguiremos apostando por las salas, aunque pueda convivir con otros formatos.
[Nota de Cine con Ñ: en el momento de la entrevista no, pero actualmente se puede ver Antonio Machado. Los días azules online en Filmin]
¿Y la recepción?
La recepción ha superado todas mis expectativas. No voy a mentir, confiaba en que el documental era bueno, pero pensé que sería para un público más minoritario. Una tiende a sentirse un poco sola en este camino de llevar al cine historias sobre poetas, no suena muy cool en principio, aunque yo creo que no hay nada más emocionante que hablar de la vida, y hacerlo a través de las voces y las historias de aquellos que supieron verla e interpretarla. Tras cada proyección se me han acercado personas muy emocionadas, con lágrimas en los ojos, que me dan las gracias, unas gracias con mucha verdad.
Y tras la emisión de la versión para televisión en el programa Imprescindibles de TVE, la acogida ha sido increíble. Todos los días recibo mensajes y emails de personas que me buscan para decirme cosas preciosas sobre el documental, cosas muy personales y con mucha emoción. Y es algo que vengo notando desde el primer pase, el documental conecta con algo profundo de las personas, y eso es hermoso.
¿Diría que Tierras solares y Antonio Machado. Los días azules se pueden leer como un continuo? ¿Podemos entender que el título del segundo remite a Rubén Darío?
No sé si como un continuo pero desde luego, Antonio Machado. Los días azules nació de Tierras solares. Fue cuando estaba escribiendo el guión de mi primer documental que supe que tenía que hacer otro sobre Machado. Darío tuvo muchísimo que ver en su vocación poética, y fueron muy amigos. Rubén Darío fue un agitador de la vida cultural española, su libro Azul. fue una revolución entre los jóvenes. El mismo Juan Ramón Jiménez se fue a Madrid a «luchar por el Modernismo», y es una época que me fascina. Sí que hay reminiscencias de Darío en el título, porque el documental es también un homenaje a esos días, a los de Darío, a los de la juventud de los hermanos Machado, de Juan Ramón… a los de toda esa juventud fervorosa por vivir, por conocer, por crear. Para mí, son los días de la esperanza.
¿Cómo fue contar con el testimonio de la poeta Francisca Aguirre, quien también sufrió un exilio como el de Machado cuando era niña y falleció recientemente?
Es uno de los regalos que me ha dado no solo este documental, sino la vida. Falleció muy poquitos días después de entrevistarla, pero mostró una energía y una lucidez maravillosa. Nos leyó su poema Frontera en el que describe el momento en el que siendo niña coincide con Antonio Machado en el camino del exilio. Cuando terminó, mis compañeros y yo teníamos lágrimas en los ojos y aún, al recordarlo se me pone la piel de gallina. Al terminar la entrevista, me cogió de la mano y me dijo: «Me encanta que la directora sea una mujer».
Hojman conversa con Jacques Rodor, de la Fundación Machado, durante el rodaje. Foto: Summer Films.
¿Existe un desconocimiento de lo que supuso una época como la llamada ‘Edad de Plata‘, los años 20 y 30 en la cultura española?
Creo que sí, sobre todo porque no hay nada peor que dar por sabidos a los clásicos, cuando precisamente lo son porque nos siguen iluminando siempre. En el caso de Machado me he encontrado precisamente a mucha gente que me ha mostrado sorpresa sobre aspectos de su vida y de su obra que han conocido gracias al documental. Un autor que parece que está tan leído, tan sabido… Queda de manifiesto que siempre está por descubrir y que su obra es tremendamente moderna incluso hoy. Esa es precisamente la definición de clásico. Creo además, que al menos en mi época, se enseñaba fatal en la escuela y esto nos hacía rechazar o alejarnos de unos autores y de una etapa realmente fascinante de nuestro país.
¿Y de la dimensión del exilio?
Una de las cosas que el propio equipo pudo comprobar de primera mano durante el rodaje de la película es que los herederos del exilio en Francia han sabido cuidar esa memoria mucho más de lo que se ha hecho en nuestro país. Aquí todavía no se ha hecho una reflexión profunda sobre nuestra historia y vivimos las consecuencias en el día a día. Durante el rodaje me encontré con personas que me comentaban que no sabían por qué Machado se había ido a Francia y por qué estaba enterrado allí.
Ya que nos dió pie en redes: ¿queda por grabar un Midnight in Paris, ya sea ambientada en la misma capital francesa o en Madrid, sobre esa etapa de la literatura y el arte en España?
Desde que empecé a investigar y a documentarme para Tierras solares lo pensé. Me era difícil no salirme del tema tirando del hilo de otras historias paralelas, anécdotas… París era como La Meca para todos los artistas y escritores, el lugar en el que estaba pasando todo, y me encanta imaginarme cómo serían esas noches en el Barrio Latino, bebiendo absenta, los encuentros de Verlaine con Darío, Alejandro Sawa, Antonio y Manuel Machado con Óscar Wilde… Es una historia fascinante desde luego.
El resto de hermanos Machado, en especial Manuel, que en vida fue casi tan conocido como Antonio, tienen una presencia constante de fondo en el documental. ¿Se ha perdido su importancia? ¿Antonio los eclipsa?
Quise que en el documental toda la familia, no solo los hermanos, tuvieran una presencia, porque creo que a Antonio no se le puede entender sin su familia. Personalmente, tengo especial simpatía por su abuelo, otro gran desconocido, pero que fue un personaje importantísimo en la ciencia y en la vida política, precursor de las teorías de Darwin en España, ecologista…
Manuel Machado es un gran poeta, un dignísimo heredero de las formas populares que le inculcó su padre y una persona cuya trayectoria vital nos ayuda a entender el drama que supuso la Guerra Civil. Más que lo eclipsara Antonio, creo que quedó eclipsado por la historia. Una de las cosas que más me han comentado del documental es la sorpresa al conocer la historia de Manuel, al que se le ha tenido siempre como el poeta del régimen franquista. Sobre Manuel cayó un sambenito injusto que hoy no se sostiene. Puede que sí, que la figura de Antonio Machado sea tan rotunda que haya eclipsado a los demás miembros de su familia, por eso precisamente quise hablar de ellos en Los días azules.
Hojman y su equipo grabando en la tumba de Machado en Francia. Foto: Summer Films.
¿Por qué han tenido que pasar más de 40 años de democracia para que un presidente en ejercicio visitase la tumba de Machado?
Habría que preguntárselo a los anteriores presidentes… pero es un signo de ausencia de normalidad democrática, de la dificultad que tiene este país para relacionarse con su pasado. En Francia, la tumba de Machado es un símbolo, numerosos políticos o referentes de la cultura la visitan cada año en los actos de homenaje que se organizan en Collioure. Tras la visita del presidente Sánchez, todos los periódicos franceses celebraban la noticia como un hecho histórico y un acto de justicia. Los descendientes de los exiliados nos contaban emocionados que era el momento que llevaban 80 años esperando, un reconocimiento por parte del Estado español, y un perdón, que pronunció ante la tumba de Azaña.
Es un acto que debería haber suscitado consenso en España, fuera Pedro Sánchez u otro presidente. El caso es que era el representante del gobierno de nuestro país haciendo por fin lo que se tenía que haber hecho hace mucho tiempo. Sin embargo, aquí todo fue controversia. Es un ejemplo bastante revelador de por qué han tenido que pasar más de 40 años de democracia para que algo así suceda.
Santiago Segura rodará desde el próximo 25 de enero su nueva comedia familiar, en la que repite como director y actor y será acompañado por Leo Harlem, con el que ya ha compartido reparto en varios éxitos recientes como Padre no hay más que uno 2. Se trata a de ¡A todo tren! Destino Asturias, remake de un filme francés aún sin estrenar.
Santiago Segura y Leo Harlem interpretarán a un padre y a un abuelo encargados de llevar a su hijo y a sus amigos al campamento. Pero cuando el tren arranca sin ellos y con los niños solos dentro, comenzará una disparatada persecución por parte del padre y del abuelo para llegar al tren, y un alocado viaje por parte de los niños donde harán todas las travesuras que no se atrevían a hacer delante de los mayores.
Completan el reparto, entre otros, Luna Fulgencio, Sirena Segura, Diego García-Arroba ‘El Cejas’, Florentino Fernández ‘Flo’ y David Guapo.
La encargada de la adaptación del guion es Marta González de la Vega (Padre no hay más que uno, Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra, Sin rodeos), basado en una producción francesa que todavía no se ha estrenado en Francia por culpa de la pandemia.
Rodaje en Asturias y Madrid
En palabras de Santiago Segura: “Un nuevo proyecto cinematográfico siempre es ilusionante, pero más aún si ese proyecto te permite rodar en un sitio tan espectacular y acogedor como Asturias”. La película comenzará a rodarse el 25 de enero de 2021 en diferentes localizaciones de Asturias y Madrid.
Asturias será un protagonista más en la película de Segura, rodando el final de la misma en el Principado. El Principado de Asturias, junto con la Asturias Paraíso Natural Film Commission, colaboran también con ¡A todo tren! Destino Asturias a través de un contrato de patrocinio cuyo fin es la promoción de Asturias como destino.
Perder un tren siempre es doloroso, pero es aún peor cuando los niños que están a tu cargo se han quedado dentro sin ningún adulto que les supervise. Este es el comienzo de una loca persecución liderada por un padre y un abuelo: dos generaciones que tienen que lidiar con sus propios problemas.
Se trata de Felipe, un abuelo imaginativo y mujeriego que nunca ha cambiado un pañal y Ricardo, un padre hipocondríaco abrumado por la situación. Intentarán alcanzar el tren nocturno donde dejaron a los niños solos. Cogerlo a tiempo es su única oportunidad para reparar sus errores.
Los personajes huyen cada uno de los miedos que casi los vencen en el anterior capítulo… para descubrir que no pueden escapar. El padre Vergara se refugia en el último lugar donde Santoro puede encontrarlo, pero las noticias sobre los planes de este hacen evidente que su presencia es necesaria de vuelta en Pedraza. Mientras tanto, Paco y el sargento Laguna deberán enfrentar sus propios momentos de la verdad.
Hasta ahora el capítulo más flojo, en el que las tramas paralelas, aunque encajen temáticamente sin muchos martillazos, peor acaban combinando dramáticamente. Un capítulo de transición que aporta poca información más allá de sumarle otro escenario dramático a las desventuras de Vergara y que funciona bien para Paco pero muy mal, o al menos sin estar demasiado explicado, para Elena.
Aunque el ciclo de Vergara también tiene mucho de penitencia cristiana -y de terapia de shock recetada por un psicólogo puesto de anfetas-, su rol de sheriff que no quiere volver a cargar con la estrella se enfatiza más que nunca. Es un cura agnóstico, que reta a los fanáticos de cualquier religión y pelea con la necesidad de mirar a la verdad de la existencia a los ojos. Pero, quizás, nos lo están recordando demasiado, sobre todo cuando es evidente que va a recuperar la fe para la batalla final.
Crítica de 30 monedas capítulo 6 con spoilers
Por fin Paco se muestra tal cuál es a Merche y al pueblo. Elena se marcha con Roque a París, no sabemos si huyendo de Pedraza o de su propio dolor. Al mismo tiempo, Vergara, oculto en el dolor extremo y la violencia de la guerra de Siria, se da cuenta de que debe volver a Pedraza cuando es capturado por el ISIS. Su discusión “teológica” sobre la verdad y la fe con el extremista islámico que sabe español define a la perfección la mezcla de escepticismo, racionalismo y auténtica fe religiosa que mueven al personaje.
Es imposible parir ocho genialidades una detrás de otra si quieres que el arco completo de una serie sea consistente. El seis acaba por ser el episodio que anuncia las pruebas más duras, la derrota del segundo acto que diría un manual malo de guión. La moneda vuelve a Elena mostrando todo su poder y más Anillo Único que nunca.
Retomando lo apuntado en pre–spoilers: aquí Vergara es Predicador, Lobezno y el Doctor Extraño. Sin embargo su noche oscura del alma también lo revela como un San Manuel Bueno de Unamuno con la parafernalia de Blade. No estoy de broma. El gusto de de la Iglesia por su paisano filósofo es bien conocido, y al fin y al cabo es un cura de un pueblo de Castilla que ha perdido la fe y asume el sacrificio por salvar a unos convecinos que no se lo merecen. Sus más fieles ayudantes, además, son los dos personajes por definición más ateos de cuantos le rodean.
Juntos por Segovia
La crítica política y el costumbrismo desde el humor negro tienen presencia en el acto electoral en el que finalmente cae la máscara de Paco. También están en la pesadilla de Elena, con esas tres vecinas omnipresentes, sacadas de La comunidad pero también brujas de Zugarramurdi subsidiarias o Santa Compaña por su carácter fantasmal. En su enfrentamiento a Vergara se diría que casi brujas de Macbeth.
En 30 monedas contemplamos la obsesión recurrente de Guerrica y de la Iglesia sobre la existencia del mal, convertida en un debate entre dos compañeros de seminario que son también Xavier y Magneto a su manera… aunque lo que hagan es retomar un debate gnóstico del siglo III. El cierre del episodio remite directamente a El exorcista, pero de nuevo vuelve a ser un reflejo torcido. Sabemos que Santoro es un “hombre santo” inverso, un exorcista del mal que expulsa al bien. El cliffhanger es lo mejor de un capítulo flojo que tiene la decencia de anunciarnos un antagonista a la altura para el siguiente episodio.
Balance: De nuevo, como en el cinco, en 30 monedas capítulo 6 hay momentos brillantes y un uso de personajes ya bien definidos y otros no tanto, aunque todos con su función dentro del avance de la serie. Menos consistente como capítulo cerrado que los de la primera mitad, de nuevo. La antología sigue ahí, pero más sutil, y Vergara sigue siendo un gran antihéroe para este thriller teológico, pero se echa de menos que no entremos de una vez en harina. Ya no queda nada y eso es muy bueno, porque intuimos que lo que resta es la gran traca final.
Si pones estas películas a las 22.21 del 31 de diciembre cuando lleguen las campanadas en la tele no estará pasando nada especial, pero al menos te habrás reído un rato y te sentirás mejor. No se puede despedir el año sin películas de Nochevieja y el cine español tiene su pequeño surtido de comedias muy cafres para ambientarla. Desde la que no soporta los especiales de Año Nuevo hasta la que nos anima a encontrar el amor.
Además las campanadas de la Puerta del Sol forman parte de la historia del cine español, y no es una forma de hablar. En la que está considerada la primera película sonora de nuestro audiovisual, El misterio de la Puerta del Sol, de 1929, se llegan a escuchar las campanadas de Año Nuevo. También otro de los grandes de nuestro cine, Santiago Segura, tenía una frase demoledora sobre las fiestas de Nochevieja: el único día del año donde si un desconocido te agarra por la cintura sin permiso y te grita al oído «¡Conga!» está mal visto pegarle.
Así que si la Nochebuena tiene a La gran familia o Plácido, según las ganas que uno tenga de buenos sentimientos o no… si en EEUU tienen Cuando Harry encontró a Sally o El apartamento… la Nochevieja española tiene…
LA PRIMERA NOCHE DE MI VIDA (1998)
La primera película de Miguel Albaladejo, por la que fue nominado al Goya a Mejor Dirección Novel, y escrita por la mismísima Elvira Lindo -que también aparece como actriz-. Director y escritora volverían a colaborar apenas un año después para adaptar Manolito Gafotas. Comedia coral ambientada en la Nochevieja de 1999, en ese momento el futuro inmediato. El equivalente patrio al famoso capítulo de Los Simpsons del efecto 2000, aunque tratado con bastante menos drama. Precedente de Noche de Reyes y prima-hermana ibérica de comedias al estilo de Un padre en apuros al presentar la expectativa inflada de una celebración que se va pinchando por diversas razones.
Emilio Gutiérrez Caba y Adriana Ozores encabezaban un reparto de payasos serios en el que destacaba una entonces aún no tan conocida Leonor Waitling. La moraleja está repleta de buenos sentimientos pero sin caer en moralinas ni ñoñerías, un poco al estilo de lo que se puede esperar de su tándem creativo. En su momento tuvo buena acogida, pero hoy es casi inencontrable.
NO CONTROLES (2011)
La cinta de Cobeaga es una comedia cafre envuelta en las formas de una comedia romántica, lo cual define muy bien muchas obras del director y guionista vasco hasta que se quitó la correa con Negociador y Fe de etarras. El protagonista Sergio, interpretado por Unax Ugalde, se ve atrapado en un hotel en plena Nochevieja junto a un variopinto grupo de turistas y otras fieras mientras su ex novia de la que sigue enamorado, Bea (Alexandra Jiménez) se dispone a volar a Alemania. Si le sumamos tópicos a los que jugar a dar la vuelta no acabamos nunca, pero la Nochevieja vuelve a servir como espectáculo de felicidad forzada en la que la soledad puede llegar a pesar más y su trasfondo subraya el patetismo del «héroe» romántico.
Pero no nos engañemos, de esta entre todas las películas de Nochevieja lo que recuerda cualquier espectador es a Juancarlitos. Ese amigo flipado y completamente insoportable que tiene gracia en pantalla e interpretado por Julián López, pero al que en la vida real estrangularías con el espumillón mientras Anne Igartiburu anuncia que ya vienen los cuartos.
CUERPO DE ÉLITE (2016)
Sí, esto pasó. Y quizás incluirla entre las películas de Nochevieja vaya un poco forzado. Joaquín Mazón dirigió esta comedia, derivativa de los éxitos de Ocho apellidos vascos y la serie Allí abajo, en la que se explotaban sin ninguna vergüenza los tópicos regionales de esta España mía, esta España nuestra. Con el mosso repelente e individualista, el ertzaina más bruto que hecho por encargo y la guardia civil que reza un Ave María para disparar bien capitaneados por un guardia de tráfico madrileño tan flipado como inútil. La cosa es que el plan malvado del malo -el ministro del Interior que interpreta Carlos Areces, en el toque chanante imprescindible- es hacer estallar una bomba núclear en el reloj de la Puerta del Sol durante los fastos de Nochevieja. Y allá tendrán que ir nuestros héroes, o como los queráis llamar, a impedir tan desopilante villanía.
A efectos prácticos la Nochevieja la podían haber sustituido fácilmente los Sanfermines, la Tomatina o cualquier otra fiesta popular que se considere más o menos idiosincrática de la identidad española, pero hacía falta esa peculiar mezcla de lujo y cutrez, de alegría sincera y caspa, que la define.
MI GRAN NOCHE (2015)
¿Lo dudabáis? La película de Álex de la Iglesia no está ambientada exactamente en Nochevieja, sino en la grabación de una de esas insufribles galas televisivas de Año Nuevo. Si Berlanga rodó Plácido en parte para echar vitriolo sobre los maratones benéficos de Navidad que no soportaba, lo del director de El día de la Bestia con los especiales de Nochevieja no tiene nombre. Comedia coral con un enorme Raphael que se autoparodia de principio a fin y que aprovecha su contexto mediático y loco para criticar la falsa felicidad de las fiestas. Claro que aquí el peligro no es que Juancarlitos te haga pasar vergüenza ajena, sino que la compañera de mesa gafe provoque que te aplaste un foco o que el cantante con el que compites por la primera actuación tras las campanadas te deje tuerto.
Probablemente no es la película de de la Iglesia que vaya a pasar la primera a la historia, pero si es su comedia más cafre y desenfadada, en el sentido de parecerse mucho a esas mismas fiestas que está criticando: una celebración sin otro objetivo que pasarlo bien y descontrolar lo que no sé descontrola el resto del año.
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