Aunque parezca mentira, se siguen abriendo cines nuevos. La recaudación cayó 454 millones de euros respecto a 2019, cada nueva restricción paraliza las salas a pesar de que son un entorno seguro, seguimos sin un plan de rescate como el de nuestros vecinos europeos… pero el cine se abre camino. Este 2020 tan demencial ha acabado con el estreno de varias salas en toda España y en Cine con Ñ hemos hablado con las personas responsables de algunas de ellas para conocer el reto de abrir un cine en tiempos de crisis y pandemia.
Cines nuevos a concurso público
Inauguración de Cineápolis Utrera el pasado 18 de diciembre. Foto: Cineápolis.
Rogelio Delgado, uno de los gestores de la cadena Cineápolis, atendió a Cine con Ñ por teléfono mientras se dirigía al municipio sevillano de Utrera, donde el pasado 18 de diciembre se inauguró un nuevo multicine, propiedad del Ayuntamiento pero administrado por su empresa. Su primera frase es categórica: «sabemos que no hay crisis que dure 100 años ni cuerpo que lo resista» así que «somos una empresa que gestiona cines y mantenemos nuestro compromisos».
El modelo utrerano es de concesión municipal: el ayuntamiento de la localidad adquirió el antiguo cine, situado dentro de un centro comercial, lo habilitó y puso su gestión en concurso público, ganando Cineápolis. «En España no es habitual, pero en otros países de Europa este modelo del cine como infraestructura pública que se saca a licitación es común», explica Delgado. «Es una infraestructura cultural a la que se le busca la mejor gestión como otra cualquiera», opina.
Cineápolis está presente en Cádiz y en otros municipios sevillanos como Dos Hermanas. En algunos casos lleva cines que se encuentran dentro de centros comerciales, pero en este último «es una circunstancia más. Estas salas han estado cerradas dentro del centro comercial durante años, así que su reapertura no depende de eso. Aunque la retroalimentación de ambos negocios nos parezca bien a nosotros y a los comerciantes».
Quieren huir, además, del estigma de excesivamente comercial asociado a las salas en centros de este tipo. El pasado día 18, precisamente en puertas de uno de los mejores fines de semana en recaudación del año, abrieron sus puertas con el gran blockbuster estadounidense de la Navidad, Wonder Woman 84, sí, «pero también con Nieve en Benidorm, de Isabel Coixet, que era el gran estreno de autor español. Si el cine es una infraestructura cultural tiene que hacer una labor cultural».
Cines nuevos de barrio
Interior del Cine Embajadores de Madrid. Foto: Cine Embajadores.
Con un poco más de recorrido que el nuevo cine de Utrera existe la Sala Embajadores de Madrid, inaugurada el pasado verano tras retrasar su apertura por las medidas del primer confinamiento. Fernando Lobo, relaciones públicas de Cines Embajadores y jefe de prensa de la distribuidora Surtsey Films, atiende nuestra llamada desde el barrio madrileño de Arganzuela. «Queríamos venir aquí porque es un barrio sin gentrificar pero cerca del centro de Madrid, con familias, gente de todas las edades y mucha vida cultural. Queríamos abrir un cine que fuese parte de la vida del barrio».
«Estamos organizando coloquios, charlas sobre política local, pases de documentales de arte o literatura… la respuesta de los vecinos ha sido estupenda y ya nos sentimos miembros de la comunidad», nos explica Lobo. La sala aspira a todo tipo de público, así que aunque prefieren el cine de autor, no renuncian al cruce entre lo comercial y los artístico o a comedias populares como Padre no hay más que uno 2.
El proyecto tenía ya un par de años y lo retrasó el coronavirus. Las obras del local habían empezado en noviembre de 2019 y todos los trabajos previstos pegaron un salto de varios meses cuando España se congeló por el primer confinamiento. Lobo le saca la parte buena: «hemos abierto ya con las restricciones en marcha, nuestro cine abrió con menos capacidad y todas las medidas» así que «para nosotros la normalidad es esto y de momento nos va bien. Si algún día podemos tener aforo completo, mejor. Mucha gente no va al cine ahora por miedo al contagio, pero más tarde o más temprano volverán».
«¿El futuro? Desde junio el futuro es la semana siguiente» apunta Lobo. «Con esta incertidumbre, ver cuánto dura y qué efectos tiene el proceso de vacunación y etcétera, pues os hago un símil futbolístico: partido a partido». En cuanto a anuncios como los de Warner o Disney anunciando estrenos directos en streaming sin pasar por salas «mantengamos la calma. Las distribuidoras harán sus números y verán qué es más rentable, si la plataforma o la sala».
Cines nuevos en reapertura
Ramiro Ledo junto a las puertas del cine Duplex de Ferrol. Foto: Duplex.
A principios de este mismo mes de diciembre la red Europa Cinemas premiaba a Ramiro Ledo, nuestro director y programador de los cines Numax de Compostela, con el premio Entrepreneur of the Year 2020 por la reapertura del cine Duplex de Ferrol, recuperado como sala de arte y ensayo y cine para la comarca este mismo año. Es la tercera vez, por cierto, que el premio de Europa Cinemas recae en un exhibidor español. Los anteriores fueron Josetxo Moreno, de Golem, en 2013, y Enrique González Macho, de Cines Renoir, en 2006.
La misma firma Duplex explicó en un comunicado que Europa Cinemas suele valoró «la valentía de abrir un cine de estas características en una ciudad pequeña como Ferrol, más en los tiempos que corren, citando en especial la situación de pandemia que está impactando a todos los cines europeos». También se subrayó como «muy positivo» que la sala tenga «una programación diversa, que apuesta claramente por el cine independiente y en versión original».
Ledo es también fundador y presidente de Promio, la recién nacida red de salas independientes de España -que equipara a nuestro país con Francia o Reino Unido-, la cual estaba en conversaciones antes de la pandemia pero aceleró gracias a ella. La aparición de Promio ha coincidido además con las campañas iniciadas Federación de Cines de España (FECE) para solicitar un plan de rescate para los exhibidores de nuestro país similar al del resto de grandes países de la UE.
La reapertura de salas como las de Utrera o Ferrol, además esta última con su apuesta por el cine independiente, y la aparición de otras como Embajadores, con su vocación de espacio cultural volcado en su comunidad, además de la fuerza gremial del sector, retratan la lucha de las salas españolas por sobrevivir en mitad de la mayor crisis reciente que han vivido. En este 2020 que termina, ese espíritu combativo queda como una buena noticia para seguir luchando el año que viene.
«El riesgo creativo más importante que han adoptado las series españolas tiene que ver con la transición desde una ficción concebida para ese mito conocido como “la señora de Cuenca” –mezclas genéricas, claridad expositiva, ausencia de ambigüedad, temas acomodaticios, inexistencia de zonas de sombras…– a una ficción plural en públicos, temas, formatos y soluciones formales y narrativas. Y a esa saludable heterogeneidad quieren atender los análisis de Revolución seriada«.
El que se así se expresa es Miguel Ángel Huerta, crítico y profesor de Realización y estética cinematográfica y Guión televisivo en la Universidad Pontificia de Salamanca. Ha coodinado el libro Revolución Seriada: el Gran Cambio de la Ficción Televisiva en España, que edita Tirant Editorial y en el que una decena de críticos y analistas de televisión analizan el salto de calidad de las series españolas de la última década.
Internet y competencia para que explotase el talento español
Ese cambio en el que, según explica Huerta a Cine con Ñ, «internet ha sido decisivo». La televisión de pago vía satélite «no abrió las puertas a una ficción diversa y dirigida a públicos heterogéneos. Mientras tanto las cadenas generalistas se retroalimentaron en la generación de unos modelos de series que tenían su éxito y su mérito pero que incurrían en un conservadurismo expresivo y en prácticas tan letales como las duraciones de los capítulos».
Este estancamiento de la ficción española tuvo que esperar «a la amenaza de las plataformas digitales estadounidenses y, especialmente, a la irrupción de Movistar+, para que todo el talento creativo que había en España explotara en las múltiples direcciones que sin duda podía transitar».
En Revolución seriada Autores como Concepción Cascajosa, Nahum García, Deborah Castro o Ernesto Pérez Morán analizan El Ministerio del Tiempo, Merlí, Vis a vis, La casa de papel, Élite, Mira lo que has hecho o La peste. No hay una que se destaque sobre las demás porque «no es tan sencillo elegir un título como el detonante de todo a la manera en la que acudimos tantas veces a Los Soprano como arranque de la última edad dorada de la televisión en Estados Unidos», opina el crítico.
«Cada autor se ocupa de una producción en particular hasta completar diez casos que no aspiran a ser un canon pero que sí son una fotografía bastante nítida de un momento histórico muy relevante para nuestras series«, explica Miguel Ángel Huerta. «Y hasta ahí puedo contar: quien quiera saber más tiene una oportunidad ideal para recibir un regalo que por lo menos creo interesante».
Así, la conclusión es que «el gran cambio que se aprecia en los textos audiovisuales es posible gracias a sus respectivos contextos». Las cualidades de los productos audiovisuales «suelen ser resultado de factores diversos, sean industriales, políticos, culturales o de otro tipo». Y para analizarlo han tenido en cuenta «los condicionantes de producción que las hace posibles».
La ‘revolución seriada’ de los francotiradores y los autores
Crematorio «fue un aviso muy serio, pero en realidad Canal Plus nunca acabó de apostar de manera estratégica por la producción de series de calidad. Por otro lado, algunos francotiradores como los hermanos Olivares tienen un mérito especial con una serie como El Ministerio del Tiempo, que, además de sus méritos estéticos y narrativos, dio origen a un fenómeno en la recepción de un gran interés cultural».
Desde Cine con Ñ le planteamos por dos precedentes de la actual etapa televisivo: la producción de series de prestigio que en otra época encabezaba apenas RTVE (adaptaciones como La Regenta o series que fueron percibidas como revolucionarias como Anillos de Oro o Brigada Central) y el tópico de la serie española que era o una familia desayunando o una comedia absurda.
«De aquella radiotelevisión pública que asumía con ambición su papel de motor cultural mediante la producción de relatos seriados de tanto prestigio tristemente parece quedar poco. Sin embargo, aquella etapa tuvo algo de cinematográfica… y esta, en algunos aspectos, también la tiene». Por ejemplo, el caso de Enrique Urbizu, un cineasta de viejo cuño refugiado en la corte de Movistar+. «Y en cuanto a los tópicos, es bastante cierto que en series como Médico de familia y Los Serrano había mucha gente que desayunaba mucho. Las series que aparecen en Revolución seriada son bastante más frugales«.
Un libro que llegará a las estanterías la primera semana de enero y que parece un colofón adecuado al año con más series del año que se recuerda, en que las series españolas conquistaron a la crítica del planeta y fueron capaces de protagonizar el debate público como muy pocas veces antes lo habían hecho.
La recaudación en 2020 cayó un 72% respecto a 2019, de manera que las pérdidas por la pandemia de la taquilla española alcanzan los 454 millones de euros respecto al ejercicio anterior, según datos provisionales publicados por Comscore. El año pasado, 2019, la taquilla cerró con más de 105 millones de espectadores confirmando una tendencia al alza que en 2020 se ha frenado en seco por la pandemia de la COVID-19 y las restricciones sanitarias.
La taquilla española cierra el año 2020 con un total de 169,7 millones de euros de recaudación y 28,2 millones de espectadores en 2020, según datos provisionales de Comscore a 28 de diciembre. Entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2019 los cines contabilizaron 624,1 millones de euros y 105,5 millones de espectadores, lo que supuso que la taquilla total aumentó en 38,4 millones de euros respecto a 2018
Y eso que el inicio del año 2020 seguía la misma línea de crecimiento que el año anterior, con un incremento de asistencia del 7 por ciento acumulado en los meses de enero y febrero. En el mes de marzo los cines se vieron obligados a cerrar sus puertas durante tres meses, hasta finales del mes de junio, cuando durante la desescalada se inició la reapertura progresiva de las salas.
Durante los meses de verano e impulsados por grandes estrenos como Padre no hay más que uno 2 o Tenet, la taquilla comenzó a recuperarse ligeramente, hasta que sobrevino la segunda ola de la pandemia y volvieron las restricciones, y con ellas, la cancelación o el paso a streaming de algunos de los estrenos más atractivos del año, a pesar de que las salas demostraron ser un entorno seguro.
Este año tan atípico finaliza con un mes de diciembre donde la taquilla, impulsada de nuevo por algunos estrenos internacionales, mejora su evolución y consigue cifras significativas teniendo en cuenta la situación, como la mejor apertura de una película, Wonder Woman 1984, desde el 28 de agosto cuando llegó el estreno de Tenet, y el mejor fin de semana, el del 25 al 27 de diciembre, desde el 18 de septiembre, con unos 2,5 millones de euros que maquillán levemente la recaudación en 2020.
El cine español lidera la recaudación de 2020
Padre no hay más que uno 2, dirigida por Santiago Segura y estrenada el 29 de julio, se sitúa en lo más alto del ránking general con más de 2,3 millones de espectadores y 12,9 millones de recaudación. En el Top 5 solo la acompaña otra producción española, Adú, que recaudó casi 6,4 millones de euros y con más de un millón de espectadores.
Cabe destacar que únicamente dos de las cinco películas más vistas de este año se estrenaron tras la primera oleada de la pandemia (Padre no hay más que uno 2 y Tenet), apoyando la reapertura de los cines. Por último, el cine español cierra el año con una cuota de mercado del 25 por ciento, un 10 por ciento más que en 2019.
La siguiente película en el ránking de títulos nacionales de recaudación en 2020 es Malasaña 32, ya a gran distancia con con casi 3,8 millones de euros y 610.000 espectadores. La cuarta plaza del cine español en 2020 es para Hasta que la boda nos separe, con 2,7 millones de euros y 452.400 espectadores. En el quinto lugar aparece Superagente Makey, estrenada también tras el confinamiento, con 1,8 millones de euros y 328.630 espectadores.
En el caso del cine español, cabe señalar que seis de los diez títulos de más éxito del año se estrenaron tras el primer confinamiento duro. A las comedias dirigidas por Santiago Segura y Alfonso Sánchez se unen el documental Eso que tú me das,El verano que vivimos, La boda de Rosa y Hasta el cielo.
Cabe recordar que, en 2019 el cine español recaudó con 304 títulos, de los cuales 219 eran estrenos de ese año, más de 94,1 millones de euros, con 16 millones de espectadores. Esto significa que la taquilla de las películas españolas se redujo en 2019 en casi 9,7 millones de euros y que se perdieron cerca de 1,6 millones de espectadores. Estas eran las peores cifras desde el año 2013, cuando se registraron 70,1 millones de euros. Tras dos años bastante parejos estadísticamente hablando (2017-2018), la taquilla del cine español cayó un 9,3 por ciento en 2019, con casi 9 por ciento menos de entradas vendidas.
Un sueño real «no es tanto una historia del Real Madrid como de un equipo de barrio, el CD Tacón, que se convierte en parte de la élite», explica Ana Pastor. «Hace dos años tenían un solo balón para entrenar y cuando llegaban los chicos al estadio se tenían que marchar. Ahora comparten instalaciones con las estrellas del masculino de uno de los equipos más conocidos del planeta».
Creado en 2014, el CD Tacón es -fue- un club de fútbol profesional de la liga femenina fundado por la exfutbolista Ana Rossell que ascendió en la temporada 2018/2019 a Primera División. Su acuerdo con el Real Madrid CF fue que se convertiría en la sección femenina del mismo si conseguía el ascenso, y de hecho su absorción por el proceso de fusión y la asunción de los colores y el nombre del club no se produce hasta julio de 2020, cuando ya lleva un año en la élite con el apoyo logístico y financiero «merengue».
Ana Pastor, directora de Un sueño real, que se estrena hoy en HBO, y fundadora de Newtral Media explica a Cine con Ñ que la elección del Real Madrid fue socio internacional de su empresa, Exile Content, la productora de Luis Miguel, la serie y que ha trabajado para National Geographic, con la que la empresa productora de El Objetivo estaba en conversaciones para la producción de Una familia real, documental a estrenar dedicado a Felipe VI y alrededores.
La popularidad del fútbol femenino, potenciada por el Mundial de Francia 2019 y la emergencia de la figura mediática de Megan Rapinoe, capitana de la selección de EEUU campeona, animó a Exile a proponer a su socia española un documental sobre una anomalía a punto de corregirse: el Real Madrid era el único «grande» europeo del fútbol sin equipo femenino. El resultado fue un año siguiendo al CD Tacón, futura sección femenina «madridista»
Un sueño real estrena hoy su primer capítulo en HBO y supone el salto de Newtral Media a las docuseries, además de la primera incursión de la plataforma en los documentales sobre deporte español y el primero sobre fútbol femenino en nuestro país. Otras plataformas como Amazon Prime Video o Movistar+ han saturado de estrenos deportivos los últimos meses, con Fernando Alonso, Fernando Torres, Íker Casillas y hasta la selección masculina sub21 como protagonistas.
Pero pocas mujeres. Como estreno más destacado de los últimos meses, Carolina Marín. Puedo porque pienso que puedo, serie documental sobre la campeona mundial y olímpica de bádminton centrado una vez más en sus métodos de entrenamiento. Marín a lo largo de los últimos años, y sobre todo a raíz de la cobertura de sus victorias en los Juegos Olímpicos de 2016, se convirtió en el ejemplo de cómo no hacer una cobertura informativa del deporte femenino, y la docuserie bordea esa polémica por el, según algunas crítica, excesivo protagonismo, una vez, de su entrenador frente al de la propia deportista.
Informe Tacón
Un sueño real es un documental deportivo al uso, en la medida en que da sentido narrativo a la experiencia de las jugadoras y se ordena por hitos deportivos -ascenso a Primera, derrota contra el Barcelona en el debut, lucha por la permanencia, regreso tras el confinamiento-, pero aspira también a algo más. Más cerca de Informe Robinson y su concepto del deporte dentro de un contexto histórico, social o cultural que de la mezcla de épica y burbuja de otras propuestas. Aunque subraya más la desigualdad entre deporte masculino y femenino, con ella muestra la económica existente entre marcas multinacionales como el Real Madrid o el FC Barcelona… y cualquier otra.
Exile ya estaba en conversaciones con Vero Boquete, centrocampista del Milán y la futbolista española con más proyección internacional, que habitualmente había señalado la anomalía de que el Real Madrid no tuviese sección femenina y que acabó participando en Un sueño real. Pero es el acceso al CD Tacón el que permite dar el salto. El equipo de Newtral, con la productora y guionista Esperanza Martín y las periodistas especializadas Paloma Corbí y Mamen Hidalgo tuvieron «acceso total no solo a su trabajo sino a sus vidas», según explica Pastor.
La serie refleja «que son igual de competitivas que cualquier hombre. En su vestuario se gestionan los piques, la frustración y la ansiedad como en uno masculino. La diferencia es que ellas lo verbalizan, y en uno masculino no es lo común», según explica la directora a Cine con Ñ.
En la misma línea las periodistas de Newtral destacan «la facilidad con la que ellas pueden hablar de temas que jamás se mencionarían en un documental de fútbol masculino, como la homosexualidad o la desigualdad«. El tema de los derechos LGTBI, tabú en el fútbol comercial masculino, «surge de manera natural, cuando Babett Peter nos presenta a su mujer y a su hija al hablar de su familia».
Por otro lado el documental consigue un nuevo nivel cuando se topa con el confinamiento por la pandemia a comienzos de 2020. Mientras los jugadores de Primera entrenan en gimnasios privados en sus propias casas y vuelven antes al trabajo al tener un protocolo sanitario ad hoc, las mujeres tardan más, entrenan peor y reciben menos atención. «Es evidente que lo que genera, mediática y económica, el deporte masculino aún no es equiparable», explica Pastor, «pero se hace patente la desigualdad en que no existía ni protocolo ni un convenio colectivo para el fútbol femenino, una lucha que ellas han mantenido estos meses«.
Galácticas con novatas para Primera
Un sueño real es también una serie sobre la mercantilización que llega al fútbol femenino con la atención mediática. Es decir, en parte, sobre el precio que ha de pagar el feminismo por volverse mainstream -como puedan ser las amenazas a la jugadora de Segunda que se negó a guardar homenaje a Maradona-. En el primer episodio, las taconeras suben de categoría a costa del Santa Teresa de Badajoz, club menos conocido y con menos posibles económicos pero con mucha más tradición futbolera a sus espaldas.
Recordemos que el CD Tacón ha «sido» el Real Madrid solo hasta cierto punto. El acuerdo de fusión»se alcanzó a condición de que las madrileñas subiesen a Primera -la ‘marca’ Real Madrid no debía, digamos, mancillarse en otra categoría- y durante una temporada siguió compitiendo con su colores originales, aunque en muchas informaciones se la identificase como RMCF. En 2019, el 9 a 1 del FC Barcelona alrededor del que gira el segundo episodio lo recibió oficialmente el Tacón, no al Real Madrid.
Muchas jugadoras, cuando repasan sus carreras, explicitan la condición de recién llegado del club de Florentino Pérez, ya que se han formado en el Atlético de Madrid, el Rayo Vallecano o el Madrid CCF, incluso el CD Canillas vecino de barrio del Tacón, como fue el caso de las hermanas Malena y Samara Ortiz. Es decir, cronológicamente el Real Madrid es el cuarto o quinto equipo femenino en llegar a su propia ciudad, y otros clubes históricos lo superan en décadas en el deporte femenino profesional, como el Athletic Club, el Barcelona u otros con menos éxito en el masculino como el Levante UD.
En el primer capítulo, por ejemplo, tenemos la historia de Esther Martín, hija de un pastor de Daimiel, en La Mancha, a la que era su abuelo, socio madridista desde hace casi 90 años, quien la llevaba a entrenar y acompañaba a los partidos los fines de semana, siendo su principal apoyo familiar para atreverse a ser futbolista profesional. Así, la historia de Esther no es tanto una historia del Real Madrid como una de superación y tradición familiar.
Paradójicamente, la jugadora estará viendo el estreno de la serie desde Valencia, ya que se marchó al Valencia CF esta temporada. El documental no se corta en reflejar como el ascenso y el peso de la marca conllevan una serie de fichajes que crean un gran contraste: campeonas de la Champions y semifinalistas del Mundial compartiendo vestuario con jugadoras a las que sacan casi una década de edad y experiencia y apenas se han profesionalizado. Las suecas Jakobsson y Asllani, la alemana Peter, las brasileñas Thaisa Moreno y Daiane o la inglesa Ubogagu entran para subir el nivel competitivo pero inevitablemente desplazan a las que consiguieron que el CD Tacón pueda estar donde está.
Un sueño real para Newtral
En tres años, la empresa fundada por Ana Pastor ha pasado de dos clientes y aparecer en La Sexta y TeleMadrid a más estar presente en más de 15 plataformas. Newtral buscaba salir de la tele tradicional y diversificar sus productos. Por otra parte, Exile Content buscaba un socio en España, «dado el auge del talento español» y nuestra producción televisiva. «Eramos aliados potenciales». Es Exile quien plantea entrar en el fútbol femenino y permite el acceso a ventanas de difusión como HBO. También los que llevan a la conocida estrella del basket Carmelo Anthony como productor ejecutivo.
Además de lo que pueda suponer dentro del género deportivo, el estreno diversifica también la difusión y el tipo de documental que se puede producir desde España. Por definición con un enfoque más periodístico que las recientes El estado contra Pablo Ibar o Vitals, también en HBO, y menos plano que los ya mencionados documentales de Amazon, Netflix o incluso Movistar+ más allá de los programas especializados, tratos como el de Newtral con Exile anuncian un proceso de internacionalización de la no ficción española paralelo al que ya han tenido las series de ficción.
Para 2021, aparte del documental sobre la familia real del que aún se desconoce la fecha de estreno, vendrá una producción aún sin título de Newtral en solitario pero para una plataforma internacional. «El tono de los documentales deportivos ya está cambiando, si Un sueño real ayuda a acelerar el proceso estaré contenta», concluye Ana Pastor. «Para nosotras se capaces de mantener 70 nóminas para nosotras ya es una bendición en estos momentos y tras tan solo tres años».
El regreso de Mario, el marido desaparecido de Elena, trastoca la vida en el pueblo y saca a la luz secretos ocultos hace años. Por otra parte el padre Vergara deberá recurrir a toda su astucia y su lado más violento para sobrevivir al cautiverio en manos de su peor enemigo. Los protagonistas, además, deberán enfrentarse a la tentación de aquello que llevan anhelando mucho tiempo.
El episodio más arriesgado hasta la fecha, del que nunca sabremos si sus dos tramas habrían funcionado mejor por separado.Algunas piezas dispuestas en la primera mitad de la serie desvelan de repente su función, que no era exactamente la esperada, aunque sí resulta orgánica. El capítulo que obliga a los protagonistas a asumir sus identidades y desvela todo el potencial del villano. Y el más denso, en cuanto a giros, acción y superposición de monstruos en este constante, y perdónenme el tópico, tour de force terrorífico.
30 monedas continúa siendo principalmente, o como elemento más salvable aparte del personaje del padre Vergara, una antología del terror hispano con su propia galería de monstruos, en la que actores conocidos ejercen de villanos episódicos que, y, como en La comunidad, son el versión grotesca de sus papeles más arquetípicos. Paco Tous, de vecino del quinto y honrado obrero al paleto machista y violento, Carmen Machi como una Aída psicópata y posesa, Víctor Clavijo de falso galán o galán zombie…
Crítica de 30 monedas capítulo 5 con spoilers
Estaba tardando Puerto Hurraco, al que se unen un golem y una bruja mucho más cercana al folclore castellano que aquella ida de olla que fueron Las brujas de Zugarramurdi. Tenemos una escena de sexo más terrorífica que algunos asesinatos, prácticamente una violación sobrenatural. Y al personaje de Paco Tous saliendo a cazar tórtolas como esperábamos verlo desde que debutó en el primer capítulo. Eso, solo en el pueblo, en el que se sigue azotando sin piedad a los peores tópicos de la España negra, con la camarera punk de la taberna ejerciendo la función de cuerdo entre los locos y siguiente generación libre de culpas que tenía, por ejemplo, Charly en La Comunidad.
En la trama paralela del Vaticano se acumulan todavía más elementos, con el regreso de los monstruos arácnidos y el ataque a través de los sueños, otro tropo superheroico que aquí recuerda en parte a Carnivale y que trae de vuelta la ambientación Franquista. La representación grotesca del poder da paso a la estética neonazi, de Iglesia inversa y torcida, de los conspiradores cainitas, a los que se opondrá la luminosidad, en negro sotana, de Sandro, el último sacerdote puro, que se queja si Vergara mata. Este continúa con su camino de Lobezno con alzacuellos, ya que su aparente intento de vender el alma es, hasta cierto punto, real: ya está dispuesto a lo que sea por detener a Santoro.
El festival de referencias habitual de esta serie en concreto y de Álex de la Iglesia en general acelera aquí, recordándonos que la moneda es el anillo de El Señor de los Anillos, recordando todos los comics sobre conspiraciones crísticas recientes -aunque sobre todo una vez másPredicador y SHIELD–, la mencionada Stigmata de capítulos anteriores y al mismo tiempo, como se ha dicho, El Séptimo Día o las leyendas becquerianas. Además, por supuesto, de las autoreferencias, con Las brujas de Zugarramurdi y El día de la bestia en primer lugar.
Lo que tú llamas milagro yo lo llamo conjuro
Vencer a la tentación conlleva pérdida. En el caso de Vergara, la de su amigo Sandro. En el de Elena, el adiós definitivo a Mario. Ambos personas queridas que hacía mucho que no veían. Sin embargo, lo que tienta al uno libera a la otra y al mismo tiempo es el verdadero poder: el conocimiento. En esa disputa con el sacrificio de la pureza gnóstica en la polémica teológica entre Vergara y Santoro, 30 monedas se desvela como un artefacto puramente católico en su concepción de la bondad, dispuesto a defender la utilidad de la culpa como base del libre albedrío, medida de todas las cosas y que ha de salvar, se supone, a nuestros héroes.
Sí que hay una lanza de Longinos en el Vaticano, evidentemente, pero colocarla en una exposición sobre el nazismo y la Iglesia tiene su miga: Hitler quería encontrar la verdadera -según la leyenda siendo pintor callejero en Viena contempló la que se guarda en el Palacio Imperial de Hofburg- y ordenó a sus expertos en ocultismo comprobar cuál de las 4 ó 5 que hay en Europa podía ser auténtica. Nunca puso sus zarpas en el Vaticano, pero el Universo DC de cómic es la razón por la que durante la Segunda Guerra Mundial los superhéroes no pudieron intervenir en la guerra en Europa. También tiene un papel clave, por cierto, en Neon Genesis Evangelion, aunque, igual que aquí, necesita ser reunida con otras reliquias, como promete Santoro.
Un capítulo que se toma como movimiento necesario del guión, algo que ya ocurrió en la anterior entrega, pero menos sólido en sí mismo. La superposición de elementos se intenta cohesionar temáticamente, ya que las subtramas no pueden avanzar de manera orgánica en conjunto como sí lo hacían en la primera mitad de la serie. No acaban de encajar, como si por un momento tuviésemos dos entregas de la antología fusionadas en una. Por supuesto, nos queda menos de la mitad, y estamos deseando lo que viene.
Han pasado 10 años desde que los compañeros de clase del Zurbarán no se ven. La excusa para juntarse de nuevo es la boda de uno de sus miembros más carismáticos y más queridos por el público: Yoli (Andrea Duro). Este es el inicio de Física o química: El reencuentro,dos capítulos especiales en los que podremos ver a algunos de los personajes principales de la serie que se estuvo emitiendo desde 2008 hasta 2011 en Antena 3.
La idea de la serie es la esperada: unir a estos personajes tan recordados y mostrar que su forma de relacionarse y comportarse entre ellos sigue siendo la misma, que no han cambiado. El principal interés de estas dos horas de serie es ver cómo están estos personajes después de tanto tiempo. Al mismo tiempo, desde Atresmedia buscan provocar nuevos o antiguos conflictos junto a algún que otro secreto que, de momento, ni siquiera se menciona, atrapando así al espectador hasta el desenlace en el segundo y último episodio.
Desde que se anunció que se iba a rodar este reencuentro estaba claro que sería un producto destinado única y exclusivamente a los fans de la serie original. Contentar a ese público fiel es su único fin, y ahí aciertan de lleno. Física o química: el reencuentro hay que valorarla, por tanto, desde esa perspectiva nostálgica. No hay que olvidar tampoco que estos dos capítulos no han sido escritos ni supervisados por el creador original de la serie, Carlos Montero, y puede que eso se evidencie en algún aspecto de los que se van a analizar a continuación.
A partir de aquí, spoilers de Física o Química: El reencuentro, capítulo 1.
Fisica o Química: El reencuentro, capítulo 1: ¿Han cambiado o siguen igual?
En el inicio del primer episodio vemos como Yoli ha dado un gran cambio en su vida a nivel social. El personaje de Andrea Duro ha pasado de ser una chica humilde de barrio a una empresaria de éxito («la reina de los supermercados»). Este es uno de los temas principales que plantea este capítulo: analizar cómo algunos han podido progresar frente a otros que, por las circunstancias que sean, siguen teniendo la misma vida y el mismo trabajo que años atrás. Pero frente a esta idea del éxito personal y/o profesional, que a fin de cuentas es relativo, se encuentra otra mucho más atractiva a la hora de estudiarla: siguen siendo los mismos que hace diez años estudiaban bachillerato juntos.
Puede que la vida de esos adolescentes haya cambiado y que esa circunstancia haya provocado un distanciamiento, pero el hecho de volver a verse y tener la oportunidad de convivir de nuevo hace que se vuelvan a comportar exactamente igual. Eso les lleva a reflexionar (y también al espectador) que igual no han cambiado nada en esencia y siguen siendo las mismas personas, como dice el personaje de Ana Milán: «La gente no cambia, solo disimula mejor». Esas mismas personas que, tiempo atrás, tenían sus conflictos, sus confesiones, sus romances y sus problemas, demuestran que siguen teniéndolos.
El hecho de que se haya conseguido transmitir esa misma conexión entre ellos es clave, hace que el espectador reconozca a los personajes que está viendo y los observe exactamente igual que en 2008. Paula (Angy Fernández) peleándose con Gorka (Adam Jezierski) como siempre; Yoli demostrando la misma conexión con Fer (Javier Calvo); las profesoras, sobre todo Olimpia (Ana Milán), igual de irónicas y bordes; Cabano (Maxi Iglesias) demostrando ser el mismo chulo de años atrás, David (Adrián Rodríguez) anclado en el pasado o Cova (Leonor Martín) y Alma (Sandra Blázquez) evidenciando que los años no han modificado nada de su personalidad libre. No han cambiado, simplemente hay cosas de su personalidad que han mejorado y cosas que siguen igual.
Recordar lo mejor que han vivido juntos
Uno de los momentos más emotivos de la serie llega cuando Olimpia le da a Yoli su antiguo móvil: esa excusa, un poco forzada a nivel de guion pero efectiva, sirve para que vean antiguas fotos de ellos juntos y, a su vez, recuerden momentos y a gente que o ya no está entre ellos (como ocurre con el personaje de Fer, que murió en la última temporada) o simplemente no está presente en la reunión (como ocurre con Ruth, el personaje de Ursula Corberó).
El recurso servirá para los fans pero formalmente deja bastante que desear: lo que se proyecta en la pantalla son, a veces, simples fotografías promocionales de algunas temporadas de FoQ o fotogramas de algún capítulo suelto. De esta manera, también sacan a algunos personajes a los que los creadores de esta miniserie no han llamado para el reencuentro; otros ni siquiera aparecen en las fotografías. Ese es uno de los pequeños defectos de este reencuentro, que no están todos los que estuvieron, aunque sí los más importantes.
Durante ese momento tan bonito, en el que todos están juntos y no hay tensión ni conflicto (eso ya vendrá después o ya ha pasado antes), se escucha una versión de la mítica canción (Física o química) de Despistaos que aparecía en la intro de cada capítulo. Qué pena que no se haya rescatado esa versión o que se le hubiera encargado otra nueva al grupo. Un momento que podría haber sido tan mágico y especial se queda en algo sin la menor importancia.
Otro de los grandes protagonistas de la serie es Fer (Javier Calvo), que solo se le aparece a Yoli en algunas escenas fingiendo ser el wedding planner de su boda. Estas escenas con los dos personajes a solas son de lo más entrañables porque se ve claramente el mismo entendimiento que mostraban en Física o química. La amistad Yoli-Fer era de lo mejor de la serie original, y también lo es en este reencuentro. Como dicen en otro momento del episodio: «La gente con la que has crecido es la que mejor te conoce».
Resumiendo, Física o química: El reencuentro, capítulo 1 es una oportunidad para que los fans de la serie puedan disfrutar de estos personajes tan queridos. A nivel general no es una serie que vaya a trascender, pero tampoco es ese es su propósito. Estamos ante una serie-homenaje que sirve como bonito recuerdo para toda una generación de adolescentes que creció, lloró y rió con personas con las que uno se podía sentir identificado (no en todo, evidentemente) y con las que se disfrutaba semana tras semana en la televisión, en una etapa donde sí se veían series en abierto.
Ha sido un año difícil para todos. Lo ha sido también para un cine español, que, pese a las circunstancias, ha terminado por arreglárselas para ofrecernos una nueva e interesante hornada de producciones. Algunas de ellas están en esta lista de las 10 mejores películas españolas de 2020, un curso de estrenos destinado a ser menos feliz que el del fantástico 2019, pero en el que se ha demostrado que se siguen haciendo trabajos de alto nivel en nuestro país.
La pandemia alejó de las salas a la gran mayoría de producciones norteamericanas, abriendo un espacio casi inédito para nuestro cine. Aunque no se ha aprovechado del todo en taquilla, tener menos competencia lo que sí ha dado es, por fin, más oportunidades de visibilidad a producciones que en otros años habrían tenido más complicado encontrar su hueco informativo. De ello también hablamos con los compañeros del podcast ‘Los jueves, milagro’, que desgranan lo más alto de nuestra selección de las 10 mejores películas españolas de 2020, elaborada por los redactores y colaboradores de Cine con Ñ.
LAS MEJORES PELÍCULAS ESPAÑOLAS DE 2020
Mención Especial:LA VOZ HUMANA
Empezamos haciendo una pequeña trampa que, sin embargo, está a todas luces justificada. La voz humana no aparece en esta lista de lo mejor del año por celebrar al titán de nuestro cine que es Pedro Almodóvar o por festejar la rareza que supone rodar por primera vez en inglés a estas alturas de su carrera; aparece sencillamente porque es una muy buena película, y si tiene que entrar con trampas es solo por tratarse de un corto. Tilda Swinton pone voz al monólogo de Jean Cocteau en este trabajo que reúne en apenas 30 minutos las constantes temáticas y formales del cine del manchego. Para recordar.
10. ARIMA
Una de las óperas primas españolas más interesantes -y olvidadas- de las que se han podido ver este año. La multifacética Jaione Camborda se destapa definitivamente con esta película misteriosa en la que la vida de un pequeño pueblo es trastocada por la llegada de dos extraños forasteros. Con toques del cine de Lynch o Erice, Camborda crea un sugestivo lenguaje propio a partir de las personalidades y los rostros de un grupo de mujeres, que acaban formando entre ellas un gran personaje poliédrico y en observación continua. Fantasmal, más emotiva de lo que sus cuidadas formas parecen decirnos, Arima recoge la mejor tradición del cine gallego reciente para filmar desde sus propios códigos.
9. LÚA VERMELLA
Segumos con cine gallego, que, tras un 2019 histórico, ha vuelto a demostrar en 2020 por qué se mantiene puntero en nuestro país. Después de la paisajística Costa da morte, Lois Patiño ha presentado la mitológica Lúa vermella, en la que descubrimos el trauma de una pequeña localidad costera tras la desaparición de un pescador. Patiño nos mete en un ambicioso trance en el que las fuerzas de la naturaleza solo se pueden entender y contrarrestar a través de lo sobrenatural. Una película fuera de convenciones, que invita a dejarse llevar por los colores, texturas y cuerpos que llenan sus legendarias imágenes.
8. SENTIMENTAL
Cesc Gay vuelve al cine cinco años después del éxito de Truman con esta adaptación de su propia obra de teatro, en la que dos parejas de vecinos se reúnen a cenar y la situación acaba descontrolándose mucho más de lo que cabía esperar. El director catalán aprovecha al magnífico cuarteto protagonista de Javier Cámara, Griselda Siciliani, Belén Cuesta y Alberto San Juan para lanzar, en tono cómico, una reflexión sobre las diferentes formas de estar en pareja. Gay nos dice, con su inteligencia habitual, que el combustible para una travesía larga en una relación es la comunicación y la expresión de los deseos.
7. EL PLAN
Más adaptaciones de teatro para esta lista de las mejores películas españolas de 2020. En este caso de otro debutante en ficción como Polo Menárguez, que ha conseguido con El plan una película muy valiosa, con múltiples capas para analizar. Tres guardias de seguridad en paro -Antonio de la Torre, Raúl Arévalo y, bendito descubrimiento, Chema del Barco- quedan una mañana cualquiera para ejecutar un plan que funciona como McGuffin no revelado para sacar adelante los temas que realmente se quieren tratar. Cómoda en su humor negro y con un fondo de profunda tristeza, el director juega con los personajes en este análisis de masculinidades frustradas y heridas.
6. LA BODA DE ROSA
Sobre una sencilla premisa -una mujer de mediana edad se harta de ser siempre la última en su propia lista de prioridades-, Icíar Bollaín se mueve entre la comedia y el drama para reivindicar un espacio social diferente para las mujeres de mediana edad. Una Candela Peña más comedida que en otras ocasiones pero igualmente fantástica encabeza un reparto de altura (Sergi López, Nathalie Poza, Ramón Barea, Paula Usero) en esta bien escrita feel-good movie valenciana. Divertida, entrañable e inspiradora en su planteamiento convencional, esperemos que algún día la realidad convierta su reivindicación en exagerada y excéntrica.
5. ANE
Otro primer largo que merece atención. Ambientada en Vitoria en el año 2009, Ane nos cuenta una pequeña historia familiar de una madre en busca de su conflictiva hija desaparecida. Este es el punto de partida para este cuidado drama con toques de thriller que consigue un buen equilibrio entre lo íntimo y su contexto social, que influencia y tensa a los personajes. Impulsada por una enorme Patricia López Arnaiz, Ane nos coloca frente a un País Vasco postETA en el que parece que aún hay cuestiones por tratar. El director David Pérez Sañudo planifica con precisión sus planos y sus espacios, sin conceder ningún movimiento de cara a la galería. Una película contenida sin dejar de ser directa.
4. AKELARRE
Ni sus distintos excesos e irregularidades pueden con la indomable fuerza de Akelarre, valiosa película de Pablo Agüero sobre las cazas de brujas en el País Vasco del Siglo XVII. Una película original en su reivindicación de las mujeres maltratadas de nuestra historia, al ser ellas las que acaban por darle forma a su propio relato. Una acertada Amaia Aberasturi protagoniza un potente duelo con Álex Brandemühl que subvierte, sin resultar anacrónico, las dinámicas de poder en esta ambigua búsqueda del mal. El clímax acaba en un fin de fiesta espectacular, que ya por sí solo merece estar en esta lista de mejores películas españolas de 2020. La insumisión que transmite es contagiosa.
3. MY MEXICAN BRETZEL
Desde que salió del Festival de Gijón en 2019, el ascenso de My mexican bretzel ha sido imparable. Pocas merecen más este éxito que la película Nuria Giménez Lorang, que desarma cualquier expectativa con esta genial historia elaborada a partir de unas cintas caseras de sus abuelos. Una estimulante ficción multinivel a partir de los viajes y entresijos de esta pareja aparentemente feliz. Con el solitario y dramático relato de su protagonista femenina como vehículo, My mexican bretzel establece un diálogo profundo a tres patas entre sonido, texto e imágenes. Una experiencia que juega contigo al moverse por dentro y por fuera de su material encontrado.
2. LAS NIÑAS
Impensable que el primer largo de Pilar Palomero no estuviese en esta lista de las mejores películas españolas de 2020. La directora aragonesa nos coloca en la Zaragoza de 1992, zambulléndonos en la mirada de una preadolescente (Andrea Fandós) que intenta entrar y entender el mundo de adultos que la rodea. Casi perfecta en todos sus niveles artísticos, Las niñas nos presenta un país que aún no estaba donde decía estar a principios de los años 90. Palomero compone aquí una sensible historia de crecimiento y de búsqueda de una voz propia que encaja perfectamente en ese ambiente reprimido e incomunicado. Es la completa hermana mayor de Verano 1993, y lo tiene todo para triunfar en la temporada de premios.
1. EL AÑO DEL DESCUBRIMIENTO
No hay que bajarse del viaje a 1992, que nos vamos a Cartagena. Hemos llegado a El año del descubrimiento, hito ya indiscutible del cine español en el siglo XXI. Dirigida por Luis López Carrasco, es un gran e híbrido documental formado por conversaciones en un bar de Cartagena. Desde aquí escuchamos, con la quema del Parlamento de Murcia como base, a trabajadores hablando sobre sus luchas y derrotas en nuestra democracia. Necesitábamos -más en este año funesto- una película con esta capacidad de sacudirnos, de hablarnos a todos desde vivencias que forman parte de una gran memoria colectiva. Radical en su fondo y forma, El año del descubrimiento quiere ir a lo grande, se siente importante y destruye en cada segundo de sus 200 minutos los prejuicios que podamos tener ante su audacia. Imprescindible.
En el podcast colaborador ‘Los jueves, milagro’ puedes escuchar el programa especial dedicado a analizar el 2020 en el cine español. El equipo del programa repasa las claves de lo que ha significado este complicado año en el sector y para nuestras películas. Además, se dan los títulos y se opina sobre los títulos que forman el TOP 5 de nuestra lista de mejores películas españolas de 2020: ‘Ane’, ‘Akelarre’, ‘My mexican bretzel’, ‘Las niñas’ y ‘El año del descubrimiento’.
«Me siento cómodo si definen Mi generación como una película sentimental porque este año, desgraciadamente, ya hemos visto escenas muy duras. Hemos querido acercarnos a las familias y la pandemia buscando la parte buena, recordando a los que siguen aquí«, explica Jesús Marcos, director del documental sobre los mayores durante la crisis sanitaria que se estrena este 24 de diciembre.
La fecha parece que no podía ser más adecuada, pero el director confiesa que «Movistar+ nos dijo que para los días de Navidad, no para la misma Nochebuena. Nos sorprendió saberlo, pero no nos parece mal». La serie se emite, de hecho, a partir de las 22.05 en la plataforma de Telefónica. Es decir, cuando acabe el discurso del Rey. Casi una invitación, estilo Cuéntame, a verlo en familia.
Estos meses finales de 2020 están viendo el estreno o el anuncio de numerosos documentales que regurgitan cada uno a su manera el trauma, aún en trámite, del primer confinamiento y los meses más duros de la pandemia. 2020 y Renaceres en salas de cine o Vitals, de próximo estreno en HBO. Mi generación, sin embargo, huye de las imágenes de hospital y las lleva al testimonio de las abuelas y abuelos que siguen aquí. Y alguno más.
La película empieza con un chiste. El padre que le decía al hijo que la única vez que te subes en un Mercedes y es gratis es el coche fúnebre. El día del entierro, cuando murió de coronavirus, él tuvo que preguntarle al de la funeraria. «Oye, ¿qué coche es?». «Un Mercedes». «Venga ya».
Mi generación y la de todos
Por ejemplo, una de las protagonistas, Josefina vive en un pueblo concreto, «pero su historia es la de mucha gente de muchos pueblos», explica Marcos. Cuando desde Cine con Ñ le preguntamos si con los testimonios les ha salido involuntariamente una historia de la vida cotidiana en España niega el «involuntariamente».
«Queríamos reflejar todo lo que han vivido. Cuando gran parte de nuestro país era analfabeto y en los pueblos todo dependía del maestro o la maestra. Es la Historia de los últimos 50 años, que llega hasta la pandemia, y queríamos que la contasen ellos», resume Marcos.
Gloria, Pepe, Josefina, Joaquín, Antonina, José, Javier, Teresa, Joan y Dolores son los mayores que aparecen en el documental, pero también los familiares de otros que ya no están. Reunirlos ha conllevado un complicado trabajo de producción: localizar a las personas, convencerlas de que aparezcan en la película y luego conseguir grabar a cada cual en su casa en mitad de las restricciones variables entre regiones y los cambios de la pandemia.
El proyecto nació el pasado septiembre, pasado el verano de la desescalada y cuando desde la propia Movistar+ se planteó «una cinta que ponga en valor a la generación que peor lo ha pasado». No se trataba solo de los fallecidos, también de quienes han pasado estos meses en soledad y con miedo.
La memoria y la vida
Marcos insiste en «agradecer a todos que compartiesen sus historias con nosotros durante este tiempo, que nos abriesen sus casas pero también sus corazones, porque algunas personas lo que han hecho es casi un proceso de duelo delante de la cámara. Compartir ese dolor es muy difícil y su generosidad nos ha permitido grabar».
«Este año todos hemos vistos que la familia, no solo la literal, sino en el sentido de la gente que está cerca de ti, es lo más importante«, resume el director. «Si queríamos hacer una película sobre estos meses tenía que ser centrándonos en esa comunicación con los nuestros y entre generaciones».
El planteamiento, aún así, subraya el vitalismo, el amor y la esperanza en que vendrán tiempos mejores contando con los que siguen aquí. «El reconocimiento es también para los que siguen aquí y sirven de memoria colectiva«. Incluso dentro del dolor, mantenerse en este mundo.
Fue, por ejemplo, el testimonio de Gema, que no pudo evitar recordar como cuando se independizó su padre le dijo «que no había perdido una hija, había ganado un baño». O la historia de Joan, que pide «no perderle la sonrisa. La desgracia es la desgracia, pero la risa es lo que nos permite salvarnos».
La cocinera de Castamar, la nueva serie para el prime time de Antena 3, ha finalizado su rodaje en Madrid, Cuenca y Segovia. Esta ficción histórica de 12 episodios, ambientada en Madrid en el siglo XVIII, tiene a Michelle Jenner, Roberto Enríquez y Hugo Silva como el trío protagonista y está basada en la novela del mismo título de Fernando J. Múñez.
La serie ha concluido su rodaje tras más de cuatro meses y una producción retrasada por las restricciones sanitarias. Está previsto que se estrene a lo largo de 2021 aunque aún sin fecha concreta. La docena de episodios de esta serie producida por Buendía se emitirá en abierto en Antena 3 y también estará disponible en ATRESplayer PREMIUM.
Michelle Jenner, Roberto Enríquez y Hugo Silva encabezan el elenco de protagonistas. A ellos se suman nombres como Maxi Iglesias, Silvia Abascal, Nancho Novo, María Hervás, Paula Usero, Fiorella Faltoyano, Jean Cruz, Jaime Zataraín, Marina Gatell, Mónica López y Agnés Llobet, entre otros.
La cocinera de Castamar cuenta la historia de Clara Belmonte (Jenner) y Diego, duque de Castamar (Enríquez), ambos con un pasado doloroso, pero a quienes les cambia la vida al conocerse. Tendrán que luchar contra uno de los grandes obstáculos de la época si quieren estar juntos: la diferencia de clases, además de la sed de venganza de Enrique de Arcona (Silva).
Montse García, Sonia Martínez y José María Caro son los productores ejecutivos esta serie del sello SERIESATRESMEDIA. Lucía Alonso-Allende es co-productora ejecutiva. La cocinera de Castamar ha sido dirigida por Iñaki Peñafiel y por Norberto López Amado. Ana Rocha es la directora de producción.
El equipo de guionistas está formado por Ramón Tarrés Reguant, Camino López Lozano, Arantxa Cuestas y Victor Pedreira, con Tatiana Rodríguez Vázquez como coordinadora de guion. La dirección de fotografía estará a cargo de Aitor Mantxola, Óscar Durán y Juana Jiménez. El diseño de los decorados ha sido hecho por Mercedes Canales y el director de Arte es Javier Mampaso.
Así es La cocinera de Castamar
Según se recoge en la nota enviada por Buendía, la serie arranca en el Madrid de 1720, cuando Clara llega a Castamar huyendo de su pasado para trabajar en la cocina. La muerte de su padre acusado de traición la ha hecho enfermar de agorafobia. La joven se refugia en la cocina para sobrevivir y convierte su trabajo en su gran pasión. «En sus platos vuelca la convicción de que todos seremos iguales cuando todos comamos igual».
En el Palacio, cocina para Diego, duque de Castamar. Viudo y con un pasado también desolador, al que la llegada de Clara cambia la vida. Poco a poco se dan cuenta de que están enamorados. La diferencia de clases es el principal obstáculo para que puedan estar juntos.
Pero no el único. Su madre, Doña Mercedes, empeñada en que el ducado tenga descendencia, trata de que su hijo contraiga matrimonio con la noble Amelia Castro. Para ello, cuenta con la ayuda de Enrique de Arcona, el marqués de Soto. Un hombre que oculta sus verdaderas intenciones y que está dispuesto a lo que sea para lograr su venganza.
El éxito de Veneno en HBO Max arrastra a influencers como el mismísimo RuPaul. Vulture se rinde ante ella y la destaca entre sus recomendaciones. The New Yorker pide más. La serie de Los Javis es un hito en cuanto a crítica que pocas series españolas han alcanzado a nivel internacional, y menos en Estados Unidos.
Hace apenas dos años La casa de papel hizo historia al ganar el primer Emmy para una serie de televisión española. La internacionalización y el boom posterior de la ficción española posteriores son evidentes. ¿Puede ser ahora Veneno la que abra brecha en el acceso a un mercado tan complicado como el anglosajón y además con la etiqueta tan complicada del prestigio crítico?
Concepción Cascajosa, profesora de la Universidad Carlos III y experta en análisis de ficción televisiva, señala a Cine con Ñ que es «es pronto» para valorar el futuro impacto del actual éxito de Veneno. Y recuerda un precedente a nivel crítico: La cabina, de Antonio Mercero, que en 1973 ganó el primer Emmy para una producción española y «tuvo su influencia en el circuito del cine de terror anglosajón de la época».
La experta recuerda que hasta ahora «las series españolas en EEUU han tenido una presencia apenas marginal». Por ejemplo, El Príncipe o Gran Hotel se distribuyeron únicamente en canales hispanoparlantes. La casa de papel, a pesar de su enorme éxito internacional y de que tuitease sobre ella Stephen King, apenas fue contemplada por la crítica anglosajona. Élite sí es seleccionada por los distribuidores de Reino Unido y sus nuevas temporadas se celebran en la prensa, pero queda recluida al circuito de las series juveniles.
Lo que cree Cascajosa que demuestra Veneno es que las plataformas de vídeo bajo demanda han cambiado la forma de consumo «y nos han acostumbrado, a los espectadores pero también a los críticos, a ver y escribir sobre series internacionales que antes eran más inaccesibles. Saben que esas series tendrán un público. Hace 3 ó 4 años habría sido imposible».
«El éxito de Veneno es el reflejo de los grandes profesionales que hay detrás. Del talento de Los Javis, de las actrices y de la producción de Buendía Estudios» celebra Emilio Sánchez Zaballos, responsable de vídeo online de Atresmedia y desarrollo, estrategia y contenidos de Atresplayer. «Estamos muy contentos, es un caso espectacular», resume.
La compañía de Grupo Planeta es ya veterana en producir series de repercusión internacional. De las mencionadas anteriormente, Vis a vis, Élite, Gran Hotel, Velvet o El Príncipe llevan su nombre, además de, por supuesto, La casa de papel. En casi todas, como en Veneno, por la vía de colaboraciones de algún tipo con otras cadenas o plataformas, como Netflix o la joint-venture con Movistar+, su competidor tradicional en España.
Desde la casa de Antena 3 y La Sexta entienden que la difusión de las series de televisión «ya no depende tanto de la afinidad cultural o el tipo de consumo de cada país», ahora «lo principal es la ficción de alta calidad. Lo sabemos aquí y lo empiezan a saber en otros mercados». En este sentido «las colaboraciones son una necesidad competitiva en el actual mercado. Al unir fuerzas», explica Sánchez Zaballos, «no se cierran ventanas de exhibición, y así gana el contenido, el productor y la cadena».
Aún así, aunque la fórmula haya demostrado ser efectiva, el directivo explica a Cine con Ñ que no se debe asumir que todas las series se vayan a distribuir con acuerdos como los que tiene su cadena actualmente con Veneno en HBO Max o diversas series de Amazon Prime o Netflix. «Dependerá de las circunstancias de cada producto», pero «AtresPLAYER ya está disponible en toda la tecnología y no renunciamos a ser un operador que crea y distribuye su propio contenido».
Además «no es fácil hacer una serie como Veneno«. Lo que permite esta difusión es «tener una visión más ambiciosa del tipo de producto que se quiere hacer. En AtresPLAYER hemos potenciado nuestro área de ventas internacionales, y con éxitos de crítica como este la credibilidad de nuestros servicios aumenta».
Un cambio notable es como, hace no tanto tiempo, solo contaba Netflix al comienzo de este proceso de internacionalización de la ficción española. En el último año Atresmedia -con Buendía o por su cuenta- o la propia Movistar+ mueven sus productos para encontrarles acomodo en el mercado. 30 monedas de HBO Europe se estrenará en HBO Max y HBO en abierto en EEUU, y medios angloparlantes destacan entre los estrenos mundiales de Amazon Prime Video la reciente El Cid.
Tras las huellas de Almodóvar
Concepción Cascajosa recuerda a Cine con Ñ que el mercado angloparlante «puede colocar los productos en un contexto cultural diferente». No es imprescindible «pero hablamos de comentaristas y críticos con un público global, que además en el caso de The New Yorker o The Vulture tienen una audiencia muy sofisticada. Futuras series de Los Javis que puedan hacer con su contrato en exclusiva con Buendía se pueden apoyar en esa expectativa».
La profesora extrae un ejemplo del cine que no es ajena a la obra de Ambrossi y Calvo: Pedro Almodóvar. «Ser especialmente apreciado en el ámbito angloparlante ha permitido a Almodóvar jugar en una categoría más elevada en la financiación de sus proyectos, siempre por encima de la media española gracias a que sus expectativas de distribución eran mayores».
Otros éxitos, como el de Élite, han abierto la puerta a fichajes como el de su cocreador -y también de otra serie de Atresmedia, Los Protegidos– Darío Madrona por la plataforma Peacock, propiedad de NBC, para la que será showrunner de One of us is lying.
En cualquier caso «el futuro es un lugar desconocido». Es muy posible que «parte del triunfo de Veneno en HBO Max es que claramente tiene un nicho. Nos demuestra que la cuestión cultural ligada a lo nacional no es tan importante como contar historias que puedan resonar a nivel global«.
Cascajosa valora que la serie ha sido capaz de presentar a Cristina Ortiz «de una manera que por un lado es accesible pero sin renunciar a que esté bien localizada. Quizás el público de otros países no entiende lo mismo que nosotros con algunas referencias culturales, pero la fuerza central del relato se mantiene«.
Lógicamente «siempre que hay un éxito de un país que funciona en el ámbito angloparlante es mucho más fácil que más contenido vaya detrás«. La ficción nórdica, empezando por la danesa, se internacionalizó a raíz de la emisión en Reino Unido de Borgeno Forbrydelsen. El problema es que «quizás no es tan fácil encontrar algo similar a la obra de Los Javis. Los operadores del mercado pueden estar más interesados, pero tardaremos un poco en verlo».
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