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‘El internado: Las cumbres’ lanza tráiler y confirma estreno en febrero

Amazon Prime ha lanzado el primer tráiler de El internado: Las cumbres y confirmado su estreno para febrero de 2021, con un lanzamiento que será simultáneo en más de 200 países. El reboot de la mítica serie de Atresmedia cambia de escenario y protagonistas pero mantiene la esencia de terror con múltiples referencias a los clásicos del género.



El relanzamiento presenta nuevo internado ubicado junto a un antiguo monasterio, situado en un lugar inaccesible entre las montañas y aislado completamente del mundo. Los alumnos son jóvenes considerados problemáticos que viven bajo la severa que impone el centro. Muchos no saben que en el bosque que los rodea existen antiguas leyendas

El lanzamiento de El internado: Las cumbres llegará a 240 países de todo el mundo a través de Prime Vídeo. Serán ocho capítulos protagonizados por Asia Ortega, Albert Salazar y Daniel Arias, entre los alumnos, con Natalia Dicenta y Ramiro Blas en el elenco adulto.

El internado: las cumbres es una producción de The Mediapro Studio y Atresmedia Studios (BUENDIA ESTUDIOS). Al frente de la producción ejecutiva están Laura Belloso, Laura Fernández Espeso y Javier Pons de The Mediapro, e Ignacio Corrales y Sonia Martínez, de Atresmedia Studios. El equipo de guionistas está formado por Asier Andueza, co creador de esta nueva entrega junto a Laura Belloso, Sara Belloso y Abraham Sastre, quienes ya participaron en los guiones de ‘El Internado: La Laguna Negra’.

Aquí os dejamos el tráiler de El internado: Las cumbres.

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El Cid: Épica de marca blanca

Rodrigo es un joven paje en la corte de Fernando I de León que se verá atrapado en mitad de una conspiración para derrocar al Rey. Su valía como guerrero y su sentido del honor le servirán para salir adelante en una corte en la que no se puede confiar en nadie, pero no sin pagar un alto precio.

Pse, bueno, miren, es mejor ver esto que morirse, y si uno se olvida de que se llama El Cid, pues yo qué sé. Puede renombrar al protagonista. Moñoño, por ejemplo. O Jon Escarcha. Y a partir de ahí tira. No duele. Solo es meh. El guión te verbaliza que esto es épico o el personaje es honorable pero tú tampoco lo notas demasiado en las cosas que pasan. Se dejan pistas de tramas que luego no se desarrollan como si se les hubiese olvidado borrar escenas al remontar o corregir borradores. Etcétera.



Uno supone que Amazon ha querido hacer solo cinco capítulos para poder economizar recursos y darlo todo en un despliegue de ambientación y grandes batallas, pero la producción va justita. Apenas disimula bien que hacen el pueblo medieval cambiando mantas viejas de sitio como en Xena: La princesa guerrera -no es una comparación, Xena le da mil vueltas a El Cid– y recursos similares. En resumen, es una serie menor que si no fuese por la fanfarria que se le ha dado y el reparto podría pasar sin pena ni gloria.

A partir de aquí, spoilers a espadazos.

 

Unión del Pueblo Leonés

El Cid: Épica de marca blanca 1

Del Cid hay decenas y decenas de versiones, no solo la de Heston. En los 80, Ángel Cristo protagonizó la tremendamente infumable hoy en día El Cid Cabreador -le echan un sortilegio y se vuelve afeminado, frustrando a una doña Jimena interpretada por Carmen Maura que va más salida que la punta de un lápiz- y en los 2000 hubo una versión animada que tenía el mérito de estar hecha con cuatro duros pero resultaba aún más insípida que esta.

El problema de Amazon es que de deconstruir mitos ya han dado lecciones otros, como el Robin Hood de Ridley Scott o, aquí en España y olé, El Ministerio del Tiempo. Su Cid, noble y plebeyo, cotidiano y legendario, verdad y mentira a la vez, se come a esta versión en la que han metido un poco de conspiración para volverlo «adulto», «moderno» o ni se sabe. Es todo tan tonto que tiene momentos a lo Destino de caballero, pero tomados en serio.



El primer capítulo de los cinco estrenados es exposición constante con muy escasa y torpe caracterización, sobre todo del protagonista. Sabemos que hay que ir con él porque la serie lleva su nombre, pero es más genérico que los medicamentos que cubre la Junta de Andalucía. Esa hora larga de serie podría ser un anuncio de Unión del Pueblo Leonés pidiendo plena autonomía, en el que se pone a Fernando I (José Luis García Pérez) como los trapos. La verdad es que es de agradecer, porque las versiones al estilo de la sesentera con Charlton Heston lo suelen mostrar como rey anciano y sabio y no como la ratita traicionera que debió ser.

Parte de la originalidad de este Cid es intentar darle contexto a la futura guerra civil entre los hijos de Fernando por la vía de presentar a Sancha de León (Elia Galera) como aspirante legítima al trono a la que se le impide el acceso por ser mujer. Eso ayuda a darle motivos más o menos sostenibles a doña Urraca (Alicia Sanz) para ser una supervillana de tebeo. Pero si querían hablar de esto, habría tenido más enjundia dedicarle una serie a Urraca I de León, nieta de Sancha y sobrina de su tocaya, que fue la primera mujer soberana de un reino cristiano y es mucho más desconocida. No la cosa a medias de tener a estas dos de fondo, así como medio Cersei medio Isabel, en los huecos que deja Ruy haciéndose el machote.

 

«Magical Moro»

El Cid: Épica de marca blanca 2

A partir de los estrenos de La milla verde y La leyenda de Vagger Vance, el director Spike Lee parió el concepto ‘Magical Negro’. Es una variante racista de la Manic Dreamy Pixie Girl. El personaje racializado tiene la función de acompañar al héroe blanquito con su sabiduría ancestral o, directamente, sus poderes mágicos, sin ser retratado como un ser humano. Más bien, al estilo del Viernes de Robinson Crusoe, como una especie de genio salvaje. No es un personaje real, apenas llega a dispositivo narrativo.

En España no tenemos un «Magical Gitano» exactamente, aunque el tratamiento de nuestra minoría asimilada a la identidad local merecería varios artículos que desbordan este, pero si una tendencia legendaria al «Magical Moro». El Cid no es una excepción, y el nivel de exotización que alcanza la parte de la historia que se desarrolla en la taifa de Zaragoza daría risa si no diese pena. Pepe Darosa poniendo acento de chiste en El Cid Cabreador de Ángel Cristo daba menos vergüenza.

¿Quiere usted odaliscas? Odaliscas. ¿Quiere usted un moro sabio? Pues lo tiene. ¿Quiere usted uso de técnicas y armas que no corresponden a la época por parte de un actor racializado al que se le fuerza un acento que no es el suyo ni viene a cuento? Pues ahí ponemos al pobre Emilio Buale (El hoyo) a hacer el cabra. ¿Quiere usted que alguien le lea el horóscopo, la carta astral o las tripas de un erizo de mar al héroe? Pues toma castaña. ¿Quiere que se meta en problemas porque la hija/hermana/prometida del rey moro busca tema que te quemas? ¡Adivine qué pasa!

Esperemos que alguien adapte a El manuscrito carmesí o A la sombra del granado, diría que incluso hasta El puente de Alcántara de Frank Baer. Porque tenerme gritándole a la pantalla «que no son árabes, que son andalusíes, que llevaban ya tres siglos y medio en la Península en ese momento, y se lavan todos los días, son ellos los que consideran bárbaros a los cristianos, no al revés» ya les digo yo que no es agradable.

 

El Cid, enterpreneur de la Baja Edad Media

El Cid: Épica de marca blanca 3

 

«Empezó como palafrenero» es el «empezó en el garaje de casa de sus padres» de la Edad Media, y entonces, igual que ahora, aquello no había por dónde cogerlo. En El Cid de Amazon parece optar por esta chorrada de enfoque, el mismo que Guy Ritchie en  su espídica y macarra Rey Arturo: La Leyenda de Excalibur o la mencionada Destino de Caballero y las versiones más infantiles de Merlín el Encantador. Pero es que miren, no. No cuela una versión realpolitik de la corte de León y esto al mismo tiempo. Y al mito del Cid le sienta como a un Cristo un kalashnikov.

Rodrigo ya tenía unas mesnadas to guapas que lo seguían a todas partes como sus hombres de armas y unas tierras no muy extensas pero que le cubrían el riñón antes de meterse en berenjenales. Tenerlo de paje sin títulos al que van ascendiendo por ser muy leal queda ridículo cuando también nos sacan al abuelo (Juan Fernández) de conspirador y dan mucho la tabarra con el linaje de su padre. Parece que se les ha mezclado una versión del guión en la que es plebeyo con otra en la que es noble. El maestro de armas soltando un discursito en plan «no somos como los nobles, nos usan y tiran» ni viene a cuento ni tiene sentido con lo que se está mostrando.

Lo gracioso es que el Cid histórico, del cual, repetimos, se sabe poquísimo más allá de que debía repartir galletas que daba gusto verlo, sí que serviría como modelo de «emprendedor». O al menos de autónomo. Solo hay que asumirlo como un mercenario al que le daba igual matar moros que cristianos si estaba bien pagado, fuese el cliente la taifa de Zaragoza, el reino de Castilla o el condado de Barcelona. Y claro, tomado así, pues Pérez-Reverte te escribe un western en Sidi, pero Amazon no te podría vender esto como épica, aunque sea de chichinabo, porque pierde todo el romanticismo de la leyenda.

Suponemos que han intentado «hacer un Jon Nieve». Y eso es ridículo, por muchas y muy variadas razones. La principal que Juego de Tronos se dedicaba a darle la vuelta a las convenciones de la épica, y todos los héroes “puros” fracasaban. Cuanto más heroico y clásico un personaje, antes picaba billete. Por eso los Stark tenían la esperanza de vida de un protagonista de Jackass y por eso Jon Nieve, el Elegido, el que une los linajes y lidera a los salvajes y blablablá… al final es un inútil al que salvan la vida constantemente sus hermanas o sus novias y que acaba de regicida y feminicida. Un artista, vaya. Su trayecto de bastardo a rey se corta porque no debe completarse. Y al Cid Campeador, que ni era rey ni era bastardo ni el elegido ni leches, no le cuadra ni por casualidad tanta tontería. Si vamos a plagiar, plagiemos bien.

 

El juego de las sillas

El Cid: Épica de marca blanca 4

Porque al final la duda que queda es… ¿a quién va dirigida esta serie? Desde luego que esto no es Juego de Tronos, que lo mismo quería culebronizarte que hacerte sentir más listo. Es imposible ver esto sintiéndose más listo. Si acaso cuando uno nota parecidos con la versión de Pepe da Rosa y Ángel Cristo igual se siente más imbécil.

Mucho cachondeo con que Amazon Prime en sus producciones propias en España quiere ser TeleCinco -que si Madres, que si Caronte, que si el documental sobre Leonor-, pero al final hacen esto y te dan la razón. De verdad, ¿cuál es el objetivo de El Cid? Porque si se trataba de posicionarse en la ficción española al nivel de las grandes producciones de los últimos años, descarrila completamente.



Atresmedia, Movistar+, HBO y Netflix le dan sopas con ondas a la plataforma del supermercado más grande del mundo, cuando en teoría esta última debería tener muchos más recursos que varias de estas empresas. Cada una de las mencionadas ha desarrollado las últimas temporadas series de calidad en diferentes géneros pero con marcas características que las señalan como productos propios. Estas cosas que está haciendo Amazon no son nada. Son marca blanca. Son el Hacendado de las series, pero sin hacerte el apaño ni ser más baratas.

Ya que nos gustan tanto las clasificaciones, El Cid compite con Valeria en ser de lo peor de este 2020 por una razón muy sencilla: la abismal distancia entre sus objetivos declarados y lo que finalmente ofrece. No hay épica, no hay espectacularidad, no hay una revisión del mito, no hay aportaciones apenas a lo de siempre y las pocas que sí están mal desarrolladas… Para hacer esto, mejor nada. Por supuesto, es más que previsible que haya futuras temporadas y que lo normal es que mejoren. Pero sin estos cinco capítulos podíamos vivir perfectamente.

 

Jose A Cano (@caniferus)

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Abril Zamora dirige, escribe y protagoniza ‘Todo lo otro’, la nueva serie española de HBO

Abril Zamora dirigirá la nueva serie española de HBO, encargándose además de los guiones y del papel protagonista, según ha dado a conocer la plataforma en un comunicado. Será el segundo proyecto personal de la actriz y directora, que ya fue la responsable total de Temporada Baja para Flooxer y ha dirigido varios capítulos de Señoras del (h)AMPA.

Todo lo otro narra las vicisitudes de unos treintañeros «inseguros, plagaditos de frustraciones, que intentan encauzar su vida en un Madrid que no parece ponérselo fácil. Un puñado de decisiones incorrectas que muestran unas adolescencias tardías, pero también la esperanzadora necesidad de sentirse aceptado o de encontrar un sitio cuando la vida no es lo que se supone que debería ser«.



HBO define la serie como «tristemente cómica y miserablemente ligera». Todo lo otro «nos presenta sin juicio a unos personajes que dan palos de ciego, que intentan coger las riendas de su vida mientras buscan a toda costa hacerse un hueco  y de paso su propia identidad».

Actriz, guionista y directora, los trabajos más recientes de Abril Zamora como intérprete incluyen su participación en las series Vis a Vis y El desorden que dejas, además de la película La vida por delante, junto a Sofía Loren. Zamora es también co creadora de Señoras del hAMPA, serie para la que escribió junto a Carlos del Hoyo los guiones de toda la primera temporada.

El papel de Abril Zamora en Todo lo otro será el de la protagonista, Dafne. Tiene un trabajo de mierda, su novio la acaba de dejar y está enamorada de su mejor amigo, un asturiano desmotivado interpretado por Juan Blanco. David Matarín, Nuria Herrero, Andrea Guasch, María Maroto, Bea de la Cruz, Marta Belenguer, Pepe Lorente y Raúl Mérida completan el reparto principal, del que también forman parte Miguel Bernardeau y Alberto Casado.

 

Rodaje y estreno en 2021

«Tanto HBO Europe como Mandarina han creído en la historia desde el minuto uno y en vez de cortarme las alas me han dado libertad absoluta para poder contarla sin limitaciones  artísticas ni creativas, potenciando mi voz y mi autoría y eso, cuando estás escribiendo algo tan personal, es un lujo y una gozada. Ha sido un proceso catártico y precioso y aunque da un poco de vértigo, me siento muy arropada por un puñado de profesionales maravillosos, que además, son mis amigos. No puedo pedir más«, explica Abril Zamora.

En palabras de Miguel Salvat, Commisioning Editor of Original Programming de HBO Europe en España: “Estamos muy orgullosos de poder apoyar a Abril para que cuente esta historia sincera, cruda y real que quiere contar como quiere contarla. También estamos seguros de que algo así nunca se ha hecho y de que este retrato sobre la inseguridad sorprenderá a muchos de nuestros clientes actuales y futuros”.

La serie, una producción de Campanilla Films S.L (parte de Mandarina) para HBO Europe, arrancará su rodaje a principios del próximo año y constará de ocho episodios de media hora, con estreno previsto en 2021. Antony Root, Steve Matthew y Miguel Salvat son los productores ejecutivos por parte de HBO Europe, mientras que Santi Botello es el productor ejecutivo de la serie por parte de Mandarina.

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La Academia de Cine cierra el 2020 este sábado con una asamblea que se prevé más tranquila que la de septiembre

La segunda asamblea de la Academia de Cine en este 2020 se anuncia bastante más tranquila que la primera. Aunque algunos críticos siguen cuestionando las cuentas de la institución, el acuerdo judicial por los polémicos despidos del pasado verano ha calmado las aguas y las energías parecen concentradas en la organización de los Premios Goya 2021.

Anualmente la Academia de Cine celebra dos asambleas ordinarias, una antes del verano y otra, que toca este 19 de diciembre, llamada «la de los Goya», en la que se aprueban los presupuestos del año entrante y se anuncian los detalles de la organización de los Premios Goya (que este 2021 se celebrarán en el Teatro Soho de Málaga presentados por Antonio Banderas y María Casado).

La asamblea repite el esquema de septiembre de asistencia virtual desde Barcelona, Málaga, Sevilla y Valencia con voz y voto, que resolvió las protestas por parte de los académicos andaluces en septiembre. Ya el retraso de la asamblea «de verano» hasta dicho mes y las circunstancias especiales de presencia y voto vinieron marcados por la pandemia.



Aquella asamblea vino marcada por la polémica en torno al despido de tres empleadas durante los meses de julio y agosto que se consideró injustificado, sobre todo cuando la Junta Directiva alegaba motivos económicos después de un 2019 de superávit, lo que ponía en duda las cuentas. Estas, finalmente, fueron aprobadas por una amplia mayoría.

Algunos académicos consultados por Cine con Ñ que prefieren no ser identificados han indicado que en estos momentos «es mejor centrarse en los Goya y en trabajar». Otros entienden que una vez la parte legal de los despidos está zanjada «no hay mucho más que hablar».

 

Las voces críticas piden «cuentas claras»despidos-de-la-academia-pq-cine-con-ñ

Lo cierto es que la doble circunstancia de que la Academia de Cine admitió la improcedencia de los despidos el pasado noviembre y que las tres trabajadoras ya han encontrado nuevos empleos ha enfriado dicha discusión. Sí quedan académicos como el productor malagueño Carlos Taillefer, ya que entiende que «si la Academia admite que el despido era improcedente, es que se despidió por capricho, sin ninguna razón».

Taillefer, uno de los académicos más veteranos, lamenta que «se gaste así el primer superávit de la Academia de Cine en casi toda su historia», en referencia a las cuentas de 2019, y confirma a Cine con Ñ que consultará durante la asamblea «si se ha contratado a alguien para los departamentos de estas tres personas, pues eso demostraría que, además, la labor que desempeñaban era necesario». Insiste en que «esta Junta Directiva ha hecho muchas cosas bien, pero no esta cuestión».

Otra de las reclamaciones que el productor plantea es «la acumulación del voto delegado». En la asamblea de septiembre, por las restricciones sanitarias, se acumularon hasta 136 votos delegados, de los cuáles 96 lo estaban en miembros de la Junta Directiva, en algunos casos 28 en una misma persona. Taillefer cree que esto «debería limitarse, como en instituciones similares a la Academia, tipo AISGE, SGAE o incluso EGEDA, que tuvo que reformar sus estatutos por indicación del Ministerio de Cultura».

 

«Riña interna» y «la interventora de los Goya»despidos Academia de cine

Algunas de las voces críticas que participaron en la asamblea de septiembre consultadas por Cine con Ñ han preferido no volver a pronunciarse sobre el particular, algunas por no estar tan implicadas en esta asamblea y entender que el tema despidos está cerrado, otras por entender que lo que se está produciendo, «usando a las despedidas o a las voces críticas que sí han querido dar la cara», es «una pelea entre ‘familias’, un ‘quítate tú para ponerme yo’, y no un deseo de transparencia real».

La Academia, como es habitual, ha preferido no entrar en ninguna polémica, y consultada por Cine con Ñ ha recordado que ciertos detalles a tratar en las asambleas sobre las cuentas de la institución son confidenciales. Algunas fuentes consultadas por esta revista insisten en que previo a los Goya «la Junta Directiva hace lo más correcto y gran parte de los académicos así lo entienden».

Entre los académicos consultados se ha vuelto a insistir en que la principal sorpresa entre los despidos fue Nieves Martínez, a la que llegaron a definir como «la interventora de los Goya. Tiene el reglamento en la cabeza y se ocupa de la transparencia del proceso. Era la persona que elegía al notario, aceptaba o rechazaba nominaciones, etc».

 

Jose A Cano (@caniferus)

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Hasta el cielo: Camino a trap paraíso

Ángel (Miguel Herrán) es un joven mecánico que decide entrar en un grupo de atracadores del barrio. Mientras empieza una problemática relación con Estrella (Carolina Yuste), sus objetivos y ambición en la banda empiezan a ser cada vez más grandes, como más grandes van a ser sus problemas con la policía. Hasta el cielo es la clásica historia del gánster emprendedor y obsesionado por el poder, pero ahora actualizada con vida de barrio y música de C. Tangana. Una película floja en su desarrollo central, pero con novedades y acción suficientes como para que valga la pena verla.

Dirigida por uno de los reyes del thriller español (Daniel Calparsoro) y escrita por otras manos ilustres del género (Jorge Guerricaechevarría), Hasta el cielo es una película comercial que apuesta claramente por códigos culturales asociados a los jóvenes españoles. Por fin. Ya sólo esta novedad es como para celebrarla en Fabrik: Calparsoro, Guerricaechevarría y la perspicaz productora Emma Lustres (Vaca Films) han decidido no hacer una película «atrápalo todo» sino una que le hace guiños permanentes a aquellos sobre los que se ha pensado, equivocádamente, que no quieren pagar por una entrada de cine.

Los chavales del barrio

Hasta el cielo: Camino a trap paraíso 5

Y lo primero para interpelar los jóvenes ha sido querer contar con ellos y hablar como ellos. Tremenda locura. En Hasta el cielo vemos a unos chicos y chicas que -aleluya- se parecen a los jóvenes de verdad que viven en muchos lugares de España. A los que quizá no tienen trabajo o a los que lo tienen en peluquerías y talleres. A los que ven las cuatro torres de Madrid desde lejos, no a los que protagonizan ¿A quién te llevarías a una isla desierta?. La imagen de chico malo que tiene Miguel Herrán desde A cambio de nada (Daniel Guzmán, 2015) encaja perfectamente en este esfuerzo por acercarse más a la gente del parque que a la del pisazo en el centro.

A este aire fresco se le ha incorporado una historia de espectáculo que no representa a nuestros jóvenes, pero sí a cierto espíritu que les resulta atractivo: el de la delincuencia juvenil, basada en historias de atracos reales, con buscado aroma al cine -mal llamado- quinqui de los 80. Los responsables de la película saben que el cine de José Antonio de la Loma y Eloy de la Iglesia sigue teniendo tirón. Lo demuestran la estética de los videoclips y las letras de canciones de artistas como C. Tangana, El Coleta o los propios Jarfaiter o Ajax, que directamente aparecen en la película. Aunque sea más pose que compromiso, aquí se busca el sentido coral, las expresiones y la actitud gamberra herencia de la banda del Jaro o el Torete.

El sueño neoliberal de llegar hasta el cielo

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Pero ahora ya no suenan Los Chunguitos, sino más bien derivados de música urbana. Ya no vale con pegar el palo y drogarse -de hecho, demasiada poca droga hay en Hasta el cielo-, ahora hay que ir a por todas y de forma organizada, con la esperanza de no echar abajo la torre, sino de subirse al último piso vestido de traje. No importa a quién haya que pisar o por qué aros haya que pasar, el objetivo es llegar rabioso hasta ese cielo vendido por la cultura neoliberal. En ese sentido, la película entronca mucho más con el mito del gánster que escala desde abajo del cine norteamericano -el de, por ejemplo, El precio del poder (Brian de Palma, 1983)- que con la tradición más autosatisfecha y de lealtades del lumpen del cine quinqui.

En estas coordenadas generales, Hasta el cielo capta bien este sentido generacional y de época. A eso le añade además una eléctrica y acertada Carolina Yuste y un par de secuencias de acción del gato y el ratón bien resueltas. La parcela del entretenimiento atractivo está, por tanto, razonablemente bien cubierta. Pero es complicado dejar pasar la inconsistencia y la acumulación de estructuras repetidas en el tramo central de la película: los caprichos argumentales, las elipsis mal elegidas y un Ángel cada vez más distante de la lógica pesan demasiado a la hora de quedarse con auténtico buen sabor de boca.

Es una de las debilidades ya clásicas del cine de Calparsoro, un director que controla bien los ambientes y los ritmos del cine comercial pero que sufre a la hora de darle consistencia al guion para que no importen demasiado las tijeras del montaje. Su dupla con Guerricaechevarría a las teclas tampoco ha terminado de resolver este problema con el desarrollo de sus personajes y la estructura de la historia. Ni siquiera un inicio y un final conectados consiguen que la película no de la sensación de perdida y descompensada en distintos tramos en los que se salta mecánicamente de un lugar a otro.

Seguir la carrera de Calparsoro es seguir el feliz rastro comercial del thriller español reciente. A medida que el género ha ido acaparando más proyectos de televisiones y grandes productoras en España, allá que iba aumentando a su vera la adrenalínica filmografía del director. Y es mérito suyo que en más de 20 años se haya consolidado como un nombre fiable en la industria si lo que buscas es acción y una cierta atención a lo social. Hasta el cielo tiene también ese sello. Su sensibilidad por lo contemporáneo y generacional la hacen ya particular en el ecosistema mainstream, aunque su desganado desarrollo no la conviertan en algo más.

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A stormy night: El sincero debut de David Moragas

Anunciado su palmarés, el D’A Film Festival se prepara para cerrar las ventanas virtuales que nos han permitido acercarnos a una filmografía selecta tan curiosa y sorprendente como alejada de los circuitos comerciales. Como broche final, el festival barcelonés ha optado por el estreno mundial de la española A stormy night, la ópera prima del joven director David Moragas. Con varios cortometrajes a su espalda, este realizador catalán dirige, escribe e interpreta en su debut en el largometraje. Y el resultado es excelente.

En A stormy night, Marcos (interpretado por el propio Moragas) es un realizador de documentales que ve cómo su vuelo con salida desde Nueva York es cancelado por una fuerte tormenta. Esta situación adversa le obliga a llamar a Clara, una amiga de la Universidad que vive en la ciudad y que le presta su habitación vacía en el apartamento que comparte con Alan (Jacob Perkins), su compañero de piso.

El guion en el que se sustenta esta cuidada producción es una de sus claves y aciertos. Su premisa es tan sencilla como enérgica, al obligar a los dos únicos personajes de la historia a relacionarse entre ellos para superar el confinamiento inesperado (como el que vivimos estos días). De esta manera toda la trama y contenido se desarrolla en una única unidad de tiempo (un día) y de lugar (el apartamento).

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Todo el peso recae en los dos personajes, quienes muestran unas personalidades ceñidas a diferentes formas de vivir, con distintas percepciones sobre el amor, el compromiso, los privilegios de cada uno y sus propios miedos o angustias. La relación de ambos (que suele ser más bien confrontación) avanza progresivamente a medida que el tiempo transcurre. Moragas lo hace de manera cada vez más abierta y sincera al revelarse información y sentimientos que cada uno guarda para sí. Puede que se aleje del género de “comedia romántica” en el que se mueve, pero se origina una especie de “terapia romántica” (podría ser su género) muy natural y honesta.

El aspecto visual que ofrece el blanco y negro de la película ayuda a conseguir el clima emocional y sentimental que rodea a Marcos y Alan. La supresión del color evita desviar la atención a cualquier otra cosa que no sean estos personajes y sus rostros, imprescindibles para entender el subtexto o intentar comprender algunos de sus comportamientos.

El tono de A stormy night recuerda a la película Blue Jay de Alexandre Lehmann, en la que también se apuesta todo por la relación de dos personas (en este caso conocidos) y cuya acción también transcurre en una noche y entre cuatro paredes, impregnado todo por un blanco y negro con sentido similar (guardando siempre las distancias en aspectos más profundos e identitarios).

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Es justo destacar el buen trabajo que se ha realizado con el sonido (labor de Carlos Jiménez y Amrita Singh), uno de los aspectos que quizás menos se trabaja o se tiene en cuenta en las primeras obras de autores nóveles. Hay un control absoluto del mismo, aprovechando las ventajas técnicas que aporta la característica situación de encierro y sin dejar de lado el sonido ambiente del exterior, esencial para crear la atmosfera deseada.

Existe además un sentido por hacer creíble y actual la historia, y no solo desde el sonido. Durante la película vemos varias veces una deliberada estética de vídeo doméstico, hecho en el momento, con imágenes de la ciudad, viajes y amigos publicadas también en redes sociales.

David Moragas transmite en su debut un gran cuidado por todos los aspectos de A stormy night: desde el guion y la fantástica construcción de personajes, sinceros y humanos, hasta el aspecto visual y sonoro. Todo está bajo un control personal y preciso. Se atreve a profundizar sobre los temas humanos universales sin dejarse llevar por un romanticismo superficial o vacío, tratando además una preocupación por otras cuestiones colectivas y sociales (como el trabajo o la propia identidad gay dentro del colectivo LGTBIQ).

Moragas consigue exprimir todos los recursos técnicos y narrativos en 75 minutos sinceros en los que nada sobra. Seguiremos pendientes de los próximos pasos en la carrera del joven realizador catalán.

 

Diego del Val (@DiegodlVal)

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‘Campanadas a medianoche’: Orson Welles y España

Hace 55 años se estrenaba en nuestro país Campanadas a medianoche (1965), coproducción española dirigida por Orson Welles, uno de las figuras más prestigiosas de la historia del cine. En un programa exclusivo para suscriptores de pago en Ivoox, el podcast ‘Los jueves, milagro’ celebra la efeméride centrándose primero en la carismática e inabarcable personalidad cinematográfica de Welles: su estilo, su profunda obra o los problemas financieros que tuvo a lo largo de su carrera.

Posteriormente, el programa ahonda en el contexto español y las claves de Campanadas a medianoche, adaptación de varias obras de William Shakespeare seleccionadas por Welles. Fue la última gran producción del director, llena de curiosidades y dificultades a lo largo de su génesis. Una reflexión libre, íntima pero también épica, y llena de ideas. En el último tercio del programa, el equipo repasa la estrecha relación que mantuvo Welles con España y su cultura, presente en otras obras como Mr. Arkadin (1955), su inacabada Don Quijote o los episodios centrados en la vida española de la serie Around the world with Orson Welles (1955).




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Las 10 mejores series españolas de 2020

Las mejores series españolas de 2020. Se dice pronto. Porque vaya año, ¿eh? Se nos han acumulado las mejores series de la Historia (™) de tal manera que no damos abasto. Hacer una selección de las 10 mejores ya suena kamikaze. Decidirse por La Mejor es ya puro postureo. ¿La mejor en base a qué? Hay al menos tres candidatas claras a ese título, se van a jugar todos los premios importantes del gremio y probablemente, por muy diferentes razones, el resultado siempre va a ser injusto.



En la redacción de Cine con Ñ nos atrevemos con nuestra propia selección de las mejores series jamás grabadas y emitidas en 2020. Subjetivo, como todos, y con un poquito de trampa, os dejamos nuestro balance y esperamos vuestras propuestas:

 

Fuera de categoría: EL MINISTERIO DEL TIEMPO (4ª T)Las 10 mejores series españolas de 2020 9

Primera trampa. Pero necesaria. El Ministerio del Tiempo ya compite en otra liga que no se mide en ránkings, listas o zarandajas. No es solo éxito de crítica y de público -lo tiene, usted no lo nota tanto porque su casa madre es TVE y no una plataforma con sede en EEUU-. Es su importancia como hito cultural. Como evento. Cada entrega de MdT es un acontecimiento, no un episodio más. Pocas series tienen la capacidad de rescatar del olvido a figuras como Emilio Herrera o arqueología de la ciencia-ficción local como el Anacronópete y convertirlos en tendencia durante semanas. En España, sólo una. Y es El Ministerio del Tiempo.

 

Fuera de categoría: LA CASA DE PAPEL (4ª T)Las 10 mejores series españolas de 2020 10

Segunda trampa, pero menos necesaria. La cuarta temporada de la serie de Vancouver no ha tenido tan buenas críticas como la de El Ministerio del Tiempo. Pero La casa de papel, rompehielos de la difusión industrial de la ficción española más allá de lo que ninguna otra serie cañí ha llegado nunca, se sustrae de la competición por los mismo motivos. Su terreno ya no es el de aspirar a que le reconozcan el guión más afilado o el diseño de producción más espectacular. Es el del icono. Aunque salga mal. Es una serie consciente de que en las manifestaciones ya no se usan máscaras de V de Vendetta sino de Dalí, que su destino es convertirse en franquicia coreana y resucitar el Bella Ciao como himno antifascista.



 

Mención Especial: MIRA LO QUE HAS HECHO (3ª T)

Las 10 mejores series españolas de 2020 11

Tercera trampa. La serie de Berto Romero queda fuera de las 10 mejores del año porque, realmente, su temporada final no ha estado a la altura de la dura competición en esta lista de mejores series españolas de 2020. Pero sí merece destacarse como cierre de un conjunto tierno, divertido y armonioso. Un Berto descafeinado frente a sus apariciones junto a Buenafuente pero jugando a la metaficción, a explicarnos su técnica y reírse de la misma idea de su estrellato, que en el conjunto de las tres temporada da una lección de como hacer la tele familiar de siempre adaptada al espectador de ahora.

 

MEJORES SERIES ESPAÑOLAS DE 2020

10. LA UNIDADLas 10 mejores series españolas de 2020 12

Lo que es la vida. Hace diez años, o hace cinco, incluso hace tres, La unidad habría ido directa a disputar la cabeza de cualquier lista de este tipo. Pero este 2020 de pandemia va a entrar raspada entre lo mejor del año. Quizás no sea el policial más complejo a nivel argumental, pero sí el que ha cuidado más una producción verosímil y sin florituras. Le queda el galardón, además, de haber rodado la secuencia más impactante de la temporada. Esa sobre la que no se deben hacer spoilers. Y conseguir eso en el año de Patria, 30 monedas y Antidisturbios tiene mucho mérito.

 

9. VERGÜENZA (3ª T)mejores series españolas de 2020

En la última entrega de la serie protagonizada por Javier Gutiérrez se mantiene el humor absurdo basado en la incomodidad, la vergüenza ajena. Pero también se hace una apuesta más atrevida a nivel de estructura, adoptando un esquema de investigación con testimonios a cámara y saltos temporales que con el paso de los capítulos acaba por convertirla en la temporada más redonda y ambiciosa de las tres, es posible que la última para cerrar por todo lo alto la más lograda comedia de humor absurdo parida por nuestra televisión.



8. EL DESORDEN QUE DEJASLas 10 mejores series españolas de 2020 13

El thriller de Carlos Montero, sin dejar de ser una serie con sus giros de guión rompecinturas y sus situaciones sórdidas llevadas al extremo, consigue resultar cercano, verosímil e incluso muy certero en sus críticas al ambiente que refleja, cosas que no son nada fáciles. Es, quién nos lo iba a decir, una serie de instituto para personas mayores, y al mismo tiempo uno de los mejores acercamientos recientes, desde la ficción más mainstream, a las trampas de eso que ahora llamamos la España vaciada y antes era profunda.

 

7. VAMOS, JUANmejores series españolas de 2020

La segunda parte de Vota Juan llega como la única y solitaria sátira política de nuestra televisión actual, aunque muchas otras de las grandes series de este año sean en sí mismas bastante políticas. Del Juan ministro trepa de la primera entrega pasamos al «renovador» de la política que parodia por igual a los partidos nuevos de estos últimos años que a algún líder que cayó a los infiernos y resucitó hasta llegar a, ejem, presidente. Con muy pocas concesiones a un personaje tan humano como miserable y a un espectador al que no se trata como idiota aunque se le recuerda que a veces, al ir a votar, se comporta como si lo fuese.

 

6. 30 MONEDASLas 10 mejores series españolas de 2020 14

Álex de la Iglesia ha vuelto a la televisión con una serie que acabará de emitirse en 2021 y que si hubiese mantenido el nivel de su primer tramo habría estado mucho más arriba en esta lista, apartando a empujones a las favoritas. Es un lo tomas o lo dejas con el estilo del bilbaíno, repleto de sus habituales homenajes a la cultura POP y al costumbrismo, y al mismo tiempo una trama más sencilla de lo que la enreda el guión que regala algunos de los grandes momentos del año y grandes actuaciones de Eduard Fernández o Carmen Machi. Porque además, ¿a quién no le va a gustar un cura con escopetas mojando las balas en agua bendita antes de combatir demonios?

5. PATRIA

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La serie de Aitor Gabilondo tiene algunas de las mejores actuaciones del año no ya en televisión sino en cualquier formato. Es el epítome de la serie diseñada para ser «de prestigio» hasta el punto de que al ponerla «tan abajo» hay que justificarse. Al final, de las las mejores series españolas de 2020 es la más conservadora en cómo quiere contar lo que cuenta, la más maníquea y, en último término, la que se desliza hacia el melodrama con más facilidad. Pegas que se ponen sobre una producción impecable y un reparto casi perfecto. Y que también tiene el mérito, discursivamente, de que ni siquiera estemos hablando de La línea invisible o la documental El desafío: ETA, aunque los méritos artísticos de ambas sean mucho menores que los de la serie de HBO.

 

4. GRASA

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A veces, en esta vida, el Betis gana en el Camp Nou, te suben el sueldo aunque estés a media jornada y no le haces la pelota al jefecillo de turno y Grasa se cuela entre las mejores series españolas de 2020. La serie de los creadores de Malviviendo y que emite PlayZ templa el humor cafre y un poco adolescente marca de la casa para ofrecernos un personaje lumpen que es al mismo tiempo creíble y entrañable, con discurso de clase pero sin estigmas ni demagogias, y encima con Antonio Dechent haciendo de médico con mala hostia, que eso siempre queda bien. Y sobre todo: es buena sin pretensiones, porque solo quiere hacer lo que quiere hacer. Ni juzga a sus personajes ni al público que los contempla. Cosa a que a estas alturas empieza a ser más raro de lo que parece.



3. EL ÚLTIMO SHOW

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Miguel Ángel Tirado se merece todos los premios de actuación a los que ni siquiera lo van a nominar. Si esto se llega a grabar hace unos años y con don Gregorio Esteban Sánchez Fernández (alias Chiquito de la Calzada), háganme caso, se cae España. Pero parece que con Marianico da vergüenza. Tiene el discurso meta y la ternura de Mira lo que has hecho, las actuaciones de sobresaliente de Patria, la revisión del imaginario de la cultura popular reciente de Veneno, el costumbrismo sin parodia ni idealismos y el análisis de la comunicación entre generaciones de… bueno, de nadie más, de esta mismo El último show. A veces una serie de Aragón TV es de lo mejor sobre la depresión, la vejez, el amor y la familia que se ha escrito, dirigido y estrenado en años. Si no han podido disfrutarla, denle la oportunidad que merece.

 

2. VENENO

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No está la primera, pero es probable que sea a la larga la serie más recordada e influyente de este 2020 que termina. Los Javis han fabricado un artefacto que va más allá de su calidad artística para ir al terreno del impacto cultural y social, creando la serie que parte de la sociedad española –y no solo españolano era consciente de que necesitaba. Guiños POP y trash aparte, contando con la calidad de las interpretaciones y reflejo de las épocas que atraviesa, Veneno interviene directamente en el discurso de qué es, ha sido y quiere ser el mundo en qué vivimos y cómo elige recordarse.



 

1. ANTIDISTURBIOS antidisturbios

Una serie sobre corrupción, que no un thriller, ni un policial. Una serie sobre la violencia, que no una serie de acción. Angustiosa, incómoda, naturalista a ratos, sin concesiones con el espectador, sin protagonistas idealizados, capaz de llevarnos desde la anécdota hasta las tripas de un sistema corrupto en extremo. La serie de seis señores cantando alrededor de la mesa de un restaurante y una agente de Asuntos Internos. La serie del caso Villarejo. La serie del barco de Piolín. Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen parieron un guión sin fisuras al que luego se adaptó la dirección para forzar al público a hacerse preguntas que no tienen respuestas. Antidisturbios no quiere soluciones fáciles. Solo recordarte que los huesos duelen al crecer.

Arbitraria, probablemente ridícula, desde luego opinable. Esta es la lista de mejores series españolas de 2020 que hemos consensuado en Cine con Ñ. Ahora esperamos la parte divertida: debatir sobre ella.

 

Jose A Cano (@caniferus)

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‘El Planeta’, la película española que participará en Sundance 2021

España estará presente en el Festival de Sundance 2021 con El Planeta, coproducción dirigida por la artista argentina afincada en Gijón Amalia Ulman y ambientada en la misma ciudad asturiana sobre el drama de los desahucios que competirá en la sección World Cinema Dramatic del conocido festival estadounidense.

Toma así el relevo de Paradise Hills, de la bilbaína Alica Waddington, que se proyectó en la sección Next del festival fundado por Robert Redford el pasado 2019. Sigue la estela de directores tan conocidos como Fernando León de Aranoa, que acudió tanto con Los lunes al solo como con Princesas; Isabel Coixet (con La vida secreta de las palabras) o Pedro Almodóvar (con La voz de mi secreto) entre muchas otras autoras españolas que han pasado por el Festival de Sundance.



Precisamente en el reparto de El Planeta interpreta un papel otro de los directores españoles en pisar Sundance, Nacho Vigalondo, que participó en 2007 con Los cronocrímenes. La misma directora Amalia Ulman encarna uno de los papeles principales de la cinta, centrada en las consecuencias de la crisis económica en el Gijón en que se crió y rodada en 2019.

 

Una comedia negra'El Planeta', la película española que participará en Sundance 2021 19

Amalia Ulman. Foto: Wikimedia.

Durante su participación en las clases magistrales del Festival de Gijón este noviembre la propia Ulman definió El Planeta como «una comedia negra sobre la relación de dos mujeres, madre e hija, que están a punto de perder su casa. La película transcurre en Gijón y nos muestra la caída en picado de estas dos mujeres. Al no tener dinero y no hallar trabajo deciden vivir de su imagen y cometer timos varios para sobrevivir«.

Ulman se dió a conocer en 2014 con el proyecto «Excelencias y perfecciones«. En este interpretó a una influencer a través de una cuenta fake de Instagram en la que fingía todo un proceso de subida al estrellato y caída en los infiernos de la fama de una cute girl, revelando finalmente tras alcanzar casi 100.000 seguidores que todo era una performance artística.

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Terra de telers: El tejer de los recuerdos

Como hiciera con Pàtria (2017), John Frank Charansonnet vuelve a ahondar en la historia de su Cataluña natal con Terra de telers (Memoria de telares). Mientras que la primera se centra en la leyenda de Otger Cataló y los orígenes de Cataluña, la película que ahora se estrena nos traslada al siglo XX con el fin de ofrecernos un largo y ambicioso retrato de aquellas personas anónimas que sentaron las bases y la propia idiosincrasia de un pueblo que ha luchado siempre por salvaguardar su identidad.

Mientras que en la primera se recurría a un personaje fundido con la ficción, en Terra de telers (Memoria de telares) pretende hacer un sentido homenaje, principalmente, a aquellas mujeres que con su esfuerzo y labor silenciosa ayudaron a construir esa auténtica “patria” alejada de mitificaciones, en torno a un melodrama con ciertas pinceladas históricas con guion del propio director y Alba López, una de sus actrices protagonistas.

Para ello, la película se centra en Julieta, una niña de 6 años que desembarca en 1923 junto a su familia en una colonia destinada a los trabajadores de una gran empresa textil. A través de la voz de una narradora, que de manera nostálgica nos relata los avatares de la familia durante más de 60 años, iremos viviendo la evolución del personaje al ritmo que marcan los acontecimientos históricos más relevantes del pasado siglo: el éxodo rural, el desarrollo industrial, la Guerra Civil, las penurias de la posguerra, la dictadura franquista y la transición democrática.

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Para retratar con fidelidad el lógico paso de las décadas, a Julieta la interpretarán cuatro actrices de diferentes edades: Gala Charansonnet (niñez), Laia Díaz (juventud), Alba López (adultez) y Montse Ribadellas (vejez). Un elemento que, a pesar de la intención inicial, hace que perdamos empatía por un personaje protagonista con tantos rostros. A lo que habría que añadir las abruptas elipsis temporales, que a veces puede descolocar al espectador en ese incesante fluir de acontecimientos tan prolongados en el tiempo.

Sin esconder el cariz político en su discurso, Terra de telers (Memoria de telares) tiene unas pretensiones marcadamente localistas. A pesar de que en el fondo la historia que nos relata puede tener una lectura universal (la lucha de una familia por mantenerse unida), la película termina cayendo en ciertos tópicos del todo manidos. Al tiempo que da una visión idealizada de una vida en las fábricas que en el fondo estuvieron marcadas por la explotación laboral y las injusticias sociales. En este sentido, se echan en falta asuntos tan relevantes en la historia catalana del siglo XX como los movimientos obreros y las luchas sindicales.

Con una marcada estética de telefilme, la película alargó su rodaje durante un año con el deseo de dar verosimilitud al paso del tiempo y poder rodar así durante las cuatro estaciones del año. En este sentido, a pesar de las carencias técnicas, hay que resaltar el esfuerzo en la labor artística y la correcta fotografía, que dan a la película un cierto valor testimonial e, incluso, historiográfico. La película se rodó en espacios reales de una colonia industrial, en el Museo de la Colonia Vidal y otros lugares de la comarca del Berguedà.

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En torno a un puñado de localizaciones, reviviremos desde la perspectiva de Julieta el ciclo de la vida, desde la inocencia de la niñez hasta la serenidad de la vejez. Entre medio, toda una vida de trabajo y sacrificio, un esfuerzo anónimo y colectivo no siempre reconocido. La existencia de Julieta se terminará fundiendo con la de la fábrica, cuya suerte pasará del esplendor a la decadencia, un devenir siempre asociado a aquellas personas que trabajaron en ella.

En ese recorrido por la historia de la colonia se juega en todo momento en Terra de telers con los colores como metáfora de la visión que de ella impone la memoria de quien nos va relatando la historia. Mientras que en la infancia sobresalen los tonos dorados de los campos y la luz primaveral, símbolo del paraíso perdido de la juventud, en la etapa donde se retrata la Guerra y sus estragos, la fotografía se vuelve ocre y los tonos oscuros envuelven los años más difíciles de la familia Sorrives.

Unos colores que volverán a resurgir tras la muerte de Franco, una época donde la colonia comienza a agonizar, del mismo modo en que lo hacen sus protagonistas, antes de dejar paso a nuevas generaciones que solo verán en ella los vestigios de un pasado repleto de alegrías y sinsabores, unos recuerdos de los que ya solo son testigos esos telares sobre los que nadie posará ya sus manos.

 

Adolfo Monje Justo (@adolfo_monje)

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