La boda de Rosa, Akelarre y Las niñas parten como grandes favoritas tras las nominaciones a los Premios Feroz 2021. Anunciadas por Andrés Velencoso e Inma Cuesta desde Alcobendas, destaca que El año del descubrimiento esté nominada a mejor película, dirección y guión, hecho poco habitual para un documental o película de no ficción. En las categorías de series a la competición entre Antidisturbios, Patria y Veneno se une 30 monedas.
En las producciones que acumulan más nominaciones a los Premios Feroz 2021 destaca, en las categorías de cine, La boda de Rosa con 9, seguira de Akelarre y Las niñas con 6 cada una y Los europeos, No matarás y Sentimental con 4. En las de televisión se destaca Patria con 7, seguida de 30 monedas y Antidisturbios con 6 y finalmente Veneno con 3.
Los galardones de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España celebrarán su gala 2021 de forma presencial con protocolo COVID. Repetirán el Teatro Auditorio de Alcobendas, como en 2019, y será el próximo lunes 8 de febrero. Se retransmitirán por YouTube, como en la edición 2018 celebrada en Bilbao.
Con estas nominaciones a los Premios Feroz se va aclarando quiénes competirán por ser las más reconocidas durante la temporada tras conocerse las candidatas de la industria en los Premios Forqué. En estos ya se produjeron las dos nominaciones de Javier Cámara a la mejor actuación masculina, una en cine por Sentimental y otra en series por Vamos, Juan. Un hito que en los Feroz igualan el propio Cámara y también Raúl Arévalo con Los europeos y Antidisturbios.
Se retrasa al 21 de diciembre el anuncio de los candidatos al premio especial de Mejor Documental, según explicó la organización por la dificultad en las nominaciones dada la cantidad de largometrajes presentados, aunque se puede aventura que El año del descubrimiento parte con cierta ventaja. También ese día se anunciará el Premio Especial a una película que hubiera merecido mejor suerte en su carrera comercial.
Nominaciones a los Premios Feroz 2021
Mejor película dramática
Akelarre
Ane
El año del descubrimiento
Las niñas
No matarás
Mejor comedia
La boda de rosa
Los europeos
Historias lamentables
Orígenes secretos
Sentimental
Mejor dirección
Icíar Bolláin (La boda de rosa)
Cesc Gay (Sentimental)
Luis López-Carrasco (El año del descubrimiento)
Pilar Palomero (Las niñas)
David Victori (No matarás)
Mejor guion
Marina Paréz Pulido y David Pérez Sañudo (Ane)
Luis López-Carrasco y Raúl Liarte (El año del descubrimiento)
Icíar Bollaín y Alicia Luna (La boda de rosa)
Javier Fesser y Claro García (Historias lamentables)
Pilar Palomero (Las niñas)
Mejor actor protagonista
Raúl Arévalo (Los europeos)
Javier Cámara (Sentimental)
Javier Gutiérrez (Hogar)
Mario Casas (No matarás)
David Verdaguer (Uno para todos)
Mejor actriz protagonista
Amaia Aberasturi (Akelarre)
Andrea Fandos (Las niñas)
Patricia López-Arnáiz (Ane)
Kiti Mánver (El inconveniente)
Candela Peña (La boda de Rosa)
Mejor actor de reparto
Chema del Barco (El Plan)
Ramón Barea (La boda de Rosa)
Juan Diego Botto (Los europeos)
Alex Brendemühl (Akelarre)
Sergi Lopez (La boda de Rosa)
Alberto San Juan (Sentimental)
Mejor actriz de reparto
Juana Acosta (El inconveniente)
Verónica Echegui (Explota, explota)
Natalia de Molina (Las niñas)
Nathalie Poza (La boda de Rosa)
Paula Usero (La boda de Rosa)
Mejor música original
Roque Baños (Adú)
Aranzazu Calleja (Akelarre)
Koldo Uriarte y Bingen Mendizábal (Baby)
Roque Baños (Explota, explota)
Federico Jusio y Adriana Foulkes (No matarás)
Mejor tráiler
Marta Longas y Rafa Martínez (Akelarre)
Juan Santiago (La boda de rosa)
Miguel Ángel Trudu (Explota, explota)
Javier Fesser y Rafael Martínez (Historias lamentables)
Marina Francisco y J. G. García Román (Las niñas)
Mejor cartel
Natalia Montes (Akelarre)
Pablo Dávila (El arte de volver)
David de las Heras (Los europeos)
Alfredo Bores y Berta González (La reina de los lagartos)
En la filmografía de Gracia Querejeta el protagonismo de las mujeres ha sido una constante. Es irónico que Invisibles resultara acertada en sus dos estrenos: el primero coincidiendo con el 8M, dando voz a una generación de mujeres infrarrepresentadas en el medio audiovisual, y el segundo con la reapertura de las salas de cine, en un momento en el que una de las actividades más recomendables era –y sigue siendo- pasear al aire libre como hacen las protagonistas de la película. Más allá de lo acertado del timing, Invisibles tiene argumentos para convencer por sí misma.
El guion de la propia directora y Santos Mercero se centra en un grupo de tres amigas de mediana edad -interpretadas por Emma Suárez, Adriana Ozores y Nathalie Poza- que se reúnen para pasear juntas una vez a la semana. Una rutina que les sirve para hacer ejercicio pero también para mantenerse al día y contarse sus problemas, y con la que convierten al parque del Príncipe de Cáceres en testigo de las conversaciones entre tres mujeres distintas cuyos problemas resultan plenamente reconocibles.
Invisibles pone el dedo en la llaga en una realidad ni mucho menos desconocida pero sí poco atendida: la poca presencia de mujeres de mediana edad en papeles protagonistas. Un hecho que, por supuesto, refleja la vida real. Pasados los 40 años las puertas de la industria se van ensanchando para las mujeres y el resultado es que hay pocos referentes. Un vacío que realmente no hay manera racional de defender y que el cine tiene muchas posibilidades de ayudar a corregir.
Querejeta utiliza la steady cam para seguir las conversaciones, utilizando movimientos bruscos y música en momentos puntuales para rebajar la tensión de lo que se dice y conseguir un tono ligero que funciona a la perfección como desahogo frente a la gravedad de los temas tratados. Un planteamiento muy acertado para deslizar cuestiones muy importantes sin caer en el exceso de dramatismo y que convierten a la película de Querejeta en positiva tanto para el cine español como para la propia sociedad.
De todos modos, el acierto fundamental de la directora es dejar tiempo y espacio al magnífico trío protagonista, que carga con el peso de la película prácticamente en todo momento. No descubrimos a nadie a estas alturas con Emma Suárez, Nathalie Poza y Adriana Ozores, tres pedazo de actrices que llevan años demostrando su talento y encontrando su espacio pese a las dificultades. Las tres aportan una entidad a sus personajes que hace que la propuesta de Invisibles llegue a buen puerto.
Muchas veces tendemos intuitivamente a asociar complejidad con grandilocuencia, gravedad con melodrama, y eso no tiene por qué ser así. Invisibles, con su tono ligero y sus salpicados cómicos, es un gran ejemplo de esto. Tres grandes actrices al servicio de un texto y una directora que tienen claro lo que quieren decir y cómo hacerlo de forma efectiva. Una película solo aparentemente agradable de ver y que hay que andar muy despistado para considerar anecdótica en su fondo. El bueno cine nunca lo es y el importante tampoco. Invisibles tendría que verse mucho. Tanto por motivos cinematográficos como morales.
Con el documental Cartas mojadas aún en cartelera, el 11 de diciembre llega a los cines otra película española que trata el tema migratorio, esta vez desde la ficción. Es la catalana La mujer ilegal (La dona il·legal), coescrita y dirigida por Ramón Térmens (Catalunya über alles), un thriller en el que una extraña muerte en un Centro de Internamiento de Extranjeros (CIE) desemboca en una investigación de un abogado (Daniel Faraldo) en medio de un corrupto sistema de deportaciones.
La mujer ilegal es una película con clara voluntad de denuncia sobre la situación en los CIE en España, escrita por Térmens y el propio Faraldo a partir de casos reales. «La idea vino por un encuentro navideño de colegio y una conversación con otro padre, que resultó ser abogado de inmigración»; cuenta el director a Cine con Ñ. A partir de esta persona, director y coguionista empezaron a investigar a fondo, recoger testimonios y a inspirarse en distintos casos con la ayuda de ONGs.
La vida real en los CIE
La película recoge y selecciona varias experiencias auténticas con una trama en forma de thriller y en la que se toca explícitamente, por primera vez en la ficción española, situaciones que se viven en estos establecimientos donde se retiene cautelarmente a estas personas cuando llegan a España antes de ser deportadas. Térmens tiene claro que querían poner particularmente el foco en los CIE, señalados en numerosas ocasiones como escenarios de abusos y de vulneración de derechos. Según el director de La mujer ilegal, en estos lugares «se viven situaciones inhumanas».
A estos lugares se les adhiere una trama corrupta que vincula a los CIE con la prostitución, una de las redes preparadas para las mujeres que llegan a España sin regulizar su situación. Yolanda Sey da vida a una prostituta nigeriana implicada mientras que Isak Férriz interpreta a un subinspector de la Policía Nacional inmerso en estos negocios ilegales. Aunque el personaje de Férriz no está basado en nadie en concreto, Térmens cita un caso real con condenas para policías en Castelldefels como otra de las inspiraciones iniciales para La mujer ilegal.
El director, que también habla del libro Los CIE y la ilegalidad institucional (Raquel Gámez, Llibres del delicte, 2017) en su investigación, asegura que la pandemia ha agravado las condiciones de vida de los recién llegados en los CIE: «Ahora mismo, si una persona se contagia de coronavirus ahí dentro, la ponen en una celda sin cama y sin lavabo durante todo el día. Está castigada por estar contagiada».
Pese a que estos centros se vaciaron durante la primera ola de la epidemia, en los últimos meses se han vuelto a ocupar con migrantes. «Fue una oportunidad perdida para no reabrirlos más«, dice Térmens. «No tiene sentido que la gente se confine en casa o haya cierres perimetrales y mientra llenamos los CIE de, por ejemplo, argelinos cuando Argelia tiene cerrada la frontera. ¿Para qué encierras a personas que no vas a poder siquiera deportar? Es causar sufrimiento gratuito a seres humanos».
La toma de conciencia con La mujer ilegal
Con una historia cada vez más oscura y peligrosa para sus protagonistas,La mujer ilegal busca provocar una respuesta por parte del público ante esta realidad migratoria. «La película va también sobre el compromiso y sobre nuestra implicación con estas noticias. ¿Qué hacemos? ¿Qué hace el Estado y qué hace Europa? ¿Cuál es el plan? ¿Qué le decimos a alguien que está escapando del ISIS y lo quieren matar por hacer teatro? ¿Lo echamos? ¿Lo dejamos hundirse en el mar?», se pregunta el director.
Según Térmens, la actitud de la sociedad ante los CIE tiene que cambiar «a un nivel profundo. Tenemos que hablar en términos de globalidad y de solidaridad». En ese sentido, el director espera que La mujer ilegal sea una piedra más hacia otro camino: «Aunque es una ficción, la idea es que la película sirva para abrir un debate, para que la gente reaccione, se posicione con las ONG y se pueda presionar al Gobierno para que esto cambie y los centros se cierren», explica Térmens.
El estreno llegará el próximo lunes 28 de diciembre y los cuatro capítulos que componen el documental se emitirán de manera semanal. La serie ha sido producida por Newtral junto al Estudio Exile Content. La empresa de medios española y la productora mexico-estadounidense firmaron un acuerdo de colaboración para la producción de documentales periodísticos del cual este es el primer gran proyecto.
Según la nota de prensa de HBO, en Un sueño real se muestra «el sacrificio, las esperanzas, el dolor y los triunfos de un grupo de mujeres que consiguen formar parte del club más importante de la historia del fútbol«. También aborda «temas que forman parte del debate en las sociedades de hoy: la igualdad, la discriminación, el machismo, la maternidad o la diversidad sexual».
HBO debuta en el documental deportivo en España
Es otro nuevo documental deportivo que se une a los ya populares Fernando, Carolina Marín: Puedo porque pienso que puedo o Colgar las alas, aunque el primero dedicado al fútbol femenino y el primero en HBO, ya que es un tipo de contenido por el que han apostado más a menudo Movistar+ o Amazon Prime Video.
Es también la segunda miniserie documental española por la que apuesta la plataforma pese a ser de producción ajena pero adquiriendo la exclusiva de la distribución tras el reciente estreno de El estado contra Pablo Ibar, demostrando la confianza de HBO en los contenidos españoles con alcance internacional.
En este caso, además del auge del fútbol femenino, influye la marca Real Madrid, dado que el club blanco, junto al FC Barcelona, es una de las grandes marcas comerciales del deporte español. También es la primera colaboración de HBO con Newtral, la productora de Ana Pastor. Esta empresa ya anunció el pasado marzo otro documental junto a Exile Content,Una familia real, dedicado a la Casa Real española.
De los campos de tierra a la Ciudad Deportiva
Según reza la sinopsis oficial, la historia del C.D Tacón está ligada a la épica desde el día que nació en la imaginación de la ex futbolista Ana Rossell. La presidenta, que ya desde pequeña soñaba con vestir la camiseta del Real Madrid, creó en 2014 un proyecto con el que convertirse en una referencia para niñas y mujeres en el deporte.
Cinco años después ese sueño se cumple con la compra de su club por parte del Real Madrid. La serie documental muestra ese salto de los campos de tierra de las Cárcavas, en un barrio trabajador de las afueras de la capital, a las fabulosas instalaciones de la Ciudad Deportiva del Real Madrid.
Los cuatro capítulos narran desde dentro el día a día de las jugadoras: desde el vestuario, los campos de juego, los entrenamientos, las sesiones médicas, los desplazamientos del equipo, en su casas y con sus familias. Las protagonistas muestran la dificultad y el esfuerzo por adaptarse a la nueva realidad en la que también aparecen grandes fichajes internacionales.
Además durante el rodaje de más de un año, se visibiliza cómo el club tiene que enfrentarse a la pandemia de la Covid-19, a la paralización del campeonato y al aislamiento de las jugadoras en sus domicilios, donde carecen de recursos para entrenar y mantener su estado físico a pesar de ser deportistas de alta competición.
Los espabilados, la serie original Movistar+ con la que Albert Espinosa regresa a televisión en el décimo aniversario de Pulseras rojas, ya tiene fecha de estreno. Sus tres primeros episodios de siete llegarán el próximo 29 de enero y luego se estrenarán de dos en dos semanalmente cada viernes.
Inspirada en la novela escrita por el propio Albert Espinosa y traducida a 20 idiomas, Lo que te diré cuando te vuelva a ver, la ficción cuenta el viaje que emprenden cinco chicos extraordinarios por Europa cuando se escapan del centro psiquiátrico en el que estaban ingresados.
Según explica la nota de prensa de Movistar+, Los espabilados cuenta la historia de Mickey L’Angelo, Yeray, Guada, Samuel y Lucas. A pesar de sus diagnósticos clínicos «estos cinco amigos se enfrentan a la vida con humor y valentía». Los chicos emprenderán un viaje por Europa (España, Italia, Alemania) para encontrar al hermano de uno de ellos, mientras se van enfrentando a sus miedos.
«Desde la ternura y el humor», a lo largo de siete episodios, «se embarcarán en una aventura y en la búsqueda por ser aceptados mientras sacan el máximo partido a sus vidas«. Los protagonistas «saldrán indemnes de situaciones difíciles; se enfrentarán a injusticias; y, sobre todo, descubrirán el amor, el odio y el poder que tienen cuando están juntos».
Los protagonistas de ‘Los espabilados’.
La serie, dirigida por Roger Gual (Smoking Room, Instinto, Las chicas del cable), está protagonizada por Álvaro Requena como Mickey L’Angelo; Marco Sanz como Yeray; Sara Manzano como Guada; Aitor Valadés como Samuel; y Héctor Pérez como Lucas.
Completan el reparto Miki Esparbé en el papel de Izan, un detective especializado en la búsqueda de niños perdidos; el actor Àlex Brendemühl como el doctor Del Álamo; y Marta Torné como novia de Izan. La distribución internacional de la serie corre a cargo de Beta Film que la presentó en la última edición del MIPCOM de Cannes, donde fue destacada por Variety como uno de los 15 proyectos más interesantes del mercado.
La taquilla de El verano que vivimos es una de las mejores noticias para el cine español del pasado fin de semana. Aunque no pudo alcanzar el primer puesto en recaudación, superada por poco menos de 2000 euros por En guerra con mi abuelo. La cinta española alcanzó los 308.000 euros, lo que la convierte en el tercer mejor estreno nacional post-pandemia, según Taquilla España.
La mejora de las cifras de contagio ha permitido que las restricciones sanitarias se reduzcan y se reabran actividades en regiones como Cataluña. Esto ha ayudado a que mejoren las cifras de la taquilla en general, que sube un 72% y da un respiro a las salas, en lo que parece que puede ser un buen mes de diciembre.
A falta de resultados definitivos confirmados por el Ministerio de Cultura, solo Sentimental y la comedia hispanocolombiana Ni de coña acompañan a la cinta de Carlos Sedes en el Top 10 de lo más visto durante el puente, que sigue dominado por películas estadounidenses de enfoque familiar como la mencionada comedia con Robert de Niro o Troll 2: Gira mundial.
La taquilla de El verano que vivimos se mueve en cifras similares a Eso que tú me das, el documental más visto en España en más de una década, y Padre no hay más que uno 2, líder absoluta del ránking de recaudación de este 2020 en España y con diferencia respecto a grandes estrenos internacionales como Tenet o 1917.
Patria fue la serie más vista en HBO España en 2020. La plataforma ha hecho público el podium de su particular ránking de popularidad en el que la serie de Aitor Gabilondo adelanta a dos pesos pesados como Juego de Tronos, siempre en cabeza aunque terminase en 2019, y Westworld, que estrenó este año su tercera temporada.
Aunque, como siempre, las cifras que aportan las propias compañías carecen de control o verificación, el dato es un espaldarazo a la producción española y a la estrategia de HBO. Patria se convierte así en la bandera del establecimiento de la ‘marca HBO’ en nuestro país y de su desembarco en la producción nacional.
La serie más vista en HBO en 2019 fue la misma Juego de Tronos seguida de Chernobyl y El cuento de la criada. Por primera vez entre las producciones propias de la cadena se cuela una española, aunque nunca hasta este año se habían estrenado tantas -además de Patria, Por H o por B, Escenario 0 o 30 monedas-.
Esto contando además con que la serie sobre la novela de Fernando Aramburu fue emitida también en abierto en TeleCinco con una semana de retraso respecto al estreno de cada capítulo en streaming. Por H o por B también marcó el hito de ser la serie más vista en HBO España durante dos meses consecutivos.
A falta de un mes y contando con que 30 monedas terminará de emitirse ya en enero de 2021, se puede considerar a Patria como el mayor éxito de producción española de la plataforma este 2020 que termina.
Un misterioso cardenal conspira para que le sea entregada la reliquia que está provocando los sucesos de Pedraza. Al mismo tiempo, los chicos del pueblo hacen una ouija que provoca la desaparición de una de ellos. Las fuerzas sobrenaturales que asedian el pueblo parecen tener como objetivo a Elena, la veterinaria, nueva propietaria de la moneda. Ella, por su parte, intenta obtener respuestas del padre Vergara.
Si en su primera entrega 30 monedas tuvo algo de Cronenberg, ahora pasa a Strangers Things y La Profecía, además de un terror más reciente que hace un uso inteligente de las nuevas tecnologías. Álex de la Iglesia parece estar proponiendo su propia Historias para no dormir conducida por un padre Karras con el espíritu del Bill Munny de Sin Perdón. La mitología sobrenatural y las normas de la serie se amplían. También los secundarios, en un capítulo que afianza lo planteado en la presentación pero a un ritmo más lento (e irregular).
Se repite la estructura de una larga preparación hasta el acelerón final, eso sí. En este terror más reposado pero igualmente físico empatizamos por primera vez con el personaje del padre Vergara. También conocemos más del pasado del personaje de Elena, la veterinaria que le sirve de contrapunto, y de las motivaciones de Paco, el alcalde, además de la identidad de los villanos, un poco previsibles pero parece que carismáticos.
30 monedas capítulo 2 con spoilers
La localidad italiana Gaeta aparece en La Divina Comedia de Dante mencionada por Ulises. El rey de Ítaca está preso en el octavo círculo del Infierno, es decir, uno antes de alcanzar el noveno, donde penan los traidores y el mismo Satán devora a Judas con una de sus bocas. En este penúltimo escalón se castiga a los urdidores de fraudes, esto es, a los políticos que lucharon con palabras falsas en lugar de con valor y a los que utilizaron su inteligencia para abusar de los más débiles. Desde allí, según la versión de Dante de la muerte de Ulises, partió este una vez más abandonando a Penélope y Telémaco por segunda vez por tener más ansias de conocimientos, buscando explorar el hemisferio sur, donde se encontraba el monte de Purgatorio. Al avistarlo, Dios castiga al héroe y su tripulación con un torbellino que los hunde, muriendo ahogados.
30 monedas, por cierto, es un cómic. Que no se me escandalice nadie del IVAM. No hablo solo de que el alcalde “disfrace” su personalidad quitándose y poniéndose las gafas, como un Clark Kent de la España vaciada. Si de la Iglesia ha adaptado su estilo al formato serie es asumiendo la estructura episódica que mejor conoce y, de nuevo, referenciando sin mucho disimulo a Predicador de Garth Ennis. Nuestro exorcista de western, además, va explicando su aparente escepticismo al ordenar de nuevo a otro personaje que cierre su mente mientras que intenta curar su dolor emocional -antes pérdida del hijo, ahora de la madre-. Y se introduce un giro novedoso al terror “de exorcismos” y apariciones cuando se revela que los villanos están vivitos y coleando.
Se empieza a intuir aquí la posición discursiva que la serie aspira a tener, con cardenales como supervillanos y un sacerdote de pueblo que lucha contra ellos pidiéndole a sus fieles que no crean en lo que les digan. Hay una suerte de reivindicación feminista, o al menos de abdicación de un cierto tipo de masculinidad, cuando Vergara la pide a la adolescente Sole que tampoco lo crea a él. Que se rebele y los expulse a todos. El oscurantismo de la Religión, parece advertirnos, solo nos domina si nosotros le abrimos la puerta.
Van a seguir sucediendo cosas
A Paco el alcalde le sale por el camino un rival amoroso y político, el Marqués Roque, que presume de cochazo y amigos en el Ministerio, se queja de los impuestos, no se sabe el nombre del guarda de su finca e intenta llevarse al huerto a la veterinaria. Como antagonista de nuestro regidor guaperas es un poco previsible, pero contribuye a seguir definiendo el escenario de Pedraza, de gris y albero como buen secarral castellano, con su boticario y su guardia civil muy sufridos. Por eso vuelve a ofrecernos escenas puramente cañís, con la búsqueda de una adolescente en mitad de la noche que nos remite a Alcásser y un padre desesperado trabuco en mano a medio camino entre Tiempo de matar y El séptimo día.
(Dante, por cierto, se encuentra con Ulises en el octavo círculo del Infierno en Sábado Santo, según la estricta cronología de La Divina Comedia, es decir, el día que en la Semana Santa se celebra el Santo Entierro).
Concluyendo: continuación interesante, que baja el ritmo quizás de manera necesaria y queda como capítulo de transición para ir definiendo tanto a los personajes como su entorno y el misterio central. Un par de momentos brillantes de terror puro que no acaban de compensar el bajón de la parte central y que me hacen atreverme con una opinión de crítico subido: tampoco pasa nada si el primer y el último capítulo tienen duración de largometraje pero el resto se quedan en unos más convencionales 50 minutos que se pasen en tensión.Porque una obra de terror de Álex de la Iglesia con momentos aburridos es una esas cosas que hacen llorar al niño Jesús.
Antonio Machado. Los días azules repasa la biografía del poeta sevillano, desde su infancia en Sevilla hasta su muerte en el exilio al final de la Guerra Civil. A través de lectura de sus poemas, con el apoyo de animaciones y los testimonios de historiadoras e intelectuales de la actualidad, la directora Laura Hojman construye una historia lineal que busca ser tan poética como narrativa.
En la novela Leyenda del César Visionario Francisco Umbral no habla directamente de ningún Machado, aunque mencione a Manuel de pasada, pero refleja la vida de los intelectuales en la Guerra Civil. Los escritores falangistas y los pocos republicanos que quedan en el Burgos capital del bando franquista se reúnen a diario de tertulia en un café de la ciudad. Los segundos, anulados. Los primeros, apesebrados. La ausencia de libertad, concluye Umbral, anula al escritor.
La historia de Antonio Machado es por fuerza la de la cultura en España desde la Restauración hasta la Guerra Civil, con un país que por primera vez tenía algo parecido a una educación laica y accesible -relativamente- e intelectuales que se formaban con menos complejos que los que se arrastraban durante un siglo XIX heredero del oscurantismo de Fernando VII. Es, como se pueden imaginar, la historia de una tragedia y de un ciclo al parecer inevitable.
Los paraísos perdidos
Así, esos jóvenes Antonio y Manuel Machado que primero estudian en Madrid, en la Institución Libre de Enseñanza, enseñados por el mismísimo Giner de los Ríos, luego serán los poetas novatos que en París se correrán juergas con Rubén Darío sableándole vinitos a un Oscar Wilde ya de retirada.
(Hay un Medianoche en París que quizás nunca se ruede en España, 20 o 30 años anterior a la épocaque refleja Woody Allen. Ese París noctámbulo lleno de españoles que salían por primera vez, otra vez, como en un ciclo de guerra, cierre, exilio, libertad y de nuevo guerra).
Pero también es Antonio ya maduro y viudo, profesor en Baeza, que conoce a un joven alumno de excursión, un tal Federico. Machado leyendo versos de Rubén Darío al poeta novato y este, en agradecimiento, interpretando al piano una obra de Manuel de Falla, al que conocía porque había sido durante años su vecino en Granada. Eso era la España de los años 20 y 30, todas esas personalidades cruzándose y enriqueciéndose.
La vida de Antonio es también la vida de la familia Machado. Ian Gibson, biógrafo del poeta, habla del abuelo como “un intelectual ya europeo pero con esa parte popular, pega a la tradición española”, como serían sus nietos. Pero, ¿qué intelectual internacional no es, al mismo tiempo, local? ¿Quién no es de su pueblo? Es imposible sustraerse de la identidad de nacimiento, esa misma es la que los fabrica como universales.
La tensión en Machado, entre lo local castellano o andaluz y lo universal de los valores humanistas y de su juventud europea, lo representa el mismo título del documental. Antonio Machado. Los días azules. Como los últimos versos que escribió el poeta antes de morir, rememorando el mismo viejo limonero del patio sevillano donde se crió, pero también Azul, el primer libro de Rubén Darío, su padrino literario y amigo personal, sobre todo de su hermano Manuel.
Los homenajes que no han sido
Al final lo que vemos en Antonio Machado. Los días azules es esa efervescencia intelectual de la llamada Edad de Plata truncada por la Guerra Civil, la muerte, la censura o el exilio. Como toda esa creatividad política, técnica, literaria, humanista, esos jóvenes que quieren cambio, fueron aniquilados por el Franquismo.
Ese hilo de comunicación literaria que llega hasta la actualidad representado en el documental por Elvira Lindo, Antonio Muñoz Molina o la poeta Francisca Aguirre, que de niña cruzó también la frontera de los Pirineos hacia el exilio. Una historia que no es la de Machado, sino de la de todos los Machados que han sido o han de hacer, y que acaba en una tumba.
El cierre es el actual presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, visitando en 2019 el descanso último del poeta en Colliure, Francia. Ocho décadas para que un máximo representante de la política española en ejercicio rindiese homenaje al hombre que quiso ser bueno.Antonio Machado. Los días azules acaba funcionando como la tumba de su protagonista, un mensaje de carácter particular que se convierte en universal y que no alberga solo a Machado sino a todos los que fueron y serán, todos los Machados que han estado aquí.
La historia de Pablo Ibar, la de verdad, vuelve a los focos. El año pasado lo hizo como ficción: Movistar + estrenaba la miniserie En el corredor de la muerte, cuatro capítulos basados en un libro de Nacho Carretero y creados por Bambú Producciones. Ahora el caso del ciudadano español condenado a muerte regresa en toda su cruda realidad con la serie documental El Estado contra Pablo Ibar, un gran trabajo liderado por Olmo Figueredo sobre los sucesos y, sobre todo, la odisea judicial que han implicado. Quizá no sea la producción con más personalidad, pero sí es lo más completo que se ha hecho en España como true crime.
El Estado contra Pablo Ibar se coloca de lleno en los códigos del subgénero de documentales de crímenes. Son seis capítulos, más de 350 minutos, que encajan perfectamente en la ola global de estas producciones que tan bien les está funcionando -vista la cantidad- a las plataformas de streaming desde que The Jinx y Making a Murderer provocaron la tormenta perfecta en 2015. Material de archivo, accesos exclusivos, entrevistas, intrahistorias e intrigas que repasan, paso a paso, lo que rodea el caso. Todo lo que se puede esperar que esté, tanto para los que conocen el caso como para los que no, está y en grandes proporciones.
Estilos de un true crime: de Estados Unidos a España
Dentro de estos grandes mecanismos generales del true crime, la serie española se mimetiza con las dinámicas de un documental de crímenes norteamericano. Muchos minutos están tomados desde dentro, y en el centro de la historia están las dinámicas espectaculares de la cultura judicial y legal de Estados Unidos. Aunque es algo natural al ocurrir casi todo en Florida, hay que valorar que no se caiga en la tentación de adoptar una mirada externa o más española al caso, pese a que hay referencias a lo que ocurre en nuestro país. Este caso es norteamericano y han decidido que lo tiene que parecer también.
Es una serie que, en general, se adapta bien a los ojos de un público global más que acostumbrado a esas lógicas norteamericanas. Ver a abogados repartiéndose comida rápida mientras preparan un interrogatorio se ha convertido casi en un cliché de este tipo de producciones. Y aquí está todo eso, algo que es siempre del gusto multicultural de las plataformas de streaming. Es decir, El Estado contra Pablo Ibar se parece más a Making a Murderer que a El caso Alcásser.
Del true crime español reciente se termina de desmarcar también por la falta de intervención directa de los autores del documental en la narración. Las series sobre crímenes que se han hecho en España, con Bambú Produccionesa la cabeza, se han diferenciado por una participación explícita de sus creadores en el producto final, con Elías León Simiani ((Lo que la verdad esconde: el caso Asunta, El caso Alcásser) -especialmente- y Justin Webster (Muerte en León y Nisman: El fiscal, la presidenta y el espía) como principales exponentes.
En ciertos tramos de nuestras series, vemos aparecer en cámara o escuchamos a los directores, que toman el papel de investigadores paralelos de lo que está ocurriendo. En El Estado contra Pablo Ibar este protagonismo no existe. En ningún momento se escucha a Figueredo o aparece nadie del equipo documental en plano; son invisibles. Como en el documental norteamericano canónico, la parte «autoral» está más bien en la fase de montaje, donde se selecciona qué va a entrar en la versión final -algo en lo que sí dan saltos temporales al estilo de El caso Alcàsser– y se utilizan intertítulos. Por el resto, Figueredo se mantiene al margen.
Los esfuerzos por dudar en El Estado contra Pablo Ibar
En general, El Estado contra Pablo Ibar se cuida de mantenerse a cierta distancia sobre lo que cuenta y de respetar las visiones de todas las partes. Más si se tiene en cuenta que las cartas están algo marcadas desde el principio: la mera existencia de este documental alimenta la duda y favorece implícitamente a la narrativa de Ibar en lo que es la gran pregunta de la serie: ¿Es Pablo Ibar culpable o inocente de los asesinatos de Miramar?
Esto, junto al desigual acceso del documental al trabajo de los abogados, nos ofrece un claro sesgo. Aún así, no se puede decir que el equipo de El Estado contra Pablo Ibar no se haya esforzado en contar con la visión e interpretación de las víctimas. Hay una clara intención de ofrecer su testimonio y, a lo largo de los diferentes capítulos, se ofrecen las diferentes pruebas que pueden hacer pensar una cosa como la contraria sobre lo que ocurrió.
Se agradece en este sentido que Ibar sea sobre todo un objeto de estudio y no tanto un sujeto denunciante continuo como sí ocurre, por ejemplo, con Steven Avery en Making a Murderer. Su participación directa en la serie está reducida al mínimo, y se le entiende más bien en su relación con los demás y a través del material de archivo. No hay prácticamente regodeo sobre sus años en el corredor de la muerte. Un acierto entender la estructura del caso desde un punto de vista legal y no a partir de los más de 20 años en la cárcel de Ibar.
El Estado contra Pablo Ibar lo tiene todo para ser un éxito de público en España y, próximamente, en todo el mundo. Sus dosis de morbo y giros finales -algunos más tramposos que otros- mantendrán en tensión al espectador y dejarán más que satisfecho al devorador de true crimes. Para aquel interesado en las dinámicas judiciales, además, se encontrará en esta serie con una pieza inédita, profunda e inmersiva sobre el funcionamiento de un juicio por todo lo alto en Estados Unidos.
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