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ESTE CUERPO MÍO

4 julio Todo el día

ESTE CUERPO MÍO

Dirección: Afioco Gnecco, Carolina Yuste

Guión: Afioco Gnecco, Raquel Zas

Reparto: Afioco Gnecco, Carolina Yuste

Fotografía: Samuel Rojo

Música: Clara Brea

Productora: Potenza Producciones

Sinopsis

Unidos por una amistad inquebrantable, Rafael y Carolina se lanzan a un viaje emocional y geográfico en busca de reconciliación y aceptación. A lo largo del camino, acompañamos a Rafael en los primeros años de su transición de género: un proceso íntimo, lleno de retos, descubrimientos y pequeñas victorias que lo acercan a ese metro cuadrado de paz que tanto ansía. Una historia luminosa donde la amistad se convierte en refugio y lo personal se expande hasta volverse universal. Entre paisajes remotos y momentos de vulnerabilidad compartida, la película desvela la belleza —y también la dureza— de habitar un cuerpo en transformación en un mundo que apenas comienza a aprender a mirar.

Lo que tienes que saber

Tras el corto nominado al Goya Ciao bambina, este documental codirigido por el cineasta Afioco Gnecco y la actriz Carolina Yuste. La película acompaña a Rafael en los primeros años de su transición de género: un proceso íntimo, lleno de retos, descubrimientos y pequeñas victorias que lo acercan a ese metro cuadrado de paz que tanto ansía.

Detalles

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JONE, A VECES

3 julio Todo el día

JONE, A VECES

Dirección: Sara Fantova

Guión: Sara Fantova, Nuria Dunjó, Nuria Martín Esteban

Reparto: Olaia Aguayo, Josean Bengoetxea, Ainhoa Artetxe, Elorri Arrizabalaga

Fotografía: Andreu Ortoll

Música: Pablo Seijo

Productora: ESCAC Films, Amania Films, Escuela de Cine del País Vasco (ECPV), Escándalo Films

Disponible en

Sinopsis

Bilbao, verano. Jone (20), vive con su padre y su hermana pequeña Marta. En el marco de las fiestas de La Semana Grande, Jone se enamorará por primera vez. Mientras, en su casa, deberá afrontar las consecuencias de la dolencia que sufre su padre. Ese verano Jone vivirá entre la sensación de inmortalidad que siente con Olga, la chica de la que se enamora, y el miedo a quedarse sola debido a la enfermedad de su padre. 

Lo que tienes que saber

Ópera prima de Sara Fantova, una historia de descubrimiento y dolor familiar ambientada en la Semana Grande de Bilbao que ha funcionado bien en el circuito de festivales: Mención a la Mejor Dirección en la Sección Oficial del Festival de Málaga y premio Impulso colectivo en el D’A Film Festival.

Tráiler

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«Una comedia negra, patética y tierna»: Álvaro Fernández Armero dirige la película ‘Matar a Ramón’

Álvaro Fernández Armero ('Ocho apellidos marroquís', 'Los Muértimer') acaba el rodaje de esta propuesta que combina el thriller ligero, el costumbrismo español y el humor físico a partir de la historia de "una víctima en serie"

Ha finalizado el rodaje de Matar a Ramón, una película en el terreno de la comedia negra que dirige Álvaro Fernández Armero (Ocho apellidos marroquís, Vergüenza, Los Muértimer). El director madrileño regresa al cine con esta propuesta en la que un hombre, un tranquilo vecino de un pueblo de La Mancha (José Mota), empieza a sufrir distintos intentos de asesinato. Una historia de una «víctima en serie» y su investigación policial que han escrito al guión Daniel Castro y Diego Soto.

Según la información facilitada a la prensa, Matar a Ramón combinará el «thriller ligero, el costumbrismo español y el humor físico, creando un tono muy reconocible dentro del cine de Fernández Armero». Junto a Mota, que hace una colaboración en la película, estarán en un reparto encabezado por Óscar de la Fuente, Carla Díaz, Yaël Belicha, Israel Elejalde, Carmen Gutiérrez, además de Antón Lofer, Álvaro Fontalba, Agustín Oton, Óscar Lasarte y Chani Martín.

Así la explica el propio Fernández Armero: «Matar a Ramón cuenta las desastrosas intentonas de liquidar a un pobre hombre y la inutilidad de los agentes que lo investigan. Es una comedia negra, patética y tierna, pero sobre todo es un apasionante reto narrativo. Toca desmontar todo lo que he ido aprendiendo durante estos años de profesión y tirarnos todos a la piscina para aprender cómo ‘hacerlo mal para hacerlo bien'».

Matar a Ramón, «una sátira de los crímenes costumbristas»

En la producción está Atresmedia Cine, que a través de su director, Jaime Ortiz de Artiñano, ha dado más detalles de lo que será Matar a Ramón: «Javier Ugarte, Daniel Castro y yo queríamos hacer una comedia de personajes inútiles en la tradición de Peter Sellers, comedias francesas como La cena de los idiotas (1998) o películas de Woody Allen como Toma el dinero y corre (1969) o Zelig (1983)».

"Una comedia negra, patética y tierna": Álvaro Fernández Armero dirige la película 'Matar a Ramón' 1
El actor Antón Lofer y Álvaro Fernández Armero, en el rodaje de ‘Matar a Ramón’. ©Volvoreta

Ortiz de Artiñano asegura que se dieron cuenta de que «muchos crímenes reales había situaciones surrealistas y personajes que podían dar pie a momentos muy cómicos. A partir de ahí, nos lanzamos a hacer una sátira de los crímenes costumbristas, que ha resultado en esta descacharrante historia que no deja de ser un retrato de nosotros mismos».

La producción de Matar a Ramón se completa con La Terraza Films, True Crime Factory e Ikiru Films, además de la AIE Un pueblo tranquilo AIE, y cuenta tanto con la participación de Atresmedia Cine como de Netflix y la financiación del ICAA, del Ministerio de Cultura del Gobierno de España. La distribución en cines españoles es de Beta Fiction Spain, mientras que Film Factory Entertainment actuará como agente de ventas internacionales del filme.

Sinopsis de la película

Cantoviejo (La Mancha profunda). Ramón, dueño de una empresa de reformas junto a su esposa Eulalia, sobrevive milagrosamente a un extraño atropello. A partir de entonces, empiezan a ocurrirle accidentes y sucesos inexplicables. La investigación queda en manos de dos guardias civiles — un veterano con afán de protagonismo y una novata con poco don de gentes — que sospechan que algo no encaja.  Juntos, deberán resolver el primer caso de una «víctima en serie».

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9 lunas: Tiene un problema con la identidad

Pese a tener el tono que más le conviene y unos buenos personajes secundarios, es una dramedia fallida en su representación del conflicto interno de un hombre embarazado

9 lunas se acerca a la vida de Ángel, un hombre de trans que, inesperadamente, descubre que está embarazado cuando está terminando su proceso de transición de género. La noticia da un vuelco total a su normalidad cuando estaba dando pasos importantes para asentar una nueva etapa.

Dramedia de voluntad feel-good que supone la segunda película en España de la venezolana Patricia Ortega, que vuelve a asociarse con el equipo de la productora La Claqueta (Olmo Figueredo, José F. Ortuño, compañeros al guión de Ortega) tras los buenos resultados de la valiosa Mamacruz (2023).

Como pasaba en esa película protagonizada por Kiti Mánver, en 9 lunas se explora un, aún hoy, tabú iconográfico. Si en Mamacruz lo que quería Ortega era poner en imágenes la exploración de la sexualidad de las personas mayores, aquí el encuadre va hacia el embarazo de un hombre trans. El problema es que lo hace de una forma bastante más torpe que en aquella.

Las líneas rectas de la comedia dramática

<strong>9 lunas</strong>: Tiene un problema con la identidad 2
©Julio Vergne

Una de las tendencias actuales en la «clase media» del cine español —sostenida por productoras independientes, con presupuestos cada vez más ajustados pero voluntad de hacer cine que pueda llegar a un público amplio— es la de hacer comedias dramáticas o dramas con un desahogo a base de humor. Si es posible, con un toque tierno o reconfortante. Como la vida misma, que diría alguno.

9 lunas es una demostración más de esta apuesta más relajada y difuminada a la hora de tirar por los géneros más dominantes. Como suele pasar, en la de Patricia Ortega la parte dramática la sostiene su personaje principal, que en este caso tiene que gestionar un momento importantísimo de su vida mientras aún no ha terminado de gestionar su propia identidad, mientras que la dimensión más simpática o buenrollera queda en manos de los secundarios.

Es una mala noticia para esta película que funcione mejor lo accesorio que lo fundamental. Porque lo que convence más dentro de la dinámica que se establece en 9 lunas son las intervenciones de desahogo y humanidad que incorpora la familia de Ángel, interpretada por Mánver, María León y un más que convincente Jorge Sanz, que levanta hasta los clichés con los que carga su personaje de ‘padre cuñado’ (que se apunta a un curso de nuevas masculinidades, claro). Son los que la levantan.

9 lunas y el «problema» de la identidad

<strong>9 lunas</strong>: Tiene un problema con la identidad 3
©Julio Vergne

Donde naufraga la película es en cómo se ha decidido representar el conflicto o la angustia que está viviendo el personaje con respecto a su identidad como hombres trans, que aún tiene que trabajar para dejar atrás a Ángela, su «antigua yo». Ortega, Ortuño y Figueredo toman una decisión que está en algún espacio entre lo perezoso, lo rancio y lo mal representado: colocar un espejo en el que el personaje habla con él mismo cuando era mujer, interpretada por Sara Sálamo (que se parece tirando a poco al protagonista, Zack Gómez-Rolls).

El haber elegido este recurso en algo tan importante para la película es la demostración de una renuncia a querer hablar del tema de una manera adulta, representándolo desde un espacio honesto y, por tanto, necesariamente complejo para la situación que puede estar viviendo una persona trans. Hacerle pelearse consigo mismo a través de su reflejo es un recurso flojo y, en 2026, hasta casi insultante a la hora de tratar lo queer. Hasta en una comedia mucho más ligera como Espejo, espejo (2022) —y con una mujer cis— tenía más sentido que aquí. Sobre todo porque en otros momentos es capaz de expresarlo desde otros lugares.

Este punto fundamental, añadido a otros brochazos (sus compañeros de trabajo muy machotes y todo lo que conllevan), descuidos argumentales (los tiempos del embarazo, la Sevilla con sevillanos solo de fondo, la gestión del ex, etc….) y unas apuestas formales entre lo incoherente y lo desafortunado, hacen que la película pierda muchísimos enteros. Sumado a que el argumento no tiene ningún sobresalto ni nada que no se pueda adivinar a los 10 minutos, deja una sensación amarga que no mejora ni el buen trabajo con el entorno de su protagonista.

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«Para hacer ‘Día de caza’ había que zarandear ‘La caza’, faltarle al respeto»

Pedro Aguilera, director de 'Día de caza', reflexiona sobre el legado de Carlos Saura y la actualidad de temas como la violencia, la autodestrucción de las élites o las heridas de la sociedad española

Pedro Aguilera (San Sebastián, 1977) acaba de estrenar en el Festival de Málaga Día de caza. Es un proyecto atrevido: el remake de, ni más ni menos, que La caza (1966), de Carlos Saura, con la acción ambientada en la actualidad y un reparto 100% femenino (Rossy de Palma, Blanca Portillo, Carmen Machi y Zoe Arnao). La historia parte de la misma base: la reunión de tres mujeres con poder y un pasado difícil en común y una más joven alrededor una jornada de caza del conejo que acaba en tragedia.

El director de La influencia (2007) o Demonios tus ojos (2017) firma con este su quinto largometraje, quizás el más ambicioso a todos los niveles, aunque sin renunciar a su gusto por el metalenguaje y un particular impacto visual. Día de caza es un proyecto que arrastra desde hace casi una década y que fue seleccionado, entre otros, por las prestigiosas Residencias de la Academia de Cine allá por 2019, entre otros laboratorios de desarrollo.

¿Crees que Día de caza se puede entender sin saber nada de La caza?

"Para hacer 'Día de caza' había que zarandear 'La caza', faltarle al respeto" 4

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‘A fuego’, ‘Lionel’ y ‘Mala bèstia’, películas españolas a competición en el Atlàntida Mallorca Film Fest

Las óperas primas de Estel Díaz, Carlos Saiz y Bàrbara Farré entran en la Sección Oficial a competición, acompañando a la inaguración de 'Forastera' (Talent Balear) y la clausura de 'El ser querido' (Atlàntida Premiere)

El cine español competirá en la Sección Oficial del Atlàntida Mallorca Film Fest (AMFF), que se celebra presencialmente del 24 de julio al 2 de agosto en Mallorca. Serán tres óperas primas las que optarán a los grandes premios en el festival híbrido impulsado por el equipo de Filmin: A fuego, el drama musical de Estel Díaz, que vivirá su premier mundial; Lionel, la cruda road movie de Carlos Saiz, que debutó con premio en la Seminci y viene de ganar el Festival de Transilvania; y Mala bèstia, el cuento turbio de Bàrbara Farré (Selftape), que compitió por la Biznaga de Oro en el Festival de Málaga.

Estas tres películas acompañarán a los dos títulos que abrirán y cerrarán el Atlàntida: Forastera, la historia de fantasmas de Lucía Aleñar Iglesias que fue premiada en el Festival de Toronto (ubicada en la sección Talent Balear —está filmada en la propia isla—) y El ser querido (sección Atlàntida Premiere), la película de Rodrigo Sorogoyen que compitió por la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes.

En la propia sección local (Talent Balear) se verán también las ya anunciadas La carn, de Joan Porcel; En l’eixam, de Óscar Bernàcer; Amílcar, de Miguel Eek; Soportant el paradís, de Marga Melià; Maria Solivellas, de Álex Dioscorides; Èrem una gran família, de Cristina Roselló, y el estreno mundial de 3000 euros al mes, codirigida por Guillermo Broglia, Mario Figueroa y Jordi Barnés. Además, en la sección Trends se verá el documental Súcia, de Bárbara Mestanza.

El Atlàntida Mallorca Film Fest 2026, más grande

Se ha anunciado también que en la gala inaugural, el domingo 26 de julio, se entregará el Premi Illa de Cinema al mallorquín Rafael Ruiz, quien dedicó casi medio siglo a pintar a mano los carteles que anunciaban los estrenos en las fachadas de los cines de Palma. Alexandre Desplat, Gael García Bernal y Trine Dyrnholm serán os premios Masters of Cinema de esta edición.

El Atlàntida Mallorca Film Fest llegará a su 16ª edición este verano con un total de 165 títulos (la mitad estrenos absolutos en España) y más de 300 invitados confirmados. Una apuesta cada vez más clara por el evento en Palma de Mallorca pero manteniendo el formato online todo el mes de agosto en la plataforma Filmin.




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FAGA se convierte en Unión de Guionistas para fomentar la creación de sindicatos del sector en toda España

La federación aglutina a 920 afiliados de las asociaciones de Galicia, Cataluña, País Vasco, Comunidad Valenciana y Andalucía, y busca expandirse porque "el cambio está en los territorios"

La Federación de Asociaciones de Guionistas (FAGA) se ha convertido en la Unión de Guionistas. Un cambio que integrará más a las asociaciones regionales que la componían hasta ahora, que dará cabida en esta nueva organización laboral a más de 920 profesionales del sector y presenta como uno de sus objetivos aumentar la representación a nivel territorial y en toda España del colectivo del guion.

El anuncio se realizó a comienzos de este mes de junio. FAGA hasta ahora coordinaba a la Asociación Sindical Galega de Guionistas, la Asociación de Guionistas Vascos (Guidoi), Guionistes Associats de Catalunya (GAC), Escriptors de l’Audiovisual Valencià (EDAV) y Cineastas de Andalucía (CINA). Uno de sus primeros objetivos es recuperar presencia en las Islas Canarias, aunque sobre todo aumentar la capilaridad de la representación de los guionistas en toda España.

Ángel Manzano, presidente de la Unión de Guionistas, explica a Cine con Ñ que «nos hemos dado cuenta que donde está la fuerza en muchísimas ocasiones es en el territorio. Unión de Guionistas aspira a echar una mano a todas aquellas personas que estén en territorios autonómicos para conseguir ayudas, apoyar políticas que sirvan para el desarrollo del colectivo y echarles una mano para crear su propia asociación, que integren luego dentro de Unión de Guionistas y poder tener muchísima más fuerza».

El objetivo también de esta nueva entidad es tener mayor presencia en mesas de negociación de convenios, sobre todo una vez se ponga en marcha el nuevo Estatuto del Artista. Hay que aclarar que FAGA ya era un interlocutor habitual del Ministerio de Cultura o el ICAA, además de diversas entidades de gestión de derechos de autor, pero el paso a Unión parece subrayar la función sindical de la organización.

En su día la ya extinta FAGA formó parte de las mesas de negociación del convenio colectivo del sector, pero fue expulsada tras una reclamación de otra formación sindical. Desde la nueva Unión de Guionistas admiten que «en estos momentos estamos intentando volver a entrar», ya que consideran que en el sector existe «un problema de representatividad».

Crecer «hacia abajo»

Manzano insiste en la idea de expandir la representación «hacia abajo, y que esa labora sindical se dé en todos los territorios». Hacia «arriba» existe «una relación cordial con todas las instituciones, y formamos parte de la Federación Europea de Guionistas. Pero el cambio, creemos, tiene que venir desde abajo». También «porque ahí es donde más se necesita alguien que ayude con el tema de supervisión de contratos, negociaciones, etcétera…».

La nueva Unión de Guionistas quiere crecer en las comunidades autónomas donde existe suficiente masa crítica de guionistas y «ayudarlas a crear su propia asociación, con cuestiones administrativas o contables, pero también explicando formas de acercarse a negociar con las instituciones», señala el presidente. Algo que viene «de la experiencia, de que nos digan ‘vale, yo sé que a nivel estatal estáis vosotros, pero, ¿cómo nos acercamos a hablar con la Consejería de turno?'».

El trabajo de guionista «es muy solitario, hay que crear espacios para que funcionemos como colectivos». Además, Manzano defiende esto como una manera de que «se cuenten las historias de Asturias, Cantabria o Baleares. Ahora vemos que con el tema de los incentivos fiscales llegan rodajes a comunidades autónomas donde realmente no se están contando las historias de ese territorio, sino que son historias que ya vienen de fuera».

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‘Operación Baby’: el secuestro y rescate de Mélodie Nakachian se convierte en serie de ficción para Disney+

María Mínguez, Juanjo Moscardó Rius ('Custodia repartida') y Pablo Tébar son los creadores de este thriller inspirado en hechos reales que dirige Javier Ruiz Caldera ('Wolfgang (extraordinario)')

Disney+ anuncia el rodaje en distintas localizaciones de Málaga y Madrid de su nueva serie original española con el sello Hulu: Operación Baby. Se tratará de un thriller inspirado en el secuestro y rescate en el año 1987 de la niña Mélodie Nakachian, hija de una adinerada familia residente en Marbella. Un caso que concentró la atención mediática del momento y que ahora pasa a la ficción de la mano del director Javier Ruiz Caldera (Wolfgang (extraordinario), Superlópez, 3 bodas de más, El otro lado).

Según las fuente oficiales de la producción, Operación Baby reconstruirá los 11 días que duró el secuestro de la pequeña Mélodie «desde todas las perspectivas»: el interior de la mansión de los Nakachian y la intimidad de una de las familias más extravagantes de Marbella de los 80; la conmoción de la sociedad española y su repercusión mediática, con una retransmisión casi en directo por la televisión nacional; hasta los entresijos policiales e implicación del Gobierno español, que movilizó un amplio dispositivo policial, con la participación de unidades especializadas y los GEO.

Junto a Pablo Tébar (Bandidos, Mar de plástico), los creadores de la serie son María Mínguez y Juanjo Moscardó Rius, que repiten como creadores de un original para la plataforma del ratón después de Custodia repartida (2025). Operación Baby, además, cuenta con la producción de Borja Manso y Luis Manso, de Pendelton, productora fundada por Javier Fesser, que dirigió Custodia repartida.

Operación Baby y «una mirada única»

La serie, que contará con 4 episodios de 45 minutos cada uno, tiene como protagonistas a Vincent Pérez (Cyrano de Bergerac, La Reina Margot) y Rosa Escoda (La casa del dragón, Line of duty), que interpretan, respectivamente, a Raymond Nakachian y a Kimera, padres de la pequeña Mélodie Nakachian. Completan el reparto Gon Ramos, Víctor Duplá, Emma Dambaeva y Joan Mompart, entre otros.  

Rodaje de la serie 'Operación Baby'. ©Disney+
Rodaje de la serie ‘Operación Baby’. ©Disney+

Para Sofía Fábregas, vicepresidenta de producción original de Disney+ España: »Con Operación Baby seguimos apostando por historias que conectan con nuestra audiencia. Es un proyecto con una mirada única sobre un suceso que marcó a toda una sociedad, y que reúne a un equipo creativo de primer nivel». La serie llegará próximamente en exclusiva a Disney+.

Sinopsis de la serie

Noviembre de 1987. Marbella, uno de los centros mundiales del turismo de lujo y una de las mayores concentraciones de dinero extranjero en el Mediterráneo. En una de sus lujosas mansiones viven los Nakachian: Raymond, un exitoso empresario libanés, su mujer, Kimera, princesa coreana y conocida cantante de ópera, y sus hijos Amir y Mélodie.

La vida de los Nakachian discurre entre fiestas pomposas y excentricidades propias de la época en Marbella hasta que una mañana todo su mundo se viene abajo: un grupo de desconocidos secuestran a la pequeña Melodie exigiendo un millonario rescate. El caso conmocionó a todo el país, generó una de las mayores coberturas mediáticas de la historia de España y situó al país en el foco de la atención internacional.  

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‘Iruña 97’: la nueva serie de Movistar Plus es un thriller de acción ambientado en Sanfermines

Clara Galle y Álvaro Cervantes son dos policías que investigarán un crimen en el año 1997 en esta serie que, junto al de Natxo López, lleva el sello de los ganadores del Goya Marina Parés y David Pérez Sañudo ('Ane', 'Los últimos románticos')

El 7 de julio empieza el rodaje en Pamplona de la serie Iruña 97, un thriller de acción para Movistar Plus sobre una investigación criminal que sucede en el año 1997 durante las fiestas de San Fermín. Clara Galle (A través de mi ventana, Olympo) y Álvaro Cervantes (ganador del Goya con Sorda) interpretarán a una policía municipal y un inspector de la nacional muy diferentes que deberán unirse para resolver un asesinato.

Iruñe 97 lleva el sello de Marina Parés (coguionista) y David Pérez Sañudo (coguionista y director), reconocidos por las películas Ane (2020) —por la que lograron el Goya al Mejor Guión Adaptado— y Los últimos románticos (2024). A partir de una idea original de Natxo López (Perdida, Entrevías), que también participa en el guión, han creado este thriller ambientado en los años 90, que recogerá un trasfondo social y político marcado por ETA.

A lo largo de 15 semanas se desarrollará, en distintas localizaciones de Vizcaya y Pamplona, el rodaje de esta serie centrada en esta pareja de agentes, representantes de dos Pamplonas muy distintas que, sin embargo, deberán unir fuerzas para resolver un caso más complejo de lo que esperaban.

Junto a Galle y o Cervantes, completan el reparto de la serie Pablo Gómez-Pando, Karra Elejalde, María Pujalte, Patxi Freytez, Josu Iriarte, Josean Bengoetxea, Itsaso Arana, Fernando Albizu, Ainhoa Santamaría, Miriam Rubio y Paula Usero, entre otros. La serie está producida por Buendía Estudios Bizkaia con la participación de Movistar Plus.

'Iruña 97': la nueva serie de Movistar Plus es un thriller de acción ambientado en Sanfermines 5
Natxo López, Clara Galle, David Pérez Sañudo, Álvaro Cervantes y Marina Parés, en el anuncio del rodaje de ‘Iruña 97’. ©David Herranz

Sinopsis de Iruña 97

Sanfermines 1997. Un cadáver sin identificar aparece a los pies de las murallas. Las autoridades lo despachan como el típico accidente en fiestas, pero Amaia (Clara Galle), una joven policía municipal, cree que se trata de un asesinato. Desoyendo a sus superiores, involucra a Julio (Álvaro Cervantes), un policía nacional de homicidios que acaba de regresar a Pamplona.

Pese a sus diferencias –ella, ‘munipa’ y euskaldún; él, de ‘familia bien’– ambos unirán fuerzas para investigar un caso que resultará mucho más complicado de lo que nadie esperaba. Lo harán en una ciudad fracturada, donde la euforia de las fiestas convive con la amenaza del terrorismo, en el año en el que el secuestro de Miguel Ángel Blanco cambió la sociedad española para siempre.

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Millennial mal: Hacerse mayor podría ser peor

La serie de Lorena Iglesias es una comedia entre cínica y disfrutona sobre empezar de nuevo a los 40 y el miedo de los 'millennial' a la generación Z

En Millennial mal tenemos a Judith, una bibliotecaria pública ya en sus 40 y largos que convive con un gato y hace crucigramas. Por un error administrativo, le conceden la beca universitaria que solicitó hace más de 20 años. No pensaba aceptarla, pero por un accidente deja su puesto en la biblioteca abandonado y sucede un robo con destrozo que la manda directa al paro. Así que ahora, para cobrarla la ayuda y salir del paso, deberá hacerse pasar por menor de 30 y asistir a clase durante al menos tres meses.

Lorena Iglesias es la creadora, directora —junto a Andrea Jaurrieta (Nina, Ana de día)— y protagonista de esta comedia que suena a pitch de un microteatro compuesto por chistes de Pantomima Full pero se las ingenia para elevarse como una reflexión sobre cambiar las expectativas o reinventarse a según qué edades. Y eso que no se ahorra ni un topicazo, de los que ya son un poco pesados porque hasta los usaba Zoomers (2025), curiosamente mucho más carca pese a dirigirse a la generación más joven.

En Millennial mal los zetas son unos hipersensibles asexuados frente a unos millenials inmaduros, amantes de los gatos y sin expectativas vitales. De hecho, personificados en Judith y en su aspirante a novio, amante o lo que sea, Saúl (Vito Sanz), son las peores personas del mundo: unos egocéntricos y unos melodramáticos. Ya lo dijo hace poco en Twitter, BlueSky o donde sea don Antonio Martínez Ron: las generaciones son el nuevo horóscopo. Y es justo comentar esta serie con un tuit, porque la mitad de sus chistes son eso, tuits.

Millenial mal, señoras fetén

El equipo de 'Millenial mal' en el Festival de Málaga. ©Álex Zea
El equipo de ‘Millennial mal’ en el Festival de Málaga. ©Álex Zea

Iglesias es la parte de Canódromo Abandonado a la que, a pesar de currar bastante como actriz y un poco menos como guionista —eso sí, en cosas muy potentes como Alumbramiento (2024) o Balearic (2025)—, no habíamos visto aún al frente de un proyecto propio. Esta serie es para Filmin y sobre el papel parece dirigida al mismo público que Putos modernos (2023), pero luego es otra cosa que, sin llegar a las cotas de metaparodia de Doctor Portuondo (2021), tiene la decencia de parodiar su propia premisa.

El problema de este humilde juntaletras con Millennial mal es el mismo que lo lleva a ser la única persona de su rango de edad y socioeconómico que se queda fría Poquita fe (2023- ): o me subes el desfase hasta tocar un La que se avecina (2007- ) con ideología o parece que os creéis que esto es un poco de verdad o refleja alguna dinámica real. Y encima el público se identifica, como si eso fuese un valor de por sí.

Para colmo, en Millennial mal la vida ni siquiera está muy malita por razones creíbles, como la precariedad, la crisis de la vivienda o el lento pero inevitable colapso del capitalismo, sino porque Judith es una obsesa del bienestar de su gato y se busca ella sola el despido. Parece una novela de Marta Sanz o La peor persona del mundo (2021). Millennials desnortados pero no por el miedo a hacerse viejos, al paro, a la soledad, etcétera, no, si no porque no han hecho bien lo de quererse a sí mismos mucho y emprender y esas cosas.

Millennial mal, reírse por no votar

Crítica de 'Millenial mal'
‘Millenial mal’. ©Filmin

Y sí, la serie es graciosa o muy graciosa por momentos, jugando al humor de la vergüenza ajena que lleva siendo el dominante de la conversación moderna más de una década. Mejora cuando interactúan la protagonista y el personaje de Vito Sanz, en lo que en realidad debería ser una subtrama, y empeora cuando te cansas de chistes de que los chavales no saben lo que es una fotocopiadora, que es más o menos la tercera vez.

Lo que pasa es que la propaganda autoindulgente e individualista es propaganda igual, aunque la haga un moderno. Y aunque refleje, de forma exagerada, dinámicas de la vida real, no deja de ser una tecnificación de la misma, reduccionista y dentro de una autoironía controlada. Porque el chiste de los gatos no es tan efectivo si realmente la gente que los llama hijos no se va a ofender por hacerlo. Y a esta serie, y a los millenials ya cuarentones, nos vendría muy bien que fuese a faltar. Pero gravemente, de rozar la denuncia.

Bueno, eso. Que está simpática, Millennial mal. Algunos chistes tienen mucha gracia. Es representativa, pero no exactamente como ella cree. Como le pasó a los sketches de Putos modernos, es más parodia de su generación por existir en sí, como producto, que por los chistes que hace centro. Pero podría ser peor. Podría ser una serie sobre la Generación X.

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