Se lanza esta herramienta digital que promete conectar a creadores y profesionales del sector mediante un sistema de matching avanzado
Story Pitcher es una plataforma digital que pretende cubrir la necesidad de conectar proyectos audiovisuales en ciernes con profesionales de la industria. Con una tecnología basada en el matching avanzado, la inteligencia artificial y un entorno seguro donde compartir los proyectos, esta plataforma da la oportunidad a directores, guionistas, creadores o productores de subir sus ideas para que productores, plataformas y demás agentes del audiovisual puedan descubrir nuevas voces y narrativas.
A partir de hoy se pueden inscribir perfiles y proyectos en la web y, los primeros 100 proyectos en ser inscritos no sólo tendrán acceso gratuito, sino que podrán presentarse a las productoras participantes en un entorno cerrado durante dos semanas. Después, Story Pitcher implementará un modelo de subscripción que permitirá acceso gratuito para el primer proyecto del usuario.
Este espacio online de networking, que se encuentra en fase inicial, cuenta ya con el apoyo y la participación de productoras como Secuoya Studios, Zeta Studios o Cuarzo Producciones, entre otras. Además de otros organismos del sector como RTVE Play o la SGAE. En palabras de uno de sus cofundadores, Frank Belyeu; «Story Pitcher nace para resolver un problema estructural de la industria audiovisual: la falta de un sistema eficiente, seguro y digital para la circulación de proyectos».
Alex y Frank Belyeu, fundadores de Story Pitcher
Story Pitcher, funcionamiento y posibilidades
El lema de la plataforma, «Donde las historias encuentran su pantalla», se refiere a esta labor de conexión que hacen mediante los algoritmos inteligentes de recomendación para hacer que nuevas historias lleguen a empresas productoras con intereses comunes. La inteligencia artificial que emplean, permite a los creadores generar pitches asistidos presentando proyectos claros y estructurados, sin comprometer el trabajo creativo.
«La diferencia de Story Pitcher no está solo en el concepto, sino en su arquitectura tecnológica. Hemos diseñado la plataforma para aprovechar al máximo la inteligencia artificial en la generación de matches relevantes entre creadores y profesionales, en función de sus intereses y necesidades reales», cuenta Alex Belyeu jefe de desarrollo de Justworks y cofundador de Story Pitcher.
Otras herramientas con las que cuentan van desde elementos orientados a la visibilidad y el seguimiento de proyectos y perfiles públicos o portfolios a la posibilidad de seguir a otros profesionales. Si bien hay plataformas similares en EEUU, según Belyeu, este tipo de tecnología no se había aplicado de este modo a la industria del audiovisual.
Interfaz de ‘Story Pitcher’, espacio de búsqueda de pitches
El aspecto de la seguridad es una parte clave de la plataforma ya que incorpora herramientas de protección legal, para garantizar la protección de la propiedad intelectual. De esta forma, las ideas y proyectos se mueven en un entorno con control de accesos, acuerdos de confidencialidad y trazabilidad de documentos.
Belyeu habla sobre la proyección de la plataforma: «Es solo el punto de partida: nuestro objetivo es mejorar cómo se generan las conexiones en la industria, desde un uso ético y consciente de la inteligencia artificial, para impulsar la creación de empleo y facilitar que más proyectos salgan adelante». Hasta ahora, la plataforma cuenta ya con el apoyo de el Ministerio de Cultura de España, mediante su línea de ayudas a proyectos innovadores en las industrias culturales y creativas.
Otro intento, más afortunado que otros, de parir una serie española de género puro: muy buenas ideas metidas en el tiempo y las posibilidades económicas que les han permitido
La temporada 2 de Punto Nemo comienza justo donde terminó la acción en la temporada anterior. El equipo de militares, científicos y periodistas que viajaba en un buque de la Armada Española para un experimento sigue atrapado en una misteriosa isla en el Pacífico que albergó una base rusa durante la Guerra Fría. Algunos de los miembros de la expedición han muerto
Estamos ante un hito extraordinario en las series españolas recientes: una deciencia ficción/terror que renueva, tras los intentos voluntariosos de Romancero (2023), Santuario (2024), La valla (2020) o Dime tu nombre (2025), entre otras. Lo malo: que habrá esto y nada más. Cuatro episodios de honorables marinos de la Armada española, voluntariosos científicos y desinteresados ecologistas —lloro mientras escribo estas palabras— enfrentándose a los secretos de una base secreta soviética en el Pacífico.
El viaje de un filólogo alemán al Pirineo en los años 30 sirve para repasar los problemas de la España vaciada, a veces con acierto y otras de forma repetitiva
Con la tierra en los pies cuenta la visita del filólogo alemán Rudolf Wilmes al valle de Vió, en el Pirineo aragonés, en el año 1930, y cómo documentó las hablas y costumbres del lugar. Al mismo tiempo, y a partir de esa anécdota, se hace un repaso de la historia de la zona en el último siglo, marcado sobre todo por la despoblación, y de la lucha por mantener tanto su patrimonio material como su cultura y costumbres locales.
Dirigido por Fernando Vera (Behind India), el documental intenta hacer algo más difícil de lo que parece pero ocurrente: comparar la visita, cual marciano, del típico intelectual europeo que bajaba a España como si fuese el Amazonas inexplorado, con el actual estado de abandono de ciertas zonas del país, peor incluso que en aquel entonces. Y recordar que al menos el guiri trató la idiosincrasia local con respeto y como algo digno de conservarse. No como otros, ejem.
¿Le sale bien a Con la tierra en los pies? Pues depende. Si uno conecta con el tema, es probable que le funcione, pero el documental se alarga de más y resulta deslavazada y episódica en algunos momentos. Tiene una parte ficcionada sobre la relación que estableció Wilmes con la familia del pueblo de Nerín que lo acogió y el reencuentro décadas después de una descendiente del investigador con la niña, ya anciana, que fue su amiga entonces. Eso lo intercala con la parte documental en sí, que va avanzando desde la Huesca de los años 30 hasta la actualidad. Y a veces, se entorpecen.
Con la tierra en los pies y el ritmo
Con la tierra en los pies juega con tantos elementos que se corta el ritmo a sí misma todo el tiempo. Corta la visita de Wilmes, supuesto pivote de todo el discurso, a los 30 y pico minutos de metraje —de más de 100—, y diluye la trama de la protagonista ya anciana cuando decide meterse a saco en el documental en sí. Aparecen oscenses ilustres, como el periodista Manuel Campo Vidal, y se deriva hacia un documental más convencional en el que se retrata la actualidad de la provincia y su futuro, de manera que se pierde todo lo anterior, o se olvida.
Partimos de la base de que un documental de este tipo no necesita ser trepidante, todo lo contrario. Las partes ficcionadas intentan hacer lo mismo que el propio personaje del alemán: capturar el aire, reproducir como se vivía y cómo se sentía en un momento concreto del tiempo. Lamentablemente, aunque se entiende lo que buscan, acaban siendo las que quedan como más de cartón piedra, frente a la historia paradójicamente mucho más vista y previsible del encuentro entre la joven alemana y la anciana española.
Fallar en los últimos metros
Pero se supone que lo que hace distintiva a Con la tierra en los pies es precisamente haber puesto juntas las dos cuestiones. Tanto la visita del filólogo como el abandono de la España vacía contemporáneo. De ese contraste surge su personalidad y la potencia de su discurso: nos quejamos de hispanistas y otras especies, pero trataron mejor al territorio y las personas que las autoridades actuales. Fallar precisamente en enganchar sus dos caras es una cojera tremenda.
Así que Con la tierra en los pies es un documental muy interesante y con un mensaje a analizar y debatir, pero que cinematográficamente descarrila por no saber pivotar entre las dos almas de su idea central. Una pena, porque tanto Wilmes como Nerín, el Pirineo de Huesca y sus habitantes merecen visitas como esta, o incluso más ambiciosas.
La Semana de la Crítica del Festival de Cannes selecciona el debut en la dirección de la actriz, una "tragicomedia contemporánea" sobre una mujer que acaba de superar una enfermedad
Viva, primera película en la dirección de la actriz Aina Clotet, es seleccionada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes 2026. Después de la histórica selección de Amarga Navidad, La bola negra y El ser querido en la competición por la Palma de Oro en la Sección Oficial, el cine español suma una nueva representante en la prestigiosa sección paralela del certamen francés.
Es un primer espaldarazo a la trayectoria de la ópera prima de Clotet como directora, que ya había debutado como creadora audiovisual en la serie Esto no es Suecia (2023). En Viva, la actriz también escribe el guión —junto a Valentina Viso (Salve María, Los aitas)—, protagoniza y produce para dar forma a esta historia sobre una mujer que empieza a volver a vivir a sus 40 años tras superar una enfermedad. Completan el reparto Naby Dakhli, Marc Soler, Loll Beltran y Zaïra Pérez, con la colaboración especial de Guillermo Toledo y Josh Zuckerman.
«Estar seleccionada en la sección competitiva de la Semana de la Crítica de Cannes con mi primera película como directora es un sueño. Creo que todavía no me lo creo», ha comentado Aina Clotet, que explica que empezó el proyecto «hace más de 6 años» y que «ha sido un camino muy largo y con muchísimas personas que lo han hecho posible».
Viva, el «rayo de sol» de Aina Clotet
Viva, antes conocida como Oh, Nora!, es definida como «una tragicomedia contemporánea que explora el deseo de vivir, el miedo a la muerte y la complejidad de las relaciones afectivas» desde el «humor, intensidad emocional y una mirada profundamente humana», según la información facilitada a la prensa. Tras su paso por Cannes en mayo, se estrenará en los cines españoles el próximo 19 de junio.
Edmon Roch, productor de la película desde Ikiru Films, afirma que «ha sido un auténtico regalo poder acompañar el desbordante talento de Aina Clotet en su primer largometraje como directora. VIVA nos descubre una voz única capaz de abrazarnos con una historia inmortal, que tiene la asombrosa capacidad de transformarnos».
«Hay algo muy especial en Viva», comenta Marta Baldó, productora con Funicular Films (compañía en la que están también los hermanos Marc y Aina Clotet), «creemos que es una película luminosa, que habla desde un lugar muy humano y cercano sobre una etapa vital compleja, la de muchas mujeres a partir de los 40, pero lo hace con una mirada abierta, vitalista y llena de matices. En un momento donde a menudo predominan relatos más duros o sombríos, esta historia propone algo distinto, es un rayo de sol».
La película cuenta con la financiación del ICAA, el apoyo del ICEC, la participación de 3CAT, RTVE y Movistar Plus+, y la coproducción de La Terraza Films. De la distribución en salas se encarga Caramel Films.
Sinopsis de la película
Viva habla de Nora, una mujer de cuarenta y pocos años que acaba de superar una enfermedad y que, tras esa experiencia, siente una urgencia radical por vivir intensamente. Acostumbrada a exigirse al máximo en todos los ámbitos de su vida, Nora se encuentra dividida entre el orden y la seguridad de su relación de toda la vida con Tom y la aparición inesperada de Max, un joven que despierta en ella una nueva pulsión de deseo y libertad.
Mientras intenta recomponer su vida personal y profesional, Nora se mueve en un contexto distópico marcado por una sequía extrema, el deterioro de la salud mental y los avances científicos que prometen alargar la vida humana.
Marcel Barrena prepara una historia inspirada en la selección española de cricket con Paco León, Carolina Yuste y Óscar de la Fuente
Marcel Barrena ha terminado de rodar La Roja, una película inspirada libremente en hechos reales sobre un entrenador español de cricket que lucha por llevar al equipo nacional al campeonato Europeo. Este nuevo proyecto contará con actores conocidos como Paco León (en el papel de Mario, el protagonista), Carolina Yuste, Óscar de la Fuente, Guillermo Lasheras y Marc Martínez.
El guion, una historia de «empatía, superación e integración de lenguas y culturas» según el director, ha sido escrito por el propio Barrena junto a Alberto Marini (con el que ya colaboró en El 47). La Rojase estrenará en cines en 2027.
Además, Barrena ha apostado por caras nuevas: Atul Vijayakumar, Kunal Sharma, Yassin El Idrisssi, Bhupinder Singh,Arpit Raj,Sagar Trivedi,Umair Asif y Mihail Chitta completan el reparto de esta película producida por Atresmedia. Barrena cuenta cómo llegó a esta «comedia urbana»: «Surgió cuando vi el video del himno de la selección en su primera competición, el Campeonato de Europa, en el que fueron terceros. Cosiéndose la ropa, pagándose los trajes y los viajes de su propio bolsillo, los jugadores dieron la cara por un país que, pese a su triunfo, les recibió con insultos y burlas».
El director se interesó por esta historia que va más allá del cricket: «Inmigrantes en un país que no siempre los quiere, pero un país al que ellos van a intentar llevar a los Juegos Olímpicos». De hecho, cuenta que el título del largometraje, La Roja, es una ironía que guarda un profundo significado: «Gente diversa, de distintos colores y religiones, unida por una misma causa. Y esa causa no es el cricket ni una bandera, es la humanidad», expresa Barrena.
Inspirada en hechos reales. Mario (Paco León) es un entrenador con una misión imposible: lograr que España triunfe en su primer Europeo de cricket. Pero España es un país sin tradición en ese deporte y el equipo nacional es un desastre.
Todo cambia cuando empiezan a incorporarse jugadores indios, pakistaníes y bangladesíes que trabajan como taxistas, repartidores o dependientes, y que llevan cricket en la sangre. Lo que al principio parece una solución de urgencia acaba transformando por completo al equipo: diversas lenguas, costumbres diferentes y muchas tensiones… y también una nueva idea de lo que significa representar a España.
Sin dinero, sin patrocinadores, cosiéndose sus propios uniformes y pagándose los viajes de su bolsillo, estos jugadores, el entrenador y una profesora de instituto (Carolina Yuste), lucharán por la camiseta de un país que muchas veces les da la espalda. Y, contra todo pronóstico, podrían convertir a España en una potencia del cricket y, quizás, participar en los Juegos Olímpicos.
Marcel Barrena cuenta con una extensa trayectoria de películas inspiradas en la realidad; ha sido director y guionista de películas nominadas al Goya como Mediterráneo y 100 metros, destacando los siete premios Goya de El 47. Marini, que ha escrito películas igualmente premiadas como El desconocido, ha coescrito con él esta película. La Roja es una producción de Atresmedia y Netflix, con financiación del ICAA.
La tercera entrega de 'La novia gitana' profundiza en la pelea de Paco Cabezas y su equipo contra la base del texto que tienen que adaptar, tratando de imprimir personalidad a una historia que nunca la tuvo de partida
La nena es la tercera temporada de La novia gitana. Arranca tras los sucesos de La red púrpura, con Elena Blanco retirada de la Brigada de Análisis de Casos (BAC) y Chesca al mando, a pesar de que la joven policía arrastra todavía el trauma de las torturas que sufrió a manos de sus secuestradores en la temporada anterior. Pero la Red sigue teniendo a las agentes y el resto de su equipo en el punto de mira, y su influencia llega hasta las más altas instituciones de las que dependen.
De todas las entregas de las adaptaciones de La novia gitana, esta es la que se está independizando más del referente literario, más o menos. Paradójicamente, eso hace más evidente su lucha por darle un vuelo a la historia que su muy genérico argumento de base, con todo su morbo y sus conspiraciones de carnaval, no permiten. Vaya por delante que, como es habitual, servidor aborda esta crítica con solo dos episodios (uno visto en el Festival de Málaga, donde se estrenó la serie, en una pantalla grande que favorece al trabajo de Paco Cabezas).
Un más que buen documental, elegante y anticanónico, que a veces confía en Adrover más de lo que Adrover puede sostener solo
The Designer is Dead se centra en la figura de Miguel Adrover, influyente diseñador de moda que pasó de ser una de las firmas más aclamadas de Nueva York a desaparecer del foco y retirarse a una vida rural en su Mallorca natal. ¿Cómo irrumpió de esa forma Adrover en el olimpo del sector? ¿En qué consiste su trabajo hoy y cómo se relaciona con ese pasado?
Gonzalo Hergueta firma esta película que gira alrededor de Miguel Adrover, que ha pasado de ser uno de los diseñadores más reconocidos del mundo a principios de siglo a reconvertirse hoy en un artista semiaislado en un pueblo mallorquín. Con este contraste como base y mimetizándose con lo inclasificable de su objeto de estudio, Hergueta ha hecho un documental fuera de los estándares de la ‘biografía-de-artista’.
Con 'El año de las luces' (1986), 'Belle époque' (1992) y 'La niña de tus ojos' (1998), los cineastas repasaron la primera mitad del siglo XX español y sus propios fantasmas personales
Este 2026 se cumple el centenario de Rafael Azcona, un autor tan fundamental en la historia del cine español como discreto. Admirado por igual por cineastas tan diversos como Santiago Segura, Diego San José o Víctor García León, el hombre detrás de los libretos de La vaquilla, La lengua de las mariposas o La corte de Faraón fue un genio en la sombra, que a veces ni acudía a recoger sus premios y prefería el segundo plano a la alfombra roja e ir al trabajo en metro antes que en taxi.
Tan discreto, que casi siempre comparte el protagonismo autoral, como buen guionista que sabe amoldarse al director. A lo largo de su carrera, ya consagrado, no dejó de colaborar con cineastas más jóvenes, lo que lo llevó en los 80 a sentarse junto a Fernando Trueba, estrella del momento. Entre 1986 y 1998 firmaron tres películas a medias, una cada seis años, todas ambientadas entre los años 30 y 40 del siglo pasado. La comedia resabiada de la posguerra y heredera del Hollywood clásico se dio la mano con el gusto por el cine francés y el humor juguetón y vitalista de los directores de la Movida.
Aprovechando queBelle époque(1992), ganadora del Óscar, y La niña de tus ojos(1998), que arrasó en los Goya, se estrenan en FlixOlé, donde se unirán a El año de las luces (1986) en el catálogo, repasamos esta trilogía involuntaria de la memoria que unió a Fernando Trueba y Rafael Azcona.
Las películas de Fernando Trueba y Rafael Azcona
EL AÑO DE LAS LUCES (1986)
La primera colaboración entre director y guionista se dio en una de las décadas más productivas de Azcona, cuando venía de la ‘trilogía nacional’ o La vaquilla (1985) y se dirigía hacia El bosque animado (1987) o Moros y cristianos (1987). El autor madrileño se traslada a una posguerra española que tiene algo de autobiográfica, pero que se contagia del estilo de Trueba en cuanto a la luminosidad y la esperanza que imprime incluso a los momentos más trágicos.
La historia de dos hermanos huérfanos por la Guerra Civil que contraen la tuberculosis y son recluidos en un sanatorio en el año 1940 tiene un pie en La montaña mágica, de Thomas Mann, y otro en Paracuellos, el cómic de Carlos Giménez sobre los hogares de Auxilio Social durante la posguerra. Entre la historia de madurez y el retrato de época, se hizo con el Oso de Plata en la Berlinale y le valió a Verónica Forqué el premio a Mejor Actriz de Reparto en la primera edición de los Goya.
Por cierto, ¿habéis leído alguna vez aquella broma de los 80 de que el cine español consistía en el despertar sexual de Jorge Sanz en la posguerra bajo la atenta mirada de Maribel Verdú? Pues el tópico empieza aquí. La pareja de actores guapos y jóvenes por excelencia de dos décadas del cine español rodó por primera vez como tal en esta película. No sería la última.
El segundo Óscar a Mejor Película Extranjera para España, logrado con un reparto excepcional que incluía de nuevo a Sanz y Verdú pero también a Penélope Cruz, Fernando Fernán Gómez, Ariadna Gil, Miriam Díaz-Aroca, Agustín González o Gabino Diego, entre otros. Con un protagonista que se llama Fernando y un suegro de ese Fernando que se llama Manolo, como el suegro de Fernando Trueba. Detalles.
Aquí Azcona lleva su zumba al terreno del director madrileño, que dirige una comedia desvergonzada y disfrutona, ambientada en la España de 1931 y protagonizada por un soldado desertor que se refugia en la residencia de un artista semirretirado (que quizás tiene más del propio Trueba y del mismo Azcona que el personaje más joven). La llegada de las cuatro hijas del susodicho va a marear a Fernando, en un verano entre el coming-of-age, la nostalgia y, por qué no, la fantasía sexual (no está claro de quién).
Por supuesto arrasó en los Goya, con hasta ocho incluyendo Película, Dirección y Guión —para los dos autores que nos ocupan más José Luis García Sánchez— y se estrenó en Berlín, redondeando una brillante carrera internacional con el galardón de Hollywood. Aunque su mayor legado, lo recordamos hace tres años en su 30 aniversario, es que se la sigue recordando como si fuese ayer por su alegría de vivir, aunque fuese previa a la gran tragedia.
La culminación de un estilo y unas obsesiones. Cine dentro del cine, nostalgia, memoria histórica, comedia, tragedia, un reparto irrepetible… La aventura, inspirada en hechos reales, de un grupo de cineastas españoles en el Berlín nazi para rodar las entonces habituales dobles versiones de una película de aventuras. Y sí, de nuevo, con Jorge Sanz, aunque haga un papel un poco más secundario y prácticamente autoparódico de su rol por entonces habitual de galán.
Antonio Resines y una Penélope Cruz espectacular —con su hermana Mónica de doble para el baile— encabezan un elenco con Santiago Segura, Neus Asensi, Jesús Bonilla —que ya había estado en papeles pequeños en las anteriores—, Loles León, Rosa María Sardá o Juan Luis Galiardo. Una suerte de compañía de cómicos de la legua fuera de época, un grupo de forasteros en tierra extraña que se pasan por nacionales cuando son republicanos —tropo clásico que hace poco recuperaba La cena(2025)—, donde la tragicomedia ya es inevitable.
Siete Goyas, que son lo de menos. También un homenaje a la propia memoria del cine español, con Resines encarnando a una versión de Florián Rey y Cruz a otra, muy idealizada, de la mismísima Imperio Argentina. Y un plano final que, en mitad del horror, arranca la sonrisa: siempre podemos confiar en la magia del cine para recomponer nuestros recuerdos ayudando a que duelan menos, o al menos duelan con alegría.
Negro limbo cuenta la historia de la muerte de Acacio Mañé, líder independentista de la Guinea Ecuatorial española que fue asesinado por las fuerzas de seguridad franquistas en 1959, sin que se pudiese recuperar nunca su cuerpo. Lo hace a través de la memoria de Món Fernández-Dans, hijo del fiscal que llevó la investigación de Mañé y que fue destituido por indagar más allá de lo conveniente, que reconstruye la vida de las familias de colones españoles en Guinea en los 50. La película evoluciona del recuerdo idealizado de los españoles al país actual y el reconocimiento de las víctimas de la represión.
Una nueva entrega a la siempre precaria relación de España con sus colonias africanas de los siglos XIX y XX, de la que en años recientes hemos visto otros documentales como Anunciaron tormenta (2020), de Javier Fernández Vázquez, y tímidas incursiones de ficción tipo Dos vidas (2021). Esta última no dejaba de ser un culebrón buenista, pero al menos tenía más carga crítica que Palmeras en la nieve (2015), que quería un Memorias de África (1985) o Indochina (1992) ibérico, o la paternalista Piedra de toque(1963), de Julio Buchs, cuya importancia es más historicista por rodarse durante la época colonial.
El atractivo de Negro limbo, de hecho, es que coge el toro por los cuernos, se mete de cabeza en los asesinatos de líderes guineanos como Acacio Mañé o Enrique Nvo, y tiene el testimonio de un colono y su familia. Este es el mencionado Fernández-Dans, publicista y ya un señor maduro y asentado, que observa los hechos como debería el país: con distancia suficiente pero con espíritu crítico y voluntad de reparación. A la investigación contribuye el periodista David Morello, coautor del guión, y dirige Lorenzo Benítez, que ya se adentró en las dificultades para las madres solteras en Marruecos en Madres invisibles (2016).
Negro limbo de la memoria
La película arranca con fotografías de archivo y vídeos caseros de los 50, cuando esto último era un lujo impensable en la España franquista, que muchos colonos enviaban a sus familias. Negro limbo, con la voz de Fernández-Dans, se para a reflexionar sobre cómo lo poco que se conoce en la actualidad del periodo suele venir por ese filtro idealizado, en el que se borra a los guineanos que salen difuminados de fondo en la foto, con unos derechos inexistentes y reducidos a la semiesclavitud. La familia Fernández y otros supervivientes de la época dan fe de ello.
Desde ahí la película avanza hasta que aparecen guineanos actuales y con edad suficiente como para recordar la época, hasta el punto de lograr entrevistar a descendientes del desaparecido Mañé, que como supondrán son ya sobrino-nietos del fallecido. Por el camino se reconstruye en lo posible todo el proceso de su desaparición, entrevistando a antiguos militares españoles destinados en la colonia e incluso, de rebote y sin que consienta ser grabado, al secretario de Faustino Ruiz González, el gobernador general de Guinea Ecuatorial que ordenó el secuestro del líder anticolonial en su día.
Negro limbo no aclara la muerte de Acacio Mañé, porque es prácticamente imposible a estas alturas, pero viene a reconstruir lo que se puede: que seguramente la orden fue darle una paliza, no matarlo, pero a que sus ejecutores se les fue de las manos, y que lo más probable es que se deshiciesen del cuerpo lanzándolo al mar, garantizando la eliminación de las pruebas. El padre de Fernández-Dans quiso poner luz sobre estos hechos y fue apartado del caso y de Guinea por ello, de manera que el hijo ajusta cuentas mediante el documental y comparte ese espacio con
Los fragmentos de Negro limbo
Dentro de que Negro limbo es, en general, un documental muy sólido y que tiene claro su hilo narrativo y sus intenciones, no acaba de funcionar la metáfora del collage con la que parece querer abrir y cerrar su historia. Fernández-Dans aparece al comienzo y final del metraje montando el susodicho collage, que simboliza la manera fragmentaria en que desde España se ha reconstruido el papel del país como invasor en Guinea Ecuatorial. Sin embargo, el hilo del filme ha hecho algo mucho más efectivo con esa evolución desde la burbuja colona (La zona de interés, si se me permite) hasta la mirada aún herida de la población local actual.
Sirva como reflexión final sobre Negro limbo que, siendo una gran película que resultará accesible a quien no conozca nada sobre el período, sabe a poco en la medida en que España sigue viviendo de espaldas a su pasado como potencia colonial, aunque fuese una potencia muy menor y cutre y cateta en sus planteamientos. Lo mismo vale para el Sáhara Occidental, siempre presente en nuestros medios para bien o para mal, casi siempre como instrumento para confrontar con las obsesiones geopolíticas de cada cual, pero con el que el arte, y la vida, tienen deudas que van más allá de esas cuestiones más bien temporales.
Rafael Cobos dirige la historia de dos hermanos enfrentados por la figura de un padre represaliado, una balada pop de los derrotados
Golpes sigue a dos hermanos, Migueli y Sabino, hijos de un represaliado durante la posguerra. Es 1982, se acercan las elecciones generales, y Migueli acaba de salir de la cárcel. Desde hace años se dedica a atracar bancos y empresas de viejos fascistas para financiar la compra del terreno donde, se supone, está enterrado su padre. Ahora ha vuelto a reunir a la banda para una última cadena de robos. Su principal escollo es el propio Sabino, que ahora es policía y ha recibido la orden de detenerlo.
Rafael Cobosdebuta en el largometraje después de ponerse tras la cámara por primera vez en la serie El hijo zurdo (2023), escribiendo en este caso junto a Fernando Navarro, con el que ya trabajó en el guión de Toro (2016), de Kike Maíllo. Regresa a su época fetiche, la Transición, aunque trasladando el marco habitual, que suele abarcar más Guerra Civil y el franquismo en sí o al menos los 70, a plenos años 80 y la inminente victoria socialista, lo que le permite jugar con el formato de un cine quinqui ya plenamente establecido.
Golpes viene a ser otra vuelta de tuerca al revisionismo de la Transición por parte de uno de los autores que lo iniciaron, allá por los tiempos de La isla mínima (2014), de Alberto Rodríguez. Se trae consigo a un eterno secundario de esas películas, Jesús Carroza, dándole uno de los pocos y sufridos protagonistas que le caen, al estilo del pastor de cabras en el fin del mundo de Apagón (2022) precisamente en el capítulo perpetrado por Rodríguez y Cobos, quizás el mejor de la antología.
Cobos trata en Golpes el destino de las familias de los vencidos sin la habitual poesía o sensación de justicia a la que estamos acostumbrados, también sin elipsis piadosas. El quinqui, que fue una suerte de western adaptado a la circunstancias, con héroes populares que fastidian al establishment, abraza en esta película su nunca confeso componente político presentando a un «Robin Hood sevillano» que asalta joyerías de falangistas para pagar la exhumación de su padre, asesinado en la posguerra de un miserable tiro por la espalda.
Si ya El 47 (2024) o Las abogadas (2024), amén de otras revisitaciones recientes de la época, no tenían empacho en vincular la pobreza con el bando derrotado en la guerra —que no fueron solo los intelectuales exiliados en América o Francia, sino millones de obreros y campesinos—, Golpes directamente pone en boca de Migueli que, quizás, si su padre no hubiese muerto, él no sería un delincuente.
Los dos hermanos, cuya terna completa Luis Tosar, vienen a representar las opciones de las familias de los represaliados, con el mayor, Sabino, optando por la supervivencia e incluso por mimetizarse en la sociedad nacida de los valores de los vencedores. La banda del menor, entonces, está formada por expulsados de la sociedad, bien por pobre, bien por maricas, vagos y maleantes.
La evolución de los hermanos y su entorno conforme avancen los hechos y se precipite la tragedia es previsible, pero no necesariamente aburrida. El guión tiene la decencia de no volverlos antagónicos, antes bien, los presenta con una relación relativamente sana pese a las tiranteces. Y el final que les otorga es el de victoria amarga o derrota gloriosa: los dos habrán conseguido los objetivos que tenían al empezar la acción, de una forma u otra, pero a costa de un precio que los vuelve vacíos.
Golpes es una película que abraza, además, el género y la ambientación, si no costumbrista, al menos, como la ha bautizado el propio director, identitaria. Los bares de transformistas están sacados más del cine de la época que de la época en sí, igual que la vestimenta de los protagonistas o el modo de organizar los atracos —con la ironía de que el fallido será cuando abandonen su papel de «Robin Hood» y roben salarios ajenos—. A la vida real remiten más los callejones de atrás, aunque la forma sea cinéfila, y no realista.
En parte esa construcción habla también de la relación fallida con la Memoria Histórica de la que quiere hablar. Si Golpes —que no es una película perfecta y le sobran subrayados, flashbacks y más de un diálogo explicativo—, se presenta en clave de pop del momento al que remite, no es solo para hacer explícita la política implícita que conllevaba aquel, sino para recordarnos nuestra relación mediatizada con la historia que compone. La generación del personaje de Carroza no ha podido ver las exhumaciones a las que aquí se aspiran fuera de tiempo.
Guardando la pala, Golpes es un thriller efectivo, y con un reparto muy bien colocado cada uno en su sitio, que ha sabido recuperar la carga popular del quinqui sin recrearse innecesariamente en su estética, o al menos sabiendo que traerla a la actualidad no puede ser un capricho juguetón, sino que debe tener unos motivos temáticos. Es la balada pop de los derrotados, recordando que el respeto a los muertos siempre llega demasiado tarde, cuando quizás ya no sirve para nada.
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