Es posible que la serie de los hermanos Caballero acabe aquí, y si es así, es el trabajo más redondo que nos dejan: una comedia espejo de los tiempos, que la gente odia sin haberla visto y ama sin haberla entendido, con unos personajes mejores que como se ven a sí mismos
Machos Alfa T5 comienza con nuestros cuatro ejemplares de hombre ibérico compartiendo piso tras diferentes conflictos con las respectivas, en algún caso llevado hasta el trámite de divorcio. Unos necesitan volver al mercado, otros darse cuenta —a estas alturas— de que tratan mal a las mujeres. Juntos, en general, viven un retroceso a los 20 años, sea por lo civil o lo criminal, del que van saliendo como pueden. Las ex parejas, en paralelas, viven sus propias odiseas en busca de una independencia que les parezca soportable.
La quinta temporada de la comedia de los hermanos Caballero se estrena en abril cuando la cuarta llegó en enero, lo cual no sabemos si significa que lo peta tanto que Netflix no puede esperar, que han partido una sola temporada en dos —no tiene pinta— o que, esperemos que no, se quieren quitar de en medio lo que tenían por algún motivo —clásica «cancelación sin cancelar» de las plataformas—. Está bien, mantiene el nivel humorístico, pero igual le habría hecho falta algo de aire respecto a los capítulos anteriores.
El cineasta gallego Lois Patiño realiza una película inesperada, teatral y magnética para enfrentarse a la razón del cine
Agustina Muñoz viaja a una isla de las Azores para interpretar a Ariel en La tempestad, obra de William Shakespeare, pero cuando llega allí todos los habitantes de la isla parece interpretar a los personajes del escritor inglés. En la isla conocerá a otra Ariel (Irene Escolar), a merced por completo del autor y los actores, permitiendo que cada día se termine y completen las obras antes de que se ponga el sol, y renunciando así al deseo de libertad, al juego y a la travesura casi infantil que caracteriza a su personaje. Ariel, deidad del aire, flexible, etérea, ahora queda anclada al suelo de la isla y puede que Agustina corra la misma suerte.
No es la primera vez que Patiño se adentra en La tempestad, habiendo realizado el cortometraje Sycorax (2021), codirigido por el argentino Matías Piñeiro, presente en Ariel literal y espiritualmente. Como Sycorax, Ariel también está atravesada por un componente espiritual y onírico, que la convierte en un cuento o fábula cinematográfica.
Después de matar y revivir el cine en Samsara (2023), Lois Patiño se rebela contra él en Ariel. El director se mantiene fiel a su propuesta cinematográfica, dentro de su heterogeneidad, en una estética sustentada en la poética audiovisual, de la repetición y la naturaleza.
Ariel, el mar y el tiempo
Será el mar lo que empiece y termine la película, será en el mar donde los pasajeros que viajan a la isla en el ferry sean adormecidos. El mar, casi como trasunto del autor y cineasta, arrastra a los personajes a sus posiciones una y otra vez, atrapados en su corriente y borrando las huellas que limitan la ficción y la verdad. El diseño de sonido (labor de Xabier Erkizia), la fotografía (de Ion de Sosa) y la composición, en todo momento entre lo natural y artificial, son los responsables de ofrecer esta sensación de Ariel como un ciclo, repleta de repeticiones que alimentan su componente más ritual.
Se crea un ritmo propio de la película: en la reiteración de los planos del mar y el oleaje como recordatorio de los límites de la libertad, pero cuyo zarandeo suave y dulce realza su belleza, o en el lento vagar de Agustina Muñoz, que se adentra en los planos donde los personajes interpretan sus obras como si estuvieran atrapados en los límites de la pantalla en sus particulares tableau vivants, y es solo ella, casi flotando, fuese capaz de atravesarlos.
Contrasta la poesía de los monólogos y diálogos interpretados con la presencia pop de los actores y la naturaleza que les envuelve, una naturaleza violenta que se impone al arte e interrumpe, como hacen los planos del agua cuando se insertan, la vida y el teatro. En Ariel no existe el tiempo, se suceden en bucle las acciones, las palabras y los gestos; solo el mar y la vegetación salvaje son una especie de recordatorio de un movimiento, de una vida que sigue su curso.
Ariel desobedece al cineasta
En Ariel, película, las interpretaciones se perciben como una especie de Stepford Wives (Bryan Forbes, 1975) shakesperiano, robóticas y mecanizadas. Y Ariel, personaje de La tempestad, es sirviente del mago Próspero. Será la Ariel a la que dan vida Irene Escolar y Agustina Muñoz, interpretándose así mismas como actrices de películas de Jonás Trueba yMatías Piñeiro respectivamente, la que desobedezca y ponga en cuestión el propósito que cumple. Ariel, como personaje y película, duda con valentía de su razón de ser, se pregunta cuál es la naturaleza del cine, del teatro y de las artes, duda de los directores, guionistas y espectadores, cuyas miradas dominan y guían a los personajes en la pantalla.
Negándose a satisfacerlos, Ariel no quiere terminar, como el incesante mar y sus olas. Solo una pequeña ruptura en la imagen morada del mar, a modo de telón, desvela la naturaleza más ficcional de las imágenes y recuerda la verdad que ocultan. La película de Patiño se configura como un palimpsesto, con capas sobre capas, ficciones, mentiras y verdades acumuladas, aun pese a la transparencia y carencia de ambigüedad discursiva, pues los personajes se encargarán de enumerar el conflicto entre ficción y realidad múltiples veces.
Si Samsara mataba el cine para darle otro sentido, la inesperada, teatral y magnética Ariel«mata» al cineasta no pronunciando las palabras que se han escrito o que el espectador espera. El silencio se convierte en una revolución, y hace el cine un poco más eterno.
La institución marca su calendario para renovar sus órganos directivos y comisiones de especialidad, aún sin candidaturas en firme y con la incógnita de si Fernando Méndez-Leite, actual presidente, volverá a presentarse
El próximo 20 de junio se celebrarán las elecciones a la Presidencia y a las Comisiones de Especialidad de la Academia de Cine. Ese día se celebrarán de forma presencial, en Asamblea General, para elegir a la nueva dirección de la principal institución del cine español, organizadora de los Premios Goya. Las votaciones telemáticas se podrán hacer hasta el 18 de junio.
Ese 20 de junio será el final de la hoja de ruta marcada por la actual Junta Directiva de la Academia, que en su reunión del pasado 25 de marzo, aprobó este calendario electoral. En las próximas semanas se definirá tanto el censo electoral definitivo (11 de mayo como fecha de cierre) como las candidaturas (límite 20 de mayo) que buscarán los votos de académicas y académicos en este proceso democrático.
De momento no han trascendido candidaturas en firme al proceso, con la principal incógnita de si el actual presidente de la institución, Fernando Méndez-Leite, optará a esa reelección. Lo que sí es seguro, porque así está marcado por estatutos, es que en la Asamblea General se procederá a la renovación de la mitad de la Junta Directiva, que está compuesta por dos vocales de cada una de las quince especialidades, un presidente/a y dos vicepresidentes/as. El mandato de los vocales de la Junta Directiva es de cuatro años, renovándose la mitad de este órgano cada dos cursos.
Calendario de las elecciones de la Academia de Cine 2026
11 de mayo: cierre del censo electoral.
20 de mayo(hasta las 14:00 horas): cierre del plazo para la presentación de las candidaturas de ambos procesos electorales.
18 de junio (hasta las 11:00 h.): cierre del plazo establecido para la recepción de los votos por correo de la notaría y votación online.
20 de junio: Asamblea General y elecciones. Las urnas permanecerán abiertas desde las 10:00 horas hasta las 11:00 horas.
Dirección: Jorge Fernández Mayoral, Virginia Jönas Urigüen
Guión: Jorge Fernández Mayoral, Jon de la Cuesta
Fotografía: Lander Etxedona
Música: Fernando Ortí Salvador
Reparto: Dani García, Joan Roca
Productora: La Caña Sisters, Visual Comunicación
Sinopsis
El documental reúne a veinte cocineros que suman setenta estrellas Michelin, capitaneados por Dani García, en torno a un reto común: diseñar una cena que recorra el legado de Joan Roca. La película propone un viaje por algunas de las cocinas más prestigiosas de España en busca de influencias y enseñanzas de El Celler de Can Roca, trazando un retrato coral del chef y de su impacto en varias generaciones de profesionales.
Lo que tienes que saber
Documental de 70 minutos que reúne a veinte cocineros con setenta estrellas Michelin, capitaneados por Dani García, en torno a un desafío común: diseñar una cena que recorra el legado de Joan Roca, cofundador de El Celler de Can Roca. La cinta, dirigida por Jorge Fernández Mayoral y Virginia Jönas Urigüen, se estrenó en la sección Culinary Zinema del Festival de San Sebastián 2025 y participó fuera de concurso en el Festival de Málaga 2026.
El director Natxo Leuza viajó en 2024 al país asiático para seguir la vida de los miles de personas que se acumulan en Daca, la capital, huyendo de las inundaciones y la salinización del agua que han destruido sus cultivos y sus casas
«Lokkhi fue la primera persona a la que entrevisté cuando empecé el trabajo de campo en Bangladesh», explica Natxo Leuza, director de Black Water. «Era una mujer muy inteligente, que sabía perfectamente explicar cómo el cambio climático está impactando en la vida del país, por qué su río está enfermo… En cinco minutos veías que podía ser la protagonista de una película, la fuerza con la que mandaba en su casa y tiraba de la familia».
El documental Black Water arranca con la pantalla en negro y un mensaje en bengalí, un aviso del gobierno del país asiático para desalojar un pueblo del sur, en la zona de los manglares, inundado por las fuertes lluvias. La cámara de Leuza se introduce en el agua empantanada hasta casi ahogarse para seguir a las familias que huyen a consecuencia del temporal, que se acumulan en Daca, la capital, convertidos en refugiados climáticos.
«Lokkhi entendió perfectamente lo que queríamos hacer con la película, tuve mucha suerte de encontrarme con ella», añade Leuza. «Y vio que para el objetivo común de explicar un poco los problemas que están sufriendo, teníamos que partir de esa realidad cotidiana que ya existía antes de llegar nosotros. Y fuimos reelaborando un poco toda esa historia hacia secuencias concretas de lo que queríamos mostrar». Fue el primer paso para Black Water, que se estrena en España estos días tras pasar por la Sección Oficial Documental del Festival de Málaga.
Black Water: vidas flotantes
Leuza, director deEl Drogas (2020) o Born in Gambia (2018), llegó al país para documentar la vida de los refugiados rohingyasprocedentes del vecino Myanmar y se encontró con un dato: en 2050, Bangladesh podría alcanzar los 220 millones de habitantes con la mayoría de su territorio sumergido por la subida del nivel del mar. Potencialmente, sería un desplazamiento forzado de entre 20 y 30 millones de personas. Como reza la sinopsis del documental: «la mayor migración masiva de la historia de la humanidad».
De la mano de la ONG Brac empezó a investigar los graves efectos del calentamiento global que ya se hacen notar en el día a día del país, con imágenes apocalípticas como las de la secuencia inicial antes comentada. Black Water reúne a tres personas, tres bangladesíes que se han visto desplazados de sus hogares por la combinación de crisis climática, contaminación y desigualdad, y que sirven para personificar las historias de cientos de miles de personas que acuden a refugiarse en Daca, una ciudad que supera ya los 35,5 millones de habitantes.
Los avisos por ciclones o lluvia «me recordaron a las alarmas por bombardeos en Ucrania, donde ves a la gente dirigirse al búnker con toda tranquilidad. Hay imágenes del ciclón de 2024 que las grabó la hija de Lokkhi, porque nosotros llegamos para rodar dos semanas después, y que te cuentan con la mayor naturalidad», añade el cineasta. «El viento se llevó el tejado de la casa, como si nada. A veces ni siquiera se van todos, uno se queda a proteger las pertenencias de la familia. En su caso, ellos han cambiado ya como ocho o nueve veces de hogar».
Después de Lokkhi, la madre de familia desplazada, apareció Shakila, la joven que vive exiliada y habla de la situación de su país y de activismo climático desde sus redes sociales. «Forma parte de la generación que está heredando un mundo enfermo», cuenta Leuza a Cine con Ñ. «Me parecía importante que en Black Waterse viese a personas jóvenes con esa fuerza. Y ella misma es una refugiada: su familia tuvo que marcharse de Bangladesh en 2007 cuando el ciclón Sidr destruyó su pueblo, también en el sur del país».
El documental se rodó en dos viajes, uno en 2023 y otro en 2024, con un equipo mínimo: el propio Leuza, el director de Fotografía Jokin Pascual, la jefa de producción Lucía Ezke y el fichaje sobre el terreno como ayudante de dirección de Polin Bayezid Islam, trabajador de la propia ONG Brac. En total, la producción ha tomado cinco años, y solo Shakila y su familia, de todos los bangladesíes que aparecen en la cinta, ha podido verla hasta ahora, aunque está previsto proyectarla en el país.
Black Water: ¿qué ocurrirá después de Bangladesh?
El tríptico protagonista de Black Water lo completa Mohd Zia Hasan, «el profeta». «Él vive en un poblado de la zona de los manglares, donde la subida del mar ha salinizado el agua de la zona y destruido los cultivos«, cuenta Natxo Leuza. «En la primera parte del documental escuchamos sus pensamientos: mira el río con preocupación, un río enfermo y contaminado que está matando la agricultura. Y cuando llega a Daca, para él es un choque impresionante».
«El profeta» ejerce como tal, literalmente. Es un hombre con un megáfono que lanza mensajes apocalípticos a sus conciudadanos, algo que no es raro de ver en el puerto de Daca y que el director se ha encontrado en otros países. «En el clima de la película, sus reflexiones encajaban muy bien de manera natural. Es una persona muy valiente, para mí encarna una figura mitológica al estilo de Casandra: advierte de las catástrofes que van a venir, pero la gente no le cree», concluye.
Una labor no tan lejana a la que Leuza ha previsto para Black Water, que busca concienciar sobre la figura del refugiado climático. Algo a lo que no es ajeno el cine español reciente, con cintas como Mariposas negras (2024), de David Baute, ganadora del Goya a Mejor Película de Animación, entre otros. «La gente entiende perfectamente lo que es un desplazado por el clima», añade el director navarro, «pero quienes lo tienen que entender son los gobiernos, que son los que pueden poner soluciones».
El problema de unas instituciones que prefieren ignorar la emergencia climática «es lo que pasa en Bangladesh y que provoca las preguntas por las que quise hacer Black Water y que me inquietan mucho», añade. Por ejemplo: «¿Qué va a pasar con esos millones de personas desplazadas cuando Daca no pueda acoger más gente? ¿Cuándo algún bengalí se acerca a las fronteras de la India o de otros países vecinos? ¿Y en cuántos países más va a ocurrir lo mismo?».
'Verano 1993', 'En construcción' y 'De niños' lideran la gran encuesta del diario ARA, con la votación de 200 expertos del mundo del cine
Estiu 1993 (Verano 1993), En construcción y De nens (De niños) son las tres mejores películas catalanas del siglo XXI. Así lo señala una gran encuesta realizada por el diario ARA, que ha reunido los mejores títulos del cine catalán de los últimos 25 años. Con las votaciones de 200 expertos del mundo del cine, la lista ha señalado a la ópera prima de Carla Simón, Estiu 1993, como el largometraje local más destacado de este siglo.
La lista de las 25 mejores películas catalanas incluye, en su top 10, otros títulos destacados como [REC] (puesto 4), La leyenda del tiempo (5), Pa negre (6), Tres dies amb la familia (Tres días con la familia) (7), Pacifiction (8), Alcarràs (9) y El silencio antes de Bach (10). El cineasta que más veces aparece en la lista con sus películas es Albert Serra, con hasta 4 títulos (la mencionada Pacifiction, pero también Honor de cavalleria (Honor de caballería) —puesto 11—, Tardes de soledad—12—y La muerte de Luis XIV —20—).
Varios directoras y directoras acumulan hasta dos presencias en la lista de mejores películas catalanas del siglo XXI. Es el caso de Carla Simón (Estiu 1993 —1— y Alcarràs —9—), pero también de José Luis Guerín (En construcción—2— y Historias del buen valle —25—), Neus Ballús (La plaga —18— y Sis dies corrents —21—), Isaki Lacuesta (La leyenda del tiempo —5— y Entre dos aguas —16—) y Mar Coll (Tres dies amb la familia —7— y Salve María —24—).
La encuesta se ha realizado, informa ARA, entre distintos perfiles de la crítica, la investigación, el periodismo especializado y el sector cinematográfico como «una invitación a pensar y celebrar nuestro cine con espíritu riguroso y a la vez lúdico» para «elaborar un canon del cine catalán del siglo XXI».
‘Historias del buen valle’ (2025), de José Luis Guerín
En la lista han participado Isona Passola, productora y expresidenta de la Academia del Cine Catalán; Judith Colell, cineasta y presidenta de la Academia del Cine Catalán; Jaume Ripoll, director de Filmin, y Carlos R. Ríos, director del D’A Film Festival. Además, ha participado también Arturo Tena, director y crítico en Cine con Ñ. Se pueden consultar las votaciones particulares aquí.
Las 25 mejores películas catalanas del siglo XXI
Estiu 1993 (2017), de Carla Simón
En construcción (2001), de José Luis Guerin
De nens (2003), de Joaquim Jordà
[REC] (2007), de Jaume Balagueró y Paco Plaza
La leyenda del tiempo (2006), de Isaki Lacuesta
Pa negre (2010), de Agustí Villaronga
Tres dies amb la familia (2009), de Mar Coll
Pacifiction (2022), de Albert Serra
Alcarràs (2022), de Carla Simón
El silencio antes de Bach (2007), de Pere Portabella
Honor de cavalleria (2006), de Albert Serra
Tardes de soledad (2024), de Albert Serra
My Mexican Bretzel (2019), de Nuria Giménez Lorang
En la ciudad (2003), de Cesc Gay
Creatura (2023), de Elena Martín
Entre dos aguas (2018), de Isaki Lacuesta
Els dies que vindran (2019), de Carlos Marques-Marcet
La plaga (2013), de Neus Ballús
Estrany riu (2025), de Jaume Claret Muxart
La muerte de Luis XIV (2016), de Albert Serra
Sis dies corrents (2021), de Neus Ballús
Mi vida sin mí (2003), de Isabel Coixet
Las horas del día (2003), de Jaime Rosales
Salve Maria (2024), de Mar Coll
Historias del buen valle (2025), de José Luis Guerin
El despiporre para niños protagonizado por Leo Harlem y El Langui añade fantasía y algo de mamarrachismo a un fondo amable que solo quiere rellenar sus 90 minutos y hacer caja
La familia Benetón + 2 retoma a ‘Toni‘ Benetón, su mejor amigo Lolo y sus cincohijos, cada uno de un continente, en el sitio en el que los dejó: un casoplón en un barrio exclusivo donde viven locas aventuras. O algo así. Hasta que descubren dos cosas: que la hermana de ‘Toni’ adoptó a dosbebés más a los que ahora deben cuidar y que Kanene, la hasta ahora benjamina de la familia, tiene un hermano perdido en África al que deben ir a buscar.
Bueno, pues eso. En 2024 la primera parte recaudó 4 millones de eurosy es de suponer que andará dejando réditos desde Netflix para sus productoras gracias a esas tardes tontas de sábado en las que quieres que los niños estén callados un ratito. Era de cajón que iba a tener secuela, de una forma u otra, y el girito del «+2» tiene hasta gracia, al menos sobre el papel.
Votada entre el público y los europarlamentarios, la película de Eva Libertad supera a 'Valor sentimental' o 'Un simple accidente' y suma un nuevo gran reconocimiento
La película española Sorda, de Eva Libertad, consigue el Premio del Público LUX del Parlamento Europeo. Más de un año después de su estreno en España y tras acumular, entre otros muchos reconocimientos, tres Premios Goya, la ópera prima sobre la maternidad de una mujer sorda consigue este premio que votan conjuntamente el público a través de Internet y los diputados del Parlamento Europeo. Es la primera película española en lograr este galardón.
Estoy muy emocionada porque estoy pensando en mi hermana, en la comunidad de personas con deficiencias auditivas, en las personas con algún tipo de diversidad funcional», ha asegurado Eva Libertad al recoger el Premio. «Con este premio esperamos promover más políticas de diversidad y de inclusión. Tenemos que pensar más en la diversidad, en ese concepto de normalidad que no existe porque la auténtica normalidad es la diversidad humana», ha explicado la directora (interpretación desde RTVE del inglés original).
Votada a un 50-50% entre el público y los eurodiputados, Sorda ha conseguido superar en votos a las otras cuatro finalistas que optaban al LUX: las nominadas al Óscar Un simple accidente, de Jafar Panahi; y Valor sentimental, de Joachim Trier; pero también Love me Tender, de Anna Cazenave y Christy, de Brendan Canty. Se trata de un premio impulsado por el Parlamento Europeo y la Academia de Cine Europea en asociación con el programa MEDIA de Europa Creativa y Europa Cinemas.
Este Premio del Público es el último gran reconocimiento a la larga carrera de premios que ha logrado Sorda desde que tuviera su premier mundial en el Festival de Berlín en febrero de 2025. Tras conseguir la Biznaga de Oro en el Festival de Málaga en España, obtuvo más de 120.000 espectadores en su paso por salas españolas y distribución en más de 50 países.
Aunque ya han pasado 30 años de la mítica frase ‘Me llamo Ángela. Me van a matar’ —línea que está en su cartel—, Tesissigue asombrando a sus nuevos espectadores, y se ha quedado en las mentes y las listas de favoritas de muchos desde que se estrenó en abril de 1996. ¿Por qué fascinó —y fascina— la película de Alejandro Amenábar que ahora celebra su aniversario?
La película arranca con Ángela (Ana Torrent), una estudiante de Imagen. Está preparando una tesis sobre la violencia audiovisual. Su director del trabajo, Figueroa (Miguel Picazo), se dispone a ayudarla buscando material audiovisual para su tesis. Encuentra una cinta en la videoteca de la facultad, pero al día siguiente el profesor es hallado muerto tras el visionado.
Ángela conoce a Chema (Fele Martínez), experto en cine pornográfico y gore, y juntos descubren que la cinta que vio Figueroa es una película snuff en la cual matan a una chica, conocida por Chema. Según la textura del vídeo pueden conocer el tipo de cámara con la que está hecha la cinta. Los dos deciden descubrir quién la asesinó y quién fue el responsable de la película. Más tarde conocen a Bosco (Eduardo Noriega), un extraño chico de la facultad y amigo de la chica asesinada.
Tesis sobre el morbo
La trama de Tesis gira en torno al morbo mediático y al visionado de cintas de contenido «sensible». Esta crítica a la curiosidad humana malsana y a su explotación por parte de los medios de comunicación está de actualidad gracias al auge del subgénero documental del truecrime como nuevo catalizador del atractivo de las imágenes de violencia real. Pero ya existía en la España de los años 90.
De hecho, el morbo en concreto de la sociedad española se hizo especialmente latente por aquel entonces, durante los comienzos de la llamada telebasura y las televisiones privadas, un fenómeno que el propio Amenábar ha reconocido recientemente que le preocupaba cuando escribió la película. Uno de los primeros ejemplos —y más famosos— es del caso Alcásser. La cobertura televisiva forzó todos los límites del morbo con lo sucedido en el asesinato de tres niñas en una localidad valenciana en 1992, como analiza la serie documental de Netflix (true crime, irónicamente) sobre el tema. De hecho, la ópera prima de Amenábar tiene una vinculación directa con el suceso valenciano.
El equipo de Tesis rodó escenas en un chalet propiedad de la persona que originó la teoría de los vídeos de Alcásser
Una de las teorías de la conspiración del caso, apuntalada en prime time pocos meses después del estreno de la película, señalaba que una banda criminal se habría dedicado precisamente a la grabación de cintas snuff mientras perpetraban el crimen de las chicas, es decir, que realizaban vídeos cortos con las torturas y los asesinatos. Los integrantes de esta organización macabra, supuestamente dirigida por políticos y empresarios, habrían estado proporcionando grandes sumas de dinero a cambio de matar a distintas personas que aparecían en grabaciones caseras.
Para rematar el vínculo del suceso con la trama de la película, además, El Confidencial informó hace unos años que el equipo de Tesis rodó varias de sus escenas en un chalet que había sido propiedad de la persona (Ángel Sopeña) que supuestamente originó la teoría de los vídeos sobre el caso Alcásser. Verídico o no el asunto en cuestión o la inspiración en la película, lo cierto es que la obra de Amenábar reflexiona y y juega acertadamente sobre el interés del ser humano en ver —más o menos abiertamente— el sufrimiento de los demás.
El talento de un joven director
Pero no es solo la crítica social lo que atrapa de Tesis. La película aúna varios factores más que la incluyen dentro del halloffame del cine español aún en nuestros días. El reparto, ese trío compuesto por unos jovencísimos Ana Torrent, Fele Martínez y Eduardo Noriega, es capaz de convertir a cada personaje en un ser que se queda a vivir en nuestra mente. Alejandro Amenábar elabora con sutileza cada aspecto de sus protagonistas, que cobran vida poco a poco. Esto es fundamental en una película con mucha presencia física.
La fuerza de sus personajes se une a la capacidad narrativa y visual que demuestra Amenábar para crear tensión y mantener la atención del espectador. En su guion logra con creces sumergir al espectador en lo que sucede, jugando al despiste con quién es el malo y quién el bueno a través de unos diálogos dinámicos y genuinos.
Ángela se tapa los ojos con las manos para no ver, pero nos invita a entreabrir los dedos para intuir lo que pasa
A nivel compositivo, destaca también su talento en escenas como la persecución por los pasillos de la facultad, o el hecho de no enseñar el contenido de la película snuff en cuestión, sino únicamente permitir escucharlo. El director hace que nos planteemos continuamente esa hipocresía ante el morbo y la violencia siempre a través de la mirada de Ángela, quien se tapa los ojos con las manos para no ver, pero nos invita a entreabrir los dedos para intuir lo que pasa. Y sí, todos picamos.
Por este estilo de suspense, se nota que Alejandro Amenábar creció viendo películas norteamericanas y que es un fanático del cine clásico extranjero: encontramos mucho cine de Michael Powell o Hitchcock en su primera película. Vio tanto en su formación que le salió inspirarse o recordar este tipo de películas a la hora de firmar las suyas. Este gran manejo de los dispositivos formales, junto a su juventud —y consiguiente atrevimiento— de ese momento, fueron los ingredientes para una obra que conectaba con una nueva generación de españoles, con otros referentes.
Algo distintivo de este thriller primerizo es que, a diferencia de otros, cuantas más veces se ve, más gusta. Aunque se sepa el final, el simple proceso de seguir la trama es un proceso realmente atractivo porque permite seguir descubriendo ligeros detalles cuando se disfruta hoy en nuevos visionados. La ópera prima acabaría ganando 7 Premios Goya. Con sólo 24 años, Amenábar logró situarse en 1996 en lo más alto del cine español.
Este documental rescata datos históricos interesantísimos y tiene grandes momentos visuales, pero es un relato acomplejado y victimista sobre la identidad hispana en EEUU
We the hispanos repasa el papel de la cultura hispana y el Imperio Español en la formación de los actuales Estados Unidos de América, desde las misiones en la costa del Pacífico de fray Junípero Serra hasta la influencia de la Escuela de Salamanca en su Constitución o el pensamiento de Thomas Jefferson, además de por supuesto su población contemporánea de origen latino. El tono varía entre el rescate histórico de datos pocos conocidos en España (y en EEUU) y la reivindicación de la cultura hispanoparlante en general.
Lo cierto es que un documental de este tipo, pensado para recordarle al gringo que ya son el segundo país del mundo con más hablantes de castellano, y a punto de cazar al primero (México), se siente bastante necesario en estos tiempos que corren. Y tampoco nos viene mal en España que nos recuerden ciertos datos de nuestra propia historia, obviados por una mezcla de complejos nacionalistas y complejos en general. La ignorancia de la historia no sé si condena a repetirla, pero desde luego deja huecos. Y la naturaleza odia el vacío y lo rellena. Con lo que haya mano.
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