Reparto: Elena Furiase, Daniel Chamorro, Margarita Lascoiti, Verónica Ortiz, Silvia Vacas, Bárbara Cuesta, Antonio Dechent, María Jesús Hoyos, Felipe García Vélez, Chos
Fotografía: David Cortázar
Música: José Cuesta
Productora: Nosotromo Pictures, Netflix, Dylan Clark Productions, Chris Morgan Productions
Sinopsis
Felisa (Elena Furiase) vive en casa de su madre y depende, en gran medida, de la pensión de ésta. Desde hace algún tiempo, Adelaida (Margarita Lascoiti), una de las clientas a quien Felisa peina todas las semanas, viene proponiéndole que acepte casarse con su hijo. Sebastián (Daniel Chamorro) no está de acuerdo, pero termina aceptando. Felisa y Sebastián emprenden viaje rumbo a Motril, donde pasarán una semana de luna de miel que les cambiará la vida.
Lo que tienes que saber
Primer largometraje del director manchego Pedro Cenjor, que explica: «Es una película que habla de la necesidad de amar y ser amados en entornos en los que las emociones se esconden muy dentro. Surge de secretos aceptados por los personajes, cuyas decisiones nos enseñan cómo emerge la esencia oculta en cada uno de ellos».
Coincidiendo con el 50 aniversario del rodaje de 'El puente' (1977), de Juan Antonio Bardem, la película que sirvió de bisagra a su carrera de la comedia al drama
El próximo 17 de abril se estrenará en salas de toda España Landa, el largometraje documental que «profundiza en la figura del actor más popular y querido del cine español»: Alfredo Landa. La obra está codirigida por Gracia Querejeta (Siete mesas de billar francés) y Miguel Olid (Summers el rebelde).
El estreno del documental en abril de este año coincide con el 50 aniversario del rodaje de El puente (1977), de Juan Antonio Bardem, la película que cambió por completo su trayectoria como actor.
«No hay ningún caso como el de Alfredo Landa, que aúna las elevadas dosis de cariño del público con los mejores reconocimientos de la crítica y la profesión», señalan los autores.
Cartel de ‘Landa’, documental de Gracia Querejeta y Miguel Olid.
Además de la dirección de Querejeta y Olid, destaca la fotografía de Aitor Mendilibar, la dirección de arte de Eva Rodríguez y la banda sonora original compuesta por Nerea Alberdi.
Landa es una producción de Plano Subjetivo, Baleuko eIpar eta Hego AIE. El proyecto cuenta con la participación de RTVE y Movistar Plus+, además de la colaboración del Gobierno Vasco (Departamento de Cultura y Política Lingüística) y la Diputación Foral de Bizkaia.
Así será Landa, el documental
Lejos de ser una biografía convencional, Landa se centra en «la arrolladora personalidad y las virtudes interpretativas del único actor capaz de dar nombre a un género propio: el ‘landismo'». El documental «ofrece una mirada profunda que permite conocer su método actoral, su ámbito personal y su impacto histórico, rescatando incluso hechos relevantes de la etapa final de su carrera».
La cinta cuenta con «un valor testimonial excepcional, incluyendo: testimonios directos, con intervenciones del propio Alfredo Landa y con voces autorizadas de familiares, amigos, críticos, directores y compañeros de profesión». La estructura narrativa del documental «busca conectar tanto con las generaciones que crecieron con sus películas como con el público joven».
Jorge Dorado y Liliana Torres dirigen los episodios de esta nueva serie de Netflix basada en la novela superventas de Gillian McAllister
Netflix ha desvelado las primeras imágenes de Esa noche, su nueva serie protagonizada por Clara Galle (Ni una más, Olympo), Claudia Salas (Élite, Salvador) y Paula Usero (Las abogadas, Amar es para siempre). Una adaptación de la novela superventas That Night, de Gillian McAllister, que se estrenará en la plataforma el próximo 13 de marzo.
La serie es una creación de Jason George (Narcos, Into The Night), quien también ejerce como productor ejecutivo junto con Marian Fernández Pascal (Intimidad, Amama). George también firma los guiones junto a Lara Sendim (Los renglones torcidos de Dios, El Inocente), que además ejerce como productora creativa. La dirección está a cargo de Jorge Dorado (Mindscape, The Head) y Liliana Torres (Mamífera, Kimeres).
Tráiler de Esa noche
Sobre la adaptación de su novela, McAllister ha declarado que se encuentra «muy emocionada y agradecida de que Netflix España haya apostado por una serie basada en That Night, mi novela, que plantea la pregunta de: ¿Hasta dónde estarías dispuesta a llegar por tu hermana? ¿Mentirías por ella? ¿Cometerías un crimen por ella? Y, en el límite más extremo, ¿enterrarías un cuerpo con ella sin importar cuáles fueran las consecuencias? Esta novela generó mucha conversación en Reino Unido, y estoy deseando que ahora llegue a las pantallas de todo el mundo, y que lo haga de la mano de este increíble elenco».
Esa noche está producida por Txintxua Films S.L. para Netflix.
Sinopsis de la serie
Durante unas vacaciones familiares en República Dominicana, Elena (Clara Galle) atropella a un hombre con su coche. Desesperada y asustada, llama a sus hermanas, Paula (Claudia Salas) y Cris (Paula Usero), pidiendo ayuda. Al llegar, deben decidir cómo afrontar el accidente, porque no pueden soportar la idea de que su hermana menor vaya a la cárcel, dejando a su única sobrina sin su madre. ¿Hasta dónde estarán dispuestas a llegar para ayudar a proteger a su familia? Esa noche obliga a tres hermanas a enfrentarse a la profundidad del amor, el peso de la lealtad y los límites que se pueden alcanzar por la familia.
Reparto: Álvaro Cervantes, Bruna Cusí, Marc Martínez, Eduardo Lloveras, Àgata Roca, Anna Moliner, Pep Ambròs, Francesc Garrido, Jan Buxaderas, Corentin Lobet, Rai Borrell, Rubén de Eguia, Adrián de Núñez, Carles Gilabert, Eric Seijo, Nia Tosas
Fotografía: Miquel Prohens
Música: Arnau Bataller
Productora: Lastor Media, Vilaüt Films, Goroka TV, Balandrau Films
El 30 de diciembre del 2000, un grupo de amigos se disponen a realizar el ascenso al Balandrau. El sol acompaña a los montañeros hasta que, en cuestión de minutos, todo cambia de forma imprevisible. Un viento salvaje conocido como ‘torb’ desencadena la peor de las tormentas de la historia de los Pirineos.
Lo que tienes que saber
Basada en el libro Viento Salvaje: Crónica de una tragedia en el Pirineo, de Jordi Cruz, y con guion de Danielle Schleif (Mediterráneo), narra una historia real en el Pirineo catalán que hizo cambiar los protocolos de actuación de los rescates de montaña en España.
La nueva película de género con Belén Rueda apuesta por un terror reconocible y exportable, acomodado en el mínimo común denominador, que diluye cualquier identidad propia
El vestido nos sitúa en la llegada a una vieja casa de una mujer, Alicia, y su hija, Carla, tras un divorcio complicado. En ese mismo lugar, años atrás, desapareció una niña en extrañas circunstancias. La preocupación y paranoia de Alicia van en aumento cuando se suceden fenómenos paranormales en la casa y Carla empieza a sufrir episodios inquietantes.
Después del thriller rompecabezas con Reversión y el drama romántico con Fragmentos, la factoría deFrank Ariza estrena esta película de terror con Belén Rueda, icono del género gracias a El orfanato (2007). Jacob Santana, que ya dirigió Reversión, vuelve a firmar en solitario (aunque Ariza también ha estado acreditado como codirector en alguna fase del proyecto) esta película con punto de partida de toda la vida: mudanza a una vieja casa donde pasan cosas raras, hijo/a como catalizador y madre muy preocupada.
El vestido arranca desde este lugar genérico y más bien artificial, y ahí se queda. La película no se atreve a darle una vuelta de tuerca a ninguno de sus tropos clásicos y simplemente va pasando por ellos como por obligación, uno por uno, hasta llegar a un giro final que está lejos de salvar en retrospectiva a todo lo que se ha visto antes.
El vestido y los buenos relatos de terror
Las buenas películas no son necesariamente las más originales. Puede haber películas con coordenadas hipersobadas que son maravillosas precisamente porque han comprendido las bases para el funcionamiento de esos grandes relatos que las sostienen. Al entenderlas, pueden traducirlas a su manera y así hacer su propio camino, que se superpone e integra en esa raíz común. El terror, un género sostenido habitualmente por los mitos, lo entiende mejor que nadie.
Eso es lo que hacía que El orfanato, el espejo más obvio (los paralelismos van desde el cartel hasta el azul de la niña) en el que se mira El vestido, funcionara. La de J. A. Bayona también va de una madre que se muda a una casa grande con su hijo y pasan cosas raras. Allí, el punto de partida era solo un trampolín para llegar a un terror gótico con sus propias normas. En El vestido no hay independencia ni relato propio, más bien referencias recicladas en flashbacks y golpes de efecto, ahogados en una ambientación genérica y un trasfondo narrativo muy débil.
El mínimo común denominador
Al final, El vestido acaba resultando en una experiencia insustancial. Incluso cuando el esfuerzo de producción por generar elementos de terror está bien colocado, la película se desliza siempre hacia el mínimo común denominador en progresión dramática, set pieces y lore en su historia. Da la sensación de que las cosas están puestas ahí porque tienen que estar, como si obedecieran a una checklist, no porque haya un verdadero motivo. Incluso el vestido, supuesto elemento fundamental en la historia, acaba siendo bastante secundario.
En su intento por internacionalizarse como producto, por resultar fácilmente exportable al mercado exterior mediante el uso de códigos reconocibles y una base genérica compartida, la película termina diluyendo cualquier rasgo diferencial. La apuesta por una estética neutra, deslocalizada, intercambiable —una casa que podría estar en cualquier país, una ambientación sin anclajes culturales claros, un tratamiento visual homologable al estándar del terror industrial contemporáneo— elimina capas de identidad en lugar de potenciar su alcance. Nada remite a un contexto concreto.
Por ir cerrando la puerta: El vestido es una película prescindible, cuyo principal atractivo es volver a ver a Belén Rueda — y a Vera Centenera, convincente tras Secaderos (2023)— en un terreno que conoce y domina, pero que no añade nada sustantivo ni a su trayectoria ni al panorama reciente del terror español, que precisamente necesita una apropiación más auténtica del género.
El prestigioso certamen documental danés ha anunciado el programa de su nueva edición, que tendrá lugar del 11 al 22 de marzo y en la que se proyectarán cinco producciones españolas
El CPH:DOX 2026, el Festival Internacional de Documentales de Copenhague, ha anunciado su programación, que incluye hasta cinco títulos de producción española. El prestigioso certamen danés, que celebra este año su 15aniversario, tendrá una nutrida representación de nuestro país en la sección Nuevas Olas, con hasta cuatro películas de producción o coproducción española.
En cualquier caso el título más destacado de la programación por parte de España será Atlas de la desaparición, de Manuel Correa, presentada en el pasado Documenta Madrid y que en Dinamarca aspirará a dos premios: el F: Act Award, para documentales de investigación periodística, y el Human: Rigths Award, dedicado a los filmes que destaquen por su defensa de los Derechos Humanos.
Un documental que sigue a tres familiares de desaparecidos los cuales «recorren un camino largo y complejo en busca de los restos de sus seres queridos, enfrentando procesos burocráticos, legales y sociales que persisten desde la Guerra Civil. Atlas de la desaparición reconstruye lo que el olvido y la represión intentaron ocultar».
A través de mapas digitales, archivos y arquitectura forense, la película «ilumina el traslado silencioso de miles de desaparecidos al Valle de Cuelgamuros durante la dictadura franquista. Entre ausencias y silencios, la película muestra la constante lucha por recuperar la verdad, dando nombre y lugar a quienes fueron arrancados de la historia».
Cine español en el CPH:DOX 2026
El primer título en las Nuevas Olas será Becoming Ema, de Patricia Drati, coproducción de España con Dinamarca y Eslovaquia. La historia de Ema, quien, mientras espera a su segundo hijo, «decide abandonar la vida moderna de la ciudad y empezar una vida en lo más profundo del campo de Mallorca. Convence a su marido, Tomás, de que, alejados de los dogmas sociales de la carrera, la riqueza y el éxito, podrán educar a sus hijos de forma sencilla y sostenible. Un año después de hacer realidad ese sueño, llega la pandemia y la familia se ve obligada a reevaluar sus decisiones».
Por su parte Dream of another summer, de Irene Bartolomé, es una producción hispano-libanesa cuenta la historia del encuentro entre una mujer, Alicia, y una ciudad, Beirut, «para explorar cómo nos afectan los espacios que habitamos y reflexionar sobre la destrucción y preservación de edificios cuando son espacios de memoria colectiva. Esta película es un retrato de Beirut, pero también una búsqueda cinematográfica de la relación de las ciudades con la vida, el progreso y la destrucción».
En la misma medida, Como todo mortal, de María Molina Peiró, recorre las minas de Río Tinto, en Huelva, comparando su historia como la mina activa más antigua del mundo y al mismo tiempo espacio de experimentación para la posible exploración de Marte por los seres humanos.
Finalmente la coproducción hispano-chilena Where the Silence is Heard, de la cineasta Gabriela Pena, arranca «en una casa abandonada en Chile por el exilio, Gabriela busca reconstruir lo que dejó atrás. Entre la ternura de sus abuelos y la distancia emocional de su madre, intenta comprender de qué está hecho el amor cuando ha sido moldeado por el miedo y la ausencia».
Ya tiene tráiler Altas capacidades, la nueva película como director y coguionista de Víctor García León(Selfie, Vete de mí, Los europeos). Coescrita junto a Borja Cobeaga (Pagafantas, Los aitas, No me gusta conducir), se trata de una comedia dramática sobre unos padres, interpretados por Marian Álvarez e Israel Elejalde, que se enfrentan a la oportunidad de llevar a su hijo a un colegio de élite, lo que les lleva a lidiar con sus miedos.
La película, que competirá en Sección Oficial en el próximo Festival de Málaga, ha anunciado su fecha de estreno, el próximo 27 de marzo, y presentado su tráiler.
Según el propio director, «Altas capacidades es una historia que habla de nuestras aspiraciones y miserias. Los protagonistas son una pareja de padres que tiene miedo por sus hijos o, mejor dicho, miedo a que no lleguen a ser lo que deberían, miedo a lo que son, miedo a en qué se pueden convertir… Y, eventualmente, la maternidad y paternidad te obligan a afrontar que, a veces, nuestros miedos valen más que nuestros principios».
Juan Diego Botto, Natalia Reyes, Pilar Castro y Suso Nanclares acompañan en el reparto de la película a Álvarez y Elejalde.
Tráiler de Altas capacidades
«Altas capacidades es la oportunidad de contar con Víctor García León y Borja Cobeaga, dos cineastas que disfrutan escribiendo y reflexionando sobre las contradicciones, tanto propias como ajenas, algo que a nosotros también nos resulta muy interesante. En este caso, con la educación de las hijas e hijos como metáfora de las aspiraciones, del trampolín social y de esas buenas intenciones que, a veces, se quedan solo en eso: buenas intenciones. Sentíamos que era el momento adecuado para abordar este tema en nuestro cine a través de esta comedia dramática», comentan los productores de la película.
El equipo del filme lo completan Eva Díaz Iglesias, al frente de la dirección de fotografía; Begoña Muñoz, en la dirección de producción; Carmen Albacete, en el diseño de producción; Buster Franco, ejerciendo las labores de montaje; Tamara Arévalo, como la responsable del sonido directo; y Natacha Fernández Gallardo como figurinista. Luciana Díaz será la jefa de maquillaje junto a Claudine Saint Hubert en peluquería. La música original estará a cargo de la compositora uruguaya Camila Rodríguez.
Coproducción hispano-uruguaya que fue seleccionada en el Venice Gap- Financing Market 2024 del Festival de Venecia, Altas capacidades está producida por Marisa Fernández Armenteros para Buenapinta Media, Nahikari Ipiña para Sayaka Producciones, Sandra Hermida paraColosé Producciones, Eneko Lizarraga para Think Studio y Altas capacidades pelícua AIE, en coproducción con Santiago López para Cimarrón (una compañía de The Mediapro Studio).
La película cuenta la participación de RTVE,Movistar Plus+,Orange y la financiación del ICAA, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid. La película será distribuida en España por BTEAM Pictures y de las ventas internacionales se encargará The Film Factory.
Sinopsis de la película
Alicia y Gonzalo, una pareja de clase media, se encuentran con la oportunidad de matricular a su hijo Fer en un colegio laico de élite. Para los padres supone asomar la cabeza en la clase alta, nuevas amistades, mayores ingresos, ventajas incontables. Dicen hacerlo por su hijo.
En esta maravillosa contradicción entre los miedos y los principios morales, las aspiraciones de la pareja se llevarán por delante lo que, hasta entonces, creían incuestionable.
Una historia de espías a caballo entre España y Colombia que cuenta con guión del propio De la Torre, Oriol Paulo y Jordi Vallejo
Prime Video ha presentado las primeras imágenes de Zeta, una película de acción y espionaje que se estrenará el próximo 20 de marzo directamente en la plataforma de Amazon, dirigido por Dani de la Torre (Marbella, La Unidad) y protagonizado por Mario Casas, Luis Zahera y Mariela Garriga. Una historia de espías y traiciones a caballo entre España y Colombia.
Completan el reparto Nora Navas, Christian Tappan, Cristina Umaña, Ricardo de Barreiro y Pablo Álvarez. El guión es obra del propio De la Torre, Oriol Paulo y Jordi Vallejo.
La producción de Zeta está a cargo de Fonte Films, con Pablo Isla y Carla Pérez de Albéniz como productores, y Dani de la Torre y Fátima Dapena como productores ejecutivos.
Cuatro ex-oficiales de inteligencia españoles son asesinados al mismo tiempo en distintas embajadas del mundo. El CNI descubre que todos participaron hace 35 años en la oculta “Operación Ciénaga”, que ocurrió en Colombia y donde un quinto oficial de inteligencia –el único que ha escapado de los asesinos– estuvo implicado. Encontrarle será el primer objetivo para el CNI, que pone al frente de la misión a su mejor miembro: Zeta.
Pero no estará solo en su misión. Colombia también le busca mediante una de sus mejores agentes, Alfa, que parece saber más de “Ciénaga” que la inteligencia española. A medida que Zeta y Alfa avanzan en su investigación, irán sorteando peligros y desenterrando secretos que llevaban años silenciados.
El certamen malagueño incorpora hasta 12 películas españolas en la competición por la Biznaga de Oro, donde debutarán en España Ian de la Rosa ('Iván & Hadoum'), Laura García Alonso ('Corredora'), Marta Matute ('Yo no moriré de amor') y Bàrbara Farré ('Mala bèstia')
En un acto con patrocinadores y colaboradores, el director del Festival de Málaga, Juan Antonio Vigar, ha desvelado esta importante colección en la Sección Oficial, donde se verán las primeras películas de Laura García Alonso (Corredora), Bàrbara Farré (Mala bèstia), Ian de la Rosa (Iván & Hadoum) y Marta Matute (Yo no moriré de amor), mientras se verá el regreso de David Serrano a la dirección tras Voy a pásarmelo bien (2021), la película de Padial con Berto Romero y Judit Martín, la esperada segunda película de Júlia de Paz trasAma(2021) y la historia de deporte femenino de la andaluza Marta Díaz de Lope Díaz (Los buenos modales, Mi querida cofradía).
Estas películas se suman en la Sección Oficial a las ya anunciadas por el Festival hace unas semanas: Altas capacidades, de Víctor García León; Después de Kim, de Ángeles González-Sinde; y Calle Málaga, de Maryam Touzani, que será la película de inauguración de la 29ª edición del certamen malagueño, que se celebrará en la ciudad del 6 al 15 de marzo.
Además, Juan Antonio Vigar, director del Festival de Málaga, ha anunciado que habrá hasta siete series en el Festival: la cuarta temporada de la documental Acoustic home (HBO Max), la comedia de videoclub Cochinas (Prime Video), la segunda temporada deEntre tierras(Atresmedia), la tercera parte de la adaptación de La novia gitana, La nena (Atresmedia), la comedia generacional Millenial Mal(Filmin), Por cien millones (Movistar Plus+) y la comedia policíaca Si es martes, es asesinato (Disney+).
El cine español en Zonazine, Sección Oficial Documental y Pases Especiales
En la sección Zonazine, el espacio paralelo a la SO del Festival, se verán también tres películas españolas. Son Cuántica rave, comedia musical de ciencia ficción de Paco L. Campano; La carn, película de Joan Porcel en la que vida y performance se mezclan; y We are the jungle, película de desamor en Kuala Lumpur del director Gwai Lou, seudónimo del cineasta español David Yáñez.
Por otro lado, en la Sección Oficial de Documentales también competirán por la Biznaga Despois das cidades, la película de Xacio Baño que llega de Róterdam; Black water, documental sobre el ‘éxodo climático’ en Bangladesh de Natxo Leuza; Como todo mortal, documenta de creación mineral de María Molina; Crías, diario de Xiana do Texeiro; El mapa para tocarte, la experiencia materna de Mercedes Afonso; Level, experiencia entre la vida y la muerte de Anna Berkhof y Carlos Mora Fuentes; Sucia, el relato de la transformación del trauma en arte de la actriz Bárbara Mestanza; y Un arbe és un arbre (Un árbol es un árbol), en la que Carlos Marqués-Marcet (Polvo serán, Los días que vendrán) colabora el fotógrafo Aleix Plademunt en una meditación sobre el mundo a través de la mirada.
En Pases Especiales de documentales habrá mucho aroma a historia del cine español: se verán estudios sobre Carlos Saura (Ese niño de la fotografía. Carlos Saura, de su hija Anna Saura); José María Forqué (Forqué. El oficio de hacer cine, de Gaizka Urresti y Rafael Maluenda); Cecilia Bartolomé (Cecilia Bartolomé: tan lluny, tan a prop, de Giovanna Ribes), Alfredo Landa (Landa, de Gracia Querejeta y Miguel Olid) y Luis Buñuel (Memoria de los olvidados, de Javier Espada). Además, se verá La vida és Verdi, que conmemora los 100 años de los Cines Verdi de Barcelona.
Además, en Pases Especiales destacan también el documental La última vuelta, el regreso a la dirección de Miguel Ángel Muñoz, que continúa la historia de 100 días con la Tata; Ganas de vivir, dirigido por El Langui; Enlorquecido: solo el misterio nos hace vivir, con Miguel Poveda siguiendo la huella de Lorca; Sidosa, el documental sobre el VIH con Eduardo Casanova y Jordi Évole. Completan los pases A través de el espejo negro, Aminetu, El espíritu del Caminito, Plus Ultra, Este cuerpo mío, Meditar, Acuérdate de mí, Back in time, El abrazo de los peces, En silencio. La resiliencia de Isco Alarcón, Ganas de vivir y Horror and Love.
La película sobre Karmele Urresti y Txomin Letamendi, represaliados por el franquismo, brilla en su cuidado estético y en el uso de la música como memoria colectiva, pero pierde fuerza al encajarse en moldes narrativos demasiado fáciles
Karmele (Jone Laspiur) y su familia, tras haber sido encarcelado su hermano, huyen a Francia tras ser expulsados de su casa por las tropas franquistas durante la Guerra Civil. Allí Karmele será contactada por los vascos en el exilio, interesados en sus habilidades musicales como herramienta de visibilización de la lucha. Así es como conoce a Txomin (Eneko Sagardoy), un trompetista profesional también muy movilizado políticamente. Ambos se enamoran de inmediato.
Drama histórico como mandan los cánones, para lo bueno y para lo malo. Es lo que ha planteado Asier Altuna en Karmele, una historia de amor, represión y compromiso a la vasca que adapta la novela La hora de despertarnos juntos, de Kirmen Uribe, que a su vez recupera la historia real de los represaliados Karmele Urresti y Txomin Letamendi, que desde luego daba para libro y película.
Urresti y Letamendi fueron militantes del Gobierno Vasco en el exilio hasta prácticamente los años 50, incluso llegando a colaborar con la OSS (la antecesora de la CIA). Altuna ha convertido la historia de esta pareja en una película de altos vuelos, de hechuras clásicas, en las que brilla el compromiso político y la música, pero menos el molde y los esquematismos dramáticos.
La música como memoria en Karmele
Aunque quizá hace un tiempo eran más habituales (Salvador, Las trece rosas, Los girasoles ciegos, La voz dormida, etc…), este tipo de grandes dramas vinculados a la memoria histórica de las víctimas del franquismo aparecen en España cada vez menos. (el último, con viaje presente/pasado podría ser El maestro que prometió el mar). Karmele, en una lectura muy vasca, es uno nuevo.
Quizá por esa misma razón, Karmele se siente una película algo demodéy, por tanto, con el encanto que tiene lo que está fuera de su tiempo. Sus altos valores de producción (dirección de arte, vestuario, peluquería, sonido.. y, cómo no, la espectacular fotografía de Javier Agirre Erauso) hacen que no se caiga en el cartón piedra y se vea una época que resuena en tres dimensiones.
La novedad a la película, además del punto de vista de una mujer (los detalles machistas de Txomin son más o menos sutiles), se la pone el protagonismo que se le da a la música cantada y tocada en plano, que funciona como vía de escape para la madre patria perdida durante el franquismo. Altuna ya había demostrado su pasión por la canción popular vasca en Bertsolari(2011), y ahora lo vuelve a demostrar en esta película, que se deja llevar por la fuerza de la Eresoinka, el Coro Nacional Vasco en el exilio, o los cantos espontáneos que son todo calor y dolor. Es de lo mejor de la película.
Un molde que por cierto no deja de ser molde
Donde Karmele no se eleva es en la descripción sociopolítica del momento y su amolde a la estructura dramática dirigida a provocar la emoción. El acercamiento de la represión franquista es demasiado perezosa: de malos muy malos, de contrastes visuales facilones y explicaciones esquemáticas para el espectador (¿dónde está el pobre hermano al final de la película?). Ahí, la condición de película acomodada a las certezas más básicas del público nacionalista local pesa demasiado. Entendámonos: no es suavizar o blanquear el franquismo, es encontrar otras formas para explicarlo que se salgan de un manual demasiado sobado.
No ayuda tampoco a mitigar la sensación de molde preconfeccionado la sucesión continua de elipsis, una herencia literaria que corta la construcción dramática para privilegiar la simple narración expositiva de los hechos. Hay demasiadas cosas que contar al público, y eso desemboca en una parte final que, pese a que se prepara para el drama, no llega del todo a las emociones que busca.
Aún así, las decisiones de Altuna (no forzar la música extradiegética, evitar el flashforward, la solemne secuencia final…), ese empaque histórico y el esfuerzo de sus dos actores principales —aunque el Txomin real tuviese 15 años más que Karmele— hacen que la película se sostenga hasta el final de una forma digna, pese a todos sus atajos.
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