Miguel Ángel Lamata dirige su séptimo largometraje, una historia de terror a partir de la novela de Mayte Navales, quien adapta su propia historia al guión
Amaia Salamanca y Eduardo Noriega protagonizan La ahorcada, nueva película de Miguel Ángel Lamata. «Una historia de amour fou, obsesivo, oscuro y hasta destructivo, narrada en clave de terror» sobre una cantautora que vuelve de entre los muertos a pedirle cuentas a un antiguo amor. Llega a cines el 24 de abril y acaba de presentar su tráiler final.
Con guion de Mayte Navales basado en su novela homónima, La ahorcada se presenta como «una obra gótica contemporánea, perturbadora y emocional». Para su autora «el tema central de la película es el dolor que causamos y sus consecuencias. Ese dolor nunca desaparece. La película habla sobre el frágil corazón humano: de cómo entregarnos a un amor loco nos puede llevar a perder la razón y puede que la vida».
En palabras de Lamata, «es una película sobre las contradicciones en las que todos incurrimos en temas emocionales, en las obsesiones que nos generan y en sus consecuencias. Una película que se mueve sobre la fina línea que separa nuestros sentimientos más nobles de nuestra dimensión más oscura».
Tráiler de La ahorcada, una historia de amour fou
Salamanca y Noriega protagonizan esta historia paranormal entre una cantautora frustrada y un hombre al que pedirá cuentas desde el más allá. La joven Cosette Silguero (Los protegidos: un nuevo poder, Los futbolísimos y el misterio del tesoro pirata, La Moderna) como hija de Noriega será la encargada de enfrentarse a ese fantasma fruto del amor tóxico.
Completan el reparto Norma Ruiz, Anastasia Fauteck, Veki Velilla y Raúl Sanz, además de la colaboración especial de Cristina Gallego y Emilio Buale, entre otros.
Rodada en diversas localizaciones de las provincias de Teruel y Zaragoza, La ahorcada cuenta con un destacado equipo técnico de profesionales como Teo Delgado como director de fotografía; dirección artística de César Macarrón, música original de Fernando Velázquez, vestuario de Arantxa Ezquerro, maquillaje y peluquería de Patricia Reyes, sonido directo de Elena Cordech y montaje de Nacho Blasco.
La ahorcada es una producción de El árbol y el ruiseñor AIE, Bemybaby Films (Miguel Ángel Lamata y Raúl García Medrano) e Imposible Films (Marta Esteban), que cuenta con la financiación del Gobierno de España, ICAA, con la participación de RTVE, Aragón TV, Crea SGR, Avalia Aragón SGR y Caja rural de Teruel, y con el apoyo de Gobierno de Aragón, Ayuntamiento de Zaragoza, Diputación de Teruel y Ayuntamiento de Teruel.
De su distribución en cines en España y de las ventas internacionales se encargará Filmax. Se estrena exclusivamente en cines el 24 de abril de 2026.
Sinopsis de La ahorcada
Rosa Martín (Amaia Salamanca), una cantautora de nombre artístico ‘La ahorcada’, se suicida en el jardín de Fran (Eduardo Noriega), un hombre al que amaba y que la trató como un mero objeto sexual. El fantasma de ‘La ahorcada’ se queda en la mansión de Fran, negándose a ser ignorada y dispuesta a darle una lección. Su obsesión acabará convirtiendo la vida de Fran y su familia en un auténtico infierno.
El rescate de sus primeras películas en FlixOlé y el homenaje de la Academia invitan a redescubrir la obra del cineasta asturiano
Este 28 de febrero, el primer Goya ya tiene nombre propio: Gonzalo Suárez. El veterano cineasta asturiano recibirá el reconocimiento de la Academia de Cinea toda una carrera a los 91 años y tras más de seis décadas en activo, en las que ha dirigido casi una treintena de películas. Una filmografía tan extensa como difícil de encajar en definiciones.
Gonzalo Suárez ha sido actor, dramaturgo, novelista, periodista —firmando como Martín Girard—, guionista, crítico de cine y hasta ojeador de fútbol para el mismísimo Inter de Milán, y todas ellas confluyen en una obra atravesada por el surrealismo, la provocación y lo simbólico.
Sus películas han mantenido siempre un fuerte vínculo con la literatura —adaptada con mucha libertad— y con la pintura clásica en la composición visual. Pero, sobre todo, han destacado por un sentido del humor con un punto amargo, tan desafiante en sus comienzos durante la dictadura como más tarde en democracia.
FlixOlé recupera ahora, por primera vez en streaming, las películas del arranque de su carrera, a caballo entre los 60 y los 70, cuando aún no era un veterano de estilo consolidado, sino un verso libre imposible de encajar en las tendencias del cine español del momento. Esta etapa completa todo un recorrido por el cine de Gonzalo Suárez, una filmografía con distintas derivadas pero que puede concentrarse en algunos títulos fundamentales, que valen tanto para el recién llegado a su filmografía como para el más experto.
5 películas imprescindibles de Gonzalo Suárez
DITIRAMBO (1969)
Su fundamental ópera prima, que pronto dará el salto a la plataforma. Una expansión de su corto Ditirambo vela por nosotros (1967), que es a su vez una suerte de secuela de Rocabruno bate a Ditirambo (1964). En aquel momento Gonzalo Suárez es un autor literario conocido, un actor teatral con cierta trayectoria, y su salto al cine es casi autodidacta, sin pasar por la Escuela Oficial de Cine como tantos contemporáneos. Eso influye en que se aleje de las coordenadas del Nuevo Cine Español de la época.
José Ditirambo, el protagonista, es un periodista, o detective privado, según el día, tan claramente alter ego del propio Suárez que el director llega a interpretarlo. Como en la novela coprotagonizada con el personaje de Rocabruno, sus aventuras son una especie de juego entre realidad y ficción, en el que la viuda de un escritor de prestigio encarga al protagonista que localice a la amante del marido fallecido para vengarse de ella.
Además de por la importancia hasta icónica en la carrera de Suárez, Ditirambo marca también el hito de ser el primer largometraje de todo un símbolo como Charo López, que luego será una actriz recurrente en el cine del director.
AOOM (1970)
Otro de los estrenos en streaming de FlixOlé, junto a Morbo (1972) o Mi nombre es sombra (1996). Uno de los filmes más libres y experimentales de la carrera de un cineasta ya de por sí fácil de identificar con dichos adjetivos. Otra historia entre la realidad y la ficción, con un reparto excepcional que encabezaba el estadounidense Lex Barker y con Teresa Gimpera y Luis Ciges.
La historia de un actor que se veatrapado en el cuerpo de un muñeco, con el que acaba fusionándose, mientras su pareja y un extraño detective británico investigan su desaparición. Un intento, en palabras del propio director, de llevar el lenguaje pictórico al del cine, a un nivel que nunca volvería a atreverse a pesar de que el arte sea una fuente de inspiración constante de sus composiciones.
Nunca estrenada en el circuito comercial y considerada por el director como su mayor fracaso, es la gran película de culto de Gonzalo Suárez.
En los años 70, Gonzalo Suárez dirigirá un par de películas con Ana Belén y Víctor Manuel y firmará dos grandes éxitos de taquilla,La loba y la paloma (1973) —protagonizada por Carmen Sevilla en un papel que cambió su carrera— y La Regenta (1974) —en una de las interpretaciones más recordadas de Emma Pennella. Gracias a ellas consolida su carrera y puede permitirse volver a otro título muy personal… e igualmente popular.
Adaptación muy particular del clásico de la literatura gallega A Esmorga—que dio otra película en 2014—, Parranda es la historia de tres curritos de los altos hornos asturianos que amanecen en el cuartelillo de la Guardia Civil y tienen que rendir cuentas de la que liaron la noche anterior, precisamente, de parranda.
Lo que parece la base de una comedia alocada deriva, poco a poco, en una tragedia negra con mucha crítica social. El reparto es impresionante y, al mismo tiempo, puro Gonzalo Suárez: José Luis Gómez, José Sacristán, Antonio Ferrandis, Charo López, Luis Ciges y el mismísimo Fernando Fernán Gómez.
En los 80, Gonzalo Suárez filmará para televisión una de sus adaptaciones más canónicas, la serie Los Pazos de Ulloa(1985), que le valió cierta fama de buen «trasladador» de obras literarias al audiovisual… cuando en realidad nunca lo ha sido. Lo suyo siempre ha consistido en adaptar los originales a su visión particular o deconstruirlos para llevarlos a los temas que a él le interesan a través de una estética tan pictórica como única.
En este caso, una visita a la famosa noche en Villa Diodati en la que Lord Byron, Percy Shelley, Mary Wollstonecraft Shelley y John William Polidori se retaron a escribir historias de terror… nacieron Frankenstein y el relato El vampiro. La película sigue las vidas de los cuatro autores a través de las apariciones fantasmáticas del monstruo creado por Mary, en un nuevo juego entre la realidad y la ficción, otra condena del escritor o autor irresponsable y un alarde de reflejo de la pintura de la época recreada mediante la cámara.
El reparto contaba con Hugh Grant —en uno de sus primeros papeles protagonistas—, Lizzy McInnerny, Valentine Pelka, Elizabeth Hurley y el detalle personal de darle el papel de Polidori a un actor tan habitual del cine de Suárez como José Luis Gómez. Un éxito que le valió su único Goya hasta ahora (Mejor Dirección) y que se ha ido solidificando como su película más recordada.
El Gonzalo Suárez de los 90 ya es un autor más que consagrado, que ha estrenado otros largometrajes entre la adaptación, el surrealismo y lo metapoético como Don Juan en los infiernos (1991). En este caso, adapta de forma muy libre un cuento de Hans Christian Andersen, Historia de una madre, manteniendo la ambientación en el norte de Europa pero trayéndola a la actualidad del momento.
Una historia con un pie en el noir, en la que se cruzan conflictos raciales, un millonario que quiere evitar la muerte a toda costa, un sicario que intenta proteger a una mujer de alta alcurnia y un detective que intenta encontrar a la mujer que ama. Héctor Alterio —que ya había trabajado con él en El lado oscuro (1990)—, María de Medeiros, por supuesto Charo López, un joven Javier Bardem y el que será el actor clave del cine de Suárez en esta etapa: Carmelo Gómez.
Luego vendrán películas más convencionales, como El portero (2000) y Oviedo Express (2007), de nuevo entre la realidad y la ficción, más una mirada de mediometrajes entre lo experimental y lo canónico… y el regreso a Ditirambo en el corto documental Sr. Ditirambo, supongo(2008), de Celia Cervero. Una carrera que no se cierra con este premio —ha dirigido cortos hasta 2021—, sino que suma un homenaje institucional a una fuerza creativa que, a los 90 años, mantiene intacta su energía. «Hasta que la muerte sea una película más», como ha declarado él mismo recientemente.
El cineasta Marçal Forés(A través de mi ventana) dirigirá ¿Dónde estás, corazón?, relato de Mariana Enríquez del libro Los peligros de fumar en la cama. La productora AF, de Frank Ariza, ha adquirido los derechos de esta historia sobre una joven que se siente atraída por los enfermos terminales. Se trata del tercer cuento de la misma colección que será adaptado al audiovisual tras La virgen de la tosquera, de directora argentina Laura Casabé y con coproducción española.
Se trata de un nuevo proyecto de la firma de Ariza con un pie a cada lado del Atlántico que se une a proyectos como la recientemente estrenada El vestido, de Jacob Santana; o futuros largometrajes como Elegido, de Lluis Quílez, sobre los disturbios racistas de El Ejido en los 2000, o Toda la suerte del mundo, ópera prima de Ester Ortega protagonizada por Jaime Lorente y Carolina Yuste.
Los peligros de fumar en la cama se ha publicado en 54 ediciones y se ha traducido a más de 16 idiomas. La obra de Mariana Enríquez ha atraído cada vez más atención en la gran pantalla en los últimos años, y el cineasta chileno Pablo Larraín prepara también una adaptación de su cuento Mis tristes muertos para Netflix que se convertirá en una miniserie de cuatro episodios.
Sinopsis de ¿Dónde estás, corazón?
El relato narra la historia de una joven que, desde pequeña, descubre una atracción sexual hacia los enfermos terminales, especialmente aquellos con afecciones cardíacas. Una historia perturbadora y cargada de simbolismo, donde se entrelazan erotismo, muerte y enfermedad, en un estilo que caracteriza a Mariana Enríquez: realismo social con elementos sobrenaturales, una mirada femenina potente y un trasfondo urbano muy reconocible.
Un drama romántico que reivindica la normalidad y se diluye cuando tiene que tensar su conflicto
La boda es la de Felisa y Sebastián. Se conocen de toda la vida, se están casando, pero parece que no hay mucha químicaentre ellos. La realidad es que, una vez se van de luna de miel a Motril, hacen vida por separado. El motivo real de la boda es económico. Pero cuando empiezan a pasar los días en el hotel, algo cambia.
Elena Furiase y Daniel Chamorro son una pareja de aparentes opuestos, de esas que solo un pueblo puede forjar, en la primera película de Pedro Cenjor como director. A su manera, La boda reivindica un espacio para el drama romántico costumbrista, de baja intensidad y poco aspaviento, desde esa normalidad anormal tan reconocible en muchos pueblos españoles.
Cuando la película incide en esta descripción ambiental para sus dos protagonistas y les da unas dinámicas íntimas, Cenjor encuentra un espacio de verdad al que dan forma Chamorro —especialmente— y Furiase. Su problema es cuando tiene que desarrollar un argumento dramático, con un nudo y un desenlace. Ahí, probablemente lastrada por un montaje problemático, la película se desinfla sin encontrar un nuevo impulso.
Luna de Motril
Aceptando el punto de partida —que es de aquella manera o no está muy bien explicado (para ganar dinero de verdad con una boda se necesita mucho dinero de los invitados)—, la película acierta al arrancar desde un espacio de una cierta duda o misterio sobre lo que está ocurriendo de verdad entre sus protagonistas. Y más en un lugar determinado, tan de andar por casa como puede ser un hotel cualquiera de Motril, en el que están condenados a coincidir.
Esta sensación de incomodidad permite ir conociendo a los protagonistas al mismo tiempo que ellos se redescubren, a sí mismos y entre ellos. Es un margen psicológico y dramático interesante, en el que cada uno puede ir encontrando su sitio y todo tiene una cierta ironía de fondo. Aquí se concentran algunas secuencias descriptivas, las mejores de la película, que permiten a sus dos actores protagonistas ir un poco más al matiz de lo no hablado, al subtexto, y menos a hacer avanzar obligatoriamente la trama.
La boda y la tijera
Cuando termina el viaje, la película empieza a entrar en barrena. Las tramas paralelas de los dos personajes y la resolución romántica no tienen tensión dramática, y todo se acaba resolviendo a brochazos, por unos cauces muy básicos. Hay aquí una sucesión de secuencias que se quedan cortas en todo (escritura, dirección de actores, intensidad actoral…) y simplifican la película hacia la pura resolución argumental.
La sospecha que sobrevuela con La boda, como pasa en otras muchas producciones, es que o se ha cortado o directamente no se ha rodado parte del desarrollo que habían escrito Cenjor y Corina Salerno. Ya sea por temas presupuestarios o por exceso de metraje, se nota que a la película le falta cuerpo para convencer.
Por ir cerrando el convite: La boda es una película que resulta insípida en la resolución del destino de esta ‘extraña pareja’. Es una lástima, porque el trabajo con sus dos protagonistas está bien hecho y tiene un arranque que promete una riqueza basada en la mayor de las humildades. No ha podido ir más allá.
El guión del proyecto fue seleccionado en las Residencias Academia del Cine y está basado en un cortometraje del mismo título con el que la directora ganó el Oso de Cristal en Berlín el año pasado
Cura sana, primer largometraje de la directora Lucía G. Romero, ha sido premiado con el Gen-Z Audience Award en el Co-Production Market del Festival de Berlín, un galardón para «proyectos atrayentes» para una audiencia entre los 20 y 29 años y que elige un jurado formado por jóvenes de esas edades de Francia y Alemania. La futura película, actualmente en su fase de financiación, cuenta la historia de una adolescente en pleno proceso de autodescubrimiento que su directora describe como «un viaje hacia la luz».
El guion de Cura sana ya fue seleccionado en la Residencias Academia del Cine. Lucía G. Romero ha explicado que Cura sana «es un película dramática con un importante componente de realismo social, pero ante todo es una historia de crecimiento«.
Laura Fernández Brites y Sendy Palomino Vivar, productoras ejecutivas del filme, valoran el premio como «un gran impulso en un momento clave, ahora que estamos en plena financiación del proyecto. Este reconocimiento refuerza el interés internacional por Cura sana y nos da una energía decisiva para seguir sumando aliados».
Romero ganó el Oso de Cristal en Festival de Berlín en 2023 con Cura sana (2023), cortometraje que fue su primer trabajo como cineasta y en el que se basa en parte para este proyecto. Esta producción ganó también el Premio Ex-aequo a la Mejor Interpretación en el Festival de Málaga y el Premio Feroz Cinema Jove 2024 y la nominación a Mejor Cortometraje en los Premis Gaudí.
Su segundo cortometraje, Casi septiembre (2025), compitió en la Sección Oficial del Festival de Berlín en la pasada edición. Además, el cortometraje ha sido reconocido con el Premio al Mejor Cortometraje en la SEMINCI y se estrenó en el Festival de Clermont-Ferrand, donde la actriz protagonista fue galardonada con el premio a Mejor Interpretación.
Sinopsis de Cura sana
En la periferia de Barcelona, Dayana, una adolescente conflictiva, espera con ansias la llegada del verano. Planea pasar los días en la calle, metiéndose en líos junto a sus amigos y sus hermanas pequeñas, Yulyana y María, a quienes cuida mientras su madre trabaja sin descanso. Los planes de la protagonista cambian tras involucrarse en una pelea callejera que termina con una intervención policial.
Como consecuencia, las tres hermanas son enviadas a un centro socioeducativo de verano para menores en riesgo de exclusión social. Allí, Dayana se encuentra con un entorno lleno de límites que chocan con su actitud rebelde. Aunque al principio se resiste a adaptarse, poco a poco empieza a dejarse influenciar por Salim, un educador social que se gana su confianza y por Zineb, una adolescente de quien se enamora.
En este verano de aprendizajes, acompañada siempre de sus hermanas y lidiando con su complicada relación con su madre, Dayana empezará a abrir su corazón, aunque eso implique enfrentar el dolor que tanto tiempo ha ocultado tras una fachada de dureza; un pasado marcado por el maltrato.
Primeras imágenes de Adriana Ugarte retomando el papel de Sira Quiroga en Sira, la adaptación a serie de la novela del mismo título, secuela de El tiempo entre costuras, ambas escritas por María Dueñas, y que la actriz ya interpretó en la serie emitida por Antena 3 entre 2013 y 2014. La acción se traslada unos años en el futuro, al mundo de la posguerra mundial, y se desarrollará entre ciudades como Jerusalén, Londres, Madrid y Tánger, con la protagonista ya como una espía veterana y con una tragedia personal que remediar.
Completan el reparto principal Rubén Cortada, Peter Vives, Carlos Santos, Carlos Olalla y Frances Garrido con la colaboración especial de Elvira Mínguez, quienes vuelven a encarnar a los icónicos personajes de El tiempo entre costuras. A ellos se suma un elenco renovado y de carácter internacional —Jeremy Neumark Jones, Borja Luna, Orla O’Leary, Kathleen Gati, Melina Mathews y Sue Flack, entre otros— junto a las colaboraciones especiales de Darío Grandinetti y Cecilia Suárez.
La fase de producción de Sira se extenderá a lo largo de 27 semanas en localizaciones de Bizkaia, Marruecos y Madrid. La ficción de ocho episodios se estrenará en Atresplayer antes de su llegada al prime time de Antena 3 y posteriormente estará disponible en Netflix
Sira cuenta con Sonia Martínez (El tiempo entre costuras, La casa de papel, Veneno) y Paloma Molina (Élite, Cuando nadie nos ve, El secreto de Marrowbone) como productoras ejecutivas, en estrecha colaboración con María Dueñas, que ejerce de productora ejecutiva creativa del proyecto.
Siraestá dirigida por Marina Seresesky y Olga Osorio. El equipo técnico cuenta con Rubén Liñán como director de Producción, Juana Jiménez y Óscar Durán como directores de Fotografía, Juan Botella como diseñador de Producción e Iván Marín como jefe de Sonido. Usue Peña firma el diseño de Vestuario. Eli Adánez y Juan Bergara dirigen los equipos de Maquillaje y Peluquería, respectivamente. El Montaje corre a cargo de Irene Blecua y Ascen Marchena y la Banda Sonora Original es obra de César Benito.
Así es Sira, la secuela de El tiempo entre costuras
La serie continuará el viaje de la carismática Sira Quiroga, ahora convertida en una mujer independiente y cosmopolita que se enfrenta a nuevos desafíos en un mundo convulso, con escenarios como Jerusalén, Londres, Madrid y Tánger en plena posguerra. Adriana Ugarte volverá a dar vida a la protagonista, sin duda uno de los personajes más emblemáticos y recordados de la ficción de los últimos años.
La acción comienza cuando la Segunda Gran Guerra llega a su fin. Sira deja de colaborar con el Servicio Secreto Británico y comienza una nueva vida con Marcus. Pero a punto de ser madre, un trágico suceso lo cambia todo. Para sobrevivir y sacar a su hijo adelante, Sira vuelve a reinventarse. Cuatro ciudades, dos misiones y una nueva vocación.
La novela está publicada por Editorial Planeta. Scenic Rights es la agencia responsable de representar los derechos de adaptación audiovisual de la obra.
Sira fue publicada en 2021 en medio de una gran expectación mediática. Sus ventas superaron los 150 mil ejemplares en sus dos primeras semanas. Actualmente alcanza los 800.000 ejemplares vendidos en España y América Latina. Las traducciones internacionales incluyen inglés, francés, italiano, holandés y árabe.
La deuda sigue a Lucas y Antonia, un hombre en sus 40 y la anciana junto a la que vive y a la que cuida, que se enfrentan a una amenaza de desahucio porque la propiedad quiere convertir en apartamentos turísticos el edificio del centro de Madrid en el que viven. La situación lleva a Lucas a tomar una decisión desesperada que tiene consecuencias fatales para otros y para él mismo. De manera que ahora, por el bien de Antonia, deberá escapar de la falta de trabajo, de las trampas de Madrid… y de la Policía Nacional… si quiere impedir que la mujer acabe en la calle y él mismo sin ningún futuro.
Daniel Guzmán regresa a Málaga, donde triunfó con su ópera prima, A cambio de nada (2015), y estrenó su segunda película, Canallas(2022), sin que haya hecho falta que pase el mismo tiempo entre una y otra para volver a verlo firmar un largo. La película se atreve con el tema de los desahucios —que ya eran una vaga amenaza para el protagonista de su anterior obra— y la turistificación del centro de Madrid, elementos olvidados donde los haya del cine español reciente más allá de En los márgenes (2022), de Juan Diego Botto, o documentales como¿Dónde vamos a vivir? (2024), de Georgina Cisquella.
El asunto de la vivienda no deja de tener su miga cuando el propio Guzmán ha sido condenado por lesiones durante la expulsión de forma violenta a unos jóvenes que ocupaban una casa de su propiedad en Madrid. Con todo, La deuda se siente como una secuela lógica de sus anteriores propuestas cinematográficas, que además plantea sus paralelismos con estas de forma explícita y juega ese equilibrio, tan escaso a veces en parte de nuestro cine social, entre mostrar a personajes que viven situaciones duras sin caer en paternalismos y al mismo tiempo presentarlos como personas llenas de recursos y ganas de vivir.
La deuda con Madrid
El Madrid de La deuda es una trampa, una ciudad distópica y feista, llena de habitantes amables y desesperadamente humanos que se ven aplastadas por lógicas crueles y sin alma. La película es, con diferencia, la más pesimista de su autor, pero incluso antes de su final descarnado (y, me temo, un poco previsible) nos regala alguna nota de esperanza. Por el camino, retrata un Madrid frío y de luz mortecina no solo porque sea invierno, con calles sucias, polígonos industriales inhóspitos y que el protagonista acaba contemplando literalmente desde la cima de una montaña de basura. El alma de la ciudad se muere, pero sus ciudadanos luchan por la vida y la alegría.
La narración, que tiene una primera secuencia magnífica, una continuación de ese primer tercio torpe y con prisas y una meseta donde por fin cuenta lo que quiere contar, se contagia de la aventura a trompicones de su protagonista buscavidas. En unFestival de Málaga repleto de óperas primas con guiones y planificaciones trazados con escuadra y cartabón, con más miedo a fallar que ganas de sorprender, y en las que nada falta ni sobra hasta límites irritantes o incluso aburridos, La deuda destaca por su imperfección. Pero es una imperfección nerviosa, como la de las historias que retrata, y que le da personalidad por acumulación.
Así, la película alterna momentos torpes, impropios de un realizador con la experiencia de Guzmán, con elipsis de gran elegancia, alguna rozando la brillantez del narrador que sabe que ni sus personajes ni su público son idiotas. En el primer apartado, diálogos que suenan artificiales en personajes tan cercanos, con especial mención para el del patio de la cárcel con Francesc Garrido o alguno que solo salva Itziar Ituño. En el segundo, la tragedia que abre la trama o cómo Lucas se gana la confianza de la enfermera que interpreta Susana Abaitua.
El problema, quizás, es que uno de los saltos de fe de La deuda, en los que pasa de la situación de partida del personaje a lo que quiere contar de golpe, falla, cuando debería ser crucial. La forma en la que Lucas se va acercando al personaje de Ituño, me temo, no hay por donde cogerla, aunque luego, una vez establecida esa amistad, las situaciones y los actores funcionen. Los del arranque de la película se perdonan, pero este ocurre ya en el segundo tercio del metraje y ya exige tragaderas un poco más anchas. Sirve para mostrar las trampas en las que está atrapado el personaje, pese a su conciencia, y de otra manera resultaría demasiado superheroico, pero falla en la manera de llegar ahí.
La deuda o la vida
Como hemos comentado, el personaje principal que Guzmán se reserva a sí mismo podría ser perfectamente el que interpretaba Miguel Herrán en A cambio de nada, y en parte la película nos lanza guiños para que lo leamos así, aunque luego sus historias y edades no concuerden. Un chuleta de barrio con el corazón de oro pero propensión a cagarla y que salva las situaciones con ingenio y algo de encanto, pero que en aquella al final encontraba un resquicio a un futuro mejor y aquí no lo tiene. El Lucas de La deuda es un lumpen al que ni toda su inteligencia práctica y su esfuerzo pueden sacar del atolladero.
Con el director metido a cronista del Madrid de detrás, el que no sale en las series-anuncio de Netflix y Prime Video, se puede leer como una derrota social y del discurso más o menos de izquierdas que este defiende, el cual en el periodo final de la crisis anterior aún esperaba poder sacar la cabeza del hoyo y confiaba en los barrios y quienes los habitan para cambiarlo todo, y ahora se conforma con preservar lo poco que queda de una economía depredadora que no garantiza ni una vejez tranquila a quienes cuidaron de nosotros.
Archivando el caso: La deuda es una película social por vocación y en sentido estricto pero que evita el habitual miserabilismo y paternalismo que suelen ser pecado y tiene la capacidad de presentar personajes vivos y encantadores. También es un guión un poco torpe, a trompicones, que va demasiado rápido hacia las situaciones que le interesan y se olvida de que si no lo hace con naturalidad, pierden credibilidad. Por otro lado, cuenta un par de historias sobre lo fácil que es quedarse sin nada, ir a la cárcel por pobre o cómo el sistema a veces funciona por casualidad. Nunca sobra que se cuenten así, como se hacen aquí, y no como se acaba haciendo siempre.
Los galardones de la Academia de la Televisión otorgan seis premios, casi todos los de ficción, a la serie de Movistar Plus+, y reconocen también a los hermanos Caballero, Carmen Machi y el documental sobre Jesús Quintero
Quererfue la gran ganadora de los Premios Iris 2025, que al premiar la temporada televisiva, incluyeron a la serie de Alauda Ruiz de Azúa. La directora vasca, que estos días anda recogiendo estatuillas por su largometraje Los domingos, tuvo otra noche de triunfo al recoger seis galardones de siete posibles en las categorías de ficción que dan los premios de la Academia de la Televisión.
Así, además de Mejor Ficción, Dirección, Guión, Producción y Actor para Pedro Casablanc para Querer, Carmen Machi recibió el premio a Mejor Actriz por Celeste y el honorífico Premio a la Trayectoria ‘Jesús Hermida’ y la docuserie El loco. Los silencios de Quinteroobtuvo el reconocimiento a Mejor Producción Documental. Igualmente los hermanos Alberto y Laura Caballero, responsables de La que se avecina o Machos Alfa, recibieron el premio de la prensa especializada.
Palmarés de los Premios Iris 2025 – Lista de ganadores y ganadoras
Mejor Actor
Pedro Casablanc por Querer
Mejor Actriz
Carmen Machi por Celeste
Mejor Dirección de Ficción ‘Antonio Mercero’
Alauda Ruiz de Azúa por Querer
Dirección de Programas
Santi Villas, Marc Giró y Rebeca Rodríguez por Late Xou
Mejor Ficción
Querer
Mejor Guión de Entretenimiento
Laura Llopis, Fernando Acevedo, Sergio González, Daniel Fontecha, Cristina Correa, Juan del Val, María Dabán, Alberto Sierra, Juan Ibáñez, Damián Mollá, Julia Alcocer, Jordi Moltó, Miguel Gardeñes, Juan Herrera, Antonio Tejerina y Jorge Marrón por El Hormiguero
Mejor Guión de Ficción
Alauda Ruiz de Azúa, Eduard Sola y Júlia de Paz por Querer
Mejor Informativo
Apagón informativo de RTVE (El segundo informativo más largo de la historia)
Mejor Presentador/a de Informativos
Vicente Vallés por Antena 3 Noticias 2 (Antena 3 TV)
Mejor Presentador/a de Programas de Actualidad
Adela González por Mañaneros 360 (La 1 de TVE y rtve play)
Mejor Presentador/a de Programas de Entretenimiento
Marc Giró por Late Xou (La 1 de TVE y rtve play)
Mejor Producción de Ficción
Susana Herreras, Fran Araújo, Juan Moreno y Koldo Zuazua por Querer
La hispano-brasileña 'Una película de miedo', de Sergio Oksman, será la película de clausura en un programa que incluye a 'Krakatoa', de Carlos Casas, o los nuevos trabajos de Gala Hernández y Rocío Mesa
El Festival Punto de Vista, Festival Internacional de Cine Documental de Navarra, que celebra su 20ºaniversario del 20al 25 de abril en Pamplona, ha anunciado su Sección Oficial, que como es habitual no hace distinciones entre formatos. Un total de diecinueve películas que compondrán «uno de los programas más diversos del encuentro», con ocho largometrajes y once cortometrajes a competición.
El Festival Punto de Vista 2026 arranca el 20 de abril con Benita, el más reciente trabajo del estadounidense Alan Berliner, sobre la cineasta Benita Raphan, a partir de sus propios textos, sonidos e imágenes, y finaliza el 25 de abril con la experimental, entre el documental y la ficción, y vista en San Sebastián, Una película de miedo, de Sergio Oksman. Una coproducción hispanobrasileña entre fantasmas, la madurez y relación entre padre e hijo.
En la programación española destacan también los largometrajes Krakatoa, de Carlos Casas, recientemente estrenada en el Festival de Róterdam, y Fomos ficando sós, de Adrián Canoura. España. En la Sección Oficial se cuentan también dos mediometrajes de dos jóvenes directoras de trayectoria destacada reciente: like moths to light, de Gala Hernández López (+10k), y OAO, el nuevo trabajo Rocío Mesa (Secaderos).
La programación de Punto de Vista 2026
El resto de largometrajes de Punto de Vista 2026 son 3cm of Complexity, de Anna Vasof; Cairo Streets, de Abdellah Taïa; Coroa de Espinhos, de Francisco Moura Relvas; Daria’s Night Flowers, de Maryam Tafakory; Desde la montaña vemos la montaña, de Julián García Long; Eurydice in the Underworld, de Felicity Palma; Perishable Idol, de Majid Al-Remaihi; Sin ton ni son, Víctor Ladera; Vegetare, de Adrià Expòsit-Goy, y Wishful Filming, de Sarah Vanagt.
En cuanto a los cortometrajes, la Sección Oficial se completa con Esa otra selva blanca, de Teresa Arredondo; I Lit The Fire!, de Valeria Lemeshevskaya; Nuestro Cuerpo Es Una Estrella Que Se Expande, de Tania Hernández Velasco y Semillites Hernández Velasco; Masayume, de Nao Yoshigai, y Waking Hours, de Federico Cammarata y Filippo Foscarini.
Punto de Vista2026 ya anunció un primer avance de programación presentando dos de las secciones que vertebrarán la edición: los Focos —ciclos retrospectivos articulados en torno a conceptos o trayectorias cinematográficas—, y Ricercata, —una nueva sección dedicada a la exploración, la experimentación del lenguaje cinematográfico y su diálogo con otras prácticas artísticas—.
En el apartado de Focos, el festival propone Entre las moscas, en torno al cine documental observacional, y Permanencia de lo efímero, una reflexión sobre la proliferación de imágenes en la era de las redes sociales, además de un foco dedicado a la cineasta galesa de ascendencia india Alia Syed.
Este último eje dará lugar también a la publicación anual de Punto de Vista, editada en esta ocasión por Inés Calero. Por su parte, Ricercata reunirá programas como Forever Young: cine en relieve, un recorrido por la historia del cine experimental en 3D; El cine en común, un proyecto participativo desarrollado en comunidades navarras; y Termitas, dedicado a obras de la escena emergente nacional.
Juan Francisco tiene doce años y vive en un pueblo del sur de Extremadura, un lugar rodeado de encinas milenarias y placas solares. A través de la caza con galgos, el niño descubre la estrecha relación que une a humanos y animales. Santi y Antonio forman parte de la juventud y de una modernidad que convive con las más antiguas tradiciones. Pepa es una joven madre que trabaja como temporera en el matadero. Mediante el retrato coral de estos jóvenes, se revela un territorio habitado por liebres y burros, historias de amor, incendios y raves.
Lo que tienes que saber
Documental de Alberto Martín Menacho que abarca un año entero en la vida del pueblo de Salvaleón, en la provincia de Badajoz. Un año en el que pasa de todo y no pasa nada, en el que lo importante es capturar la esencia de la vida en ese lugar. El filme se estrenó en España en el Festival de San Sebastián.
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