Hernán Zin explica el proceso de creación de este documental imposible nominado al Goya, rodado por un equipo local y dirigido en la distancia por las restricciones israelíes para entrar en territorio palestino
El primer director de fotografía de Todos somos Gaza, Ibrahim Abu Eshieba, acudió a rodar al hospital Nasser, epicentro de la masacre y uno de los símbolos de lo ocurrido en la franja, cuando aparecieron las fuerzas ejército israelí, la dispararon acabando con su vida y se llevaron el material con el trabajaba. Su caso, siendo el más terrorífico y espectacular de lo que ha sucedido durante la grabación del documental, no es único, y la mayoría del equipo sufrió pérdidas directas en su familia mientras trabajaba.
«Esta ha sido, con diferencia, la película más dura a todos los niveles», explica Hernán Zin, director de Todos somos Gaza (2025) y de Nacido en Gaza (2014), el anterior documental cuyo reestreno enstreaming permitió en parte financiar este. «Tanto porque Israel no nos dejó entrar, no ha dejado entrar a nadie en más de dos años y medio, como por las condiciones del equipo que ha filmado, mientras nosotros dirigíamos en la distancia. Era un lugar donde no había agua, ni luz, ni comida y en el que caían bombas diariamente».
Una película que gana espesor cuando se pega al físico y al ritual de la lucha canaria y lo pierde al apoyarse en un drama rígido sobre un duelo
La lucha canaria es el deporte que practican tanto Miguel como su hija Mariana. Era el que practicaba también su madre Pilar, toda una leyenda en el terrero, fallecida hace un año. Ninguno de los dos ha terminado de pasar el duelo por su muerte, lo que ha acabado por distanciarlos. Cuando se va acercando la final del campeonato, su situación se va volviendo cada vez más insostenible.
Después de pasar por el Festival de San Sebastián, se estrena en cines La Lucha, el segundo largometraje de ficción de José Alayón, que en realidad lleva más de diez años produciendo (El Viaje Films) y como director de fotografía en películas importantes (Blanco en blanco, Entre perro y lobo, Eles transportan a morte,La hojarasca). La película tiene como principal novedad que, por primera vez en un largo de ficción, se mete en el mundo de un deporte autóctono como es la lucha canaria. Un espacio de cuerpos en disputa que se entrelaza con una historia de duelo padre-hija, interpretados por los actores primerizos Tomasín Padrón y Yazmina Estupiñán, que han sido también luchadores.
La película de Óscar Aibar, parte de la colección ‘Extraterrestres: No estamos solos’ de FlixOlé, se ha convertido en un clásico de culto subterráneo que tiene la virtud de analizar un momento histórico clave desde una óptica poco habitual
Antes de que Espíritu sagrado (2021), de Chema García Ibarra, usase la ufología para reflexionar sobre las fake news y la manipulación, o de que Aro berria(2025), de Irati Gorostidi, reflexionase sobre la decadencia del movimiento obrero y sus alternativas new age en plena Transición, estuvo Platillos volantes(2003), de Óscar Aibar. Una comedia canónica, ambientada en los años 70, sobre dos ufólogos desencantados que desean trascender a un mundo mejor, aunque a veces estén en el nuestro.
Un pequeño clásico de culto que fue pionero en volver a la Transición y tomársela un poco a chufla, pero con mirada crítica. Aibar, entonces un director joven en su segunda película —aún no había empezado a trabajar en Cuéntame cómo pasó(2001-2023), de la que firmaría casi 50 episodios—, contó la historia de dos aficionados a la ufología que creen estar trascendiendo a un estado en el que no sienten dolor físico y son llamados a otro mundo por una raza más evolucionada.
La película de Aibar es una obra de referencia oculta para los amantes del subgénero, que tiene además la virtud de analizar un momento histórico clave desde una óptica poco habitual en aquel momento. En unos años 2000 en los que la Transición se celebraba como un logro histórico casi sin aristas, Aibar presentó a dos perdedores, el joven oficinista Juan (Jordi Vilches) y el obrero industrial José (un magnífico Ángel de Andrés, ese actor nunca suficientemente valorado —y tristemente fallecido pocos años después de la película—).
Dos creyentes en la cosa espacial que en realidad están hastiados de la realidad que los rodea. El más joven, de las aspiraciones de desclasamiento pequeñoburgués que en el fondo solo reproducen las trampas sociales y de clase de generaciones anteriores —con parodias muy crueles de la clásica ‘iniciación sexual’, tan tópica en muchas películas ambientadas en los años 70 que se estrenaban entonces—. El segundo, de un movimiento sindical u obrero que ha dado de lado a las necesidades de muchos trabajadores y se ha internado en el politiqueo más anodino y desesperanzador.
A partir de esos dos personajes, se trata un retrato de época que explica perfectamente la moda de los OVNI que recorrió la convulsa Europa de los 70, con un ojo todavía en la crisis del petróleo, la Guerra Fría sin remitir y unas sociedades que tras la revolución de Mayo del 68 descubrían que se habían vuelto más individualistas en lugar de más solidarias. En el caso de España, postulando a dos personajes que tienen más presente una evolución de la conciencia colectiva que el sempiterno despertar u obsesión sexual de otras propuestas.
Aibar, coautor del guión junto a un clásico como Jorge Guerricaechevarría, juega hábilmente a la ambigüedad sobre la existencia o no de los extraterrestres o si José realmente es inmune al dolor o se ha convencido a sí mismo de ello para no afrontar la soledad, la brutalidad policial o las miserias políticas de sus compañeros.
En el equilibrio justo entre la ciencia ficción y el drama social o la comedia y la tragedia, Platillos volantes avanza dejando en manos del espectador si debe reír o sentir pena por unos protagonistas tan inteligentes como para destapar una empresa pantalla controlada de la CIA pero tan torpes como para entregarles una carta «del espacio exterior», dirigida al mismísimo Richard Nixon. Toques de neorrealismo italiano en mitad de una comedia absurda con crítica social dignos de los mejores Azcona y Berlanga.
El espíritu de la Transición
Quizás por alejarse tanto del tono esperado, y por los prejuicios a veces del público con la ciencia ficción patria, Platillos volantes tuvo un paso discreto por salas, y luego se ha convertido en una especie de película de culto subterránea, adorada por un puñado de aficionados del género, de la ufología… o de la reflexión sobre la misma. En ese sentido, se adelantó casi 20 años al mismo planteamiento por parte del mencionado García Ibarra en Espíritu sagrado, que aunque menos tierno y comprensivo con sus protagonistas, le hace un par de guiños a esta.
Por otro lado, Aibar ha vuelto una y otra vez desde el pop y la comedia al mismo periodo de los 70, tanto con La máquina de bailar (2006) como con El Gran Vázquez(2010) e incluso el thrillerEl sustituto (2021). Películas que resultan una suerte de comentario al margen a su contribución a Cuéntame cómo pasó, como indicando el franquismo y la Transición más grotescos y crueles que no se podían conocer desde el sofá de la familia Alcántara.
Al mismo tiempo, son una reflexión sobre la propia formación como espectadores de la generación a la que pertenece, desde los que se bebían los programas de ocultismo de Jiménez del Oso en radio y televisión —y que también representó Berto Romero en El otro lado (2023)— a los lectores de los tebeos de Bruguera.
Voces de otros mundos
En el fondo, esos 2000 de El Fin de la Historia de Francis Fukuyama, en los que el miedo a los terroristas post 11-S sustituía al pánico nuclear de la Guerra Fría, y en los que se estrenó Platillos volantes, no están tan lejos del actual momento de crisis, autoritarismo e incertidumbre absoluta.
Aibar se adelantó a la revisión de las veleidades new age que llevaron a personajes como el que interpreta Ángel de Andrés a pasar del obrerismo clásico a, como mínimo, derivas pseudocientíficas. Es lo que se ve en una de las óperas primeras más destacadas del año pasado, Aro berria, que sigue a un grupo de jóvenes revolucionarios que pasan de la huelga industrial a la comuna hippie, o en novelas como Ovni 78 (Anagrama, 2025), del colectivo Wu Ming, que analiza la moda ufológica en la Italia de la violencia ideológica de los 70 en el equilibrio entre el thriller policial y la sátira política.
Todo, como la película de García Ibarra o la que nos ocupa, reflexiones sobre la necesidad de buscar otros mundos y unos extraterrestres que, en el fondo, y como el hombre que cayó a la Tierra con el rostro de Bowie, lo que queremos es ser versiones mejores de nosotros mismos, que nos salven de los problemas, más que reales, de este mundo.
Quizás por eso el final de Platillos volantes es tan esperanzador como agridulce, en su ambigüedad de si asistimos a una especie de fantasía alucinatoria o una verdadera explicación de ciencia ficción. Y por eso no perdemos la esperanza, como la canción de Los Pasos que acompaña a esa escena y los créditos, de escuchar algún día ‘Voces de otros mundos’.
Hasta 34 títulos españoles aspiran a la nominación en los galardones del cine y la televisión de Iberoamérica, el país que más empatado con México
Los domingos, de Alauda Ruíz de Azúa, máxima favorita a los Goya y ganadora de los Feroz, con 14, y la oscarizable Sirât, de Oliver Laxe, con 7, entre las películas, y Anatomía de un instante, con 13, y Yakarta, con 6, entre las series, son los títulos españoles con más preselecciones en los Premios Platino 2026 del audiovisual iberoamericano, que celebran este año su XIII edición.
Los Premios PLATINO XCARET anunciaron este miércoles 29 de enero las preselecciones de su XIII edición. Próximamente se conocerá la selección de veinte obras o profesionales por categoría, equivalente a las short-list o longlist de otros premios, de las que, finalmente, se extraerán cuatro finalistas que competirán en el Teatro Gran Tlachco del mexicano Parque Xcaret, en Riviera Maya, por alzarse con el galardón en la gala que se celebrará el 9 de mayo.
El audiovisual español es de los que tiene más títulos diferentes preseleccionados, hasta 34, empatado con México. Los siguen Argentina y Brasil con 22 cada uno y Portugal con 19. Destaca como en las categorías de largometrajes, donde de nuevo España y México son las más presentes con 20 películas cada una, se aúpa a la tercera plaza República Dominicana, con 16.
El cine español en los Premios Platino 2026
Cuatro películas españolas se encuentran en la terna para aspirar al máximo galardón de los Platino, el premio a la Mejor Película Iberoamericana de Ficción. Las mencionadas Los domingos y Sirât y junto a ellas Maspalomas y Sorda. En sus equivalentes de televisión, como Mejor Miniserie o Teleserie y Mejor Serie de Larga Duración, aparecen en el primer caso Anatomía de un instante, Animal, Poquita fe y Yakarta, y en el segundo La encrucijada, La promesa, Sueños de libertad y Valle salvaje.
Las preselecciones a Mejor Dirección quedan repartidas entre Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga por Maspalomas, Alauda Ruiz de Azúa por Los domingos y Oliver Laxe por Sirât. Como Mejor Creador en Miniserie o Teleserie están preseleccionados Diego San José por Yakarta; Rafael Cobos, Fran Araújo y Alberto Rodríguez por Anatomía de un instante y Víctor García León por Animal.
Para el galardón cinematográfico a Mejor Interpretación Femenina quedan preseleccionadas las actrices Blanca Soroa y Patricia López Arnáiz (Los domingos), mientras que en el de Mejor Interpretación Masculina quedan Alberto San Juan (La cena) y José Ramón Soroiz (Maspalomas). Elvira Mínguez (La cena) y Nagore Aranburu (Los Domingos) figuran en la preselección a Mejor Interpretación Femenina de Reparto, mientras que para su equivalente masculino encontramos a Álvaro Cervantes (Sorda), Juan Minujín (Los domingos) y Kandido Uranga (Maspalomas).
En la categoría Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie están preseleccionadas Candela Peña (Furia), Carla Quílez (Yakarta) y Esperanza Pedreño (Poquita fe) mientras que Álvaro Morte (Anatomía de un instante), Javier Cámara (Yakarta) y Luis Zahera (Animal) son los candidatos a Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie.
Por su lado, Julia de Castro (Poquita fe), Lucía Jiménez (Cuando nadie nos ve) y Pilar Gómez (Yakarta) son precandidatas a Mejor Interpretación Femenina de Reparto en Miniserie o Teleserie, mientras que David Lorente y Eduard Fernández (Anatomía de un instante), Roberto Álamo (Innato) y Secun de la Rosa (Superestar) están preseleccionados a Mejor Interpretación Masculina de Reparto en Miniserie o Teleserie.
Alauda Ruiz de Azúa (Los domingos), Jose Mari Goenaga (Maspalomas) y Oliver Laxe y Santiago Fillol (Sirât) son los precandidatos al Premio a Mejor Guion. En la categoría Mejor Música Original se postulan Aránzazu Calleja (Maspalomas) y David Cerrejón (Los domingos) mientras que en la de Mejor Música Original en Miniserie o Teleserie se encuentran Fernando Velázquez (Anatomía de un instante) y Lucas Vidal (Yakarta).
En la categoría de Mejor Película Documental se encuentran en la preselección El último arrebato, Flores para Antonio, Tardes de soledad y The Sleeper. El Caravagio perdido, mientras que Decorado y La luz de Aisha están presentes en la categoría Mejor Película de Animación, lista en la cual también aparece preseleccionada Norberto, producida entre España y Argentina. La cena, Las delicias del jardín , Padre no hay más que uno 5 y Rondallas figuran como precandidatas a Mejor Comedia Iberoamericana de Ficción.
Como Mejor Ópera Prima, las obras preseleccionadas son Ciudad sin sueño y Sorda. Asimismo, La deuda, Los domingos y Sorda se postulan en la categoría de Premio al Cine y Educación en Valores.
En las categorías técnicas resultan preseleccionados Jaime Anduiza (Un fantasma en la batalla), Juan Pedro de Gaspar (El cautivo), Koldo Vallés (La cena) y Zaloa Ziluaga (Los Domingos) a Mejor Dirección de Arte; Bet Rourich (Los domingos) y Mauro Herce (Sirât) a Mejor Dirección de Fotografía; Andrés Gil (Los domingos) y Cristóbal Fernández (Sirât) a Mejor Dirección de Montaje; Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas (Sirât) y Urko Garai, Enrique G. Bermejo y Alejandro Castillo (Sorda) a Mejor Dirección de Sonido; Paula Gallifa Rubia y Ana Rubio (Los tigres), y Pep Claret (Sirât) a Mejores Efectos Especiales; Ana Martínez Fesser (Los Domingos) y Helena Sanchís (La cena) a Mejor Diseño de Vestuario; y Ainhoa Eskisabel y Jone Gabarain (Los domingos), y Ana López-Puigcerver y Belén López-Puigcerver (El cautivo) a Mejor Maquillaje y Peluquería.
En esta misma línea quedan preseleccionados Jorge Fernández de Soto (La vida breve) y Pepe Domínguez del Olmo (Anatomía de un instante) a Mejor Dirección de Arte en Miniserie o Teleserie; Álex Catalán (Anatomía de un instante) y Juan Carlos Franco y Carlos de Miguel (Ena. La reina Victoria Eugenia) a Mejor Dirección de Fotografía en Miniserie o Teleserie; Jose M. G. Moyano (Anatomía de un instante) y Mapa Pastor y Marta Nebot (Poquita fe) a Mejor Dirección de Montaje en Miniserie o Teleserie; Alberto García (La vida breve) y Daniel de Zayas (Anatomía de un instante) a Mejor Dirección de Sonido en Miniserie o Teleserie; Nacho Díaz (Anatomía de un instante) y Óscar del Monte (Silencio) a Mejores Efectos Especiales en Miniserie o Teleserie; Ana Sanchís (La vida breve) y Fernando García (Anatomía de un instante) a Mejor Diseño de Vestuario en Miniserie o Teleserie; y Paty López y Anaís Parejo (Ena. La reina Victoria Eugenia) y Yolanda Piña (Anatomía de un instante) a Mejor Maquillaje y Peluquería en Miniserie o Teleserie.
Los Premios PLATINO XCARET están promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales) y FIPCA (Federación Iberoamericana de Producción Cinematográfica y Audiovisual), en colaboración con FIACINE (Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas). Además, cuentan con el respaldo de ONU Turismo, las Academias e Institutos de Cine iberoamericanos, WAWA e ICAA, así como con la colaboración de patrocinadores como AIE, Telemundo, Universo, TNT y HBOMAX.
8madrid TV programa 'Morbo', 'Remando al viento' o 'El detective y la muerte' para celebrar el Goya de Honor del cineasta barcelonés
Con la celebración de la 40ª edición de los Premios Goya a la vuelta de la esquina, 8madrid TV engalana su programación para homenajear a uno de los grandes protagonistas de la gala, el Goya de Honor2026, Gonzalo Suárez. Antesala del certamen, el canal autonómico dedicará el prime time de los lunes del mes de febrero a surcar la filmografía de un autor que «ha desbordado las convenciones de la narrativa y la realidad para revelar al cine español un inclasificable y fantasioso universo».
Director, guionista y escritor —además de brevemente periodista deportivo—, Gonzalo Suárez ha construido a lo largo de seis décadas «una obra que no entiende de etiquetas». Sus filmes, destaca la nota de prensa, «dialogan con la literatura y tiran de imaginación para desdibujar con sentido del humor, y una constante voluntad de experimentación, los géneros del cine».
‘Mi nombre es sombra’ (1966), de Gonzalo Suárez.
Aquel bisoño que hizo escuela en Barcelona con Ditirambo (1967), hoy veterano cineasta que ha dejado una huella imborrable en el séptimo arte nacional, recibirá la distinción más prestigiosa que otorga la Academia de Cine en la Ciudad Condal el próximo 28de febrero. El canal local especializado en cine se suma al reconocimiento con un ciclo de sus películas, celebrando a un realizador que entendió el riesgo como el camino más honesto hacia la libertad creativa.
Programación ‘Gonzalo Suárez: Goya de Honor’
El especial comenzará el lunes 2de febrero, a las 22:00 horas, con la emisión de Morbo (1972). Ya el título invita al espectador a convertirse en voyeur de una inquietante historia de amor y obsesiones por medio de una película de terror psicológico en el que una pareja de recién casados pasa su luna de miel aislada en un bosque que parece observarles. Protagonizada por Ana Belén y Víctor Manuel, Morbo se apoya en la intensa relación entre ambos, una química que traspasó la pantalla y culminó en boda pocos meses tras el rodaje.
El 9de febrero (también a las 22:00 horas) tocará el turno de Remando al viento (1988), una de las obras maestras del cine español. Concha de Plata en San Sebastián y ganadora de seis goyas, es una evocadora recreación del encuentro entre Mary Shelley (Lizzy McInnerny), Lord Byron (Hugh Grant) y otros poetas románticos. De su estancia en Villa Diodati nacería la criatura Frankenstein, mito que sirve a Gonzalo Suárez para reflexionar sobre la creación artística y los monstruos que creamos a partir de nuestros miedos.
La también multipremiada El detective y la muerte (1994) ocupará el prime time del lunes siguiente, 16de febrero. Inspirado en un cuento de Hans Christian Andersen, el director ofrece una personal revisión del cine negro en el que la trama policíaca se convierte en vehículo para cavilar sobre el poder, la corrupción, el destino y el inexorable final. Un singular ensayo cinematográfico con pistolas y hologramas sobre el que se volcaron unos excelentes Javier Bardem, Carmelo Gómez, María de Medeiros y Héctor Alterio.
8madrid TV cerrará su homenaje a Gonzalo Suárez el 23 de febrero con la libre versión que éste hizo del ‘l extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde de Robert Louis Stevenson, Mi nombre es sombra (1996). El doctor Beiral vive en constante conflicto por las dos personalidades que habitan en su interior, una lucha que se recrudecerá con la presencia de Florence (Amparo Larrañaga).
La nueva serie para el prime time de Antena 3, de seis episodios, se rueda en la isla de Tenerife
Ha comenzado el rodaje de Trazos ocultos, la nueva serie para el prime time de Antena 3 que, como es habitual, se estrenará primero en Atresplayer. Un «thriller emocional» protagonizado por Toni Acosta y Rodolfo Sancho creado por Sara Cano, Paula Fabra y Leire Albinarrate, el equipo encargado de la adaptación española de Ángela (2024), un éxito tanto en su emisión en abierto como en Atresplayer y posteriormente en Netflix.
La serie se presenta como un «thriller emocional» de seis capítulos de 50 minutos de duración, que «se aleja del retrato del abuso físico o psicológico para centrarse en la figura del farsante: un hombre de fachada impecable, magnético y seductor, capaz de mentir y manipular para sostener una vida aspiracional construida sobre las apariencias». Un antagonista «realista y reconocible para el espectador actual».
Trazos ocultos aborda además un tema «de plena actualidad en la era de las redes sociales»: la importancia «de las apariencias y la necesidad de simular una vida perfecta, así como las consecuencias emocionales que esto genera en el ámbito íntimo y familiar».
Completan el reparto de Trazos ocultosLucía Martín Abello, Pablo Álvarez, Mara Reina, Pepe Lorente, Lluís Homar, Yaiza Guimaré, Vicente Ayala, Julia Möller, Mari Carmen Sánchez, Simon Kirschner y Mariam Hernández.
El equipo de técnico cuenta con Pablo Pérez como director de Producción, Alfonso Segura como director de Fotografía, Itziar Sagasti como directora de Arte y Migue Herrera ‘Alpert’ como jefe de Sonido. Alba Cuesta Obregón firma el diseño de Vestuario y Haridian Nóbrega y Elías Díaz Martín dirigen los equipos de Maquillaje y Peluquería, respectivamente.
La ficción se ambienta íntegramente en la isla de Tenerife, con localizaciones poco transitadas en la ficción nacional: desde Santa Cruz de Tenerife hasta Los Cristianos o el pueblo costero de Bocacangrejo.
Trazos ocultos es una producción original de Buendía Estudios Canarias con la participación con Atresmedia. La dirección corre a cargo de Javier Pulido, con Sara Cano, Paula Fabra y Leire Albinarrate al frente del guion. Montse García es la directora de ficción de Atresmedia y Laura Abril y Borja Echevarría son los productores ejecutivos. Lucía Alonso-Allende ejerce como coproductora ejecutiva.
Sinopsis de Trazos ocultos
Inés es una restauradora que vive en Santa Cruz de Tenerife junto a Miguel, su marido, un carismático piloto con el que tiene una hija adolescente. Todo en su vida parece perfecto hasta que un día, por motivos laborales, viaja a la otra punta de la isla y ve a su marido en una zona de fiesta frecuentada por turistas. Pero ¿qué hace allí? ¿No estaba de viaje? Esa misma noche, Miguel le asegura por teléfono que está en Túnez y, al día siguiente, regresa con fotos del supuesto viaje.
Impactada, Inés tratará de averiguar qué hay detrás de esa mentira. Una de las muchas que irá destapando. ¿Quién es realmente su marido? ¿Con quién lleva quince años casada? Inés tendrá que descubrirlo antes de que Miguel se convierta en un peligro para ella y para su hija.
Pablo Aguinaga dirige esta miniserie basada en el caso que llevó a que por primera vez se calificase judicialmente a la organización como "secta destructiva"
HBO Max estrena el próximo 20de febrero la serie documental Sobrevivir al paraíso: más allá de los Testigos de Jehová, dirigida por Pablo Aguinaga. Basada en el pódcast del Diario ABC‘Los expulsados del paraiso: sobrevivir a los Testigos de Jehová‘. Una producción que se introduce en las entrañas de esta organización, desvelando algunas de sus prácticas y los motivos que llevaron a la Justicia a considerarla como una secta.
El documental disecciona, gracias a imágenes de archivo, el juicio histórico celebrado en 2022 en Madrid, en el que la Asociación de Víctimas de los Testigos de Jehová se defiende ante la demanda interpuesta por los Testigos de Jehová -representado por numerosos abogados estadounidenses al servicio de la congregación- para obligarles a eliminar el término «víctimas» de su denominación.
Se trata de un proceso clave porque, por primera vez, la sentencia de la jueza calificó de “secta destructiva” a la organización de Testigos de Jehová tras escuchar los testimonios de muchos de sus exmiembros.
En esta batalla, el periodista José Ramón Navarro Pareja, que participa en el documental, se convierte en una figura clave, siendo el único reportero que sigue de cerca el juicio publicando su cobertura. Esta producción cuenta además con el testimonio de numerosos extestigos, así como con voces autorizadas en la materia, como el abogado Carlos Bardavío, el teólogo y experto en sectas Luis Santamaría y el psicólogo Miqueas Henares.
Sobrevivir al paraíso: más allá de los testigos de Jehová es una serie documental original de HBO en España. Por parte de BOXFISH, Edi Walter y Mariano Tomiozzo son los productores ejecutivos. Bibiana González, Zaida Serrano-Piedecasas y María Rubio son las productoras de Warner Bros. Discovery.
Tráiler de Sobrevivir al paraíso: más allá de los Testigos de Jehová
En cada rincón de nuestro país es fácil encontrarse con personas amables y bien vestidas conocidas como Testigos de Jehová, que distribuyen panfletos religiosos y predican la llegada de Jehová. En el pasado era normal que acudieran por parejas a nuestras casas, siempre con tono amigable y sonrisa perpetua. Pero detrás de esta apariencia inofensiva se oculta lo que muchos exmiembros de la organización describen como una realidad mucho más perturbadora. Sobrevivir al paraíso: más allá de los testigos de Jehová desvela muchos de los “cuestionables métodos” que esta organización se ha empeñado en ocultar durante décadas.
A partir de los testimonios de personas que han abandonado la organización y a expertos en sectas, el documental explora, según sus relatos, cómo funciona esta institución. A lo largo de sus tres episodios recorreremos el camino de algunos de sus antiguos miembros: desde sus inicios en esa familia de amor y fe, pasando por su traumática expulsión o abandono y, posteriormente, cuando consiguen unirse en el dolor y autodenominarse “víctimas”. Algo que desembocará en una feroz lucha judicial en 2022, donde gracias al apoyo del abogado Carlos Bardavío, empiezan, según sus propias palabras, a recuperar su dignidad y libertad.
La serie se compone de tres episodios. Según la información remitida a prensa, el primero se titulará ‘Génesis‘, y en él se explora «la vida dentro de los Testigos de Jehová a través de testimonios que revelan experiencias personales, normas estrictas y el papel de los Ancianos, mostrando aspectos desconocidos de esta comunidad religiosa».
En el capítulo 2, ‘Éxodo‘, nos adentramos «en las duras experiencias que viven nuestros protagonistas dentro de los Testigos de Jehová. Muchos de ellos han sufrido vivencias que les enfrenta no solo a la confesión, sino a sus propias familias». Y en el 3, ‘Apocalipsis (el juicio final)‘, «las víctimas expulsadas de los Testigos de Jehová encuentran refugio en una nueva comunidad. Sin embargo, cuando la esperanza volvía a renacer, un suceso inesperado los enfrenta a un nuevo juicio».
El director tinerfeño y sus protagonistas explican cómo tradición y pérdida se entrelazan en la primera película de ficción sobre la lucha canaria, presentada en el Festival de San Sebastián
Quizá su nombre no haya sonado tanto como otros en el importante desarrollo del cine en Canarias de la última década, pero José Alayón es una de sus piezas clave. Fundador de la compañía El Viaje Films en 2004, ha estado produciendo y fotografiando en películas como La hojarasca (2024) o Blanco en blanco (2019), además de impulsar en su momento la formación del Centro de Estudios de Cine de Canarias (CECAN).
Ahora Alayón presenta su segunda película como director: La Lucha (2025). En la sección New Directors del Festival de San Sebastián —»imagínate, ‘nuevos directores’, con 45 años», bromea— se vio por primera vez esta película que, por primera vez en un largometraje de ficción, retrata la fuerza y la pasión de la lucha canaria entrelazándola con una historia de duelo padre-hija, interpretados por los actores debutantes Tomasín Padrón y Yazmina Estupiñán, que han sido también luchadores.
«En Canarias la lucha está presente todo el rato, pero no hay películas sobre ella», explica el director a Cine con Ñ. Para el director, este deporte local, en el que se usa la fuerza del contrario en el combate para derribarlo, conectaba con su manera de entender el cine: «Siempre me ha gustado mucho pensar las películas, la narración y la imagen, desde el físico, desde el cuerpo. La lucha canaria tiene ese vínculo».
Pero La Lucha, avisa el director, no es una película deportiva o centrada en la emoción de la competición: «No me apetecía hacer una película de triunfo, de alguien que pierde que al final gana, por ejemplo», asegura Alayón, que se centra en una familia que han perdido mucho más que una pelea. «La idea del duelo por la madre es un conflicto invisible que servía para esta metáfora, muy básica pero que nos gustaba, de acompañar la lucha en el terrero [el espacio de combate] con la lucha en la vida. De caerte, sostenerte y volverte a levantar».
La lucha por encontrar a una familia
Tras un largo proceso de inmersión y vínculo con la realidad de la lucha canaria (según Alayón, era prioritario «ganarse la legitimidad»), había que tomar una decisión: «O hacer películas con actores que los enseñamos a luchar o una película con luchadores con los que intentamos construir una narración». Finalmente, optaron por lo segundo, lanzando un proceso de casting en el mundillo en el que encontraron a Tomasín Padrón y Yazmina Estupiñán.
«Estaban ellos mirando el entrenamiento, me vieron, les gusté… me hicieron una pequeña prueba y a partir de ahí ensayos y a grabar», nos resume Padrón, que confiesa su escepticismo inicial con el proyecto: «Al principio dije ‘esto canario… no lo va a ver ni mi madre'». Pero cambió al ver el equipo de El Viaje, entre los que está, entre otros, también el ganador del Goya Mauro Herce: «Ahí digo, ‘niño, pues esto va en serio’. Y ya el verte aquí en San Sebastián…».
Más complejo fue encontrar a la hija, Marina, interpretada por Estupiñán. «Yo no me me presenté a casting, me encontraron. Hace tiempo que dejé la lucha por motivos personales. Ellos preguntaron si conocían a gente en centros de acogida que hicieran lucha… y me escribieron», cuenta Estupiñán. Una incorporación que estuvo a punto de no ocurrir: «Una semana antes del rodaje estuve por decir que no iba a hacer la película, pensaba que no iba a poder hacerlo bien… me entró el pánico». Pero confió y siguió adelante: «Estoy muy agradecida porque desde el principio me trataron como si fuera de la familia».
Juntos empezaron un proceso de muchos ensayos, mientras Alayón depuraba el guión («buscando simplificarlo», dice el director) que firman Samuel M. Delgado (Eles transportan a morte) y Marina Alberti. Así se fraguó esta historia en la que un padre y una hija sufren el vacío por la pérdida de la madre. Un vínculo emotivo y familiar que, recuerda Padrón, empezó en una prueba «de hacerse reír»: «Con ella no me costó nada partirme… ahora después de la película la trato como a una hija», dice con una sonrisa. Yazmina coincide: «Sentí esa conexión desde un principio y me sentí tranquila, en paz… desde ahí fue todo más para arriba».
Una historia local para un cine local
La película se rodó en 16 mm en la árida y extensa Fuerteventura, una decisión que tenía que ver con el arraigo al deporte: «Después de ver todas las islas, en Fuerteventura es donde sentí una pasión muy grande por la lucha. En todas hay, pero noté que ahí había algo especial», dice José Alayón. Corrobora Tomasín contando una anécdota: «Es tradición que cuando un luchador gana una pelea pase entre el público y se le den monedas de reconocimiento (…) y en Fuerteventura me fijé que eran todas nuevas (…) la gente iba al banco a cambiarlas solo para la lucha».
Con el estreno en el Festival de San Sebastián, donde incluso han hecho una exhibición de lucha en la Playa de la Concha, y ahora en salas se cierra una parte del viaje de la primera película que trata el universo de este deporte. «Yo creo que la película lo muestra todo sobre la lucha, mejor imposible: los sentimientos, el sufrimiento, la entrega, la dureza… está todo ahí», dice Padrón, que cree el mundo de la lucha canaria está «otra vez en lo más alto tras un par de bajones, sobre todo tras la crisis de la construcción de 2006 (las empresas del sector patrocinaban)».
Con La Lucha, el cine canario vuelve a sacar músculo. Es una prueba más que el cine local hecho desde las propias realidades canarias tiene voluntad de quedarse.«Estamos construyendo nuestro relato cinematográfico», dice Alayón, que forma parte de esa generación de cineastas que parten de lo canario, como Macu Machín (La hojarasca) o David Pantaleón (Rendir los machos, Un volcán habitado). «Nosotros no teníamos casi referentes, los estamos construyendo ahora. Da vértigo, pero es muy bonito», concluye el director.
Primeras imágenes y teaser de Por cien millones, miniserie de tres episodios de Movistar Plus+ sobre el secuestro en 1981 de Quini, el jugador del FC Barcelona. Una ficción creada y dirigida por Nacho G. Velilla (Menudas piezas, Aída, Siete vidas) y protagonizada por Raúl Arévalo, Vito Sanz, Gabriel Guevara y Agustín Otón, en la que se recrean los hechos reales que conmocionaron a España y al deporte a comienzos de los 80. El guión corre a cargo de Oriol Capel y la serie se estrena el 26 de marzo.
Arévalo, Sanz y Guevara interpretan a los tres secuestradores, y Otón da vida al futbolista Quini. Completan el reparto Aixa Villagrán, Natalia Huarte, María de Nati, La Dani, Julia de Castro, Emilio Palacios, Nacho Guerreros, Marisol Aznar, Jorge Asín, Rafa Maza, Teresa Rabal y Josele Román, entre otros. La miniserie se está grabando en localizaciones de Madrid, Barcelona, Zaragoza y Suiza.
Velilla ha declarado que «como director, siempre me han atraído las historias que hay detrás de los grandes titulares. Esa intrahistoria que, a menudo, pasa desapercibida, pero que creo que está más cercana a nuestra vida diaria que el encabezamiento impactante que usualmente describen los periodistas. Nunca hemos pretendido hacer una crónica del secuestro, ni un thriller o un true crime; queremos contar la historia desde el punto de vista de tres antihéroes, tres perdedores que toman una decisión equivocada que les puede arruinar sus vidas».
Teaser tráiler de Por cien millones
Por su parte, Fran Araújo, productor ejecutivo, ha explicado que «hace tiempo que queríamos encontrar un proyecto para trabajar con Nacho y, cuando nos contó Por cien millones, enseguida supimos que lo habíamos encontrado. La combinación de universos y el tono cómico con que se narran conectan con la gran tradición de comedias españolas protagonizadas por pícaros, perdedores y pobres desgraciados que cruzan la línea para salir adelante. Todo ello en contraste con el mundo del fútbol, tan central en nuestra plataforma».
Por cien millones contará con tres episodios de 50 minutos, está producida por Araújo junto a Gustavo Ferrada y Leo Acosta, y tiene como director de fotografía a Andreu Ortoll, director de producción a Luis Fernández, directora de arte a Esther García, jefes de sonido a Tamara Arévalo y Sergio Burmán, en el montaje a Oriol Millán, en el diseño de vestuario a Marta Murillo, y como encargadas de maquillaje y peluquería a Paula Cruz y Bárbara Quero.
En 1981, tres mecánicos de Zaragoza, Alfonso, Jorge y Gabi, agobiados por las deudas y tras meses sin trabajo, deciden secuestrar al máximo goleador de la Liga, Enrique Castro ‘Quini’, el delantero del FC Barcelona. A cambio de su liberación, piden 100 millones de pesetas. Pero pronto descubren, y por las malas, que la vida no es como las películas. Y que ser malo, cuando eres bueno, no es nada fácil.
La gran ópera prima de Jaume Claret, que transporta a las turbulencias de la adolescencia, marca un paso importante hacia un cine español abierto a cruzar otras orillas
Estrany riu (Extraño río) se acerca a unas vacaciones familiares a la orilla del río Danubio. Dídac, un adolescente de 16 años, la recorre en bicicleta junto a sus hermanos y sus padres. Mientras el joven procesa un primer gran desengaño amoroso, la aparición de un misterioso chico entre las aguas del río cambia su viaje. Desde ese momento, Dídac empieza a sentirse diferente.
Son tiempos nuevos para el cine catalán y, por tanto, para el cine español. El ciclo naturalista, apuntado por Tres dies amb la família (2009) y popularizado por Estiu 1993 (2017), está agotado. Por lo menos, tal y como lo hemos entendido hasta ahora. Lo demostró Carla Simón subiendo la escalera en el final onírico de Romería (2025) y ahora lo deja claro Jaume Claret cruzando a la otra orilla de la fantasía.
En una rima estacional con la ópera prima de Simón (Estiu 1993), la maravilllosa Estrany riu también se centra en el paso a una etapa vital nueva, de descubrimiento personal. En este caso, en el umbral de la primera edad adulta, que se expresa en un deseo sexual para una identidad aún en desarrollo, marcada por el desorden y la vulnerabilidad.
Un extraño deseo
Estrany riu parte de la estructura del coming-of-age, pero la desplaza hacia otro lugar, evocando sensaciones de adolescencia más vivas que un drama estrictamente naturalista. La primera secuencia de la película desvela que el director quiere hacer este proceso en movimiento. Es una declaración de intenciones para una búsqueda cinética, de persecución en la línea del río, que también guía a la película hasta el final.
Es probable que, si la ha visto o alguna vez la ve, a Pedro Almodóvar le guste esta película. En unas claves y desde tradiciones cinematográficas muy distintas, algo comparte Claret con Almodóvar es un intento de dar forma al deseo. Todo está en la mirada —y no solo para el deseo—, aquí entendida como primer paso (como por «relevos,» comentaba el director en el pase de la película en San Sebastián) en un baile de misterio y atracción que acerca y aleja a Dídac de su aventura.
Estrany riu y las sensaciones
La película también brilla por la armonía orgánica que consigue en lo dramático, cuyo núcleo es, claro, la familia, que es el ente que está contaminando también el ánimo de Dídac. Ahí también hay un crisol de sentimientos adolescentes y contradictorios: la incomprensión, el amor, la competencia con los hermanos, su cuidado como el mayor, el cambio en la relación con su madre… Claret, junto al reparto, es capaz de evocar bien esa amalgama de dinámicas del ecosistema familiar que no necesariamente vienen con consecuencias directas o traumas.
Pero hay mucho de genuino y mágico también en esos 16 mm, en la luz, en el sonido ambiente y, sobre todo, en las texturas de la imagen que se compenetran con el espacio natural. Hay muchos detalles en ese sentido (los primeros planos contrastados con los fondos negros, los juegos con los espacios arquitectónicas), pero lo que destaca más, claro, son las escenas sobre el agua del río, convertido en una especie de portal hacia un mundo nuevo.
Desde una tradición cinematográfica, Jaume Claret ha dado un salto con esta película, y ha caído de pie. Es posible hacer películas de etapas universales como la adolescencia y, a la vez, empujar el cine hacia lugares y sensaciones nuevas que, a la vez, nos transporten a las que un día vivimos.
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