Aunque tenga el aroma de su primer cine y sus actores la defienden, la película italiana de Coixet está demasiado impostada y sobrecargada
Tres adioses (Tre ciotole) arranca con el fin de la pareja compuesta por Marta y Antonio. Aunque el duelo por la separación afectará profundamente la vida de ambos, juntos desde hace siete años, será Marta, la «dejada», la que parece estar tomándoselo peor, incluso somatizando este cambio en su relación con la comida. Cuando Marta descubre que detrás de todo hay un problema serio de salud, todo cambiará.
Inauguración de la Seminci de Valladolid,Tres adioses es la nueva película de todo un nombre del cine español como Isabel Coixet, que vuelve a abrazar su dimensión internacional con esta película de esencia —y buena parte del equipo— 100% italiana, pese a ser también coproducción española. Una historia de duelo amoroso y búsqueda de nuevos sentidos a la vida en el romano barrio de Trastevere que adapta parte de unos cuentos que la escritora Michela Murgia unió en un libro con el mismo nombre.
Después de la adaptación de Un amor (2023), Coixet firma este drama vitalista que está mucho más cerca de los temas que a ella por naturaleza le interesan (junto a los que ya había en esa parte autobiográfica del libro de Murgia) y, por tanto, le funcionan mejor. Basta eso y fiarse de la intuición de un grupo de actores sólidos — comandados por AlbaRohrwacher (aunque lo de que sea profesora de educación es difícil de tragar) y Elio Germano— para que Tres adioses tenga cierto encanto. Aún así, la película está lejos de las más inspiradas y precisas de la directora catalana.
La conexión entre los tres adioses
De las tres películas que, antes de esta, había adaptado de la literatura la directora catalana —Elegy (2008), La librería (2017) y la mencionada Un amor—, Tres adioses es, sin duda, la más ‘coixetiana’ de todas ellas. Está, sobre todo, la manera de afrontar los finales (Cosas que nunca te dije, Mi vida sin mí, La vida secreta de las palabras), pero también andan por ahí el papel fundamental de la comida (La vida secreta de las palabras, Foodie love) o la sentimentalización de los espacios urbanos (Mapa de los sonidos de Tokio, Nieva en Benidorm).
Pero en el tortuoso proceso que va de la radiografía del desamor a la aceptación del final, Coixet intercala tanto soluciones un poco prefabricadas (cómo se expresa a nivel dramático el dolor, la aceptación, etc…) como añadidos que no terminan de estar integrados en el relato. Se nota especialmente en el desarrollo del personaje de Elio Germano—actor maravilloso—, centrado y luego semiabandonado a mitad de la película, pero también, por ejemplo, en la mirada (pese a su homenaje a Nanni Moretti, un tanto turistizada) sobre Roma o en la colección de frases grandilocuentes—muy de Coixet también—.
A la película parece que le falta algo de conexión entre muchas (demasiadas) piezas y eso, teniendo en cuenta que dura dos horas, es un problema. Una evidencia de las costuras del montaje que también se hacen notar para mal en algunas continuaciones de escena directamente mal cortadas (y eso parece no problema de edición, sino de rodaje). En general, sea por la razón que sea, las películas de Coixet se han afilado, entrecortado —y, en general, afeado— a nivel formal de una forma un poco inexplicable e injustificable (¿por qué el 4:3 en esta película?).
La persona y el cartón
Como decía, las películas de Coixet que más claramente asoman en Tres adioses son Cosas que nunca te dije (1996) y Mi vida sin mí (2003) —a la que la propia Coixet hace referencia con el nombre del restaurante de Antonio—. Y repasando estas películas, se nota que su tono vitalista/romántico/idealista era otro, mucho más integrado naturalmente en el drama central de los personajes y hasta en las imágenes. Por la forma de plantearlos, en Tres adioses se sienten más imposiciones artificiales, colocadas desde fuera y por pura funcionalidad.
Como ejemplo de esto basta ver la forma en la que las protagonistas explican en voz alta qué es lo que piensan y cómo se sienten, un dispositivo confesional muy de Coixet. El Teléfono de la Esperanza y la grabación de una cinta en Cosas que nunca te dije o la lista de cosas que hacer antes de morir en Mi vida sin mí, en Tres adioses se convierten en unos apuntes —una conversación lunática con un cantante de K-Pop de cartón— que, aparte algún detalle al final, están desconectados del resto de la película.
Parece que no por lo que estoy diciendo, pero la película tiene también sus cualidades. Sobre todo en su buen arranque, cuando se nota que el tratamiento de lo que le ocurre a Marta tiene una cadencia, un ritmo interno y un cuidado que se había determinado mejor (por lo menos en relación a lo que ha acabado dentro de la película). Tampoco está nada mal el tratamiento de algunos personajes secundarios (Francesco Carril, muy bien en italiano) y la forma que le han dado sus actores. Eso, junto algún detalle encantador del guión (lo de la comida sí que está bien metido), la hacen más que llevable.
Por ir pidiendo el tiramisú: Tres adioses aguanta mejor que otras en la filmografía reciente de Coixet gracias a una sintonía que hay en su guión, acompasada a los intereses de siempre de la directora. Aun así, la película sufre por querer tener demasiadas cosas, dando la sensación de haberse quedado en una serie de píldoras que, con suerte, ‘evocan’ pero que nunca ‘son’.
La actriz recibe la gran distinción cinematográfica del Ministerio de Cultura por “ser una de las actrices de comedia más importantes de la historia del cine español"
Carmen Machi recibirá el Premio Nacional de Cinematografía 2026. La actriz de Aída y vuelta, Ocho apellidos vascos o Hable con ella, una de las intérpretes más populares del país, recibe la gran distinción del Ministerio de Cultura en el ámbito cinematográfico del curso, dotada con 30.000 euros. El Jurado del Premio la ha elegido «por ser una de las actrices de comedia más importantes de la historia del cine español».
Ganadora del Goya a la Mejor Actriz de Reparto por Ocho apellidos vascos (2014), la película más taquillera de la historia del cine español, pero también protagonista de películas fuera del canon cómico como La puerta abierta (2017), Un efecto óptico (2020) o La voluntaria (2022), Machi es reconocida con el Premio Nacional de Cinematografía por «destacar en todo tipo de géneros. Ha sabido conectar con el público masivamente, no afectándole su enorme popularidad para acercarse a proyectos más autorales», explican desde el Jurado.
Machi, que sucederá como Premio Nacional de Cinematografía a otro intérprete (Eduard Fernández), ha sido definida como una «trabajadora incansable en cine, teatro y televisión», señalando que «ha participado en más de un centenar de producciones». Según el jurado, «representa los valores de una mujer actual, fuerte e independiente».
Carmen Machi, de 7 vidas al Premio Nacional de Cinematografía
Nacida en Madrid en 1963, Carmen Machi empezó a despuntar en la compañía del Teatro de La Abadía en los años 90, trabajando en obras como María Sarmiento, Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte o 5mujeres.com. Su salto a la serie 7 vidas, en Telecinco, una de las sitcoms más populares del momento, la catapultó a la fama en los 2000. De personaje secundario pasó a ser uno de los pilares de la serie, hasta tal punto de que, tras el final de esta, protagonizó su spin-off oficial: Aída, que la terminó de convertir en una de las actrices más conocidas de España.
Más allá del éxito televisivo, Carmen Machi también pasó a tener experiencias en cine, con directores como Pedro Almodóvar (Hable con ella, Los abrazos rotos, La concejala antropófoga y, recientemente, en Amarga Navidad), Pablo Berger (Torremolinos 73), Álex de la Iglesia (Mi gran noche, El bar), Carlota Pereda (Cerdita) o Nely Reguera (La voluntaria).
Tras abandonar Aída en 2009 —hecho que revisitó en el reciente éxito Aída y vuelta—, Carmen Machi ha vuelto también a las series de televisión tras el ascenso de las plataformas, con papeles en Arde Madrid (2018), Criminal (2019), Escenario 0 (2020) o 30 monedas (2020). Su papel secundario en La Mesías y el protagonista en Celeste, ambas originales de Movistar Plus, han sido sus últimas celebradas apariciones.
El Jurado
El Jurado del Premio Nacional de Cinematografía ha estado presidido por Camilo Vázquez Bello, subdirector general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA. Como vocales han actuado Piluca Baquero Navarro, a propuesta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España; Marina Parés Pulido, a propuesta de Autores Literarios de Medios Audiovisuales; Fátima Baeza Medina, a propuesta de la Unión de Actores y Actrices; Guadalupe Balaguer Trelles, a propuesta de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA); Iván Agenjo Castaño, a propuesta de la Federación Española de Productores de Animación y VFX (DIBOOS); Ariadna Cortés Prió, Pere Gaviria Ibáñez y Elsa Fernández Santos a propuesta del ICAA.
Una atrevida incursión en la ciencia ficción, con un planteamiento original, pero que no termina de dejar espacio para entrar en su universo
N.I.M: Inteligencia artificial nos sitúa en un futuro distópico en el que el cambio climático ha llegado a tal extremo que se han tenido que construir estaciones medioambientales de limpieza del aire. Estas estaciones son gestionadas por una inteligencia artificial llamada N.I.M, y supervisadas por humanos. Marc se encarga de administrar una de las estaciones, donde vive con su hija Valeria. No obstante, el pasado reciente atormenta a Marc y N.I.M parece entenderle mejor que nadie… incluso mejor que su propia hija.
Película de ciencia ficción dirigida y escrita por Rubén Arnaiz, que expande este universo en una serie de libros llamada Las crónicas de Bouden. Si bien Arnaiz es un habitual del género de terror —con películas como Maleza(2019) o Biblia Negra, que estrenará este año—, lo cual se deja entrever en este nuevo trabajo, no es tampoco ningún extraño en el género. En 2016 dirigió Erial, una comedia del corte con espíritu lovecraftiano y alma rural.
El director de 'Volveréis' recupera el color inédito de 'Los ilusos' y debuta como distribuidor, con un documental de 1982 de Fernando Trueba ya en camino
Madrid, 2011. Jonás, el pequeño de los Trueba, quiere hacer una película sin cortapisas. Las frustraciones de producción y distribución con su ópera prima —Todas las canciones hablan de mí (2010)—, estrenada meses antes dentro de los cauces de la industria, le llevan a buscar la manera de rodar fuera de ella. Su amigo Javier Lafuente le acaba animando a dar el paso y hacer lo que puedan: entre los dos juntan 12.000 euros y filman, a ratos libres y rodeados de amigos, el autorreflexivo deambular de un joven cineasta (Francesco Carril) sin película. Se llamó Los ilusos (2013).
Aquella prueba de convertir ese limbo entre películas en una de ellas, estrenada con una copia precaria en la Cineteca de la capital, puso las bases para esa continua persecución romántica entre cine y vida que ha sido desde entonces la filmografía de Jonás Trueba y de la productora que montó con Lafuente, que solo podía llamarse Los Ilusos Films. La filosofía se les metió tan dentro que empezaron a usar el término ‘cine iluso’ para explicar lo que hacían. Una especie de marca de familia que les ha llevado, con el tiempo, a hacerse un hueco propio en el cine independiente europeo—del Goya por Quién lo impide (2021) al premio de la Quincena de Cineastas de Cannes por Volveréis (2025)—, con un eco especial en Francia (nominación a los César por La virgen de agosto) que culminó el pasado enero en una retrospectiva del Centre Pompidou.
Fue precisamente en París donde se presentó la nueva versión de esa película fundacional, que se ha llamado Los ilusos 13+13: la del estreno de 2013 más los trece años transcurridos hasta hoy. Trueba ha vuelto al negativo original en súper 16 mm, lo ha reescaneado y ha encontrado, bajo el blanco y negro que conocíamos, el color que se rodó entonces y nunca llegó a verse. Llega a los cines este viernes 5 de junio, y lo hace con otra novedad añadida: por primera vez es Los ilusos Films quien la distribuye, anunciando ya de paso su siguiente rescate, un documental que Fernando Trueba, padre de Jonás, rodó en 1982.
Aunque la experiencia personal que recoge el documental es interesante, no se libra de la falta de equilibrio entre los momentos cotidianos y los excesivamente planificados
Este cuerpo mío cuenta la transición del cineasta y artista italo-chileno Afioco Gnecco acompañado por su mejor amiga, la actriz española Carolina Yuste, siendo ambos directores del documental, en el que se recogen los efectos de la testosterona en su cuerpo o se comentan los primeros pasos que dio en plena pandemia. Un viaje tanto metafórico como literal durante el cual los protagonistas visitarán a la familia de Gnecco en Chile para reencontrarse con personas a las que no veía desde niño, mucho antes de asumir su identidad trans.
Llega a cines esta película con una pata en el testimonio, otro en el documental de creación y un tercero casi en el vídeo doméstico, metiéndonos en el pasar del tiempo de los directores y protagonistas con sus conversaciones en torno al género o la transición como hilo conductor. Se trata de una expansión del cortometraje Ciao Bambina (2024), nominado al Goya y Biznaga de Plata en Málaga en su día, y que supone el debut de Yuste en la dirección el mismo año que publica su primer libro.
La novedad de la actriz famosa y ganadora del Goya detrás de la cámara saca ligeramente a la película del nicho del documental de creación con el doble giro del testimonio LGTBIQ+, que a pesar de proliferar en festivales y certámenes de todo pelaje con gran celebración crítica, no suelen gozar de unos grandes resultados de taquilla y viven más del ‘circuito cultural’, con proyecciones en asociaciones, centros educativos y demás.
Este cuerpo mío y la familia
Este cuerpo mío nos introduce a capón en la dinámica de Yuste y Gnecco en plena transición del segundo, con dificultades para conseguir la testosterona, alguna pelea con la médica y saltos temporales que hacen que la primera se sorprenda con su cambio físico. La complicidad entre ambos le da algunos momentos «meta» —como cuando aparecen planificando escenas para evitar hacer ejercicio— un carácter casi de video doméstico que, curiosamente, no se trasvasa a los momentos familiares.
Gnecco comparte su historia familiar con cierto pudor pero sin secretos: la experiencia migrante, el padre fallecido cuando aún era menor, la madre dependiente en la actualidad… hurta a su hermana y su actual pareja, aunque las menciona, pero sí enseña a la madre… Irónicamente, son momentos como la carta que se dirige a sí mismo antes de transicionar los que quedan más enlatados de la película, más propios de un documental convencional frente al discurrir de la vida que este parece proponer.
Otro lastre son un par de conversaciones entre este y Yuste sobre la idea mismo del género o la Transición, que la segunda afronta desde su posición cis, y que a veces suenan a cuando se juntan los colegas en casa y piensan: nos tendríamos que hacer un pódcast, mira que cosas tan profundas salen cuando hablamos. Explicitan cuestiones que ya estaban en la experiencia misma que están retratando e incluso en Gnecco grabándose solo en casa, resultando redundantes.
Este cuerpo mío y el testimonio
Este cuerpo míolevanta un poco el vuelo en la parte de la familia chilena, que canta menos a recreada y tiene un par de momentos que claramente son naturales —incluyendo un ‘Heil Hitler’ presuntamente en broma pero sin venir a cuento de la Nonna, en el que sería curioso profundizar—. La aceptación de la familia de la identidad de Gnecco, con consideraciones como que su mote cariñoso no cambia porque sigue siendo ‘Rafi’ —por Rafael, Afioco es un nombre artístico—.
Es posible que la odisea de Gnecco se diferencie de otros títulos por la tradicional doble invisibilidad de los hombres trans —aunque solo los últimos meses ya nos dejan Iván&Hadoum o 9 lunas, entre otras—, y es interesante como depuración del tema en un cineasta cuya filmografía gira alrededor de esta cuestión identitaria. Pero la película nunca logra tomar un vuelo real más allá de lo personal de la anécdota, y cuando intenta ser universal, resulta fría y mecánica.
Recogiendo los bártulos, se podría decir que aunque la experiencia personal que retrata Este cuerpo mío es válida e interesante, cinematográficamente no pasa de un documental ‘de creación’ más, con todos sus tics, sobre un tema del que el cine de los últimos 100 años ha estado escaso pero el de los pasados 5 ó 10 ha explorado desde muchos puntos de vista.
El director brasileño afincado en España se marchó un verano a Lisboa a rodar con su hijo una cinta de terror y acabó retratando su propio miedo a no ser un buen padre y al pasado de su familia
El director brasileño Sergio Oksman quería rodar una película de miedo con su hijo Nuno, de 12 años. Se marchó con él un verano a un hotel abandonado en Lisboa, como en El Resplandor (1980), de Stanley Kubrick. Pero nada de lo que intentaba asustaba al niño. Dos años después, ya en la sala de montaje, con miedo a no tener película, se encontró con dos certezas: el niño ya no existía, sustituido por un adolescente que ya se afeita, y el único terror que aparecía en lo grabado era el del padre con pánico repetir errores del pasado.
El cineasta, especializado en documentales, afincado en España pero con un pie en Portugal, presentó en el Festival de San SebastiánUna película de miedo, el título entre irónico, metalingüístico o apenas descriptivo de un largometraje con partes de documental, de ensayo fílmico y de ficción. Una exploración desde el archivo y el montaje del miedo de los padres a transmitir a sus hijos los defectos de sus abuelos, podríamos decir, que se atreve con arqueología del cine portugués e intenta congelar a los fantasmas de los fotogramas.
ECAM y DAMA recuperan este clásico del cine español, originalmente publicado en Francia, como parte de su colección Imprenta Dinámica
ECAM y DAMA han reeditado Días de una cámara, la autobiografía del cineasta Néstor Almendros en la que este recorre su carrera, a caballo entre Francia y Estados Unidos y marcada por el exilio antifranquista, desde La coleccionista (1967) hasta La decisión de Sophie (1982), entre otros títulos. El libro conserva el prólogo original de François Truffaut, del que el español fue colaborador habitual y amigo personal.
Con la colaboración de Caimán Cuardernos de Cine y, en este caso concreto, La Cinémathèque Fraçaise —ya que Almendros publicó estas memorias en primer lugar en Francia y en lengua gala, como Un homme à la caméra—, se trata de onceava entrega de la colección Imprenta Dinámica de ECAM y DAMA.
Como el propio Almendros explica en su libro, su «paisaje favorito en el cine es el rostro humano; en él, encuentro la suma y compendio de todos: los más fascinantes montes y valles, los más cristalinos lagos, los más frondosos bosques (…). Un principio básico en mi trabajo es el que las fuentes de luz estén justificadas. Creo que lo funcional es bello, que la luz funcional es hermosa. Aspiro a que mi luz sea más lógica que estética».
Días de una cámara, la construcción de una mirada
El crítico Carlos F. Heredero, miembro del comité editorial de Imprenta Dinámica, ha destacado este título como «una obra fundamental para profesionales, estudiantes y amantes del cine». Néstor Almendros «merecía este libro. Queríamos homenajear su legado como director de fotografía y hemos añadido aspectos que enriquecen esta edición como un prólogo de Jaume Peracaula, una biografía extensa del autor y fotos en color de su trabajo comentado. Es un libro que nos ayuda a pensar el cine y a pensar en la propia naturaleza del mensaje cinematográfico», ha añadido
Virginia Yagüe, presidenta de DAMA, ha resaltado: «Cuando pusimos en marcha Imprenta Dinámica aspirábamos a incorporar nuevas formas de pensar y de acercarnos a las imágenes, al tiempo que devolvíamos a la circulación aquellos textos que han contribuido a conformar nuestra cultura cinematográfica. Días de una cámara ocupa un lugar privilegiado entre ellos. Se trata de una obra profundamente humanista que trasciende lo técnico y lo formal. Es, como señaló Truffaut, la historia de una vocación: la construcción de una mirada».
En palabras de Jaume Peracaula i Roura: «Coincidí con Néstor en el último rodaje que hizo, pero pude empaparme de su manejo de la luz y de su lado más humanista. Regresar a este libro es poder redescubrir a una persona muy creativa, con una sensibilidad y con unos conocimientos enormes. Es un libro muy didáctico, imprescindible tanto para las escuelas de cine como para los seguidores de su trabajo como cinematógrafo».
La televisión madrileña programa 'Tesis', 'Éxtasis', 'Tierra' y 'Familia' para recordar un año extraordinario en la producción del cine español
El cine español entraba en los 90 con la resaca de una década desenfrenada marcada por el cambio, el deseo y la necesidad de hacer todo aquello que la dictadura había impedido. Tras ese despertar, el séptimo arte nacional comenzó a desperezarse para vivir una etapa de efervescencia creativa en la que una nueva generación de cineastas cambió las reglas del juego, el cine de género recuperó protagonismo y la industria ganó en ambición, productividad y capacidad para conectar con el gran público.
8madrid TV viaja ahora 30 años al pasado con el especial ‘Regreso al 96’, una cita semanal que invita a redescubrir uno de los años más importantes de la cinematografía española reciente. El especial invita a recorrer un momento en el que confluyeron la diversidad de sus producciones, el éxito comercial del cine de género y la irrupción de nuevas voces llamadas a marcar una época, como Alejandro Amenábar o Fernando León de Aranoa.
Todos los viernes del mes de junio, a partir de las 22:00 horas, la cadena cambia el DeLorean por un Seat Ibiza para recorrer algunos de los títulos más emblemáticos de aquel año inolvidable: Tesis, Éxtasis, Tierra y Familia, cuatro películas que reflejan la transformación que vivía el cine español en 1996.
Ciclo ‘Regreso al 96‘
El próximo viernes, 5 de junio, el especial abrirá con el fenómeno cinematográfico y cultural con el que debutó en la gran pantalla Alejandro Amenábar: Tesis. La cámara sigue a Ángela, una estudiante que investiga la violencia audiovisual para su proyecto doctoral. De manera accidental, se ve envuelta en una trama relacionada con las denominadas snuff movies. Además de marcar el nacimiento de uno de los cineastas españoles más internacionales, este éxito de público y crítica demostró que el thriller de calidad también podía triunfar en la taquilla nacional.
‘Tierra’ (1996), de Julio Medem.
El auge de la comercialidad sin complejos que caracterizó al año 96 también impregnó el filme, Éxtasis. El tono urbano y su retrato de una juventud azotada por la incertidumbre caló entre el público y consolidó a su director, Mariano Barroso, como una de las voces más interesantes del cine español. Con un reparto encabezado por Javier Bardem, Leire Berrocal y Federico Luppi, esta combinación de drama, acción y reflexión social se podrá revisitar en 8madridTV a partir de las 22:00 horas del viernes, 12 de junio.
Y si la nueva generación de directores que trajo la década noventera demostró su capacidad para hipnotizar visualmente al espectador, con Julio Medem el cine español encontró a uno de sus grandes poetas de la imagen. El realizador regaló al público la sensual y simbólica Tierra, fábula donde la llegada de un fumigador a una comarca vinícola pondrá patas arriba las vidas de quienes le rodean. Su inconfundible lirismo, narrativo y estético, llenará de magia la pantalla televisiva el 19 de junio.
El ciclo concluirá el viernes, 26 de junio, con Familia, la ópera prima de Fernando León de Aranoa. La premisa es tan brillante como desoladora: Santiago contrata a un grupo de actores para que interpreten a su familia ideal durante su 55 cumpleaños. Esta obra, que ahonda en temas como la soledad y la construcción de los vínculos sociales, le valió al realizador el Goya a Mejor Dirección Novel, consolidando un estilo de realismo crítico que marcaría el cine social venidero.
Manuel Menchón dirige y Álvaro Morte interpreta al poeta poniéndole voz en esta historia construida a partir de los documentos personales del poeta
Álvaro Morte interpreta La voz quebrada de Federico García Lorca en el documental dirigido por Manuel Menchón (La isla del viento, Palabras para un fin del mundo) sobre los últimos días del poeta. Una exploración sobre los secretos del autor granadino a través de sus documentos personales que se adentra en algunos de los datos que nos faltan sobre su vida. Entre otros, su voz, de la que no existen registros.
«Más allá del mito y la figura universal que ha trascendido generaciones, La voz quebrada se acerca al hombre que existió detrás del símbolo», explica la nota de prensa. «Una búsqueda que conecta memoria, amor y creación artística para ofrecer una nueva mirada sobre uno de los nombres fundamentales de la cultura española en el 90 aniversario de su trágico asesinato», concluye.
Otro título lorquiano en este 2026 que se une a estrenos como Enlorquecido, de Miguel Poveda, o la mismísima La bola negra, de Javier Ambrossi y Javier Calvo, premiada en el Festival de Cannes.
La película es una producción de K&S Films (Belén, El eternauta, Relatos salvajes), Pantalla Partida (Saura(s), La primera mirada) e Imagine! Films (Palabras para un fin del mundo), con la participación de RTVE y Canal Sur, con el apoyo de ICAA, Ayuntamiento de Madrid y Junta de Andalucía. La voz quebrada se estrenará en cines a finales del 2026 distribuida por Sideral.
Sinopsis de La voz quebrada
A partir de cartas, diarios y documentos ocultos durante décadas, La voz quebrada reconstruye los últimos días del poeta y arroja luz sobre algunos de los episodios más desconocidos de su vida. Entre ellos, un último secreto personal del poeta que ha permanecido oculto durante 90 años.
Lo insólito, lo sagrado, lo monstruoso y una inagotable fascinación por el poder de las imágenes se dan cita en uno de los imaginarios más singulares del cine español contemporáneo, que ahora llega a Filmin
Con más de 25 años de carrera y el recién anunciado rodaje de su primer largometraje, El futuro testamento, posiblemente una de las películas más deseadas de los últimos tiempos, es buen momento para hacer un recorrido por el cine de César Velasco Broca, quien a lo largo de lo que llevamos de siglo ha ido salpicando la cinematografía patria con algunas de las obras más desconcertantes jamás rodadas, con las que ha recorrido varios de los festivales internacionales más prestigiosos (Cannes, Locarno, Sitges, BAFICI o Slamdance) y que ahora están disponibles enFilmin.
La primera muestra de su imaginario quedó plasmada en Footsy (1996), un iniciático cortometraje rodado en super-8. En esta obra comienzan a vislumbrarse algunos de los rasgos que definirán su trayectoria: el despertar sexual y un marcado fetichismo hacia determinados elementos y atmósferas. En este caso, la obsesión por los pies del protagonista se convierte en el eje que impulsa el desarrollo de la historia.
Además de elementos vinculados con lo ceremonial y lo religioso (las primeras imágenes de esta película se sitúan en una boda), en Footsy se aprecia ya también el constante acercamiento a temas propios del fantástico clásico, la creación de monstruos y criaturas con técnicas artesanales y, por supuesto, su firme apuesta por el rodaje en celuloide.
Invasiones monstruosas del espacio exterior
Del super-8 dará el salto al 16mm, y entre los años 2000 y 2006 Velasco Broca realiza tres películas que a manera de trilogía quedan englobadas bajo el nombre de Echos der Buchrücken: Kinky Hoodoo Voodoo —akaSaturno al final del verano— (2000 – 2004), Der Milchshorf —aka La costra láctea— (2001) y Avant pétalos grillados (2006).
Tras estos enigmáticos títulos se esconden tres cortometrajes, rodados en blanco y negro, que comparten una serie de constantes temáticas y estilísticas: invasiones alienígenas, un sincero acercamiento a temas relacionados con el folclore, la cultura popular, la tecnología retro y la disociación entre imagen y sonido. Broca desarrolla una narrativa fragmentada y surrealista, que invita al espectador a completar el sentido de las imágenes.
El primer corto, Kinky Hoodoo Voodoo, convierte un campamento de verano en el escenario de una pesadilla sobre el paso a la pubertad y el impulso sexual. Para darle forma, el joven director echa mano de la ciencia ficción de serie B, de viscosas crisálidas que recuerdan a La invasión de los ladrones de cuerpos (1956) y de un surrealismo heredero del primer Buñuel.
‘La costra láctea’
La costra láctea continúa esta reflexión sobre la sexualidad, aunque con una propuesta más compleja. Rodada en la costa cantábrica, la película está llena de ingeniosos recursos de montaje, con imágenes de carácter naturalista y etnográfico sobre las que aterriza una invasión alienígena.
La obra surgió como respuesta a un encargo institucional para la realización de un vídeo de educación sexual para adolescentes. Obviamente, el resultado no cumplió las expectativas funcionales de quienes la encargaron y la película no se usó para los fines originalmente propuestos. Proyectada tiempo después en el programa Versión Española, ya es historia de la televisión el momento en el que Cayetana Guillén Cuervo dijo en antena que era «el cortometraje más raro emitido en la historia del programa».
‘Avant pétalos grillados’
La trilogía se cierra con Avant pétalos grillados, cortometraje con una exquisita planificación, y unos encuadres de sabor bressoniano que fragmentan los cuerpos. Cargado de gran potencia narrativa, en esta película Broca lleva aún más lejos la experimentación sonora y formal. Presenta a una serie de extraterrestres, esta vez con aspecto de insectos mutantes, que deciden asaltar una institución de exploración sonora para invidentes, a la par que muestran una total fijación por culturistas y escultores, quizás con el objetivo de encontrar el volumen perfecto.
El que más da, más tiene. Matemáticas de Dios
Su siguiente proyecto cinematográfico le conectó con José Val del Omar, figura clave del cine experimental español. Mientras residía en Berlín, Velasco Broca rodaba junto a Ion de Sosa, Imperio y Aurora, una película que retrataba decenas de besos entre parejas y exparejas. Fue entonces cuando recibió el encargo de realizar un documental sobre el cineasta granadino para el cofre Val del Omar, elemental de España, editado por Cameo. Durante el proceso de investigación, Velasco Broca descubrió una película familiar en la que Val del Omar aparece besándose con su esposa, Luisa Santos. Este hallazgo provocó que su Imperio y Aurora se fusionara con este encargo, y así surgió Val del Omar fuera de sus casillas(2010).
La película se estructura en dos partes claramente diferenciadas, separadas por los propios créditos que aparecen a mitad de metraje. La primera recorre el PLAT, el laboratorio Picto-Lumínica-Audio-Táctil donde Val del Omar desarrolló sus investigaciones audiovisuales. Situado en el barrio madrileño de Peñagrande, albergaba un fascinante conjunto de artilugios: cámaras y proyectores modificados, lentes, filtros, mesas de montaje y otros inventos de su propia creación, que actualmente forma parte de la colección del Museo Reina Sofía. La segunda parte ofrece esa bella colección de besos, heredera directa del proyecto inicial de Imperio y Aurora.
‘Val del Omar fuera de sus casillas’
Acabada esta película y Mil pesetas (2012), un brevísimo ensayo construido a partir del remontaje de materiales visuales y sonoros del propio Val del Omar, Velasco Broca desapareció como el Guadiana. Fue una larga temporada en la que muchos temimos que no volvería a hacer cine. Sin embargo, mientras residía en la India, encontró unos ojos por los que emerger de nuevo a la superficie.
La geografía y algunos vecinos deVaranasi, la ciudad india donde vivía, fue el germen de su siguiente obra: Nuestra amiga la luna (2016). Una demostración de que el cine de Velasco Broca, como más de una vez él mismo ha comentado en alguna entrevista, nace de las localizaciones. Desarrolla sus ideas a partir de ciertos lugares que encuentra y habita, espacios que luego transforma y recontextualiza. Otro ejemplo claro de esto está en la Ciudad Universitaria de Madrid, lugar que habitó durante sus años de estudiante de Comunicación Audiovisual y cuyos alrededores, con emblemáticos edificios como el Museo del Traje o La Casa de Brasil, se convirtieron en el distópico escenario de Avant Pétalos Grillados.
‘Nuestra amiga la luna’
Nuestra amiga la luna está inspirada en el Himno de la perla, un poema alegórico de los inicios del cristianismo, que sirve de argamasa para unir mundos poblados de los más variopintos personajes. En este corto se nota el papel fundamental que juega el montaje en las películas de Broca. La tensión que se genera, entre un plano y el siguiente, abre portales que conducen a universos paralelos; un espacio tiempo que parece no guardar relación con lo que le ha precedido, pero que, sin embargo, gracias a la fuerza y el lirismo de las imágenes, todo fluye con una extraña naturalidad, sin que podamos dejar de mirar la pantalla, sumiéndonos con absoluta devoción en las grietas que se forman, aunque no sepamos muy bien hacia donde nos va a conducir ese camino.
Los curas y diablos de Velasco Broca
De vuelta a España y con fuerzas renovadas para retomar su carrera cinematográfica, su proyecto Nuevo Altar (2017) fue el seleccionado por el X Films del Festival Punto de Vista de Pamplona para ser producido. Sorprendentemente rodada en color, el diablo se convertirá en protagonista de una historia con cura rural, en la que, con ciertos tintes lynchianos, los acontecimientos se van repitiendo con ligeras variaciones, en un tiempo suspendido para toda la eternidad.
‘Nuevo altar’
Ese mismo año de 2017 se presentó Ayudar al ojo humano, una combinación cósmica de varias obras realizadas por Velasco Broca, Lorena Iglesias y Julián Génnison; un ecléctico largo donde se reúne una serie de proyectos inéditos, incompletos o ya conocidos. De hecho Nuevo Altar y Nuestra amiga la luna forman parte del mismo. Todos juntos ofrecen un catálogo del inagotable imaginario narrativo de este trío, por el que desfilan ya sea delante o detrás de las cámaras algunos de los cómplices habituales, que de una forma u otra, han acompañado a Velasco Broca en su carrera cinematográfica: Luis López Carrasco, Beatriz Lobo, Chema García Ibarra, Miguel Llansó o Nacho Vigalondo.
Precisamente junto a Vigalondo Velasco Broca desarrolló la serie Las aventuras galácticas de Jaime de Funes y Arancha (2003), uno de los proyectos más locos salidos del audiovisual español, que aunque no llegó a emitirse por ningún canal, se convirtió en objeto de culto. Su episodio piloto todavía puede encontrarse en YouTube, al igual que algunas de las Escrituras Digitales que durante años realizó el cineasta, poemas visuales en los que experimentaba con todo tipo de imágenes y sonidos, de los más vanguardistas y noise a la música de grandes nombres de la lírica popular, con Julio Iglesias como cabeza de lanza.
A la espera del tan ansiado El futuro testamento, Alegrías riojanas (2022) es su última obra hasta la fecha, en la que el diablo interpretado por Ramón Churruca en Nuevo Altar vuelve a tomar protagonismo. En este último corto tienen cabida muchas de sus obsesiones; curas, monstruos, artistas plásticos, ambientes anacrónicos, elementos analógicos o referencias al propio hecho de ver. Otra vez, las localizaciones vuelven a ser pilar fundamental, desde lugares tan fascinantes como las cuevas de los Palomares de Nalda.
Llegados a este punto, con un cine que se mueve entre temas populares, canción ligera, cine de género, alienígenas, monstruos, pero también con complejas referencias a textos gnósticos, teológicos, leyendas medievales y experimentación sonora, caigo en la paradoja de clasificar las películas de Velasco Broca como inclasificables, pero también como obras que son auténtico disfrute de lo que es intrínsecamente lo cinematográfico.
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