El director de 'The Head' o 'El Ministerio del Tiempo' firma su tercer largometraje, de contenido autobiográfico, sobre la vida y enfermedad de su propia madre
Se rueda Las vidas posibles de mi madre, tercera película como director de Jorge Dorado. Una historia «profundamente personal» en la que el cineasta cuenta la historia de su propia madre a partir del manuscrito y las fotografías que encontró cuando esta fue diagnosticada con Alzheimer. Un filme que aspira a ser «el retrato de toda una generación de mujeres anónimas que lucharon por ser libres, amaron con intensidad y dejaron una huella silenciosa en la historia».
Protagonizada por Marina Guerola, Aída de la Cruz, Ana Wagener, Quim Ávila y Joan Solé, también cuenta con la participación de Mónica López e Isak Férriz, y la colaboración especial de Mercedes Sampietro. La película se está rodando en diferentes localizaciones de Catalunya, Luxemburgo y París.
Se trata del tercer largometraje como director de Dorado, tras Mindscape (2013) y Objetos(2022), en una carrera donde destaca su trabajo en series como The Head (2020-2025), El Ministerio del Tiempo (2015-2020) o Feria: La luz más oscura (2022), entre otras.
Las vidas posibles de mi madre es una producción de Fasten Films (España). Coproducen Vaca Films (España) y Deal Productions (Luxemburgo), con la financiación del ICAA, el ICEC, MEDIA Europa Creativa y el Film Fund Luxembourg. Cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus+ y Netflix.
Las vidas posibles de mi madre, una historia real
En palabras de Jorge Dorado: «Las vidas posibles de mi madrees el redescubrimiento de una mujer y, a través de ella, de todo un siglo de emociones, silencios y recuerdos».
En el año 2011 «mi madre se confundió de carril al tomar un desvío en la autovía y condujo varios kilómetros en dirección contraria. Asustado, la llevé a varios médicos y todos coincidieron en el mismo diagnóstico: Alzheimer, una enfermedad que ella sabía que tenía y se había esforzado en ocultarme a mí y a mis hermanos», explica el director.
«Como ya no podía vivir sola llegó el momento de vaciar su casa. Entre la documentación que acabó en mis manos había varios álbumes con fotografías y un disquete sobre el que había escrito a mano: Biografía», añade.
«En ese momento descubrí con todo lujo de detalles que mi madre había tenido una vida intensa, llena de encrucijadas, decisiones valientes y contradicciones. A los 22 años, en los años 50, fue madre soltera en París tras huir embarazada de la casa de sus padres, donde vivía una situación asfixiante. Durante los años 60 y 70 vivió entre amores imposibles, luchas políticas, cambios sociales y un deseo constante de ser libre», explica.
«En París y Madrid conoció a artistas, actores, militares e intelectuales que luchaban por cambiar el mundo… Nunca imaginé, hasta que leí la biografía completa, que mi madre hubiera podido ser testigo de la historia de España formando parte, a veces por accidente, de algunos de los acontecimientos más relevantes de esa época» cuenta Dorado.
Sinopsis de la película
Una mujer conduce en sentido contrario por una carretera. Es Luisa, tiene ochenta años y la memoria comienza a borrarle los caminos. Desorientada, se estrella. Su hijo menor, Jorge es un director en horas bajas, acostumbrado a rodar series y películas de encargo. Eva, la hija mayor, carga con un viejo resentimiento: que su madre no siempre dejó lugar para ella. Hace tiempo que ambos se alejaron de Luisa y entre ellos también hay una distancia que parece irreparable, pero el accidente los obliga a reencontrarse.
El director Javier Vila explica las claves de esta película que reconstruye la figura del poeta sevillano a través de los testimonios de otros autores y su propia correspondencia
«Si Velintonia 3 fuese la casa de un Premio Nobel de cualquier otro país de Europa, llevaría años siendo un museo», comenta Javier Vila, director del documental que recibe su título de la residencia de Vicente Aleixandre, poeta de la Generación del 27 y Premio Nobel de Literatura en 1977, uno de los cinco que tiene España. «Fue uno de los grandes poetas surrealistas, pero quizás su vida no es muy emocionante de contar, frente a Lorca, Alberti u otros de la época como Miguel Hernández. Pasó la mayor parte de su vida en la casa».
Velintonia 3, la película que llega este fin de semana a los cines españoles, resume a través de testimonios de historiadores y autores que conocieron a Aleixandre en vida la trayectoria de este a través de su casa. Un edificio que se ha pasado abandonado casi 40 años en la calle Velintonia de Madrid, cuya recuperación comenzó precisamente durante la producción del documental, pero en el que en su día el poeta se refugió y lo convirtió en epicentro de la vida cultural del «exilio interior» durante la dictadura.
La película de Oliver Laxe suma nueve posibilidades de premio tras conocerse las nominadas en las categorías técnicas de los galardones de la Academia Europea
Sirât, de Oliver Laxe, continúa con su exitoso recorrido internacional al sumar cinco nuevas nominaciones a los Premios del Cine Europeo (EFA, por sus siglas en inglés), que sitúan en total en nueve incluyendo Mejor Película y Mejor Dirección, y la colocan como una de las grandes favoritas junto a Valor sentimental, de Joachim Trier, o Bugonia, de Yorgos Lanthimos.
Hoy se han conocido las nominadas a ocho nuevas categorías, las llamadas ‘técnicas’, que incluyen áreas como la fotografía, el montaje, el diseño de vestuario o la dirección de casting.
En el caso concreto de Sirât, a las cuatro que ya tenía —Película Europea, Dirección, Guión y Actor para Sergi López— se unen Dirección de Casting, Fotografía, Montaje, Dirección de Producción y Diseño de Sonido.
Todos los miembros de la Academia europea votarán ahora para determinar los ganadores finales, que se conocerán en la ceremonia de entrega de los Premios del Cine Europeo, que se celebrará el 17 de enero de 2026 en la Haus der Kulturen der Welt, en Berlín.
Nominaciones técnicas a los 38º Premios del Cine Europeo 2026
Dirección de Casting
Nadia Acimi, Luís Bértolo y María Rodrigo por Sirât
Karimah El-Giamal y Jacqueline Rietz por Sound of falling
Yngvill Kolset Haga y Avy Kaufman por Valor sentimental
Dirección de Fotografía
Manu Dacosse por The stranger
Fabian Gamper por Sound of falling
Mauro Herce for Sirât
Banda Sonora
Jerskin Fendrix por Bugonia
Michael Fiedler y Eike Hosenfeld por Sound of falling
Hania Rani por Valor sentimental
Diseño de Vestuario
Michaela Horáčková Hořejší por Franz
Sabrina Krämer por Sound of falling
Ursula Patzak por Duse
Montaje
Cristóbal Fernández for Sirât
Toni Froschhammer for Die my love
Yorgos Mavropsaridis for Bugonia
Maquillaje y Peluquería
Gabriela Poláková por Franz
Irina Schwarz y Anne-Marie Walther por Sound of falling
Torsten Witte for Bugonia
Diseño de Producción
Laia Ateca por Sirât
James Price por Bugonia
Jørgen Stangebye Larsen por Valor sentimental
Diseño de Sonido
Johnnie Burn por Bugonia
Laia Casanovas por Sirât
Gwennolé Le Borgne, Marion Papinot, Lars Ginzel, Elias Boughedir y Amal Attia por La voz de Hind
Adriana Torrebejano, Carol Rovira, Marcel Borràs, Francesc Ferrer, Jordi Sánchez, Sílvia Abril y Santi Millán protagonizan la película
José Corbacho dirige Burundanga, la adaptación al cine de la conocida obra de teatro de Jordi Galcerán. La historia de una mujer embarazada que duda de la fidelidad de su pareja y la administra burundanga para hacerlo confesar… descubriendo sin esperarlo que forma parte de un comando terrorista etarra. Una «comedia romántica» que se presenta como «algo más».
Adriana Torrebejano, Carol Rovira, Marcel Borràs, Francesc Ferrer, Jordi Sánchez, Sílvia Abril y Santi Millán protagonizan la película.
Con la adaptación cinematográfica de Burundanga, José Corbacho realiza «una comedia clásica en la que quiere mantener y respetar al máximo el ritmo y los excepcionales diálogos del original teatral».
El rodaje de la película transcurre en diversas localizaciones del Barcelonès y el Maresme.
Es el primer largometraje de Corbacho como director desde Incidencias (2015), aunque recientemente firmó la serie Un nuevo amanecer (2024). La obra original, Burundanga. El final de una banda, se estrenó en 2011 en el Teatro Maravillas de Madrid, donde se sigue representando en la actualidad.
Se trata de una producción de Minoria Absoluta, Kowalski Films, Feelgood Media y Simulacre AIE, con la participación de 3Cat y Prime Video, y el apoyo del ICEC y el ICAA. La distribución en cines en España está cargo de Buena Vista Internacional y las ventas internacionales de Film Factory.
Sinopsis de Burundanga
Berta descubre que está embarazada y no sabe qué hacer, porque duda del amor de su pareja, Manel. Aconsejada por su amiga Sílvia, decide administrarle burundanga, la “droga de la verdad”. Cuando le hace efecto, Manel confirma que está enamorado de ella, pero también confiesa algo mucho más inesperado: forma parte de un comando etarra.
La película de Gabriel Azorín recibió también hasta cuatro galardones en el Festival Cineuropa, celebrado en Santiago de Compostela al mismo tiempo que el certamen francés
Anoche conquisté Tebas, de Gabriel Azorín, se ha alzado con el Grand Prix Janine Bazin del Festival Entrevues de Belfort (Francia) el pasado fin de semana. El certamen destacó el riesgo de las películas premiadas, firmadas por “una generación de cineastas que narran lo íntimo confrontándolo con lo político” y que “inventan gestos cinematográficos lúcidos y singulares”. Además, la película recibió una mención especial del jurado One+One, que subrayó su innovación en el uso del sonido.
Coincidiendo con la clausura de Entrevues, se anunció también el palmarés de Cineuropa, celebrado en Santiago de Compostela, donde el filme hizo historia al obtener cuatro galardones, incluido el de Mejor Película. Es la primera vez, en las 39 ediciones del festival, que su máximo premio recae en una coproducción gallega.
Además, la película recibió el premio a la mejor interpretación masculina, otorgado a todo el elenco, compuesto por Santiago Oliveira, António Martim Gouveia, Oussama Asfaraah, Pavle Čemerikić, Leandro Nunes, Miguel Melro, Gonzalo Herrero, Marcos Úbeda, Patrice Le Rouzic y Abdé Maziane. El filme obtuvo también el premio al Mejor Guion, coescrito por Celso Giménez y Gabriel Azorín, y una Mención Especial del Jurado Joven.
La trayectoria de Anoche conquisté Tebas
Desde su estreno en Venecia a principios de septiembre, Anoche conquisté Tebas ha pasado por más de veinte festivales internacionales y cierra 2025 con su estreno el 27 de noviembre en Madrid dentro del festival Márgenes, y el 12 de diciembre en Logroño dentro del festival Los trabajos y las noches. La película continuará su recorrido por festivales internacionales a la espera de su estreno comercial, previsto para primavera de 2026.
La película es una coproducción hispano-portuguesa producida por DVEIN Films, Filmika Galaika y Bando à Parte, y fue rodada íntegramente en las termas romanas de Bande (Ourense). La distribución corre a cargo de Begin Again Films.
El equipo técnico está formado por Gabriel Azorín (director y coguionista), Celso Giménez (coguionista), Giuseppe Truppi (dirección de fotografía), Miguel Ángel Rebollo (dirección de arte), Ariadna Ribas (montaje), Carlos Pardo Ros (producción) y María Antón Cabot (producción artística). Los actores protagonistas son Santiago Mateus (António), António Martim Gouveia (Jota), Oussama Asfaraah (Aurelio) y Pavle Čemerikić (Pompeyo).
La producción ha sido posible gracias al apoyo del ICAA (España), ICA (Portugal), Ibermedia, RTVE, TVG, AGADIC, FILMIN y RTP, así como a los fondos del Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia del Gobierno de España.
Norma Vila dirige su ópera prima, una reinterpretación del 'síndrome del nido vacío' que se rueda en el País Vasco
Se rueda en localizaciones del País Vasco la película Salitre, ópera prima de la directora bilbaína Norma Vila. Un thriller psicológico sobre una madre que intenta impedir que su hija se independice protagonizado por Nagore Aranburu y la joven Haizea Carneros, reinterpretando el llamado ‘síndrome del nido vacío’.
La película nace de una idea original de la guionista Candela Echenique. Según la información remitida a prensa, Vila propone «un acercamiento profundamente humano a la figura de la mala madre, un arquetipo escasamente representado en la tradición cinematográfica, donde la maternidad aparece a menudo idealizada o reducida a clichés».
La directora reflexiona sobre «el miedo más latente en Salitre: el temor de Maite a perder a su hija y a perderse a sí misma». La película «consiste en un viaje psicológico que combina drama, terror y body horror para narrar, sin juicios morales y desde una perspectiva femenina, una historia sobre la maternidad real, frágil y compleja».
El rodaje de Salitre ha empezado esta semana y concluirá el 18 de diciembre, desarrollándose entre las localidades de Bilbao, Arrigorriaga, Munguía, Bermeo, Mundaka e Isla.
Cuenta con Eduardo Carneros, David Naranjo, Gonzalo Gilsanz, Mamen Tortosa, Andrés Salmoyraghi y Ricardo Uhagon como productores ejecutivos. Kiro de la Rica es el director de Fotografía, Idoia Esteban es la directora de Arte, Iñaki Madariaga es el responsable de Efectos Especiales y Aranzazu Calleja firma la banda sonora.
Salitre está producida por Ipuin Kontalaria Aie en coproducción con Euskadi Movie, Pris & Batty Films, Bondi Stories, y Festival Films. Cuenta con la participación de EITB y RTVE y los incentivos fiscales del Territorio de Bizkaia.
Maite (Nagore Aranburu) vive entregada a dos pilares que dan sentido a su existencia: su hija Nerea (Haizea Carneros) y su negocio de mariscos, un vivero natural excavado al borde del acantilado sobre el que se erige la casa donde ambas residen. Su rutina, austera y metódica, se tambalea cuando Nerea anuncia su intención de mudarse a Barcelona para estudiar arte. Lo que para Nerea supone un paso hacia su independencia, para Maite se convierte en una amenaza.
Algunos académicos denuncian que 'El corto de Rubén', entre los 15 preseleccionados a Mejor Cortometraje de Animación, no cumpliría las bases de los premios por su inclusión de la IA. El equipo del cortometraje defiende que no se ha sustituido la autoría humana
No hay previa de los Goya sin drama alrededor de las bases, los cortos y alguna posible nominación. En este caso, la inteligencia artificial centra las reclamaciones de una parte de los académicos alrededor de la selección en la short-list (los 15 candidatos a Mejor Cortometraje de Animación) del cortometraje El corto de Rubén, de José María Fernández de Vega. El mismo incluye en sus créditos una canción interpretada por la voz una cantante creada presuntamente con IA generativa, llamada ‘Ai Tiana’, y, según los contrarios a su selección, compuesta también con dicha herramienta.
La polémica fue adelantada por el diario El Mundo, y se ha mantenido en las redes sociales de algunos de los implicados. La controversia gira alrededor de hasta qué punto el uso de la IA ha contravenido o no las nuevas bases de los Premios Goya, que sostienen que esta puede utilizarse si se acredita adecuadamente y no sustituye en el proceso de creación de la obra a la autoría o supervisión humanas. Los críticos interpretan que los roles de cantante o compositor están protegidos como autoría humana y han sido usurpados en este caso.
El productor Xosé Zapata, presidente de Pixel Cluster, asociación de empresas de animación de Madrid, es uno de los académicos que remitió documentación a la gerencia de la Academia de Cine y reclamó explicaciones al respecto, hasta el punto de, como ha declarado a Cine con Ñ, «exigir que ese cortometraje sea descalificado, ya que hay una normativa que es muy clara y este cortometraje la incumple, y lo admite en los propios créditos».
Zapata y Manuel Cristóbal, otro de los académicos que habría impugnado esta decisión, apuntan también a que personas cercanas a la producción del corto habrían bloqueado la posibilidad de que se reuniesen los representantes de la especialidad de animación en la Academia de Cine, así como la Junta Directiva, para discutir la pertinencia de la selección del cortometraje.
Fuentes de The Glow Animation Studio, productora de El corto de Rubén, han asegurado a este medio que el cortometraje cumple con la normativa y certificó el uso de herramientas de inteligencia artificial tal y como exigen las bases de los Goya 2026. Añaden que en ningún momento estas han sustituido la labor del creador humano y que se atienen a la letra de la norma, e interpretan que las críticas al corto «responde a algún tipo de interés personal o de enturbiar la carrera a la nominación».
Las mismas fuentes, a la pregunta de Cine con Ñ de si «Ai Tiana» es una voz creada con inteligencia artificial generativa, se han negado a confirmar o desmentir el extremo.
Qué dicen las bases de los Goya 2026 sobre la IA
La Academia de Cine ha comunicado a Cine con Ñ que no va a entrar a valorar ninguna de estas cuestiones, remitiéndose a las bases de los Goya 2026, que se pueden consultar en su web. El quid de la cuestión se encontraría en el punto 3.4, que se refiere al ‘Principio de autoría humana’ y especifica los casos en los que sí y en los que no está admitido el uso de la inteligencia artificial.
Según estas bases, «solo podrán optar a los Premios Goya aquellas obras cuya creación y desarrollo artístico y técnico estén liderados por personas físicas identificables. El reconocimiento a la autoría humana constituye un principio esencial de estas bases, y deberá prevalecer incluso cuando se utilicen herramientas tecnológicas o sistemas de inteligencia artificial durante el proceso de producción».
El punto 3.4.2, sobre el ‘Uso permitido de inteligencia artificial como herramienta de asistencia’, apunta que «será admisible únicamente como herramienta de apoyo» siempre y cuando «No sustituya la autoría humana de forma integral o mayoritaria en la concepción, ejecución o expresión artística de la obra» y «No se generen elementos fundamentales de la película sin una supervisión directa y una intervención creativa sustancial por parte de personas físicas responsables».
Aparte, este segmento de la regulación apunta a la necesidad de una declaración de uso de la inteligencia artificial,así como la evaluación por parte de la Academia de si esta cumple con los puntos anteriormente expuestos. Ambos requisitos se habrían cumplido en el caso de El corto de Rubén, tanto según fuentes consultadas de la productora como de la propia Academia, antes de declararlo elegible.
De qué va El corto de Rubén y por qué usa IA
El corto de Rubénes la historia de Javier, un amante del cine que se decide a rodar su primer corto de terror, además en animación. Una idea que va cambiando conforme el productor y el inversor principal le imponen guionista, director de arte e incluso una directora que lo sustituye, en una parodia de la industria que incluye cambios en el estilo de animación cuando algún personaje sugiere hacerlos en el corto ficticio dentro del corto.
La canción presuntamente generada por IA, cuya composición firma José Antonio Pozueco —la música del corto es de Óscar López-Plaza—, aparece solo al final de los títulos de créditos, con una cantante llamada Ai Tiana que, confirman las mismas fuentes consultadas de la productora, es generada por inteligencia artificial y cuya nombre es una broma que admite pocas interpretaciones.
En este caso quedaría el debate de hasta qué punto una canción en los títulos de crédito es «un elemento fundamental» del cortometraje y si, de hecho, la misma naturaleza paródica y el contenido del mismo no admiten la broma de un añadido de forma explícita generado con IA. A este respecto, Zapata ha declarado que «eso son elementos subjetivos, da igual de qué vaya el corto, la cuestión es que no cumple con la normativa».
La mitad (49%) de los casi 60 casos recibidos por la Unidad de Prevención y Atención Contra las Violencias Machistas en su primer año provienen del sector audiovisual
El sector del cine concentra la mayoría de las denuncias por agresión sexual en la Cultura en España. De los 59 casos recibidos en su primer año de existencia por la Unidad de Prevención y Atención Contra las Violencias Machistas en el Sector Audiovisual y Cultural, un 49% procedían del audiovisual, que supera de largo a cualquier otro sector cultural en ese sentido.
El Ministerio de Cultura y la Academia del Cine hicieron balance del primer año de existencia de la Unidad en un acto celebrado en la sede de la segunda en Madrid este martes 25 de noviembre, Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, conducido por la cineasta Jennifer de la Rosa y en el que analizaron los datos Jazmín Beirak, directora general de Derechos Culturales del Ministerio de Cultura, y Inés Enciso, coordinadora del departamento de Desarrollo e Investigación de la Academia de Cine.
Entre otras cifras, Beirak aclaró que en su primer año de existencia la Unidad ha recibido 55 llamadas y cuatro consultas de asesoramiento colectivo por un mismo agresor. El 67% de las denuncias corrieron a cargo de las propias víctimas y un 32% de parte de su entorno. El sector del cine concentró un 49% de los casos, frente al 11% de las artes escénicas o el 7,14% de la música. Un 43% de estas fueron de agresión sexual y un 36% de acoso y abuso.
Llama la atención con de los 55 casos individuales, solo un 43% decidió hacer uso de los servicios, ya sean jurídicos o psicológicos, de la unidad, y que por tipo de consulta precisamente un 60% lo fueron sobre el tipo de acompañamiento que esta ofrece. Beirak también subrayó que la mayoría de los casos, el 52%, se hicieron sobre hechos ocurridos hace más de un año, y solo el 27% a casos pertenecían al presente, es decir, estaban ocurriendo en el momento de la llamada. Un 49% de las consultas fueron por teléfono y otro 49% por correo.
Protocolos de actuación antes las violencias machistas
Las expertas han interpretado esta mayor presencia del sector audiovisual en la participación de la Academia de Cine en la creación de la Unidad, que ha permitido un mayor conocimiento de la misma por parte de sus profesionales. También a los protocolos en marcha, como el que presentó Enciso durante el acto y complementario con el que ya existe en el Ministerio de Cultura, pensado para ser adaptado por instituciones y empresas.
La responsable de Cultura señaló como la creación del protocolo se enmarca en las acciones del Plan de Igualdad en la Cultura 2024-2026, el cual se enmarca a su vez en el plan de Derechos Culturales del Ministerio. «Llega tarde, pero era un paso que habia que dar» y surge como una «demanda expresa de las entidades» del Observatorio de Género del ministerio de Cultura, existente desde 2018.
El objetivo era tratar los posibles casos de agresión sexual atendiendo a las especificidades del sector cultural, como la precariedad estructural, el trabajo con el cuerpo o los espacios de ocio y trabajo mezclados, entre otras.
La Unidad, resumieron, se mueve en tres líneas de acción: el servicio de atención psicológica y jurídica ante cualquier tipo de violencia y las acciones de prevención, divididas entre el protocolo en sí y las acciones formativas. El día a día de la Unidad es gestionado por la organización ASPACIA, especializada en violencias sexuales.
En su turno, Inés Enciso hizo hincapié en la creación del protocolo de la Academia de Cine a partir de la experiencia acumulada por la propia Unidad y otras entidades como la Academia de Cine catalana, la valenciana, CIMA, APDICE o Dones Visuals, que han desarrollado sus propios textos y ya llevan tiempo trabajando en políticas similares.
Entre las líneas de actuación presentadas por la Academia en ese sentido, destacó la creación de una página web que centralice la información y los canales de comunicación. En cuanto al protocolo, divide su actuación en tres fases: prevención (formación, códigos de conducta); detección y actuación (comisiones, garantías), y formación (que permita detectar antes y saber cómo actuar en los diferentes casos.
En el acto también participaron el presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite, y el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, quienes reafirmaron su compromiso con la erradicación de este tipo de agresiones, la colaboración entre ambas instituciones y la confianza en un sector libre de violencias machistas.
Guión: Irene Rodríguez, Alba Lucío, Tatiana Rodríguez (Novela: Sonsóles Ónega)
Reparto: Verónica Sánchez, Carlota Baró, Alain Hernández, Martina Cariddi, Judith Fernández, Álex Villazán, Tomy Aguilera, Álex Gadea, Xoel Fernández, Fede Pérez, Alicia Armenteros, Iolanda Muíños, Roque Ruiz, Fran Nortes, Adrián Ríos, Carlos Villarino, Camila Bossa, Alba Loureiro y Alejandro Vergara
Fotografía: Daniel Aranyo
Música: Zeltia Montes
Productora: Nosotromo Pictures, Netflix, Dylan Clark Productions, Chris Morgan Productions
Sinopsis
Galicia, 1900. En el pazo de Espíritu Santo llegan al mundo dos niñas, Clara y Catalina. La primera pertenece a la criada, Renata, mientras que la segunda es hija de los Valdés, don Gustavo y doña Inés. Una venganza inesperada sacudirá la vida de esas niñas y de todos ellos, y hará que doña Inés tenga que sobrevivir al desamor y al dolor del abandono. Y también a las luchas de poder para convertir a su verdadera hija en la heredera de un imperio, en una época en la que a las mujeres no se les permitía ser dueñas de sus vidas. Adaptación de la novela de Sonsoles Ónega, ganadora del Premio Planeta.
Lo que tienes que saber
Inspirada en el fenómeno literario de Sónsoles Ónega (Premio Planeta), es un drama ambientado entre Galicia y Cuba a principios del siglo XX que ofrece un retrato de la época a través de la poderosa saga familiar de los Valdés. Una historia marcada por amores prohibidos, traiciones, luchas de clases y secretos, en un contexto en el que las mujeres comienzan a desafiar las normas que limitan su destino.
Intervenciones: Irantzu Varela, Andrea Momoitio, Yulia van der Bom, Rakel García, Beatriz Silva
Fotografía: Emilia Martín, Andrea Martínez
Música: Es amour, Ezta toujours, Merina Gris
Productora: Al Borde films S. Coop. Pequeña
Sinopsis
Esta es la historia de una obra que no pudo hacerse solo con mujeres. Parece sorprendente pero, ¿cuántas veces habéis llamado para que os arreglaran una avería en casa, y os habéis encontrado con una mujer al abrir la puerta? Seguro que no muchas. Irantzu Varela y Andrea Momoitio son dos transgresoras periodistas y comunicadoras que deciden transformar un centenario atelier de vestidos de novia en el primer centro cultural feminista de la ciudad: La Sinsorga. Su principal motivación es llevar a cabo toda la obra solo con mujeres y que este proyecto pionero sirva para crear una base de contactos de mujeres dentro del sector de la construcción. Sin embargo, al abrir la puerta, se encuentran con la dura realidad que hay detrás de un sector tan profundamente masculinizado; y es que el patriarcado pesa más que una caja de herramientas.
Cinco obreras son las encargadas de reconstruir este emblemático edificio de cuatro plantas, antiguo símbolo del amor romántico. Durante un año, vemos cómo la transformación se va abriendo paso desde lo invisibilizado de su trabajo, a través de un relato donde el costumbrismo de la obra convive con un universo performático en el que asoman los miedos y deseos que atraviesan el proyecto. “Llámame sinsorga” retrata las dificultades y violencias que experimentan aquellas mujeres que deciden realizar trabajos que se suponían de hombres. Las protagonistas se enfrentan a numerosos obstáculos que pondrán en peligro la inauguración y puesta en marcha del espacio, pero es su amor y convicción en lo que están haciendo lo que las mantendrá a flote.
Lo que tienes que saber
La película de Marta Gómez y Paula Iglesias (Flying Hands) acompaña a las periodistas Irantzu Varela y Andrea Momoitio en el proceso de levantar La Sinsorga, un centro cultural gestionado y reconstruido principalmente por mujeres. La obra pone en primer plano el trabajo invisibilizado de cinco obreras —carpinteras, interioristas, bricoladoras— que enfrentan los prejuicios de un sector masculinizado.
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