La actriz y cómica desgrana su papel como madre de una joven en el mundo del rap improvisado que retrata la ópera prima de Ingride Santos, ya en salas
Tras pasar por festivales de todo el mundo, llega a los cines Ruido, la película española inspirada en la cultura del freestyle urbano. La ópera prima de Ingride Santos, con el aval de ser la primera película original de Filmin, cuenta la historia de una joven que, tras perder a su padre, encuentra en el rap un espacio en el que volcar todo lo que lleva dentro.
Ruido está protagonizada por Latifa Drame (Lati) y Judith Álvarez (Judy), dos artistas musicales reales que se convierten en alumna y maestra para abrirse camino en el mundo del freestyle, el estilo de rap improvisado que se ha hecho popular a través de competiciones en las que dos artistas rivalizan a base de rimas.
A Drame y Álvarez, que debutan como actrices en la ficción, las acompaña en el reparto Asaari Bibang. Conocida por su faceta cómica y su contenido en redes sociales, Bibang se destapa como actriz dramática en el papel de Aminata, madre de Lati y mujer trabajadora que, tras perder a su marido, tiene miedo de que el sueño artístico de su hija la aleje de la estabilidad que tanto le ha costado construir.
En una entrevista para Cine con Ñ, Bibang explica que llegó a Ruido precisamente a través de su trabajo en comedia y sus posts en Instagram: «Ingride [Santos, la directora] me conocía por todo eso, así que cuando escribió el personaje de la madre, por lo que sea, le vine yo a la cabeza». Tras hacer la prueba con otras actrices, Bibang fue seleccionada. Era Aminata.
Asaari Bibang, la actriz que vuelve al cine
Aunque en España la conozcamos sobre todo por sus espectáculos de comedia o por su pódcast No hay negros en el Tíbet, a Bibang le gusta recordar que ella viene «del cine, de la interpretación. Lo que pasa es que, entre las pocas oportunidades que hay, y más aún de hacer cosas distintas, decidí dejarlo aparcado durante un tiempo y empezar con mi propio proyecto de tener un show de comedia. Pero yo había empezado desde el lado que ahora puedo mostrar en Ruido».
La actriz reconoce también que los 14 años que llevaba sin ponerse a interpretar un papel delante de una cámara le pesaron psicológicamente antes de empezar a rodar: «Todo ese tiempo sin hacerlo te da inseguridad. Piensas que has perdido un poco tu flow y que cuando te vayan a poner esa cámara adelante igual no te salen ni las palabras».
Pero, como dice ella misma, «la que tuvo, retuvo». Asaari Bibang se dio cuenta de que, aunque llevaba muchos años sin hacer ficción, en realidad «llevaba ocho años subida a un escenario, intentando hacer reír a la gente. Es muy difícil hacer eso. Te curte y te da experiencia artística e interpretativa también». Al final, su camino en la comedia «me ha dado muchísimas herramientas para enfrentarme también a este personaje que, pese a ser dramático, no deja de ser arte».
En este regreso a la pantalla, la intérprete tiene muy claro cuál fue su mayor reto: «Lo más difícil en una película no es tanto interpretar, sino interpretar para cine, en unas condiciones en las que se te pueda grabar». Las marcas, los cambios de plano, la entrada en el encuadre, la continuidad… son aspectos del cine a los que se ha tenido que «volver a acostumbrar». Por eso agradece también el trabajo fundamental de «un equipo maravilloso», desde la dirección de fotografía (Beatriz Sastre) a vestuario (Berta Gellida y Carla Vega). «Sin ellas no sería posible», dice.
Asaari Bibang interpreta en Ruido a una mujer originaria de Malí que tiene que sacar adelante a sus dos hijas sola en Barcelona. «El personaje me encantó desde el principio porque no era estereotipado», comenta la actriz, que explica que, además de lo que ya estaba definido en el guión, le ayudó a crearlo su experiencia «como hija de madre inmigrante, ver cuál ha sido nuestra vivencia compartida, cuáles han sido nuestros fuertes y debilidades, dónde hemos chocado más y donde menos».
Con referentes cinematográficos como la madre superiora de Sister act(1992), se fue dando forma a Aminata, una mujer que tiene que lidiar con la desaparición de su marido y no entiende por qué su hija se quiere embarcar en el rap mientras descuida sus estudios. Un personaje que muchas veces no se expresa tanto desde la palabra como desde el gesto: «Para mí fue muy importante trabajar la escucha para que los tiempos de cada mirada o cada expresión entren cuando tienen que entrar».
Bibang comparte casi todas sus secuencias con la protagonista, Latifa Drame. «Con Lati hubo una conexión casi instantánea desde el primer casting online [debido a la pandemia] que hicimos. Pese a la distancia, hubo mucho feeling». La actriz, que destaca también «la sororidad y el amor entre nosotras», asegura que ha aprendido mucho de las actrices debutantes, Drame y Álvarez: «No solo de rap, sino también de esa tranquilidad y disfrute, de ese ‘no tengo ni idea de lo que estoy haciendo pero me lo estoy pasando bien’, que a veces pierdes con la edad y la autoexigencia máxima».
Asaari Bibang concluye la conversación animando a ver Ruido en los cines: «Es una apuesta distinta en el cine español y, viendo cómo sale la gente de verla, entiendo que no solo te entretiene por la parte del rap y un mundo que es muy poco conocido, sino que también te habla de comunidad, de lealtad, de sentimientos tan universales como la relación con una madre o una hija o de la necesidad de transformación social de vidas precarizadas y en los márgenes». Para poder disfrutarla, entonces, cree que «no hace falta tener un perfil concreto, solo ser un ser humano al que le lleguen las cosas al corazón».
Un "reformamos tu casa" feminista en el que para construir el espacio seguro físico (el centro cultural que da nombre a la película) es necesario el espacio seguro laboral y simbólico (una cuadrilla solo de albañilas)
Llámame Sinsorga es la historia del Centro Cultural Feminista La Sinsorga de Bilbao, impulsado por las periodistas Irantzu Varela y Andrea Momoito. Su objetivo es convertir en espacio de encuentro cultural el edificio de un antiguo atelier de vestidos de novia, pero se lo ponen difícil: solo quieren que trabajen mujeres en la obra, algo bastante complicado en un sector tan masculinizado como la construcción. El documental recorre su trabajo y también la creación de un archivo de albañilas y especialistas para toda España.
Llega a cines este documental de Paula Iglesias y Marta Gómez (Flying Hands, Fabricando mujeres) que tiene el gancho mediático, al menos dentro de cierto nicho comunicativo, de las dos periodistas de Píkara Magazine como protagonistas, o más bien conductoras de la historia. El juego está en que para construir el espacio seguro físico —el edificio— necesitan el espacio seguro laboral —la cuadrilla solo de mujeres—, y luego ya pues que cada cual entienda las metáforas, aunque por si acaso te las dejan claras varias veces.
El remate de Llámame Sinsorga es que el edificio que reforman fuese anteriormente una tienda de trajes de novia, símbolo supremo, al menos según la película, de la mujer sumisa oprimida por los mitos del amor romántico, que no desaprovechan para alguna escena con Varela —el coco para cierto sector del heteropatriarcado, curiosamente el que queda según se entra más a la izquierda, ustedes me entienden— echándose un piti vestida de novia.
Llámame Sinsorga, pero pásame la sierra
Es complicado reseñar más allá de la anécdota Llámame Sinsorga porque aunque tiene sus momentos de fantasía aprovechando el escenario de ambiente de boda que están desmontando, su estructura es la de un reality de los de «reformamos tu casa», pero feminista. Así, deja momentos graciosos como cuando Momoito y Varela (hacen como que) buscan en internet mujeres en la obra y les aparece lo que se pueden ustedes imaginar (y que no se muestra a cámara, o caeríamos en el ozorismo que obviamente esta película no busca).
Normalmente tenemos secuencias de ver el día a día de las trabajadoras, otras de las protagonistas analizando como va la obra y su siguiente objetivo. Se plantea un problema, lo solucionan, a veces buscan un o una especialista que las asesore para algo concreto. En el descanso valoran por qué son importantes los espacios seguros y/o ocupados completamente por mujeres. Surge otra movida. La vuelven a arreglar. Secuencia con música en la que las vemos trabajar. Y siguiente.
Es así porque no hace falta más: se trata de que al acabar Llámame Sinsorga entiendas por qué hacen lo que hacen y para qué lo hacen —si eres ajenos a su espacio o su militancia—, lo celebres —si ya lo conocías— o sepas que eres bienvenida —si buscabas un lugar así en el que estar como este—. En ese sentido, Gómez e Iglesias hacen su trabajo procurando que si esto lo ve alguien que desconozca completamente todo de lo que allí se habla no se pierda, pero al mismo tiempos las fans de Varela reciban su dosis.
Sinsorgo tú, sinsorga yo
En algunas zonas del País Vasco un sinsorgo o una sinsorga es alguien «insustancial y de poca formalidad», cosa que certifica la mismísima RAE. El centro cultural se aferra a aquello de resignificar los insultos queriendo dar visibilidad y espacio a las mujeres, a las que se considera de poca importancia o irrelevantes. El documental, ya que está, las empodera poniéndoles un taladro en la mano, de manera que cuando digan que ese lugar lo levantaron ellas con el sudor de su frente no será una forma de hablar.
Así que Llámame Sinsorga es muy recomendable para el público feminista militante, que lo va a gozar cual marrano en la charca, y luego para los demás en función de la curiosidad por las condiciones de las mujeres en el mundo de la construcción o cómo funcionan el mundo de la militancia y las cabezas de activistas como Momoito y Varela, que se toman muy en serio la cuestión y muy poco a sí mismas. Y, bueno, si te molestan estas cosas por tus movidas, la puedes ver para enfadarte, que de todo hay en la viña del señor.
Reparto: Lucía Díez, Ana Polvorosa, María León, Mariola Fuentes, Leticia Dolera, Omar Ayuso, Carolina Rubio
Fotografía: Marino Pardo
Música: Joan Vilà
Productora: Gamera Studios, Apoyo Positivo
Sinopsis
En las sombras de la historia, el secreto late como un pulso. Unas hermanas vampiras sobreviven a la escasez de “sangre humana limpia” debido a la Peste Negra, pero el verdadero veneno es el silencio que las rodea. Siglos después, una de sus descendientes se enfrenta al mismo conflicto en la pandemia del SIDA en España, y descubre que la condena social sigue siendo la misma. Y que el amor entre “enfermos” y “sanos”, humanas y vampiras sigue provocando el mismo terror. ¿Qué sucede cuando la eternidad se mide en siglos de silencio?
Lo que tienes que saber
Estrenada en el Festival de Locarno, Silencio es la primera serie como director de Eduardo Casanova (Pieles, La piedad). La miniserie reimagina el mito vampírico.
El cineasta malagueño firma su primer largometraje tras una larga carrera en Hollywood como montador y una exitosa trayectoria en festivales con sus cortometrajes
Ha terminado en Los Ángeles el rodaje de Me, after you, la ópera prima del cineasta malagueñoRubén Navarro. Una historia de duelo y amor en clave LGTBIQ+ que reflexiona sobre la identidad, la inmigración y la propia creación artística. Rodada en inglés y en español durante cuatro semanas se presenta como «un drama sobre la reconstrucción emocional» a partir de la experiencia de un escritor español residente en Estados Unidos al que abandona su pareja.
El reparto internacional está encabezado por el actor español Alex Sorian Brown (Hora y Veinte, Al final todo va a estar bien), la actriz argentina Sofía Kunz (Kiss of the Con Queen) y el italiano Giacomo Rocchini (Cabrini, Catch-22). Completan el elenco Cristo Montt (Los Espookys), Elisabetta Fantone (Big Eyes) y la veterana Ros Gentle (American Horror Story).
Me, after you se ha filmado en localizaciones emblemáticas como Downtown, Hollywood Boulevard, el LACMA y el Aeropuerto LAX, con el objetivo de capturar «la vitalidad multicultural de la ciudad», según su director.
«Esta película es una carta de amor a Los Ángeles y a quienes llegan aquí buscando redescubrirse», explica Navarro. «Me, after you es también un homenaje a la diversidad real de esta ciudad y a las historias que nacen del encuentro entre culturas, lenguas y formas de amar».
Navarro es conocido por una trayectoria internacional que incluye selecciones en más de cien festivales —como Palm Springs ShortFest, Outfest Los Angeles o BFI Flare—, además de galardonado en certámenes nacionales como el Festival de Málaga o el Festival de Cine Europeo de Sevilla.
El largometraje está producido por RURU Films (Rubén Navarro y Dalia S. Beltrán), en colaboración con Lanube Películas (Jose Carmona). Completan el equipo técnico Marko Alonso en la dirección de fotografía y Silvia Martín en el diseño de vestuario, ambos españoles con amplia trayectoria en Hollywood.
Sinopsis de Me, after you
Ambientada en el vibrante paisaje angelino, la película narra la historia de Daniel (Sorian Brown), un escritor español que mantiene una intensa y compleja relación con Andrea (Rocchini), un hombre italiano. Cuando Andrea regresa a Italia con su novia, Daniel queda profundamente devastado, hasta que conoce a María (Kunz), una joven argentina atrapada por las expectativas sociales. A medida que la relación entre ambos avanza, deberán enfrentarse a sus miedos y aprender a reconciliarse con su verdadera identidad.
El 22 de diciembre vuelve a Prime Video la serie de comedia de Rodrigo Sopeña con nuevos invitados como Leo Harlem, Lolita Flores, Clara Lago, Fran Perea, María Adánez o Carlos Hipólito, entre muchos otros
El 22 de diciembre llega el Gordo y arranca oficialmente la Navidad. Y este año, llega también Atasco 3. La tercera temporada de la comedia de Rodrigo Sopeña para Prime Video se estrenará con un embotellamiento kilométrico en plena operación salida de Madrid previa a las fiestas. Seis nuevos episodios entre el humor absurdo y gamberro marca de la casa.
Entre los nuevos fichajes de la retención interminable estarán Lolita Flores, Leo Harlem, Clara Lago, Salva Reina, Carlos Chamarro, Mélani Olivares, Dafne Fernández, Carlos Santos, Bárbara Santa-Cruz, Fran Perea, María Adánez, Luis Callejo, Mariam Hernández, Alejo Sauras, Llum Barrera, Carlos Hipólito y María Galiana, entre otros grandes.
Además, estará la aparición estelar de Ramoncín e invitados de la televisión y las redes como Grison, Patricia Conde, Agustín Jiménez, Flipy, Diego Arroba “El Cejas” o Daniel Fez o incluso la campeona del freestyle Sara Socas.
https://www.youtube.com/watch?v=jNN2Ieb9VhU
Creada y dirigida por Rodrigo Sopeña, la producción de la tercera temporada corre nuevamente a cargo de Onza, en colaboración con Prime Video y Publicis Rebellion y cuenta con José María Irisarri y Gonzalo Sagardía como productores y Santiago de la Rica, Valentina Pozzoli, Enrique Fernández-Galiano y Rodrigo Sopeña como productores ejecutivos.
Sinopsis de Atasco 3
¿Qué hay más navideño que un gran atasco? Una abuela rebelde, un profesor tiquismiquis, una modelo vengativa, un rockero dado por muerto… La noche del 22 de diciembre ocurren aventuras sorprendentes, cómicas y emotivas sobre el asfalto.
En un cine contemporáneo obsesionado por la duplicación, Alberto Gastesi propone un gesto contracultural: colocar la tecnología en el corazón de los afectos perdidos
EnSingular, Alberto Gastesi no solo narra una historia, sino que disecciona la esencia de la identidad humana frente a la inteligencia artificial. La película analiza cómo la tecnología no es solo un instrumento, sino un espejo que devuelve una versión distorsionada de nuestra memoria, de nuestros afectos y de lo que creíamos irrevocablemente perdido. En la era de la IA, Gastesi pregunta: ¿qué queda de lo humano cuando todo puede replicarse?
La trama sigue a Diana (Patricia López Arnaiz), investigadora en IA, que vuelve a la casa junto al lago donde vivió con Martín (Javier Rey) y su hijo fallecido hace doce años. La aparición repentina de Andrea (Miguel Iriarte), un joven de presencia inquietante, además de muy parecido a su hijo, abre una grieta y reaviva el duelo de Diana.
Andrea se presenta como un eco del pasado y una incógnita del presente: ¿es acaso real? El director de La quietud en la tormenta (2022) no da respuestas; nos invita a explorar la autenticidad de nuestros recuerdos y a preguntarnos hasta qué punto la tecnología puede emular lo que sentimos. La IA no se muestra como amenaza, más bien como una posible tabla de salvación.
La memoria y el duelo en Singular
La película se convierte en un thriller psicológico donde el guión experimenta un bucle narrativo, un impulso de repetición. Cada interacción de Diana con Andrea es un recordatorio de que nuestra memoria y nuestros afectos pueden ser simulados, pero no replicados completamente.
La cámara combina grandes planos generales con gestos mínimos: una mano que tiembla al tocar una taza, una mirada que evita el contacto directo. Cada plano parece contener la tensión de lo no revelado, de lo no resuelto. Gastesi utiliza el espacio como un reflejo del estado emocional de los personajes; la casa, la lancha, y el coche son un personaje más.
A la postre, todos esos elementos son testigos mudos del misterio que late bajo la estructura en espiral del guión. Cada rincón funciona como un laboratorio emocional, un escenario en el que escenificar un duelo que no admite atajos.
La delgada frontera entre lo humano y lo artificial
Es imposible ver Singular sin acordarse de Steven Spielberg y su A.I Inteligencia artificial (2001). En aquella ocasión era un niño meca el que sufría por la pérdida de su madre y un grupo de científicos conseguía hacer una réplica exacta de ella, con el inconveniente de que solo podía vivir un día. La influencia del director norteamericano en Singular es más acusada que la que pudiera tener Kike Maíllo con Eva(2011), donde planteaba los peligros de la IA al presentar a una hija-máquina con impulsos homicidas.
En cierto modo, Singular guarda algunas concomitancias con la serie Severance(2022-2025). Dirigida por Dan Erickson, Ben Stiller y Aoife McArdle, en su segunda temporada, nos presenta a una madre que ha perdido a su hijo (Dichen Lachman), y que se ve sometida a una especie de bucle situacional con objeto de analizar el alcance de su duelo.
Con Singular, Alberto Gastesi se sirve de la inteligencia artificial para analizar el duelo: la IA no es una herramienta, sino una superficie que devuelve una imagen distorsionada de lo que fuimos y de lo que tememos ser. En un cine contemporáneo obsesionado por la duplicación —con clonaciones digitales, voces replicadas y rostros sintéticos— Gastesi propone un gesto contracultural: colocar la tecnología en el corazón de los afectos perdidos y examinar qué queda cuando una máquina aprende a expresar el contenido de nuestro silencio.
Singular no ofrece respuestas definitivas, sino que invita a reflexionar sobre nuestra relación con la tecnología y con nosotros mismos. En un mundo donde la línea entre lo real y lo virtual se difumina, la película nos recuerda que contamos únicamente con nuestra humanidad, por más imperfecta y contradictoria que sea.
Aunque a veces se quede en la broma interna, Colomo divierte con autoironía en un paseo vivo y desorientado por la noción de lo artístico
Las delicias del jardín se centra en la vida de un pintor abstracto (Fernando Colomo) en plena crisis: está prácticamente en la ruina, su vida personal es un desastre y ahora un temblor en la mano pone en peligro también su trabajo. El regreso de su hijo Pablo (Pablo Colomo) y la posibilidad de ganar un concurso millonario para versionar El jardín de las delicias, el famoso cuadro de El Bosco, podrían ser una oportunidad para darle la vuelta a las cosas.
En sus casi 50 años ya de carrera en el cine, a Fernando Colomo le ha dado tiempo a hacer algún que otro experimento semiautobiográfico que se aleja de sus comedias comerciales. Las delicias del jardín es una de esas películas más personales, que, junto a La línea del cielo (1983) y, sobre todo, Isla bonita (2015), cierra un tríptico —la palabra no es casual, claro— en el que el director reflexiona sobre cómo el arte se entremezcla con la vida.
Esta nueva película es seguramente la que más de cerca le toca a Colomo. Sobre todo porque trata la que es su otra gran pasión artística, más allá del cine y la arquitectura: la pintura. Y si a la ecuación le unes a su hijo Pablo, también pintor, solo podía ser una comedia sobre el mundillo. Crítica y algo conservadora pero, desde la absurdez, también compasiva.
Las delicias del jardín y el arte que no entiendo
Desde esa mirada autoirónica, que de alguna forma legitima su tratamiento, La delicias del jardín se une a la línea de retratar con humor el arte condicionado por y para el mercado cultural. Pero, a diferencia de lo que pasa en, por ejemplo, una película como Competencia oficial(2021) o una serie como Bellas Artes (2023-2024), la crítica no se hace a base de sarcasmo ácido, sino con el simpático ánimo de desorientación del que está perdido en un mundo que ya no entiende (si es que alguna vez lo entendió) pero que, aún así, tiene el impulso de querer retratar.
Ese planteamiento de, digamos, señor mayor, funciona sobre todo gracias al personaje que se reserva para sí mismo el propio Colomo, que, como ya pasaba en Isla bonita, se convierte en una especie de «niño viejo» que no puede tapar ya sus propios fracasos. Al final, el propio director critica las nociones actuales sobre el arte metiéndose con la suya propia o, desde otra generación, la de su hijo, y eso hace que la película coja un fondo cómplice que va más allá de la simple metareferencia.
La humildad de lo vulgar
La humildad del que no se da demasiada importancia, una actitud bastante compartida entre los directores de la generación de Colomo, se encuentra también en la forma de la película. No es solo que esté rodada con la sencillez y naturalidad del que ve el cine como funcional a la historia y a la interacción de los actores, es que adopta la forma audiovisual más vulgar en nuestro siglo: la cámara del móvil. Una decisión de José Luis Alcaine que encuentra su sentido en esta voluntad simplificadora, pero también en la capacidad para moverse libremente en el espacio.
Pese a esa coherencia general, también es cierto que Las delicias del jardín cae a veces en el estiramiento de algunas secuencias que tienen poco más que el regusto del guiño o del chiste interno, frenándose en la anécdota (todo el personaje de Resines, por ejemplo). De ahí la sensación de que se podría haber ajustado más su metraje para que hubiese quedado más redonda.
Aún así, y pese a que no tenga la brillantez de otros planteamientos sobre este espejo que es cine y vida —por ahí, también desde Madrid, el cine de Jonás Trueba tiene mucho más que decir—, la película resulta casi siempre simpática y, por momentos, es muy divertida. Las delicias deljardín justifica su existencia porque tiene una idea bien clara: reírnos de nosotros mismos lo justifica todo. Hasta el arte contemporáneo.
Con nueve nominaciones, la película de Alauda Ruiz de Azúa aspira a todos los galardones principales seguida por siete de 'Maspalomas' y 'Sirât' y seis de 'Romería' y 'Sorda'. En televisión 'Poquita fe' y 'Superestar' lideran con seis frente a cinco de 'Anatomía de un instante' y 'Yakarta'
Los domingos lidera las nominaciones a losPremios Feroz2026 con hasta nueve, aunque soloocho posibles premios pues dos de sus actrices coinciden en la categoría de protagonista. Los galardones de la prensa especializada destacarán por la máxima igualdad en series, sobre todo en la categoría de comedia, de la que salen las dos principales nominadas, Poquita fe y Superestar, con seis cada una, seguidas muy de cerca por Anatomía de un instante yYakarta, con cinco.
Pocas sorpresas, por no decir ninguna, en las categorías de cine. A los ocho posibles premios de la película de Alauda Ruiz de Azúa, que incluyen Mejor Película Dramática, Dirección, Guión e incluso Cartel y Tráiler. Los siguen los siete de Maspalomas, presente en prácticamente las mismas categorías, y la inevitable Sirât. La película de Oliver Laxe, que sigue aspirando a todo, ve rebajado su favoritismo esta temporada de premios por la irrupción de la Concha de Oro.
Un poco por detrás, aunque igualmente apareciendo en Dirección, Guión y Serie, con seis nominaciones a los Premios Feroz 2026, se encuentran Romería y Sorda. Esta última, la película de Eva Libertad, la más nominada en los Forqué, continúa con su carrera hacia las categorías de Novel y Revelación en los Goya para su directora y su protagonista, Miriam Garlo, que aquí lo tendrá algo más complicado al enfrentarse al dúo de Los domingos, Patricia López Arnaiz y Blanca Soroa. En las comedias destaca La cena, con cinco nominaciones.
Las categorías de interpretación, donde aparecen Mario Casas por Muy lejos, Nora Navas por Mi amiga Eva, María de Medeiros por Una quinta portuguesa o Ángela Cervantes por La furia, son de las pocas que arrojan algún nominado fuera de la terna de favoritas de la temporada. Destaca también la escasa presencia de El cautivo, de Alejandro Amenábar, con apenas dos posibles premios —Música y Actor de Reparto para Miguel Rellán— y Los tigres, de Alberto Rodríguez —Actor de Reparto para Joaquín Núñez—.
Por su parte, en las nominaciones de los Feroz 2026 en las categorías de series vuelve a liderar Poquita fe como en los Forqué, solo que aquí empatada a seis nominaciones y cinco posibles premios —sus actrices hacen doblete en Reparto— con Superestar, ambas competidoras por Mejor Comedia. Las siguen Yakarta y Anatomía de un instante con cinco cada una, aunque la segunda solo podrá llevarse cuatro estatuillas dado que Eduard Fernández y Manolo Solo competirán por Actor de Reparto.
La lista de nominaciones a los Premios Feroz 2026 las leyeron los intérpretes Manu Ríos y Milena Smit desde el Ayuntamiento de Pontevedra, con la presencia de María Guerra, presidenta de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE), entidad organizadora de los galardones, y Miguel Anxo Fernández, alcalde de la ciudad, quien defendió «la cultura como inversión de futuro» y el audiovisual gallego.
Las ganadores de las nominaciones a los Premios Feroz 2026 se conocerán el próximo24 de enero en la gala que se celebrará por segundo año consecutivo en el Pazo da Cultura de Pontevedra. Un acto que estará presentado a cuatro voces por Petra Martínez, Samantha Hudson, Antonio Durán ‘Morris’ y Elisabet Casanovas. El evento podrá verse tanto en las redes de AICE como en La 2 de RTVE y RTVE Play, donde contará además con la narración de Bob Pop. El pasado día 18 se anunció el Feroz de Honor a la actriz Marta Fernández Muro.
Nominaciones a los Premios Feroz 2026 – Lista de nominados y nominadas
Mejor película dramática
Los domingos
Maspalomas
Romería
Sirât
Sorda
Mejor película de comedia
La cena
Decorado
Mi amiga Eva
Rondallas
Wolfgang
Mejor dirección
José Mari Goenaga y Aitor Arregi por Maspalomas
Oliver Laxe por Sirât
Eva Libertad por Sorda
Alauda Ruiz de Azúa por Los domingos
Carla Simón por Romería
Mejor actriz protagonista de una película
Angela Cervantes por La furia
Miriam Garlo por Sorda
Patricia López Arnaiz por Los domingos
Nora Navas por Mi amiga Eva
Blanca Soroa por Los domingos
Mejor actor protagonista de una película
Mario Casas por Muy lejos
Álvaro Cervantes por Sorda
Sergi López por Sirât
Jose Ramón Soroiz por Los domingos
Alberto San Juan por La cena
Mejor actriz de reparto de una película
Nagore Aranburu por Los domingos
Iraia Elías por Un fantasmaen la batalla
Elena Irureta por Sorda
María de Medeiros por Una quinta portuguesa
Elvira Mínguez por La cena
Mejor actor de reparto de una película
Asier Etxeandia por La cena
Miguel Garcés por Los domingos
Joaquín Núñez por Los tigres
Miguel Rellán por El cautivo
Kándido Uranga por Maspalomas
Mejor guion de una película
Alauda Ruiz de Azúa por Los domingos
Jose Mari Goenaga por Maspalomas
Carla Simón por Romería
Oliver Laxe y Santiago Fillol por Sirât
Eva Libertad por Sorda
Mejor música original
Alejandro Amenábar por El cautivo
Hidrogenesse (Carlos Ballesteros y Genís Segarra) por Daniela Forever
Aránzazu Calleja por Maspalomas
Ernest Pipó por Romería
Kangding Ray por Sirât
Mejor tráiler
Alberto de Toro por La cena
Mikel Garmilla por Maspalomas
Aitor Tapia y Manel Barriere por el tráiler final de Los domingos
Miguel Ángel Trudu por Romería
Aitor Tapia por Sirât
Mejor cartel
Jimena Merino, Álvaro León, Luis León y David Herranz por el cartel final de Los domingos
Dan Petris y Jaume Caldés por Muy lejos
Jose A. Peña y Quim Vives por Romería
Daniel Requena y Alba Vence, Quim Vives por Sirât
Ana Dominguez y Rafa Castañer por Tardes de soledad
Mejor serie dramática
Anatomía de un instante
La canción
Pubertat
La Ruta Vol. 2: Ibiza
Yakarta
Mejor serie de comedia
Animal
Furia
Poquita fe
La suerte
Superestar
La vida breve
Mejor actriz protagonista de una serie
Anna Castillo por Su Majestad
Ingrid García-Jonsson por Superestar
Esperanza Pedreño por Poquita fe
Candela Peña por Furia
Carla Quílez por Yakarta
Carolina Yuste por La canción
Mejor actor protagonista de una serie
Javier Cámara por Yakarta
Raúl Cimas por Poquita fe
Ricardo Gómez por La suerte
Álvaro Morte por Anatomía de un instante
Luis Zahera por Animal
Mejor actriz de reparto de una serie
Julia de Castro por Poquita fe
María Jesús Hoyos por Poquita fe
Rocío Ibáñez por Superestar
Natalia de Molina por Superestar
Betsy Túrnez por Pubertat
Leonor Watling por La vida breve
Mejor actor de reparto de una serie
Carlos Bernardino por La suerte
Eduard Fernández por Anatomía de un instante
David Lorente por Yakarta
Secun de la Rosa por Superestar
Manolo Solo por Anatomía de un instante
Mejor guion de una serie
Rafael Cobos, Fran Araújo y Alberto Rodríguez por Anatomía de un instante
Félix Sabroso y Juan Flahn por Furia
Juan Maidagán y Pepón Montero por Poquita fe
Nacho Vigalondo, María Bastarós, Paco Bezerra y Claudia Costafreda por Superestar
Diego San José, Daniel Castro y Fernando Delgado-Hierro por Yakarta
Premio Feroz Arrebato de ficción
Aro berria, de Irati Gorostidi Agirretxe
Ciudad sin sueño, de Guillermo Galoe
Estrany riu, Jaume Claret Muxart
Silencio, de Eduardo Casanova
Los Tortuga, de Belén Funes
Premio Feroz Arrebato de no ficción
A nuestros amigos, de Adrián Orr
Ellas en la ciudad, de Reyes Gallegos
Filmei paxaros voando, de Zeltia Outeiriño González
La nueva película de Salvador Calvo ('Adú') parte de un guión de Alejandro Hernández sobre la historia real de los pioneros del salto BASE con traje de alas en España
El próximo 6de febrero se estrena en cines La fiera, nueva película del director Salvador Calvo (Adú, Valle de Sombras). Una historia basada en hechos reales sobre los deportes de riesgo que protagonizan Carlos Cuevas, Miguel Bernardeau y Miguel Ángel Silvestre. Con guión de Alejandro Hernández, se inspira en la experiencia de los pioneros del salto BASE con traje de alas en España.
El reparto se completa con Candela González, Stéphanie Magnin, David Marcé y la colaboración especial de José Manuel Poga. El rodaje de La fiera se ha desarrollado en localizaciones naturales de España, recorriendo las comunidades de Aragón, Castilla-La-Mancha, Castilla-León y Madrid, y Suiza, en Wallendstadt y Lauterbrunnen.
La producción corre a cargo de Fernando Bovaira, Jaime Ortiz de Artiñano, Guillem Vidal-Folch y Rosa Pérez. En el equipo técnico, destacan en la dirección de casting, Eva Leira y Yolanda Serrano, en la dirección de fotografía, Ángel Iguácel, en la dirección de producción, Sergio Díaz Bermejo, en el diseño de producción, Juana Mula, en montaje, Jaime Colis, en el diseño de vestuario, Natacha Fernández Gallardo, en maquillaje y peluquería, Ana Urosa y Alicia López, en la supervisión de postproducción, Isabel Salanueva Ruiz, como ayudante de dirección, Borja Grandío, en sonido directo, Mar González, en los efectos digitales, Juanma Nogales y en los efectos especiales, Lluís Rivera. La banda sonora ha sido compuesta por Roque Baños.
Tráiler de La fiera
La fiera es una producción de MOD Producciones y Atresmedia Cine, que cuenta con la participación de Atresmedia y Netflix, con la financiación del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales O.A. / Ministerio de Cultura / Gobierno de España, con la financiación de Arcano Financiación Audiovisual y con la participación de CREA SGR.
Buena Vista International estrenará la película en cines el 6 de febrero de 2026.
Carlos, Darío y Armando, aficionados a los deportes extremos, descubren la experiencia más cercana a volar: el salto B.A.S.E. con traje de alas. La fiera es la historia de estos amantes del riesgo: un relato real contado desde sus miedos y anhelos; un viaje duro y fascinante, lleno de vértigo y peligro… que también nos conecta con la camaradería y la amistad. Un viaje épico alimentado por la lucha contra uno mismo.
Se rueda entre Canarias y Madrid esta nueva producción de Antena 3 para el prime time ambientada en los años 70 en la que una mujer rehace su vida creyéndose viuda
Ya se rueda A la deriva, la nueva serie para el prime time de Antena 3. Un drama ambientado en los años 70 sobre un grupo de marineros que regresa a su pueblo natal tras años desaparecidos y dados por muertos, descubriendo uno de ellos que su mujer ha rehecho su vida junto a otro hombre. Paula Echevarría interpreta a Lucía, la protagonista; Daniel Grao a Héctor, el marido desaparecido, y Michel Noher a Tristán, el nuevo amor de la viuda.
El reparto lo completan nombres como Adelfa Calvo, Lola Casamayor, Silvia Alonso, Camila Viyuela, Richard Holmes, Roberto Enríquez, Natalia Huarte, Lucía Guerrero, Amparo Fernández, Ian Losada, Joaquín Notario, Albert Baró, Llorenç González, David Castillo, Cristian Valencia, Miriam Hernández, Miquel Gelabert, Cristóbal Pinto, Yiyo Alonso, Patxi Freytez, Alberto Barahona, Mabel del Pozo, Luis Iglesias, Rosa Puga y Bosco Roglán.
La ficción, que acaba de comenzar su rodaje, contará con diezepisodios de 50 minutos. Grabada en Canarias y en Madrid, la serie «está ambientada en un humilde pueblo pesquero marcado por la tragedia, y explora cómo la esperanza, el amor y los secretos resurgen junto con los hombres que vuelven del mar. Ese inesperado regreso removerá viejas heridas y pondrá a prueba la fortaleza de unas mujeres unidas por el dolor, la amistad y la necesidad de empezar de nuevo».
A la deriva es una producción de Buendía Estudios Canarias junto a Boomerang TV con la participación de Atresmedia. Montse García y Luis Santamaría son los productores ejecutivos de esta ficción escrita por Susana López Rubio, Javier Holgado y Juan Beiro, y dirigida por Humberto Miró y Menna Fité.
Lucía Alonso y Humberto Miró firman la coproducción ejecutiva, Diego del Pozo es responsable de Contenidos de Atresmedia y Daniel del Casar es analista de Guion. Al frente de la dirección de Casting está Juan León y de la dirección de Producción, Diego Polo. Antonio González es el director de Fotografía, Paco Redondo, el director artístico y Gualter de Sá el figurinista. La jefa de Maquillaje es Eva Martínez y la de Peluquería Raquel Martínez. Óscar Paniagua se encarga del Sonido y Noelia Núñez de las localizaciones
Así es A la deriva
1970. Bastuel es un humilde pueblo pesquero donde naufragó el barco que patroneaba Héctor Parrado y en el que faenaban varios hombres del lugar. No se encontró a ningún miembro de la tripulación y casi todas las familias de la localidad se vieron afectadas por la tragedia: madres que perdieron a sus hijos, niños que perdieron a sus padres y, sobre todo, mujeres que, de un día para otro, se encontraron sin marido y sin poder ser reconocidas como viudas. Un extraño limbo legal. Lucía, esposa de Héctor, Maca, Rosa, Berta y Paloma son alguna de esas mujeres. Todas ellas se unieron en el dolor de la pérdida y encontraron juntas la energía para no rendirse, forjando una sólida amistad.
Ahora, dos años más tarde, la repentina aparición de cinco de los pescadores desaparecidos supone una nueva conmoción. La perplejidad se mezcla con la euforia y ‘los resucitados’ son recibidos como héroes. Pero ese regreso no solo traerá alegría a las mujeres sino también conflictos y secretos que creían enterrados.
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