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‘La Rusa’: thriller rural en un pueblo amedrentado por una familia de caciques

Este viernes se estrena en varias plataformas digitales La Rusa, la primera película como director de Aritz Ortiz. Esta llegada a nuestras pantallas, coronavirus mediante, es el final de un largo camino para este pequeño thriller extremeño sobre la turbulenta vuelta a su pueblo de un hombre perdido. Rodada en el verano de 2016 y autofinanciada con algo menos de 20.000 euros, el filme de Ortiz busca ahora su hueco entre los catálogos con una historia de tensión que cuenta cómo una comunidad está dominada y atemorizada por una familia.

Aunque la historia de La Rusa está inspirada en un suceso que había ocurrido en la provincia de Badajoz, estos episodios de caciquismo insoportable en pequeñas localidades pasan en otros lugares y son, de hecho, parte de la historia de los pueblos de España. El de los conflictos rurales «es un tema clásico también de nuestra literatura desde El alcalde de Zalamea o Fuenteovejuna«, explica Aritz Ortiz a Cine con Ñ, «fue desde ahí donde empezamos a trabajar y donde quisimos situarnos».

'La Rusa': thriller rural en un pueblo amedrentado por una familia de caciques 1

La ubicación real de la película es Valdetorres (Badajoz), el pueblo familiar del director y de uno de los productores, Miguel Sánchez. Ambos coincidieron un verano en la localidad y se plantearon la idea de rodar algo ahí, sin nada definido. Poco después, el guion que tenía Ortiz entre manos acabó por tomar forma situándolo en su pueblo. «A partir de ahí buscamos una productora que nos respaldara, pero nos entró mucha urgencia por rodarla», detalla el director, «así que nos fuimos a Valdetorres a un rodaje «de guerrilla»; un poco a loco».

La Rusa se consiguió rodar en esta población en 12 días y ajustándose a un presupuesto de menos de 20.000 euros. «Por suerte eramos un equipo pequeño, de menos de 20 personas, y nos podíamos mover con relativa facilidad», asegura Ortiz. Además, contaron con la implicación total del Ayuntamiento del pueblo, que habilitaron las calles para rodar, y, sobre todo, de sus habitantes: «Anunciamos el casting y estaba todo el pueblo esperando para hacerlo: una cola de 200 personas», recuerda el director.  Y todo bajo el duro sol del verano extremeño en plena ola de calor.'La Rusa': thriller rural en un pueblo amedrentado por una familia de caciques 2

Un total de 15 jornadas dedicados a levantar esta historia que protagonizan la actriz Monika Kowalska, habitual en series españolas, y, sobre todo, Xosé Núñez. El actor da vida a Tito, el verdadero protagonista y sobre el que gravita la trama rural de La Rusa. «Él está en un momento en el que no tiene fuerzas para enfrentarse a nada en la vida, por eso se va a su pueblo, un sitio donde está a gusto y no tiene que lidiar con nada», dice Ortiz. Es en este lugar aparentemente apacible donde coloca a su personaje en una tensa situación que pone al límite su pasividad.

«A veces parece que todos nos resignamos con lo malo que nos pasa», reflexiona el director, «por eso quisimos colocar ahí a nuestro protagonista, para llevarle al punto de tener que decir basta en algún momento». Las consecuencias se van sucediendo a gran velocidad en este particular ecosistema de terror y jerarquías rurales, convirtiéndose en un escenario ideal para un thriller rural con toques de road-movie.

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Casi cuatro años más tarde de ese breve rodaje, la película ve la luz en Filmin, Flixolé y Amazon Prime Video. Un viaje largo en el que la película ha vivido distintos procesos: posproducción, pases y paso por festivales, parones y, finalmente, la posibilidad de encontrar una distribución, ahora en manos de la empresa Con un pack. Ortiz ve con muy buenos ojos esta llegada a las plataformas sin pasar por las salas porque ahora «va a poder llegar a mucha gente».  «Lo importante no es dónde se vea la película, sino que se vea», concluye el director.

 

Arturo Tena (@artena_)

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Un país para rodarlo: el centro y levante de España en el cine

De Galicia a Cataluña, el gran plató cinematográfico que supone el norte de España incluye desde éxitos recientes de nuestro cine como Lo que arde (2019) o Handia (2017) hasta producciones internacionales como el James Bond de Pierce Brosnan y El reino de los cielos (2005), pasando por clásicos nacionales como El sur (1983) o La vaquilla (1985). Siguiendo nuestro periplo particular por la geografía española, hoy vamos a hablar del centro y levante de España, empezando por destacar el gran epicentro de los rodajes en nuestro país: la Comunidad de Madrid.

Madrid

Sede de una gran parte de las productoras y de la industria audiovisual de nuestro territorio, Madrid es el telón de fondo de una cantidad notable de las obras españolas que se estrenan en nuestras pantallas. Uno de los principales nombres de nuestra cinematografía, el ganador del Oscar Pedro Almodóvar, ha situado casi todas sus películas en la capital madrileña: Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), Hable con ella (2002), Volver (2006)… incluyendo su último estreno, Dolor y gloria (2019), el cual muestra imágenes de otros rincones de la comunidad como el municipio de El Escorial.

También son icónicas las imágenes de Madrid de Amenábar como la Gran Vía totalmente vacía en un sueño de Eduardo Noriega en Abre los ojos (1997) y de Álex de la Iglesia, desde el edificio de Schweppes en El día de la bestia (1995) al final en el Valle de los Caídos “a lo Hitchcock” en Balada triste de trompeta (2010), además de los rincones escogidos por Jonás Trueba como los últimos en La virgen de agosto (2019) o Cesc Gay en Truman (2015), su única incursión en estas tierras.

Para cerrar el repaso de la comunidad, cabe destacar que fuera de la gran urbe también se han filmado obras recordadas, como la escena “del toreo” de La vuelta al mundo en 80 días (1956), en la que David Niven y Cantinflas hacían acto de presencia en Chinchón, o algunas de las grandes batallas de Espartaco (1960) en Colmenar Viejo, donde soldados del Ejército español fueron “prestados” para hacer de romanos a las órdenes de Stanley Kubrick.

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Madrid centro en la película ‘La Virgen de Agosto’

 

Las dos Castillas

Alejándonos del centro, ambas Castillas tienen un gran historial como escenarios de cine: comenzando por Castilla y León, Mientras dure la guerra (2019), rodada en una Salamanca ambientada en los primeros compases de la Guerra Civil, es uno de los últimos grandes éxitos españoles que se han filmado en esta zona del país. También la cinta de Vicente Aranda Amantes (1991) se ambientó en una ciudad castellana, en este caso Burgos: la plaza de santa María fue el lugar elegido para grabar algunas de las escenas más dramáticas de la cinta. Aranda volvería 10 años después a la capital burgalesa (y a la plaza) para situar su visión de Juana La Loca (2001).

Sin embargo, es en materia de superproducciones internacionales donde tienen una probada experiencia. Entre otros ejemplos podemos citar Doctor Zhivago (1965) en Soria, El Cid (1961) en Palencia, Ávila, Burgos o Valladolid, Espartaco (1960) en Guadalajara -la huida de Roma hacia el mar- o El bueno, el feo y el malo en Burgos (Santo Domingo de Silos o Contreras), cinta que también tuvo localizaciones en un lugar tan mítico como Tabernas (Almería), del que hablaré en el apartado de Andalucía.

La reconstrucción del cementerio donde tiene lugar el duelo final en la película de Leone fue retratada en el documental español Desenterrando Sad Hill (2018), en el que se rinde un particular homenaje a esta coproducción entre España, Italia y la RFA. Más recientemente tenemos el ejemplo de la serie de televisión Juego de tronos, que además de haber tenido localizaciones en otros puntos de la Península como en el País Vasco, Cataluña, Navarra o Andalucía, tomó como uno de sus lugares más emblemáticos el castillo de Zafra, provincia de Guadalajara.

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El Castillo de Zafra (Guadalajara) en Juego de Tronos

En lo referido a Castilla-La Mancha, la comunidad puede presumir de ser la cuna del mencionado Almódovar (quien, nacido en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, recreó “su particular visión de un pueblo manchego” localizando parte de Volver (2006) en Almagro), de otro cineasta genial como José Luis Cuerda (que sitúa sus desventuras cómicas de Amanece, que no es poco (1989) en la provincia de Albacete, concretamente en la sierra del Segura) y de ser la tierra de El Quijote, personaje que finalmente pudo ser llevado al cine por Terry Gilliam en 2018 con El hombre que mató a Don Quijote.

Para terminar con las tierras castellano-manchegas, no se puede pasar por alto la presencia de Toledo en nuestras pantallas: hasta allí se llevó Luis Buñuel a Catherine Deneuve y Fernando Rey para adaptar la obra de Galdós Tristana (1970) en una de las pocas películas españolas del director aragonés. De nuevo Almodóvar merece ser citado al situar La piel que habito (2011) en la capital toledana, al igual que la ganadora del Goya Te doy mis ojos (2003) de Icíar Bollaín.

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Sierra del Segura (Albacete) en la película ‘Amanece que no es poco’

 

El Mediterráneo

Volviendo la vista nuevamente al Mediterráneo tras repasar Cataluña en el artículo anterior, es ineludible hablar de Calabuch (1956) cuando en pocos meses se cumplirá el centenario del nacimiento de Berlanga, su director y uno de los artistas más extraordinarios del cine español. En la película citada, el realizador valenciano convierte Peñíscola en la localidad del título, dando como resultado uno de nuestros mayores clásicos. En el municipio castellonense también han aterrizado rodajes de gran envergadura, como las citadas producciones de El Cid (1961) o Juego de Tronos.

Al sur de la Comunidad Valenciana nos encontramos con los hoy tristemente cerrados Estudios de la Ciudad de la Luz en Alicante, pero que en su día alojaron rodajes de cineastas como Ridley Scott con El consejero (2013) o Francis Ford Coppola con Tetro (2009). La aportación nacional a estos platós vino de la mano de J.A. Bayona con Lo imposible (2012), cinta que recreaba en tierras alicantinas el tsunami que asoló Tailandia y otras costa asiáticas en el 2004.

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Set de rodaje de ‘Lo imposible’ en Ciudad de la Luz (Alicante)

Si continuamos por el sur a lo largo del litoral nos iremos encontrando poco a poco con impresionantes páramos que han llamado la atención de equipos de rodaje de medio mundo para situar sus producciones: varios parajes de Murcia han sido empleados para recrear tanto el desierto iraquí en Green Zone (2010) con Matt Damon como el sur de Estados Unidos en la mencionada El consejero (2013), cinta de Ridley Scott con Javier Bardem, Michael Fassbender o Brad Pitt. Álex de la Iglesia, por el contrario, fue fiel al lugar de localización y reflejó Cartagena como la ciudad que es en La chispa de la vida (2011) con José Mota y Salma Hayek.

Dejando atrás las tierras murcianas llegamos a uno de los lugares clave de los rodajes en nuestro país: el desierto de Tabernas en Almería, símbolo de la época del spaghetti-western y punta de lanza de una comunidad, Andalucía, que se erige en uno de los pilares fundamentales de este plató de cine que es nuestro país. La repasaremos en el siguiente y último capítulo de este viaje particular por nuestra geografía, donde también hablaré de Extremadura, las ciudades autónomas y los territorios insulares. Eso sí, por ahora les dejo con el centro y levante de España, tanto en la realidad como en las pantallas.

 

Jorge Dolz (@J_Dolz)

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Ara Malikian. Una vida entre las cuerdas: Saliendo del foso

Ara Malikian emigró a Alemania desde Líbano con 14 años para estudiar violín en la Hochschule für Musik und Theater de Hannover. Practicaba diariamente entre 10 y 12 horas porque su padre le advirtió antes de irse que, para ser respetado como músico en un país extranjero, tendría que ser mucho mejor que los de allí.

Un buen día se coló en un concierto y, en la pausa, una señora se le acercó para hablar con él. Ara no hablaba alemán y, como quería ser amable, respondió “sí” a cada frase que ella le dijo. La señora se puso tan contenta que fue a buscar a una amiga que le habló en el mismo idioma y que se alegró tanto como la anterior ante sus repetidos asentimientos. Al poco rato, un señor que había estado observando le preguntó si había entendido lo que le habían dicho, y tras confesar que no se había enterado de nada, le tradujo que había sido contratado por ellas como intérprete de música judía para una boda ese mismo sábado. Desde aquel día, fue músico en bodas semitas cuatro años de su vida.

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Esta es una de las historias que forman parte de Ara Malikian: Una vida entre las cuerdas, cinta ganadora del Goya al mejor documental en 2019, que cuenta la vida del violinista contemporáneo que más ha contribuido en difundir la música clásica entre el gran público. En él podemos ver plasmad la trayectoria de un superviviente cuya biografía es tan interesante como la forma en la que la directora, su pareja en la vida real, tiene de contarla.

¿Cómo se siente uno escapando de una guerra en plena adolescencia y dejando atrás a su familia? ¿Qué puede hacer un inmigrante solo en un país extraño sin saber hablar el idioma para poder desenvolverse? A todas estas preguntas pretende dar respuesta este documental de casi dos horas de duración que consigue que admiremos más aún a una persona que no tuvo más remedio que hacerse a sí mismo a fuerza de sacrificio, trabajo y estudio.

A través de una serie de entrevistas y vídeos de sus conciertos completados con millones de fotografías, Ara Malikian cuenta su propia historia como intérprete y compositor que siempre estuvo convencido de que la música clásica tenía que “salir del foso” de la orquesta para mostrarse a un público amplio, multicultural y con diversas sensibilidades. Sin limitarse a los clásicos, pero partiendo de ellos, Malikian lucha por demostrar que no es malo ampliar el repertorio para tocar Led Zeppelin o temas de bandas sonoras de películas como Pulp Fiction.

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Otra dosis de valor añadido la aporta el hecho de que el documental muestra cómo la directora, Nata Moreno, desentierra la historia del abuelo de Ara Malikian que en 1915 escapó del genocidio que Turquía sometió al pueblo armenio haciéndose pasar por violinista sin haber tocado ese instrumento en su vida. Razón suficiente para explicar por qué su suegro tenía pasión por el instrumento y lo puso en manos de su hijo a los tres años de edad. A partir de este momento, se encargó de infundirle esta afición y de conservar durante cuatro décadas la historia fotográfica de la familia, lo que ha permitido hacer realidad este film.

Todo esto hace que el ritmo narrativo del film sea apasionante: además de detallar sus visiones sobre la música, sus inquietudes, su recorrido y sus proyectos, nos hace viajar con las localizaciones de sus giras sinfónicas que le han hecho pasar por nuestro país, Francia, Inglaterra, China, Rusia, Marruecos, Argentina, Uruguay, Alemania y Líbano, entre otros.

Una historia de migración que demuestra que estas personas no son la causa de las desgracias de un país, como piensan algunos, sino que también pueden verse como un activo que añade riqueza al sitio a donde emigran. Un alegato optimista de admiración y multiculturalidad que invita a que valoremos más nuestra propia vida.

 

Luis Pablo Hernández (@luisp_hernan)

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Primer festival presencial poscuarentena: el BCN Film Fest será del 25 de junio al 2 de julio

El BCN Film Fest se celebrará del 25 al 2 de julio en los Cines Verdi de Barcelona. El certamen catalán anuncia sus nuevas fechas tras no poder celebrarse en abril, como estaba previsto, debido a la crisis del coronavirus. Si las circunstancias no lo impiden, será el primer festival que se celebre sólo presencialmente tras el período de cuarentena. Los organizadores han asegurado que se mantendrán las secciones previstas y buena parte de su programación, con 50 películas confirmadas, y que «cumplirá con todas las medidas sanitarias y de seguridad, así como el máximo de aforo previsto».

El paso adelante presencial del BCN Film Fest lo coloca, por sus fechas, como el primer festival de cine en España con largometrajes de estreno. Si bien el Festival de cortos de Huesca -que se celebrará del 12 al 20 de junio- había anunciado también proyecciones presenciales, el festival barcelonés confirma que no se muda a Internet y anuncia su programación de forma íntegra en los cines Verdi de la ciudad condal «con la intención de facilitar el máximo posible la asistencia de los espectadores».

 

La programación completa del BCN Film Fest, a finales de mayo

Sólo el Festival Cinema Jove (19-27 de junio) podría adelantarse al BCN Film Fest. Pero el certamen valenciano aún no ha anunciado cómo ni cuándo celebrará su 35 edición. Mientras, desde el BCN explican que el «momento actual de desescalada del confinamiento» les ha llevado a tomar esta decisión de pasar al formato presencial, pero aclaran que respetarán las normas de seguridad que «marque la ley en el momento de la celebración del festival». Eso podría incluir las restricciones de aforo y de desinfección previtas en las distintas fases de desescalada.

En un comunicado hecho público hoy, el BCN Film Fest  recalca también su compromiso en el proceso de reactivación de la ciudad: «El festival tiene la intención de ayudar en la recuperación del pulso cultural, social y económico de la ciudad de Barcelona, en general, y del barrio de Gràcia, en particular. En definitiva, el festival quiere colaborar en impulsar la recuperación de una cierta normalidad en el sector de les iniciativas culturales, después de unas semanas muy difíciles en todos los ámbitos».

Primer festival presencial poscuarentena: el BCN Film Fest será del 25 de junio al 2 de julio 5Fotograma de ‘Una ventana al mar’, de Miguel Ángel Jiménez

La última semana de este mes de mayo se conocerá la programación completa del Festival. El pasado mes de marzo, con previsión de celebrarse en abril, el Festival ya había dado pistas anunciando seis películas españolas como avance. Un documental sobre el político Pasqual Maragall (Maragall i la lluna) y otro sobre la viajera china Sanmao (Sanmao: la novia del desierto); la adaptación de la obra de teatro El crédito; el debut como director del actor Oriol Puig (El sitio de Otto), la segunda película del director de con David Verdaguer (Uno para todos) y la película seleccionada en San Sebastián Una ventana al mar.

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Juan Diego Botto dirigirá su primera película, protagonizada por Penélope Cruz

El actor Juan Diego Botto dará el salto a la dirección en una película protagonizada por Penélope Cruz. Así lo ha asegurado el propio Diego Botto en una entrevista para la revista Fotogramas, donde ha explicado que el proyecto, aún sin título oficial, se hará realidad después de siete años de búsqueda de financiación. El propio Diego Botto ha escrito el guion de esta historia de «tres personajes en mitad de una crisis», que por el momento no tiene confirmado a ningún otro intérprete de este triángulo actoral.

En el marco de la presentación de la serie de Netflix White lines, protagonizada por Diego Botto, el actor ha desvelado en Fotogramas que espera poder rodar esta película en noviembre de este mismo año -si las circunstancias vinculadas al coronavirus lo permiten-. Ha resultado decisiva la aparición de Morena Films para hacer realidad el filme tras un largo camino. La productora de películas como Celda 211, Campeones, Todos lo saben o Intemperie será la productora detrás de esta ópera prima.

Sin desvelar muchos detalles de la trama de su primer trabajo detrás de las cámaras, Juan Diego Botto ha asegurado en esta entrevista que toda la trama de la película transcurre durante 24 horas, y que está centrada en estos tres personajes que viven «una crisis» y como estas circunstancias difíciles «afectan a sus relaciones personales» en el desarrollo de este único día.

Juan Diego Botto dirigirá su primera película, protagonizada por Penélope Cruz 6Penélope Cruz (izquierda) y Juan Diego Botto (derecha)

La intervención decisiva de Penélope Cruz

Uno de estos personajes estará interpretado por Penélope Cruz, que ha sido también fundamental para que esta película pueda existir. «El proyecto nace prácticamente con ella», ha explicado Juan Diego Botto en Fotogramas. Todo empezó en 2013, cuando Cruz fue a ver su obra de teatro Un trozo de este mundo y se encontraron: «A partir de ahí surgió la posibilidad de escribir algo». Diego Botto empezó a escribir a partir de algunas de las sugerencias de Cruz, y a partir de ahí salieron otras que acabaron siendo el origen de esta historia.

Juan Diego Botto y Penélope Cruz se conocieron en la Escuela de Interpretación de Cristina Rota durante su adolescencia

La colaboración entre Penélope Cruz y Juan Diego Botto viene de lejos. De la misma generación de mediados de los 70 (Cruz tiene 46 años y Diego Botto 44), ambos coincidieron en la Escuela de Interpretación de Cristina Rota durante su adolescencia. Posteriormente protagonizaron juntos La Celestina (1996, Gerardo Vera) con sus carreras como jóvenes talentos ya en pleno ascenso. Desde entonces no habían coincidido en ningún otro trabajo. Ahora se reencontrarán profesionalmente en este proyecto, aunque ahora desde roles diferentes.

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Madrid, interior: Sinfonía de una ciudad en confinamiento

En la década de los 20 y los 30 del siglo pasado, aupados por esos inquietos y renovadores movimientos vanguardistas, se puso de moda un interesante género cinematográfico que podríamos denominar como “sinfonías de ciudades”. Cercano al documental, aunque sin ajustarse a su estructura ni puesta en escena, las películas que se amoldaban a este género pretendían ser originales retratos de esas grandes y bulliciosas ciudades, paradigmas del progreso y las conquistas de la civilización occidental. De todas ellas podemos destacar Manhattan (Paul Strand y Charles Sheeler, 1921), Berlín, sinfonía de una ciudad (Walter Ruttmann, 1927), El hombre de la cámara (Dziga Vertov, 1929) o A propósito de Niza (Jean Vigo, 1930).

Justo un siglo después, todavía nos sorprende ver en la televisión o las redes sociales las calles semidesérticas de esas mismas ciudades que hace solo unos meses derrochaban dinamismo y vitalidad. Con la pandemia del Covid-19 el mundo parece haberse tomado un descanso, el ritmo vital se ha ralentizado y nuestra existencia se ha confinado al interior del hogar.

En un mundo donde ya no parece ciencia-ficción esa secuencia de Eduardo Noriega recorriendo solo la Gran Vía madrileña en Abre los ojos (Alejandro Amenábar, 1997), el realizador Juan Cavestany decidió aportar su propia visión de una ciudad tantas veces retratada en el cine. Para ello contó con la inestimable ayuda de numerosos amigos que aceptaron el reto de rodar, cada uno desde la soledad del hogar, este retrato intimista de lo que ha supuesto el confinamiento por el coronavirus.

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Madrid, interior (2020) se presenta como el primer largometraje ideado, rodado y estrenado durante el confinamiento. Bajo el inesperado paraguas del diario El País, la película tiene en común algunas características con respecto a esas “sinfonías de ciudades” que comentábamos al comienzo. La película fue rodada sin guion por las personas que aparecen en ella o sus acompañantes, entre los días 24 de marzo y 24 de abril de 2020.

Sin una base argumental que la sustente, la cinta se arma a través de breves secuencias del interior del hogar, donde el ritmo lento e, incluso, la apatía terminan por envolver a los personajes. Dividido en tres capítulos, cada uno de ellos parece incidir en un sentimiento diferente, reflejo de ese vaivén emocional que ha supuesto el confinamiento: aburrimiento, euforia y esperanza.

Al igual que esas “sinfonías de ciudades clásicas», la obra de Cavestany carece prácticamente de diálogo, y los que aparecen son meramente anecdóticos. Madrid, interior pretende ser un ejercicio visual de la monotonía del día a día en una situación como la que nos ha tocado vivir en los últimos meses. Huyendo conscientemente de lo morboso y escabroso, pocas menciones se hacen al virus y sus estragos en la población.

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En este sentido se presenta el hogar como ese búnker de seguridad que nos ha aislado de la realidad que se vive en los hospitales o las residencias de ancianos. Ante la ausencia de diálogo, el sonido de lo cotidiano solo se rompe gracias a la música que algunos de los personajes tocan en soledad. La humilde banda sonora que hace más digerible esta particular sinfonía de una ciudad en confinamiento.

En este lento fluir de la vida cotidiana en el hogar nos sorprendemos con las dotes artísticas de José Coronado, confirmamos la fama de glotón de Pepón Nieto, asistimos al aburrimiento existencial de Coque Malla, conocemos las mascotas de Nathalie Seseña o nos relamemos con el jamón que Antonio de la Torre corta ante nuestras narices.

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Madrid, interior nace sin grades pretensiones y su valor es más bien testimonial. La capital de de España, uno de los epicentros de la pandemia, se presenta como una gran colmena, rememorando la novela de Camilo José Cela, en la que cada hogar representa una de las celdas que la conforman. Entre todos dan una visión coral de lo que ha supuesto estos meses de encierro, donde en más de una secuencia nos hemos visto identificado. Al igual que las “sinfonías de ciudades”, el protagonismo recae en lo colectivo y no en lo individual.

En este sentido, nos propone como moraleja la importancia que ha supuesto la responsabilidad y la disciplina que la mayoría de las personas han demostrado durante el confinamiento para que, por fin, revierta la situación en la que todavía nos encontramos.

 

Adolfo Monje Justo (@adolfo_monje)

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Lo que no sabías de Javier Botet

En el D’A Film Festival hemos podido visionar la película La reina de los lagartos, en la que una madre soltera y un extraterrestre viven una de las historias de amor más rompedoras del cine español. Y quizás nos sorprenda verle sin capas de látex o máscaras con diseños terroríficos, pero está protagonizada por uno de los actores españoles más demandados: Javier Botet.

Nacido el 30 de julio de 1977 en Ciudad Real, Botet ha participado a nivel internacional en más de 42 películas, 17 series y diversos cortometrajes o videoclips. Pese a que por su condición física sus papeles suelen ser de criaturas monstruosas, también es conocido por sus interpretaciones más cómicas. Pero si, posiblemente has tenido pesadillas con él tras ver sus películas.

Hoy queremos contarte algunas curiosidades sobre la vida y obra de este actor español tan revelador e inolvidable.

 

Sus inicios

Con tan solo 5 años de edad, le diagnosticaron una rara enfermedad llamada el síndrome de Marfan. Debido a ella, tiene un aspecto físico peculiar: tiene el pecho hundido en el esternón (pectus excavatum), dedos extremadamente largos y finos por la hiperlaxitud de algunos tejidos, mide 2 metros de estatura y pesa 56 kilos. Además, tiene una flexibilidad sorprendente.

Los monstruos siempre fueron su pasión, al igual que el cine, y cuando vio por primera Star Wars: El retorno del Jedi descubrió un sinfín de criaturas de todos los tamaños, colores y especies. A raíz de ello comenzó a dibujar todo tipo de seres fuera de lo común. Cuando terminó la carrera de Bellas Artes en Granada se mudó a Madrid y se apuntó en un curso de efectos especiales impartido por Pedro Rodríguez, donde forjaron una amistad. Y a raíz de ahí, en 2005, surgió su primera oportunidad audiovisual con la película ‘Bajo aguas tranquilas’, de Brian Yuzna.

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Ilustraciones originales de Javier Botet. Fuente: http://botetart.blogspot.com

 

[REC] y Mamá

Sin lugar a dudas la película [REC], dirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza, fue un gran impulso para su carrera a nivel internacional. En dicha cinta interpretó a ‘La Niña Medeiros’, uno de los iconos del cine de terror contemporáneo. La transformación del actor a este personaje era muy laboriosa, puesto que tardaban cerca de 8 horas para aplicarle el maquillaje y otras 2 para retirarlo.

Javier Botet recuerda con alegría esa primera experiencia y guarda muchos recuerdos y anécdotas del rodaje, como una ocasión en la que sentía un feeling con una de sus maquilladoras y, caracterizado por completo de Medeiros, se lanzó a besarla en plena grabación de un wild track. Evidentemente no salió bien, pero cada vez que se acuerda “se echa unas risas”.

 

“Mi parte se rodó en un día. Yo estaba allí de verdad a oscuras, golpeando cosas, me lesioné un dedo, rompí todo lo que se ponía por medio…”Javier Botet en la entrevista con Roberto Pérez Toledo para Fotogramas

 

En el caso de Mamá, fue su primer salto al ámbito internacional. Cuando el actor fue al Fantastic Fest de Austin, conoció al director del filme, el argentino Andy Muschietti, y le habló del proyecto que en aquel momento se trataba de un corto. Fue años más tarde, con Guillermo del Toro como productor, cuando Muschietti le contactó y le propuso interpretar a la madre de la historia. A las semanas ya estaba en Canadá viviendo un sueño.

Tras el estreno de la película en 2013, muchos espectadores asumieron que el monstruo fantasmagórico de Mamá había sido creado íntegramente de manera digital. Para mostrar el talento de Botet, los productores subieron a Youtube un video en el que el actor mostraba su hiperflexibilidad mientras realizaba un test de movimiento.

 

Su éxito en Hollywood

Dos años después de ‘Mamá’, pasando por otras grandes interpretaciones en películas como La cumbre escarlata o Las brujas de Zugarramurdi, participó en la nominada a 12 Oscar: El Renacido, de Alejandro González Iñárritu. ¿No recuerdas su aparición? Normal, porque finalmente no fue incluida en el metraje final. Se trataba de un personaje que representaba la pesadilla del protagonista. El rodaje fue bastante duro, ya que Iñárritu quería grabar ese plano secuencia con luz natural de amanecer. Fueron varios días de rodaje de tan solo 20 minutos al día, pero el actor jamás olvidará grabar con Leonardo DiCaprio y Tom Hardy.

Un año más tarde se encontraría trabajando con James Wan para la segunda entrega de una de las sagas de terror modernas más famosas: The Conjuring. Interpretó al escalofriante Crooked Man, un breve papel pero que Botet recordará siempre por la experiencia de entrar en los estudios de Warner con su gran y característico depósito de agua.

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Personaje de Crooked Man en ‘The Conjuring 2’

Si le hubieran dicho de pequeño que trabajaría algún día en sagas como La Momia o Alien, no se lo creería. Y así fue, encarnando a un Xenomorfo y al dios Set.

En el caso del remake de It, se encargó de darle vida al leproso Hobo, el terror no solo del personaje de Eddie sino de muchos espectadores. Al igual que Mamá, esta cinta está dirigida por Andy Muschietti, pero trató de manera diferente la relación del actor con los niños. En el caso de Mamá, quería que las jóvenes actrices tuvieran relación y cariño con el monstruo al tratarse, al fin y al cabo, de su madre. Por ello les presentó a las niñas antes de empezar a trabajar; iban a pasar mucho tiempo juntos. Pero en el caso de It, prefirió tener separados tanto a Bill Skarsgard como a él del Club de los Perdedores para que sintieran el impacto y miedo a la hora de rodar.

Cabe destacar su breve pero terrorífica aparición en una de las series más aclamadas de la década, Juego de Tronos, donde encarnó a uno de los Caminantes Blancos de los que Arya huía en la biblioteca en el episodio 8×03. Aunque tan solo son unos minutos de metraje final, tardó dos días en rodarse porque tuvieron que hacer una coreografía de movimientos perfectos. Empezaban a grabar a la 1:30 de la madrugada y tardaban horas en maquillarle. El propio jefe de maquillaje de la serie, Barrie Gower, le agradeció su trabajo por su paciencia, buen humor e interpretación maravillosa. “Por poco que sea, soy parte de esa Larga Noche, ¡yo combatí allí!”, cuenta Botet orgulloso por formar parte de este fenómeno.

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Apariciones de Javier Botet en ‘It: Capítulo 2’, ‘Alien Covenant’ y ‘Juego de Tronos

Fue en 2018 cuando protagonizó la película de Slenderman, basada en el famoso creepypasta de internet. El actor ya conocía la historia como buen amante del terror y al ver al personaje tan alto y delgado siempre pensó en que le encantaría darle vida. Y así pasó: cuando Sony diseñó el proyecto le llamaron.

La interpretación de este personaje fue más complicada de lo que a simple vista puede parecer: el actor tuve que alejarse completamente de una personalidad concreta. Se trata de un personaje en blanco, estático, que aparece y desaparece de un lugar sin saber cómo, por lo que son los personajes los que le rellenan con sus propios miedos.

Durante el rodaje de Slenderman ocurrió un suceso que asustó más a Javier Botet que sus propios monstruos. Mientras estaban en Boston, un amigo suyo le visitó y decidieron grabar unas tomas policíacas para un corto. Cogieron unas pistolas y se grabaron gritando mientras interpretaban la escena. Todo iba bien hasta que, de repente, llegó la verdadera policía armada con pistolas y metralletas. Los policías reales detuvieron a Botet y su amigo a gritos mientras les apuntaban con las armas reales.

 

Su lado cómico

Pese a estar “encasillado” en el mundo del terror, tiene una amplia trayectoria en el mundo del humor, aunque que son trabajos menos numerosos y de menor repercusión mediática. Un buen ejemplo de ello es Algo muy gordo (2017), de Carlo Padial, donde podríamos decir que interpreta una versión satírica de sí mismo. La película representa parte de la ola de humor absurdo de la que Botet participa. Si a esto le sumamos el humor existencialista de Padial y a otros compañeros del gremio como Berto Romero, las risas están aseguradas (entendiendo que no es un humor para todos los públicos).

Colabora con los también manchegos de Muchachada Nui, apareciendo en cuatro episodios de la serie Capítulo 0, además de participar en el programa Cero en historia de Joaquín Reyes. Ambos profesionales son amigos y coinciden en ese humor manchego clásico español. Tampoco podemos olvidarnos de su participación en otros productos audiovisuales, como el videoclip de la canción Cuidado Con El Cyborg (Corre, Sarah Connor) de los peculiares Ojete Calor, donde en tan solo 3 minutos hacer una divertida interpretación de Hamilton en su papel de Sarah Connor.

Cabe destacar una de sus últimas películas, Ventajas de viajar en tren (2019), una combinación entre thriller y humor que encandiló al público en su paso por la gran pantalla. Botet protagoniza uno de los episodios de la cinta en la cual interpreta a una persona enferma que vive una historia de amor. Aquí encontramos una faceta más vinculada al humor negro en uno de los episodios de la película más divertidos y memorables.

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Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla y Javier Botet en ‘Capítulo 0’

Es muy complicado abarcar en solo un artículo todas las producciones en las que ha participado este polifacético actor. Podríamos nombrar también películas recientes como Malasaña 32 (2020), donde realiza una doble interpretación: un especulador inmobiliario y una anciana (aunque no sabemos cuál nos da más miedo). Tampoco habría que olvidarse de la ópera prima de Óscar Martín, Amigo (2019), donde nos muestra una relación tóxica de amistad junto a David Pareja.

A todo esto, y a modo de conclusión, hay que sumarle sus trabajos como director en Al final todos mueren (2013), película colaborativa en la que él se encarga del cortometraje 42 días antes del impacto, o su primer trabajo ejerciendo este cargo en Estrella de amor (2010).

 

Nana Medina (@kowai_nana)

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Las películas estrenadas en Internet podrán optar a los Goya 2021

Los estrenos españoles en Internet podrán competir por los Goya 2021. La Academia de Cine ha comunicado que, de forma excepcional, cambiará las bases de los premios para que puedan optar a ellos también películas que han tenido que trasladar su estreno debido a la crisis provocada por la COVID-19. En las bases de los galardones está habitualmente incluida la obligatoriedad de que las películas deban pasar previamente por salas comerciales para ser elegibles.

La Academia española se suma así a la misma medida que ya había tomado la Academia de Hollywood para los Oscar hace dos semanas. En un comunicado difundido hoy, la institución organizadora de los Goya 2021 asegura que se «aceptarán excepcionalmente aquellos largometrajes que tenían previsto su estreno en salas y se han visto o se verán obligados a estrenarse directamente en plataformas de vídeo bajo demanda (VOD), como consecuencia de la pandemia».

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La Academia recalca que este cambio para los Goya 2021 será temporal

Este cambio tendrá vigor únicamente para la próxima edición de los Goya, la nº35 desde que se empezaron a entregar estos galardones en 1986. Una flexibilización que la Academia ha recalcado que será temporal. «En el momento en el que las salas de cine puedan reabrir en condiciones de seguridad y se restablezca la exhibición, la Academia revisará la medida y podrá finalizarla, manteniendo la norma del estreno en salas comerciales para concurrir a los premios», aseguran desde la junta directiva.

«La institución confirma su defensa de la experiencia colectiva y única que supone para el espectador disfrutar del cine en las salas»

Para tranquilizar a exhibidores y distribuidores, la Academia también ha defendido el papel de las salas de cine como agente fundamental en la industria y para los espectadores: «La institución confirma su defensa de la experiencia colectiva y única que supone para el espectador disfrutar del cine en las salas. Confiamos en la fuerza que conlleva el encuentro en ellas del público con las películas».

Esta medida de flexibilización interna se une a las que había adoptado el Gobierno hace menos de una semana en la misma línea. Dentro del Real Decreto-ley recién aprobado se garantiza que las películas españolas que se estrenen online debido a la pandemia podrán recibir ayudas públicas de tipo económico para su producción. Además, la norma reduce el número de salas exigibles para el estreno, permite recibir el 50% de la subvención sin haber empezado el rodaje y preveé cubrir los costes derivados por adoptar medidas sanitarias en los mismos.

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‘My mexican bretzel’ gana el Premio del Público en el D’A y es ya una de las revelaciones de la temporada

My mexican bretzel se lleva el Premio del Público en el D’A Film Festival 2020. La película dirigida y escrita por Nuria Giménez ha sido la mejor valorada por los espectadores del certamen, que han podido votarla a través de la plataforma Filmin. Nuevo reconocimiento para este filme, que ya había ganado los tres premios nacionales en el pasado Festival de Gijón (mejor película, dirección y guion) y consiguió el Premio Found Footage en el Festival de Rotterdam. Con la buena recepción del público del D’A, My mexican bretzel se confirma como una de las revelaciones españolas independientes del curso.

Aunque los premios anteriores la avalaban, la película de Giménez llegó como otra película desconocida cuando empezó el Festival el 30 de abril. Pero My mexican bretzel consiguió, poco a poco, captar el interés del público a medida que pasaban los días: empezó siendo la 33ª película más vista y los dos últimos días del certamen llegó incluso a ser la más popular de todas las disponibles en el certamen, según desveló el director editorial de Filmin, Jaume Ripoll. Este éxito mejora las posibilidades de distribución en salas para esta peculiar película que ha crecido a partir del boca-oreja y la conversación en redes sociales. 

'My mexican bretzel' gana el Premio del Público en el D'A y es ya una de las revelaciones de la temporada 7Fotograma de ‘My mexican bretzel’

 

La película está realizada a partir de un material que no rodó Giménez Lorang. Todo empezó cuando la directora, que ya había debutado en 2016 con el mediometraje Kafeneio, se encontró con unas cintas caseras de sus abuelos en 2010. Estas grabaciones de viajes familiares la inspiraron para crear una historia ficticia a partir de esas imágenes, y transformar a sus parientes en una pareja de burgueses norteamericanos. Esta es la premisa de lo que se convertiría en My mexican bretzel, una obra sobre la que puedes leer más aquí.


Los otros premios españoles del D’A: Ni oblit ni perdó y La Mami

Junto a My mexican bretzel, encontramos otra película española que ha conquistado al público en Filmin. El Premio del Público en la categoría de cortometrajes ha sido para Ni oblit ni perdó, de Jordi Boquet Claramunt. Basada en el caso del asesinato del joven Guillém Agulló por parte de la extrema derecha, este corto forma parte de la campaña social y política ‘La lluita continua’. El corto llega antes de del telefilme La mort d’en Guillem, dirigido por Carlos Marqués-Marcet, también sobre el caso Agulló.

'My mexican bretzel' gana el Premio del Público en el D'A y es ya una de las revelaciones de la temporada 8Fotograma de ‘La Mami’, de Laura Herrero Garvín

Estos dos reconocimientos populares se unen al que ha recibido la única película (coproducción) española que ha sido premiada por el certamen: el documental La Mami, de la directora toledana Laura Herrero Garvín, ha recibido una Mención Especial del Jurado. La película retrata la vida en el cabaret Barba Azul, en Ciudad de México, uno de los más conocidos en la capital mexicana.

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Lo que ’28 semanas después’ nos enseñó de las fases de desescalada

Durante años hemos visto cientos de películas que muestran cómo actuaría la sociedad ante una crisis epidemiológica. Lo que era ciencia ficción ha dejado de serlo y, aunque parezca que hemos pasado la peor parte, nos enfrentamos a unas fases de desescalada. ¿Y qué película (semi)española aborda este período post-pandemia? 28 semanas después.

Dirigida por Juan Carlos Fresnadillo, esta película de terror estrenada en 2007 nos sitúa seis meses después de una gran pandemia mundial que ha arrasado la mayor parte del mundo. Los escasos 15.000 supervivientes de Londres habitan ahora en Dogsland, en un Distrito militarizado por Estados Unidos. Parece que todo es seguro y el virus está casi controlado, pero nuestros protagonistas (dos niños llamados Tammy y Andy) no hicieron mucho caso de las normas establecidas en las fases de desescalada, convirtiendo una epidemia en una pandemia de nuevo.

Así que cogemos papel y boli y tomamos nota de estos errores para que lo que vimos en una gran pantalla no se convierta en realidad.

Test masivos

Empecemos por lo básico. ¿Qué es lo primero que hay que hacer para controlar un virus dentro de un gran número de población? Tests a la mayor cantidad de gente posible. Así lo hicieron en 28 semanas después, realizando pruebas sanitarias a todas las personas que habitarían el distrito seguro. Y pese a tener instrumental seguro y certificado, un material sanitario avanzado y realizando el mayor número de test, no detectaron a un portador del virus en el Distrito 1 de Londres. Ni siguiendo los consejos de la OMS salió bien la cosa.

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Paseos cortos en el exterior

En la fase de desescalada, volver al mundo exterior tras un largo periodo de confinamiento es un indicativo de que la normalidad está cerca. Pero cuando nos advierten de que estas salidas deben tener una duración y una distancia determinada, es por algo.

A los protagonistas de 28 semanas después le sabía a poco dar un paseo de no más de un kilómetro de distancia, y consideraron una buena idea recorrer medio Londres en una moto para sentir la libertad y el viento en la cara. Error que no detectó la policía del balcón. Debido a esto, los jóvenes entraron en contacto con un infectado y, cuando el Ejército fue a su rescate, acabaron llevándose a los tres a la zona poblada segura. Una serie de catastróficas decisiones.

Hasta un perímetro de seguridad montado y planificado por un ejército puede tener ‘fisuras’, y si los adolescentes hubieran sido responsables y hubieran respetado las normas, no se desencadenaría la posterior tragedia (aunque tampoco tendríamos película).

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Consejo número 2: respetar la distancia y duración de los paseos. Fotograma 28 semanas después
 

La lección de mantener una distancia de seguridad y protegernos con mascarillas para evitar contagios, se la saltó Robert Carlyle al considerar que la mejor idea ante una pandemia era besar -con muchas ganas- a su mujer infectada. ¿Consecuencia? Más allá de unas muertes sangrientas y dolorosas, la propagación rápida y sin control del virus con tan solo un portador.

La recomendación de 1,5 metros de distancia frente al coronavirus no es una medida precisa ni garantiza que evitaremos la propagación, pero desde luego es mucho más recomendable que abrazar o besuquear a la gente de nuestro alrededor. Es curioso, porque a día de hoy no sabemos si podríamos ver ese beso entre Carlyle y Catherine McCormack, ya que está sobre la mesa el debate de qué pasará  los besos de películas. Pese a la creación de protocolos de seguridad sanitaria para rodajes seguros, no se tiene claro cómo rodarán estas íntimas escenas.

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En esta película nos explicaron, de forma clara, la diferencia entre ser inmune o ser portador pero asintomático. Nos muestran a una superviviente que, tras hacerle las pruebas sanitarias correspondientes, es portadora del virus pese a no mostrar síntomas. Por lo tanto, es capaz de contagiar a las demás personas pese a ser asintomática. Además, como dicen en la cinta: “en su sangre puede estar la clave de la vacuna y la curación”.

Si no se hubieran saltado las recomendaciones en el paso anterior y si esta portadora hubiera estado bien aislada, gracias a este descubrimiento podrían haber elaborado una vacuna eficaz que salvaría a la población mundial.

Pero no solo eso, ya que su hijo Tommy también es portador asintomático. ¿Qué hicieron con él? Escapar del país llevando el virus hasta París y, como vemos al final de la película, propagando una vez más (tras 6 meses desde el primer brote) el virus a todo el mundo. Fernando Simón no lo permitiría.

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Como hemos podido comprobar en la cinta, se trata de una historia llena de errores y malas decisiones fruto de la desesperación que acarrean consecuencias muy trágicas. Una serie de pequeños fallos y de falta de responsabilidad que crean un efecto mariposa, en el que de una fase de desescalada se consigue pasar rápidamente a un nuevo brote de la pandemia.

Más allá de esta comparativa, sin duda 28 semanas después es una de las películas sobre pandemias más impactantes, por lo que es un buen momento para volver a verla (e igual para aprender algo de ella, ¿no?).

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