El primer capítulo de Veneno se estrenó en la plataforma de Atresplayer Premium el pasado mes de marzo y ahora, con motivo de la celebración del Orgullo LGTBI, se ha estrenado el segundo capítulo de esta serie dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo. Hay que recordar que si no están disponibles todos los capítulos de la serie desde marzo es por la crisis del coronavirus: se anuló entonces el rodaje y los únicos capítulos que estaban terminados eran los dos primeros, aunque este último estaba en fase de posproducción.
En el primer episodio los Javis se centraron en la primera aparición televisiva de Cristina Ortiz, La Veneno, en ‘Esta noche cruzamos el Mississippi’ y en el primer encuentro entre Valeria Vegas (la biógrafa de La Veneno que ha colaborado en los guiones junto a los Javis) y La Veneno, demostrando así que la serie va a estar narrada desde el punto de vista de la periodista que publicó su vida y que, a su vez, también inició un proceso de transición (es una mujer transexual). “¿Cuándo vas a dar el paso?” le pregunta Cristina Ortiz (interpretada por Isabel Torres) al personaje de Valeria (interpretada por Lola Rodríguez) en el primer encuentro que se muestra al finalizar la primera entrega.
A Veneno hay que reconocerle primero un gran valor social: demostrar la necesidad de las personas transexuales de tener referentes y una representación dentro de las series, y de la ficción en general, a nivel comercial. Una producción como esta en Atresmedia abre paso para que surjan más proyectos grandes que aborden las problemáticas del colectivo LGTB y, en concreto, de las personas transexuales que tanto rechazo siguen recibiendo, tristemente, en plena actualidad.
Atención, spoilers del capítulo 2
La infancia de la Veneno
En este segundo capítulo el foco de atención recae en la etapa de la infancia del personaje de La Veneno, cuando aún era Joselito y no había dado el pasado para empezar a convertirse en una mujer trans. Los actores Guille Márquez y Marcos Sotkovszki son los encargados de interpretar a Joselito en la niñez y en la adolescencia, respectivamente. Sin duda, uno de los grandes aciertos de esta serie es el reparto escogido: estos dos actores desconocidos son una de las sorpresas del capítulo porque desprenden naturalidad, verdad y desparpajo. Cualidades muy importantes para una serie como esta.
Uno de los momentos más duros del capítulo 2 de Veneno, muy bien ejecutado por cierto, ocurre en la adolescencia: Joselito y un amigo (interpretado por Omar Banana, otra revelación de la serie) reciben una paliza (aparte de las palizas que recibe Joselito por parte de su madre que se muestran casi fuera de campo en algunos momentos) por su condición de homosexuales en las fiestas de Adra (Almería). Estas situaciones no impiden que los personajes se muestren tal y como son en todo momento.
En estas escenas de juventud también entra en juego el factor fantasía (véase algunas escenas en el pueblo o el momento de la primera comunión) tan presente en la trayectoria de los Javis y que aquí no se pueden resistir a no incluirlo. No chirría del todo porque su estilo es ya conocido, pero tampoco es algo totalmente necesario en la dinámica de Veneno.
Algunos aspectos negativos
Ya desde el primer episodio se intuía que la serie se iba a centrar en dos historias que están interconectadas, en cierto modo, entre sí: por un lado toda la vida personal de Cristina La Veneno y por otro lado el proceso de aceptación y transición de Valeria. El problema llega cuando se le da más atención a un punto de vista en perjuicio del otro. Y eso ocurre con la trama protagonizada por Lola Rodríguez (Valeria) y el papel interpretado por Mariona Terés ya que da la sensación, igual que ocurría en algunos momentos del primer episodio, que algunas escenas o conversaciones son de relleno y tampoco estamos ante una serie con muchos capítulos de larga duración como para tener que recurrir a ello.
Veneno es una serie muy importante, y tiene más aciertos que desaciertos, pero también hay que reconocer que no es un proyecto donde se le de prioridad a los pequeños detalles. Por ejemplo: el error de caer en los tópicos del personaje sin necesidad alguna (forzar a que el personaje de La Veneno suelte constantemente el “digo”; forma parte de una faceta suya muy frivola en televisión y no tiene porqué estar presente todo el rato) y en el humor tipo Paquita Salas: en la escena en casa de Paca La Piraña (que sigue demostrando en esta nueva entrega su desparpajo natural) con todas las amigas transexuales de La Veneno se intenta crear una coralidad forzando una situación cómica que tampoco se consigue del todo.
La escena en el chino, donde Cristina Ortiz está relatando partes de su infancia a Valeria, también chirría por culpa del personaje interpretado por Mariona Terés (la amiga de Valeria). Si una escena no necesita humor, no hace falta incluirlo, no pasa nada. También recurren, al igual que en Paquita Salas, a realizar finales de capítulos donde a pesar de la tragedia o los problemas de los personajes, se les otorgue cierto alivio, cierta positividad que igual no es del todo necesaria, porque no se ha expuesto un ambiente propicio para que concuerde con ese giro narrativo. Es el problema de querer mostrar espectacularidad en perjuicio del drama social que se está presentando.
Un final emocionante
La parte más emocionante, donde es imposible que el espectador contenga las lágrimas, llega casi al final del episodio gracias a la conversación entre Valeria y su madre (interpretada por Goya Toledo), donde la primera confiesa que se siente mujer y quiere llevar a cabo el proceso de transición. La frase pronunciada de “somos mujeres para las que el mundo es peligroso” se ha utilizado durante la promoción de la serie con razón: es muy potente y reivindicativa.
Sirve de mucho que una serie de alcance nacional de este tipo de mensajes en un momento en el que las personas transexuales siguen sufriendo acoso y rechazo por cierta parte de la sociedad. Al final es lo más positivo que se le puede reconocer a los Javis: que hayan creado personajes con los que las personas LGTB se puedan sentir identificados. La importancia de tener referentes.
Coincidiendo con la celebración del Orgullo LGTBIQA+, realizamos un repaso por diez títulos españoles protagonizados por personajes LGTB que intentaron realizar una representación del colectivo, con mayor o menor acierto. De eso versa también este artículo de películas españolas LGTB: de evidenciar el cambio para mejor que se ha llevado a cabo en el terreno cinematográfico en este país, desde principios de la década de los 70 hasta 2020.
Antes de las películas españolas LGTB: los matices en los años 60 y principios de los 70
Dentro de la industria cinematográfica que había en España durante la dictadura franquista es apenas imposible encontrar ejemplos de personajes LGTB; ya se encargaba la censura de que cualquier matiz desapareciera del metraje final: por ejemplo, Mario Camus en su primera película, Los farsantes (1963), narraba las andanzas de unos cómicos por los pueblos de España y existía una relación homosexual entre dos de ellos aunque la censura procuró que no fuera nada evidente.
En Diferente(1961), un filme musical, también se intuye, en una escena, cierta fascinación sexual de un personaje ante la figura de un albañil (curiosamente el cartel de esta película, dirigida por Luis María Delgado, aparece en una secuencia de Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar). En La semana del asesino (1972), Eloy de la Iglesia también sufrió varios cortes de la censura, sobre todo los relacionados con la confirmación de la tensión sexual que se vislumbra entre el personaje principal (interpretado por Vicente Parra) y el encarnado por Eusebio Poncela.
Hasta ahí, algunos ejemplos que demuestran cómo era completamente improbable que aparecieran tramas de este tipo en películas de aquellos años pero, evidentemente, sí existía una homofobia latente en muchos filmes españoles de carácter cómico (pero esto ya da para otro artículo entero). El ejemplo más destacado, que no por ello menos reprochable, es el que encarnó Alfredo Landa en No desearás al vecino del quinto (Ramón Fernández, 1970) donde su personaje, que tiene una boutique, se “afeminaba” para coquetear con las clientas. El actor confesó que grabó su voz de dos formas, una “normal” y otra de forma más amanerada (al final se eligió esta).
MI QUERIDA SEÑORITA (Jaime de Armiñán, 1971)
Jaime de Armiñán y José Luis Borau lo tenían bastante difícil para que la censura no modificara un guion como el de Mi querida señorita, y para no tener problemas llegaron a cambiarlo hasta cinco veces. Lo importante era encontrar a un actor popular, ya que querían hacer una película comercial, que aceptara interpretar a una mujer en el primer tramo del largometraje, por lo que escogieron a José Luis López Vázquez que llegó a rechazarlo pero finalmente aceptó.
En la película evidentemente no se utiliza la terminología correcta y simplemente Jaime de Armiñán presentó a una mujer (interpretada por José Luis López Vázquez) que se afeita y el médico le asegura que no es una mujer: lo exacto hubiera sido argumentar que se trataba de una intersexualidad. Pero esta es la única pega que se le puede poner a una película, totalmente adelantada para su tiempo, que habla fundamentalmente de represión sexual, educativa y, sobre todo, social.
El filme, que llegó a estar nominado a los Oscar como mejor película de habla no inglesa (estatuilla que recibió Buñuel por El discreto encanto de la burguesía), conmocionó a George Cukor además de llevar a las salas españolas a más de dos millones de espectadores y recaudando casi medio millón de euros.
Eloy de la Iglesia tenía capacidad para hacer un análisis social del momento que se estaba viviendo en nuestro país y, a su vez, realizar cine de lo más comercial. En El diputado no se topó con la censura, como sí le ocurrió en La semana del asesino, y pudo desarrollar perfectamente toda la trama homosexual que gira entorno al protagonista, interpretado por José Sacristán: un militante de un partido de izquierdas que decide confesar su homosexualidad cuando es elegido diputado en las elecciones de 1977.
Según el actor existía una urgencia por que hubiera dentro del cine una representación de la homosexualidad dentro de la política aunque esa rapidez provocara que el director, además de guionista del filme junto a Gonzalo Goicoechea, cayera en la doctrina política y en el dogmatismo.
No se trata de un filme perfecto ni muchísimo menos, pero es de agradecer que alguien en la década de los 70, a finales, decidiera abordar este tipo de temas: por ejemplo la relación entre un hombre y un menor de edad (interpretado por José Luis Alonso) y, a su vez, con la mujer del primero, interpretada por María Luisa San José, en una especie de relación poliamorosa muy sorprendente para la época. Por lo tanto, se trata de una cinta que igual no ha envejecido del todo bien pero no por ello se le puede quitar el mérito de haberla podido realizar en su momento.
UN HOMBRE LLAMADO FLOR DE OTOÑO (Pedro Olea, 1978)
Aparte de El diputado, en 1978 se estrenaron otras dos piezas fundamentales que visibilizaron la homosexualidad en un tiempo donde aun estaba penada bajo la ley de peligrosidad social franquista, aunque España ya se encontrara en una casi incipiente democracia. Por un lado está el genial documental de Ventura Pons, Ocaña retrato intermitente y, sobre todo, Un hombre llamado Flor de Otoño.
Esta última película dirigida por Pedro Olea tuvo un enorme éxito de público y fue muy aplaudida por la crítica: José Sacristán, su protagonista, recibió la Concha de Plata al mejor actor en el Festival de Cine de San Sebastián. Ambientada durante la dictadura de Primo de Rivera, se centra en la figura de un joven abogado (José Sacristán) de la alta burguesia catalana que lleva una doble vida y por las noches se convierte, en un cabaret, en Flor de Otoño.
Es un acierto, para la representación y visibilización del homosexual, el escoger a un actor tan popular y tan presente en el cine comercial como lo era José Sacristán para que no causara nada de rechazo, y sí simpatía, en el público. El filme es muy emocionante gracias a la brillante interpretación, nada sobreactuada y muy medida, de Sacristán y también a la relación maternofilial que se expone basada en la aceptación, la comprensión y el respeto frente al rechazo con que se trataba a las personas gais.
VESTIDA DE AZUL (Antonio Giménez Rico, 1983)
Notable documental que se centra en la figura de seis mujeres transexuales que ejercían la prostitución en el Madrid de principios de los años 80. La idea original de Antonio Giménez Rico, su director, era juntar a mujeres transexuales que desempeñaran distintos oficios pero al no encontrar a ninguna que ejerciera otro trabajo se dio cuenta de que debía radiografiar una terrible realidad: las mujeres transexuales tenían que prostituirse para ganarse la vida (y según el director: intentar comprender por qué querían “complicarse la vida”).
Es interesante ver cómo las propias protagonistas no se llevan bien entre ellas, es decir no se muestra una sororidad entre las seis mujeres, y además se evidencia una diferencia de clases: por un lado la mujer transexual que lucha y sufre por ganar dinero frente a la que pertenece a una clase más alta y vive casi en el lujo. Lo que más sorprende, para bien, es el humor que desprenden en sus declaraciones, es muy emocionante ver cómo sacan el lado positivo a la tragedia que están viviendo. Aunque, lógicamente, nos encontramos con otro problema de terminología: no son capaces de reconocerse como mujeres transexuales y adoptan términos tan anticuados como el de “travesti”, aunque era otra época y es totalmente entendible.
Podéis disfrutar de este documental, que podría considerarse película de culto y llegó a presentarse en el Festival de Cine de San Sebastián, en Flixolé.
LA LEY DEL DESEO (Pedro Almodóvar, 1987)
En 1975 Vicente Aranda ya había tratado el tema de la transexualidad en Cambio de sexo, con Victoria Abril como protagonista, pero sin duda la película fundamental que representó a una mujer transexual, lejos del morbo o del sensacionalismo, fue La ley del deseo, dirigida por Pedro Almodóvar, con el personaje de Tina interpretado por Carmen Maura.
Aquí lo importante no es el tema de la transexualidad ya que Almodóvar lo normaliza completamente y centra la atención en la personalidad de la mujer transexual: para ello el director manchego quiso que el papel fuera para una actriz cis porque, según reconoció, quería reflejar a alguien que había dado el paso de cambiar de sexo pero a su vez mostrar una feminidad exhibicionista y exagerada.
Carmen Maura está maravillosa pero lo mismo le ocurre a Eusebio Poncela y a Antonio Banderas, los protagonistas de la trama homosexual del filme, que llega a ser triángulo amoroso con el personaje de Miguel Molina. No era la primera vez que el director desarrollaba una trama entre dos hombres pero si se puede reconocer que esta fue la primera película donde consiguió alejarse del mamarracheo -estilo Laberinto de pasiones– y contar una historia de amor, de dependencia, de conflicto y de tragedia. Aunque su trama homosexual más conseguida es, probablemente, la de Dolor y gloria (2019).
Cesc Gay adaptó en 1999 la obra teatral, de Jordi Sánchez, del mismo título: Krámpack. Fue su primera película en solitario y recibió el premio a mejor dirección en el Festival de Málaga y el premio de la Juventud en el Festival de Cannes. El cineasta catalán tuvo la acertada decisión de escoger a dos actores, para los papeles protagonistas, que eran casi desconocidos para el gran público. Los dos son, sin duda, lo mejor de la película: la química que desprenden en todo momento Jordi Vilches (que recibió una mención especial en el Festival de Málaga) y Fernando Ramallo.
La base de Krámpack es el reencuentro veraniego de dos amigos pero a partir de ahí se vislumbra la verdadera intención de la película: mostrar cómo se inicia el despertar sexual en plena adolescencia, una etapa de confusiones y también de revelaciones: Dani (Fernando Ramallo) siente una atracción, que no llega a ser del todo sexual pero sí platónica, por su amigo Nico (Jordi Vilches). Pero no es algo correspondido y de ahí surge la disputa, el rechazo momentáneo para luego llegar a afrontar la realidad.
Todo está muy bien equilibrado gracias a los puntos cómicos que la película tiene así como también los momentos más emotivos, que también los hay. Sin duda se trata de una película muy tierna que no ha envejecido nada mal. 20 años después de su estreno, sigue despertando interés.
SOBREVIVIRÉ (Alfonso Albacete y David Menkes, 1999)
Alfonso Albacete, David Menkes y Lucía Etxebarría se basaron en sus propias vidas a la hora de escribir Sobreviviré. El filme narra la historia de amor entre Marga (Emma Suárez) e Iñaki (Juan Diego Botto), un chico gay. No es la única película del tándem formado por Alfonso Albacete y David Menkes que ha incluido una trama homosexual dentro de la narrativa de la película pero es cierto que es en Sobreviviré donde les quedó mejor.
Lo principal es que en la película no hay en ningún momento rechazo. Todo se expone para que quede normalizado, demostrando así que la condición sexual de cada uno no tiene porqué ser algo fijo sino que cada persona es libre de sentir y amar a quien sea sin definirse si no quiere. El personaje de Emma Suárez en ese sentido es muy positivo porque acepta la situación, no rechaza estar con el personaje de Juan Diego Botto por el hecho de ser homosexual, ya que es su vida, son sus vidas, y pueden decidir libremente.
Por todo esto la película resulta muy valiente y positiva en clave LGTB. Todo esto sin olvidar, claro está, que estamos ante una película romántica casi de manual con sus aciertos y también sus errores, pero la base es potente y está bien ejecutada en líneas generales.
A MI MADRE LE GUSTAN LAS MUJERES (Inés París, Daniela Féjerman, 2001)
La recientemente fallecida Rosa María Sardá hizo en A mi madre le gustan las mujeres uno de sus papeles más recordados dentro del cine. Estamos ante una comedia típica de los 90, un hecho que no tiene porqué ser algo negativo; la propuesta de la película ya de por sí es divertida: ¿cómo reaccionar al enterarte de que tu madre está saliendo con una mujer? y si a eso se le añade que las hijas están interpretadas por María Pujalte, Leonor Watling y Silvia Abascal difícilmente puede salir mal.
Las directoras Inés París y Daniela Féjerman demuestran un estilo de dirección muy cercano al de Woody Allen, a esa comedia tan alocada y de enredos, pero a su vez también es positivo ver cómo en una comedia de lo más comercial se aborda un tema no demasiadas veces tratado: reflejar la homosexualidad tardía en una mujer madura (algo que veremos pronto de nuevo en Salir del ropero) que decide rehacer su vida sin ningún problema y a su vez ver cómo los comportamientos más antiguos o retrógrados surgen de la generación más joven: sus hijas.
CACHORRO (Miguel Albaladejo, 2005)
Lo que Miguel Albaladejo hizo con esta película es muy importante y hay que reivindicarlo: salirse de las cánones de belleza establecidos y dar el rol protagonista a una persona de mediana edad que no tiene una figura atractiva y demostrar así que eso no es algo negativo; es más, se puede hacer y se debería hacer más de lo que se hace.
Demostró así que se puede contar una historia, ambientada en Madrid (y en Chueca), donde los protagonistas no tienen un físico escultural ni cuerpos de gimnasio y no pasa nada, no se altera la trama ni hay ningún problema: es más, se asemeja mucho más a la realidad ver a una persona con la que sentirse reflejado hasta físicamente que a alguien con cuerpo de modelo.Esto es un mal dentro de la industria pero dentro de las películas con temática LGTB, en líneas generales, también ocurre.
José Luis García Pérez es el protagonista de Cachorro, una película que se centra en el tema del VIH y la necesaria desestigmatización por parte de la sociedad además de reflejar abiertamente (hay incluso imágenes explícitas) la vida sexual de su protagonista. Esta película es de 2005, y en quince años no encontramos muchos ejemplos de películas con personajes LGTB protagonistas y lejos de clichés.
CARMEN Y LOLA (Arantxa Echevarría, 2018)
Arantxa Echevarría escribió y dirigió en 2018 Carmen y Lola, una de las historias de amor entre dos chicas más acertadas en España en los últimos años, aunque tampoco es que se hayan hecho muchas más (otro título destacado fue el de Isabel Coixet, Elisa y Marcela, en 2019).
El Festival de Cannes la seleccionó para la Quincena de Realizadores y en los Premios Goya se alzó con dos premios (de ocho nominaciones): mejor dirección novel y actriz de reparto (para Carolina Yuste) por lo que estamos ante un título que gustó mucho a la crítica y al público pero tampoco se libró de ciertas críticas de asociaciones gitanas que no estaban de acuerdo con el reflejo que la cineasta hizo del pueblo gitano.
Pero, sin embargo, la película es muy fiel a la realidad y no cae en tópicos: es muy apreciable que la directora decidiera contar una historia entre dos chicas jóvenes y que una de ellas fuera gitana: no se ha reflejado mucho la difícil situación que viven las personas gitanas LGTB y todo lo que sea una representación sin ningún tipo de sensacionalismo, es digna de ser aplaudida y bien recibida. Al fin y al cabo lo importante para las personas LGTB es tener referentes (también en el cine) y con películas como esta se consigue totalmente aunque la sensación, después de verla, sea un tanto agridulce también eso es síntoma de que el reflejo social es acertado.
Muchas otras películas se han realizado sobre esta temática pero sí es cierto que aún faltan más películas grandes, y no independientes, que cuenten historias donde la gente del colectivo LGTBI se pueda sentir identificada. Por suerte, Javier Ambrossi y Javier Calvo, los Javis, han abierto un camino importante dentro de la ficción con la serie Veneno. Ojalá sea el inicio de muchos otros títulos importantes.
El cine español vuelve a las salas después de tres meses, y lo hace con La cinta de Álex, una inusual colaboración cinematográfica entre España e India. En 2011, el gran éxito de una película de Bollywood ambientada en España animó a un convenio entre ambos países, pero no ha sido hasta ahora que se han podido ver los frutos de una coproducción tan directa entre ambas industrias. Primer largometraje de Irene Zoe Alameda, la película ha contado con trabajadores de los dos lugares -además de apoyos norteamericanos- para hacer realidad una historia de reencuentro entre un padre (Fernando Gil) y una hija (Rocío Yanguas).
El viaje de Zoe Alameda para llegar a este contacto con el país asiático viene de lejos. En 2010 aceptó el encargo de rodar un corto documental llamado Jaisalmer y posteriormente le propusieron escribir un guion ambientado en esa misma zona, que acabó siendo el texto de La cinta de Álex. El proyecto tuvo que pararse entonces por la crisis, y no fue hasta 2016 cuando presentó Jaisalmer en Jaipur que la implicación de uno de los productores indios volvió a sacar el proyecto adelante.
«Hace unos años fue un poco el azar (el aceptar el proyecto de Jaisalmer) lo que me llevó a la India, y luego, poco a poco, me he ido implicando con el país cada vez más, lo que me ha hecho conocerlo de cerca», cuenta Irene Zoe Alameda a Cine con Ñ, que viajó cada cierto tiempo a la India para presentar su corto documental hasta que, con la luz verde de la producción india, sus viajes se fueron haciendo más habituales hasta que eligieron las localizaciones para la película.
Irene Zoe Alameda durante el rodaje de ‘La cinta de Álex’
La cineasta asegura tras la finalización de la película que India es un país «fascinante» para filmarlo, aunque un lugar al que «hay adaptarse», especialmente para una mujer directora y también involucrada en labores de producción durante todo el proceso de creación de La cinta de Álex. «Ahí tienes que aprender los códigos que tienen para saber cómo moverte», explica Zoe Alameda, que cita con frecuencia, además de las grandes desigualdades, el fuerte machismo del país como uno de los problemas que pudo vivir más de cerca.
El machismo local incluso cambió el resultado final previsto de la película. «En el guion yo tenía trabajadoras textiles en la película. Cuando llegué allí me dijeron que ninguna mujer iba a trabajar a una fábrica. Todas necesitan el permiso del marido», cuenta la directora. Al final sólo pudo contar en el lugar de producción con una mujer, repudiada por haber tenido un hijo fuera del matrimonio, que no necesitaba el permiso de su marido.
Pero la producción y el rodaje en India tiene también muchas cosas buenas: «La gran industria de Bollywood te permite, por ejemplo, elegir un equipo con el que sabes que vas a trabajar bien. Una vez tuvimos elegido el equipo técnico de allí, no tuvimos ningún problema». Además, destaca las facilidades para el trabajo que ponen los locales: el marajá del pueblo del set de rodaje de La cinta de Álex cedió uno de sus palacios para que fuera escenario de la película.
Rocío Yanguas junto a Irene Zoe Alameda en el rodaje de ‘La cinta de Álex’
Otro de los elementos 100% indios con los que cuenta La cinta de Álex son varios de los actores secundarios, entre los que destaca la presencia de estrellas locales como Krishna Singh Bisht. Zoe Alameda destaca la diferencia que hay entre las escuelas interpretativas de España y las de India, donde los actores tienden a realizar gestos más marcados e intensos, en lo que desde aquí se podría leer como sobreactuación. «Ensayé muchísimo con ellos antes para que cuando llegara el momento de mezclarse con los actores españoles se pudieran complementar sin problemas», especifica la directora.
El resultado de esta experiencia en la India ya se puede ver en los cines, con una historia que busca mezclar aventura y drama familiar con una relación paterno-filial como gran centro de la ficción. Entremedias, el crisol de las distintas realidades en India o contexto socio-político vinculado al terrorismo. Pese la incertidumbre actual con la apertura en los cines, Zoe Alameda, aseguran que «están contentos de que la película se estrene» y que «el éxito comercial ahora es lo de menos. Solo queremos que la gente pueda sentarse y disfrutar de la película».
“Me siento como si estuviéramos estrenando la vida y el cine otra vez”. Con estas emotivas palabras de su directora, Conxita Casanovas, ha dado comienzo en los cines Verdi de Barcelona el BCN Film Fest, que tiene el mérito de ser el primer festival de cine que se celebra tras el confinamiento. Habrá público, con la correspondiente limitación del aforo al 50%, y habrá también estrellas invitadas, aunque algunas intervendrán por videoconferencia.
Como ya hemos podido comprobar en la primera proyección reservada a la prensa, todas las medidas de seguridad contra la Covid-19 están tomadas. Junto a las mejoras en el sistema de ventilación y la limpieza de las salas, para los espectadores será obligatorio el uso de mascarillas y la separación entre butacas. Todo listo.
La celebración de esta 4ª edición del Festival Internacional de Cinema de Barcelona-Sant Jordi, inicialmente prevista para el mes de abril, se logra tras el esfuerzo de la organización por mantener el formato presencial. Finalmente, se proyectarán un total de 44 películas, que valorará un jurado presidido por la actriz barcelonesa Mercedes Sampietro.
Entrada de los Cines Verdi de Barcelona
Entre las seis producciones españolas que se podrán ver, solo una de ellas (el documental Maragall y la Lluna sobre el político Pasqual Maragall) competirá en la sección oficial. Sin embargo, la producción española más esperada ha sido la elegida, oportunamente, como película de inauguración del festival. Hablamos de Uno para todos, firme candidata al Premio del Público a la mejor película catalana.
Un profesor interino llega a un pueblo perdido de Aragón para encargarse de la clase de sexto de primaria en la que pronto comenzarán los conflictos, con el regreso de un alumno que había estado enfermo. Esta es la premisa argumental de Uno para todos, segundo largometraje del pamplonés David Ilundain tras B, la película,basada en el famoso interrogatorio judicial a Bárcenas. Con guión de Valentina Viso y Coral Cruz, la película tiene la virtud de no exacerbar las situaciones dramáticas ni recurrir a una visión dulcificada o paternalista de las y los niños. El relato se construye, más bien, a través de una agradable sencillez emotiva que va meciendo al espectador.
El edificio de Uno para todos se sostiene gracias a la soberbia intrepretación de David Verdaguer (Los días que vendrán, Verano 1993), que confirma su estado de gracia y tendría que ser aval suficiente para su inclusión en la temporada de premios. Asimismo, destaca el talento de los chicos y chicas que componen la clase, cuyo mérito también hay que atribuir al casting. Valga como ejemplo el último tercio de la película, sostenido por la interpretación de la joven Vega Vallés como contraparte del «profesor» Verdaguer.
La cinta es, en definitiva, un homenaje a la labor educativa y el papel de la escuela pública. Se trata de una temática poco explotada en el cine español, con el profesor en el centro de la trama, algo más propio de los vecinos franceses (La clase, La profesora de historia). Sí, la hemos visto más recientemente en series españolas (Merlí, Élite), pero en otras franjas de edad más adolescentes y, por ende, con problemáticas distintas.
Uno para todos es un alegato en defensa de la educación en sentido amplio, como escuela de vida y valores. Se estrenará en cines el 14 de agosto, justo unas semanas antes de la “vuelta cole”: bien podría servir, en tiempos de pandemia, para recordarnos el papel insustituible de la dimensión física de la educación -la que se da en las aulas y no en las pantallas- como espacio-tiempo de crecimiento personal y colectivo.
Estos días se está celebrando el Marché Du Film de Cannes, uno de los mercados cinematográficos más importantes del mundo. Un evento internacional en el que se reúnen miles de profesionales del sector para financiar o distribuir películas. El cine español está este año muy presente en esta edición online del Marché provocada por la pandemia. Bajo el sello ‘Cinema From Spain’, hasta el 26 de junio hay un pabellón virtual y distintos eventos como escaparate de nuestras películas.
Uno de ellos es «10 Promising Spanish Projects in Development», una serie de reuniones rápidas de trabajo que diez proyectos de películas españolas mantendrán con distintos profesionales para estudiar ventas, coproducciones o programación de festivales. Estas películas han sido seleccionadas por el Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), que ha prestado especialmente atención a películas con trayectoria en programas parecidos o potencial para encontrar apoyos internacionales.
Analizamos lo que sabemos sobre estas «prometedoras» películas españolas que pasarán todo el día de mañana por los establecimientos digitales de Cannes, en las que encontramos a todo tipo de cineastas y proyectos, primeras obras y nuevos proyectos de cineastas con trayectoria.
ESPÍRITU SAGRADO (Chema García Ibarra)
Fuente: Madavenue
El esperado debut en largo del cortometrajista Chema García Ibarra, Espíritu sagrado, también estará en Cannes. La película está cerrando sus posibilidades financieras: la semana pasada consiguió el importante apoyo de Movistar + que se suma al de TVE o el de La Incubadora de la ECAM. La película, de ficción pero con estilo documental, cuenta la historia de un aficionado al estudio de los ovnis al que la muerte de uno de sus compañeros cambiará sus planes.
LAS MIL VIDAS (Marina Seresesky)
Marina Seresesky. Fuente: Filmax
Las mil vidas es el nuevo trabajo de Marina Seresesky, directora argentina con ya dos largometrajes españoles a sus espaldas: La puerta abiertay, el más reciente, Lo nunca visto. En octubre de 2019 ganó el Premio CIIF Market Santa Cruz de Tenerife y ahora su productor, Álvaro Laín (Meridional Producciones), busca apoyos para este thriller dramático protagonizado por Juana Acosta en el que una madre viaja a Latinoamérica en busca de respuestas a la desaparición de su hijo años atrás.
SECADEROS (Rocío Mesa)
Fuente: Filmand
Después de dirigir el documental Orensaz, la andaluza Rocío Mesa busca concretar su salto a la ficción con Secaderos, una historia de verano en la zona de la Vega en Granada. La productora La Claqueta, detrás de la reciente La trinchera infinita, lleva este proyecto al Marché Du Film que ya pasó por Francia en un encuentro similar llamado ‘Small is biutiful’ en 2018. Una película protagonizada por un niño y una adolescente que Mesa resumió como de «realismo mágico rural» en una entrevista en Filmand.
CIUDAD SIN SUEÑO (Guillermo García López)
Fuente: Berlin Talents
Ganador del Goya al Mejor documental por Frágil equilibrio, el madrileño Guillermo García López sigue preparando su segundo largometraje: Ciudad sin sueño. Esta vez se trata de un proyecto de ficción que ya ha pasado por el programa ‘Residencias’ de la Academia de Cine, que dio el salto a un programa parecido en Cannes, y que pasó por ‘Berlin Talents’ en febrero. La película trata sobre la vida en un asentamiento ilegal a las afuera de Madrid en el que se ciñe una amenaza por desalojo.
CANTANDO EN LAS AZOTEAS (Enric Ribes)
Fuente: Inicia Films
Documental dedicado a Gilda Love, una de las transformistas más míticas de Barcelona. Después de Greykey (2019), ganador de la Biznaga de plata al mejor corto documental en el Festival de Málaga, Enric Ribes recupera otro de sus cortos, del mismo nombre, para convertirlo en largometraje y recoger un posible cambio en la vida de Gilda. La local Valérie Despierre de Inicia Films, que estrenará pronto también Uno para todos, será la encargada de mantener estos encuentros en Cannes.
TETÚAN (Iratxe Fresneda)
Fuente: ICAA
El proyecto más ambicioso de la carrera de la cineasta vasca Iratxe Fresneda se llama Tetúan. Este es el título que le dará cierre a su trilogía sobre el registro de la imagen (compuestas por sus anteriores Irrintziaren Oihartzunak y Lurralde Hotzak), en la que Fresneda presentará dos historias diferentes, en una mezcla entre ficción y documental, y todo girará entorno a la memoria. El proyecto ya estuvo en la Berlinale y ahora pasará por Cannes a través de su productora Gentzane Martínez (Marmoka Films).
ANIMAL/HUMANO (Alessandro Pugno)
Alessandro Pugno. Fuente: Youtube
Alessandro Pugno, director italiano residente en España, presenta en el Marché su primera película de ficción, Animal/Humano. Después de firmar un documental sobre el Valle de los Caídos, A la sombra de la cruz (2013), que ganó la Biznaga de Plata al Mejor documental en Málaga, Pugno se pasa a la ficción con esta historia dividida en dos entre un chico italiano que quiere ser torero y un toro de lidia que vive en España
HIJA DEL VOLCÁN (Jenifer de la Rosa)
Fuente: Mayéutica Producciones
La erupción del volcán Nevado del Ruiz en Colombia en los años 80 marcó la vida de la periodista y directora Jenifer de la Rosa. Ahora de la Rosa, española de adopción, firma su primer largometraje, La hija del volcán, un documental autobiográfico en el que cuenta esa historia y las consecuencias que tiene hoy día. Su productora, Mayéutica Producciones, espera que esta historia de reencuentros y supervivencia tome más impulso desde el Marché Du Film de Cannes.
MATADERO (Santiago Fillol)
Fuente: Catalan Films
El guionista habitual de las películas de Oliver Laxe (Mimosas, Lo que arde) pasa a dirigir en solitario tras su documental con Lucas Vermal Ich Bin Enric Marco. Su proyecto es esta vez de ficción: Matadero es la historia de un cineasta que va a rodar a Argentina las revueltas durante la dictadura de Videla que ocurrieron en los años 70. Es una adaptación de El matadero, un cuento escrito por Esteban Echeverría en siglo XIX. Fillol vive desde hace 20 años en España, y su importante trabajo reciente con Laxe, que fue premiada también en Cannes, espera que avale su película ahora en el mercado.
ZO VER WEG (Gerard Oms)
Gerard Oms. Fuente: Youtube
El actor Gerard Oms sigue su carrera como director tras su corto Hummus y prepara Zo ver weg, una película con participación holandesa que, según la publicación Cineuropa, tiene entre sus protagonistas a David Verdaguer, Mario Casas y Déborah François. La productora Zabriskie Films, con Carles Torras a la cabeza, será la encargada de vender el proyecto en el Marché du Film de Cannes.
La próxima ceremonia de los Goya 2021 será el sábado 27 de febrero. La Academia de Cine acaba de anunciar que la cita se celebrará a finales del mes de febrero, algo más tarde de las fechas habituales de la gala -habitualmente a finales de enero o principios de febrero-, pero sin grandes retrasos. Los organizadores mantienen su calendario evitando que la cerimonia pudiera pasarse a marzo o incluso más allá como ha sucedido con los Oscar (25 de abril).
La decisión la han tomado desde la Academia tras reunirse para ponderar un posible aplazamiento debido a los cambios surgidos en otras entregas de premios. Finalmente se produce un pequeño reequilibrio de 3-4 semanas más de lo habitual en la que será la gala de los Goya más tardía desde 1993. Los premios más importantes del cine español se entregaron en marzo durante sus tres primeras ediciones (1987,1988,1989) para finalmente pasar al mes de febrero e incluso enero, como pasó este 2020.
Pedro Almodóvar en la pasada edición de los Goya en Málaga. Foto: Pedro J. Pacheco
La configuración de los Goya 2021
La Academia cierra así la especulación de cuándo son los Goya 2021, una duda que había empezado a aflorar tras la cascada de premios internacionales (Oscar, BAFTA y Globos de Oro) que habían decidido aplazar sus ceremonias la semana pasada y al comienzo de esta. Este baile de fechas producirá que los Goya serán sólo un día antes de los Globos de Oro, que han pasado al 28 de febrero de 2021.
Esta noticia termina de hacer una primera configuración de lo que serán los Goya 2021 tras la crisis del coronavirus. Los primeros cambios vinieron en abril, al conocerse que las películas estrenadas online sí que podrán competir y ser elegibles para los premios tras el cierre de salas durante tres meses. Además, está garantizado que la gala será más corta que en años anteriores al haberse restringido los agradecimientos. La gran duda por resolver aún es el lugar del evento. Por el momento, Valencia es la gran candidata.
Movistar + lanza el primer teaser de Antidisturbios, su nueva serie policíaca creada por Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña (El reino, Que dios nos perdone) y que ha dirigido el primero junto a Borja Soler, que se ha encargado de firmar dos capítulos de la producción. Este thriller de seis capítulos cuenta la historia de un grupo de antidisturbios español al que una determinada actuación puede traerle a graves consecuencias. En este equipo especializado encontramos a Raúl Arévalo,Álex García,Roberto Álamo,Hovik Keuchkerian,Raúl Prieto y Patrick Criado.
Estas primeras imágenes, de 50 segundos de duración, nos permiten ver al grupo de antidisturbios cantando la canción Tesón de Hierro, que fue elegido en 2016 como nuevo Himno Nacional de la Policía. Este tema se convierte en la banda sonora de distintas secuencias hasta que aparece el personaje de Vicky Luengo, que interpreta a una policía que se encarga de la investigación de la muerte de una persona tras una actuación de este grupo de antidisturbios. Todo apunta a que su intervención en la historia será fundamental.
La miniserie promete ser una de las grandes apuestas originales de Movistar para después del verano. La compañía sigue invirtiendo capital en sus producciones españolas, y ahora espera volver en otoño con un policíaco que le de los mismos resultados que le dio recientemente La Unidad, que se convirtió en su mejor estreno histórico. Confían en la experiencia de Sorogoyen en el thriller, que también ha escrito la historia junto a Isabel Peña, coguionista habitual, y Eduardo Villanueva.
Ya se puede ver el primer tráiler de El olvido que seremos, la nueva película de Fernando Trueba (Belle époque, Ópera prima) que habría sido seleccionada en el Festival de Cannes 2020 si se hubiera celebrado. La película hispano-colombiana, protagonizada por Javier Cámara, está basada en el exitoso libro del mismo nombre de Héctor Abad Faciolince, que ha sido adaptado a guion por otro nombre conocido del cine español como David Trueba.
En el adelanto podemos ver a Cámara hablando con acento colombiano al interpretar a Héctor Abad Gómez, el sujeto principal y padre del autor de la novela. La historia relata las obras sociales y los últimos años de vida de Abad, asesinado por los paramilitares en 1987. Como se puede ver en el tráiler, la relación padre-hijo ocupará un espacio importante en el relato dramático de los Trueba, tanto en la infancia de Abad Faciolince como en su juventud adulta.
Variety publicó este adelanto de uno de los proyectos recientes de Trueba con más empaque económico, al contar con la producción del gigante televisivo colombiano Caracol TV. El sello de Cannes y su participación estos días en el mercado de distribución y apoyos Marché Du Film del Festival auguran un buen camino hacia su estreno en salas, algo con lo que el director español ganador de un Óscar llevaba años sin poder contar.
«El olvido que seremos es el libro que más veces he comprado en mi vida»
Caracol se lanzó a realizar la adaptación de uno de los libros colombianos más populares del siglo XXI, que ha conseguido vender 300.000 copias en todo el mundo. Y se lo ofrecieron a Trueba, que aceptó al tener una conexión especial con el libro. “El olvido que seremos es el libro que más veces he comprado en mi vida», cuenta Trueba a Variey, «se lo he regalado a mi mujer, a mi madre, a alguno de mis hermanos y a amigos de otros países». El tráiler de El olvido que seremos pone las bases para la que puede ser una de las grandes películas para el cine español del curso.
Un 41,5% de pérdidas anuales para el cine en salas en España. Y siendo optimistas. Es la proyección que hacen desde Gower Street al cierre del 2020 para la recaudación de taquilla en nuestro país, que pasaría de los 594 millones de euros de media de los últimos años a los 347, 5M€ con los que diría adiós a este. Además de tener en cuenta el contador casi vacío del segundo trimestre del año (marzo-junio), los cálculos de esta empresa de medición bajan las proyecciones de ventas de entradas durante los últimos dos trimestres para España.
Gower Street Analytics, asociada a la compañía Comscore, asegura que en el «mejor escenario posible» la bajada de recaudación sería del 35,6% en 2020 con respecto a la media de la taquilla en España de los cinco años anteriores. A partir de este cálculo, la compañía elabora un modelo de predicción el que incorpora «el potencial impacto de menos producto (películas) en el mercado comparado con años anteriores, y el impacto de las medidas de distanciamiento social» para reflejar las condiciones que se darían a finales de diciembre.
Elaboración propia. Fuente: Gower Street Analytics
En ese cálculo de la recaudación de taquilla, el analista Iain Rodger ha creado este modelo que tiene en cuenta una «distancia social moderada» durante esta segunda mitad del año —el estado intermedio en una escala con tres niveles de distancia: restrictiva, moderada y relajada—. Este criterio, junto a la constatación de que habrá menos títulos de estreno en lo que queda de 2020, baja hasta diez puntos la predicción con respecto al tercer trimestre del año (junio a septiembre), que pasaría de ser el 25,4% del total de la recaudación al 15,4%. La bajada en el último trimestre (de septiembre a diciembre) sería mucho más ligera: del 28, 1 % al 25,2%.
Gower Street destaca la importancia que tendrán en la recuperación del cine en España que haya «productos locales fuertes»
La caída en picado de la venta de taquilla anual en España sería, incluso en un escenario favorable, muy dura para el sector cinematográfico. Especialmente complicado será el balance anual para los exhibidores, que verán caer en picado sus ingresos en 2020. Gower Street destaca la importancia que tendrán en la recuperación del cine en España que haya tanto «productos locales fuertes» (cine español) como grandes superproducciones extranjeras que puedan dar incluso mejores resultados de los que darían normalmente «debido al espacio que habrá en el mercado».
Según cálculos del informe dedicado a nuestro país, el global de estrenos de 2020 nos dejará con un menor número de películas en los cines. Esto significa menos ingreso de recaudación de taquilla, aunque más posibilidades de que grandes películas puedan dominar el mercado. A fecha de 8 de junio, solo había 358 películas de estreno calendarizadas en 2020, casi la mitad de los más de 670 que ha habido cada año desde 2015. Aunque se espera que se vayan confirmando más fechas de estreno, para el último trimestre de 2020 sólo hay 43 títulos confirmados has el momento, 1/6 de los que se estrenaron en esas fechas en 2019.
Unos personajes que reconocemos, nos resultan familiares, y un tema atemporal: la dignidad humana. Estos son los ingredientes de la gran popularidad de Los santos inocentes, que, año tras año, encabeza las listas de mejores películas españolas de todos los tiempos. Es un drama rural que nos acerca a las vidas de dos familias. Pone en escena realidades paralelas y dicotómicas. Por una parte, la de los criados y, por otra, la de los dueños de un cortijo extremeño, localización explicitada por la propia película, basada en la novela del mismo título de Miguel Delibes.
Los contextos del filme son decisivos para entender su popularidad. Ambientado en la década de 1960, durante el segundo franquismo, Los santos inocentes se estrenó en 1984, en los inicios de la joven democracia. Su lectura en clave política, como crónica de las relaciones de poder durante la dictadura franquista, adquiere gran importancia para una generación de españoles que experimentó la represión de la dictadura y también la apertura de la transición democrática. Les confronta con su pasado reciente, con su propia historia.
Sin ser militante y apelando a valores humanos universales, Los santos inocentes consigue que los espectadores asistan a un relato con el que se identifican y emocionan. Quienes experimentaron la época retratada, la reconocen y viven el filme como propia; como si mirasen, a través de una máquina del tiempo, al espejo de sus días pasados. Por otro lado, quienes no vivieron esos días hoy reconocen en la película un pasado al que no quieren volver.
En este universo fílmico el poder lo ejerce un sádico dictador, uno de los dueños del cortijo en el que transcurre gran parte de la acción. Se trata del “señorito Iván”, interpretado por Juan Diego. Acata sus órdenes una familia de criados que sobrevive en condiciones de miseria. Paco ‘El Bajo’ y Régula, personajes interpretados por Alfredo Landa y Terele Pávez, viven con sus hijos, Quirce (Juan Sachez), Nieves (Belén Ballesteros) y ‘la Niña Chica’ (Susana Sánchez). Completa este retrato de la España profunda, Azarías (Paco Rabal), el hermano de Régula.
Camus retrata a sus personajes con una mirada antropológica. Nos traslada a un cortijo que funciona como metáfora del engranaje social en la dictadura franquista. De esta manera, se ponen en escena los imaginarios que asociamos a esta época pasada. Las imágenes de la película tienen unas constelaciones que suscitan un tiempo antiguo e irrespirable. En el interior de las viviendas, donde conviven los dueños y sus familiares, encontramos los hechos culturales y materiales: cuadros, jarrones, espejos, juegos de té, y un largo etcétera de elementos a los que no tienen acceso los criados, que viven en el exterior, en chabolas desprovistas de bienes materiales y compartiendo espacio con los animales.
Destaca Azarías y su relación con la naturaleza, con la que en ocasiones casi se mimetiza. Sus emociones se vinculan a las aves que son empleadas como señuelos para la caza. De ahí el leitmotiv de Los santos inocentes, “Milana bonita, Milana bonita”, con el que se dirige a ellas, sus compañeras, a las que alimenta y acaricia con una ternura e inocencia propias de la infancia.
Por otro lado, los espectadores asistimos atónitos a la relación entre el señorito Iván y Paco, que está basada en la dialéctica del amo y el esclavo. El primero da órdenes y el segundo las acata, sin posibilidad de réplica. La humillación a la que somete a Paco provoca que a los espectadores nos repugne el personaje del señorito Iván. Tanto es así que nos encontramos a nosotros mismos deseándole ser sometido al mismo maltrato que él ejerce y, quizá, hasta algo peor.
Los personajes jóvenes, Quirce y Nieves, introducen una ruptura en el relato. Ambos deciden no seguir los pasos de sus padres, manifestando el principio de un cambio en el orden establecido. De nuevo, destaca el uso de la metáfora política. En este caso, se pone en escena la decadencia del franquismo, un régimen que acaba y no se va a reproducir. Por ello, Quirce rechaza, de forma sutil, aceptar dinero del señorito Iván. No lo llega a explicitar pero con su gesto viene a decirle: «nada acepto de ti, porque nada quiero deberte, no voy a acceder a la jerarquía que impones». Tanto él como Nieves se van, abandonan el cortijo para buscar otro lugar en el que construir sus relatos.
El clímax final de Los santos inocentes ocurre cuando Azarías, fiel a sí mismo y a su orden natural y social, que no es exactamente ni el del amo, ni el del esclavo, da rienda suelta a sus impulsos y comete un asesinato que el espectador, ya hastiado, no puede más que aplaudir. Se dispara un elemento incontrolable en el personaje, que, al mismo tiempo, puede interpretarse como un acto de justicia.
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Irene Zoe Alameda durante el rodaje de ‘La cinta de Álex’
Rocío Yanguas junto a Irene Zoe Alameda en el rodaje de ‘La cinta de Álex’
Entrada de los Cines Verdi de Barcelona
Fuente: Filmand
Fuente: Inicia Films
Fuente: ICAA
Alessandro Pugno. Fuente: Youtube
Fuente: Mayéutica Producciones
Fuente: Catalan Films
Pedro Almodóvar en la pasada edición de los Goya en Málaga. Foto: Pedro J. Pacheco
Elaboración propia. Fuente: Gower Street Analytics
