Nueva comedia del "costumbrismo de la disociación narcisista millennial" que dice que hace una cosa (autocrítica) cuando se dedica a la contraria (autocomplacencia)
Se tiene que morir mucha gente es la historia de Bárbara, Maca y Elena, tres amigas desde el colegio que siguen siéndolo más de 20 años después, aunque con alguna dificultad. En concreto, que Bárbara tiene una depresión sin diagnosticar, un trabajo que no soporta como guionista de televisión y en general odia su vida. También que Elena está embarazada de un marido mucho mayor que ella cuyo entorno hiperelitista es asfixiante. Y Maca, que quiere ser actriz, se las apaña como camarera.
Serie creada, en parte dirigida y basada en un libro de Victoria Martín, el 50% del famoso pódcast Estirando el chicle. Un desplazamiento curioso de Movistar Plus+, porque esto podría ser perfectamente un producto de Atresplayer listo para viajar e incluso estrenarse en abierto, pero está aquí, como si el libro fuese, no sé, de Javier Cercas. Una comedia sobre millennials más perdidas en la vida que Antonio Rüdiger en una sentada pacifista, cuya principal novedad residiría en un humor más caustico y, presuntamente, autocrítico.
Se tiene que morir mucha gente es otra entrega de costumbrismo de la disociación narcisista millennial, etiqueta que me acabó de inventar mientras escribía pero donde podrían entrar un porrón de series del gringo,desde La peor persona del mundo (2021) hasta la reciente Casi todo bien (2026). Ficciones presuntamente autoparódicas de gente que de le de ser joven ya se está quitando, enfrentadas a las contradicciones de una adultez infantilizada. Al mismo tiempo victimistas y empoderadas. Y así no se puede.
La historia de Se tiene que morir mucha gente, aunque un poquito más exagerada en otros casos, es bastante sencilla (se vienen ligeros spoilers): tres amigas que se pelean y luego se reconcilian porque una, o dos de ellas, son unas egoístas insufribles. No desvelaremos el motivo de la «ruptura» entre Bárbara (Anna Castillo) y Maca (Laura Weissmahr), pero la cosa: no es tan cínico como el guión piensa si al final la «mala» (Bárbara) tiene razón en su cabreo inicial. La resolución final tiene algo más de gracia, pero sigue siendo previsible y autocomplaciente.
Las tres actrices están estupendas, más o menos cada una con el papel que les asignarías si te diesen a las tres protagonistas y sus nombres. Aunque Castillo haciendo de «persona-más-o-menos-normal-en-la-que-se-proyecte-cierto-público» empieza a rozar el cliché, una especie de Luis Tosar para señoras de la generación posterior a la de este, clava el rol. Macarena García y Weissmahr tienen personajes un poco más esquemáticos, pero se los podrían hacer durmiendo y dan todas la química de viejas amigas que se conocen demasiado.
Por otro lado, es una pena que la parte laboral de Bárbara no ocupe más espacio. Estaría bien que alguien hiciese meta-televisión y no fuesen Los Javis, o no los cancelasen tras solo una temporada. La susodicha trabaja como guionista para «Goncho», una parodia de Andreu Buenafuente y Berto muy bestia y faltona, interpretada por Óscar de la Fuente, siendo la única mujer del equipo —con cameos de cómicos como Yunez Chaib— y con sus compañeros robándole los chistes u ofendiéndose por chorradas.
Es más, en Se tiene que morir mucha genteel episodio que mejor funciona es el primero, cuando Bárbara y Maca acuden al baby shower del futuro bebé de Elena (García) en una urbanización de ricos y lo primero que les pasa es que las confunden con las camareras, porque su ropa y actitud son de pobres. El pijerío recibe hasta en el carnet de identidad, aunque el resto de la serie desvelará que quizás es para que no nos demos cuenta de que las amigas parecen precarias pero incluso quedándose en paro viven como quieren. Ejem.
Y sí, Se tiene que morir mucha gente me ha sacado más de una carcajada, sobre todo con el personaje de Sofía Otero (que tampoco voy a spoilear quién es), pero no deja de ser otro producto de autocompasión millennial. Lejos de mí quejarme del cinismo y la autocrítica, lo que me encantaría es que los hubiese. Bárbara puede ser un desastre de persona, pero la historia la presenta como una víctima incluso de su propio narcisismo, algo que es, en sí mismo, narcisista, no autocrítica. Y que haya gente aún más hipócrita en el mundo no la hace mejor.
Que el final sea «nos queremos aunque somos un desastre» es la moraleja del 90% de la ficción de los últimos 30 años, y tiene poco de rompedor. Es más, como no cuestiona el baremo respecto al cual se sitúa la consideración de por qué algo o alguien es un desastre, en el fondo es bastante acomodaticio. Es un cinismo de quedar bien en la parte de los canapés, no un desafío real a nada.
En fin, que Se tiene morir mucha gente tiene razón. Lo bueno es que se acabará cumpliendo. Mientras tanto, la serie es graciosa en un par de parodias —mundo pijo y mundo tele—, pero cojea en la dinámica de los personajes, que viene prestada por las actrices. Y, sobre todo, tiene el problema de fondo de que quiere hacer una cosa, o dice que quiere hacerla, mientras se dedica, precisamente, a todo lo contrario.
La segunda película de Cristina Fernández Pintado y Miguel Llorens se centra en la tercera edad y la vida en los pueblos con una excelente actuación de Isabel Rocatti y un ritmo (demasiado) sosegado
Cowgirl resume perfectamente el argumento de la película: Empar es una granjera de 60 años que vive por y para su vaca, Tona. Tanto la tranquilidad de Empar como la de Tona se va a ver interrumpida por las dificultades de gestación que tiene el animal. Al tener que salir de su vida monacal para conseguir preñar a la Tona, Empar se ve obligada retomar viejas relaciones enturbiadas por el dolor y reabrir heridas del pasado. En este trajín de vaca para arriba vaca para abajo, nuestra protagonista le dará un nuevo significado al amor y la amistad.
Esta película es el segundo largometraje que Cristina Fernández Pintado y Miguel Llorens dirigen juntos después de Cosas que hacer antes de morir (2020), con un tono radicalmente distinto. Si bien la película está categorizada como comedia romántica, el ritmo es atípico para el género. Con imágenes muy sensoriales y una excelente actuación de Isabel Rocatti(en el papel protagonista), Cowgirl trata temas como el amor en latercera edad y la vida rural pero desde un tono optimista y contemplativo también la alejan del drama.
Guillermo Farré se mantendrá al cargo del departamento de cine español y Bruna Hernando será la jefa de Originales en series de Ficción y No Ficción tras las salidas de Jorge Pezzi y el productor ejecutivo Fran Araújo
La ganadora del Goya a Mejor Película y la nominada por España a Mejor Película Internacional en los Óscar de este 2026, dos españolas a competición por la Palma de Oro en Cannes (tres si contamos la participación en Amarga Navidad) y las últimas tres ganadoras de Mejor Serie Dramática y Mejor Serie de Comedia en los Feroz. Todas ellas producciones de Movistar Plus, una plataforma española en crecimiento y que presumía de unos resultados en términos de prestigio incontestables y en público, si no espectacular, al menos notables, sobre todo en cines.
Un éxito fruto de un trabajo continuado y una estabilidad que en el último año se ha puesto en duda. Este lunes 18 de mayo la plataforma de Telefónica anunciaba una reestructuración que intentaba encauzar las turbulencias de la salida de Daniel Domenjó como CEO y Jorge Pezzicomo director de Ficción apenas doce meses después de que sustituyesen a Cristina Burzako y Domingo Corral respectivamente. La salida de este último conllevó, además, la movilización en su defensa de gran parte del sector audiovisual.
Primeras imágenes de este thriller policiaco de seis episodios, basado en el libro de Domingo Villar, que sigue las aventuras del inspector Leo Caldas
Ya están disponibles las primeras imágenes de la nueva serie de Disney+: Caldas: el último barco. La serie de misterio contará con seis capítulos protagonizados por Javier Gutiérrez en el papel de inspector Leo Caldas, acompañado por Hovik Keuchkerian como su nuevo ayudante Estébez. Juntos investigarán la enigmática desaparición de la hija de un prestigioso cirujano de Vigo.
Caldas: el último barco es una adaptación del best seller de Domingo Villar, que ha corrido a cargo de Eligio R. Montero —guionista en Buñuel en el laberinto de las tortugas (2018) y creador de Terra Alta (2025)—. La serie ha sido dirigida por Jorge Saavedra —director de la serie Zorro(2024)— y cuenta con David Cotarelo como productor ejecutivo y Johnny Yebra —que ya trabajó con Saavedra en Camino a Arcadia (2025)— como director de fotografía.
La serie, según Disney+, promete ser «un relato fiel al espíritu de la obra de Domingo Villar, con una fuerte carga emocional y social.» Para narrar esta historia, el reparto se completa con actrices y actores como María Pujalte, Antonio Mourelos, Alejandra Onieva y Miryam Gallego, entre otros.
El inspector Caldas en la gran pantalla
Esta no es la primera vez que se adaptan las novelas policíacas de Villar. En 2015 Gerardo Herrero dirigía La playa de los ahogados, una adaptación de la segunda novela del autor con el mismo título, en la que Carmelo Gómez hacía de Leo Caldas.
Cotarelo habla de cómo ha sido el proceso de llevar a la pequeña pantalla una parte de la saga del inspector Caldas: «Tenemos una mezcla de emoción y responsabilidad ante el reto de llevar a la pantalla al icónico personaje de Domingo Villar. Por fortuna, contamos con un excelente equipo artístico y un casting inmejorable y durante el rodaje recibimos una cálida acogida en Vigo, fruto del cariño que la ciudad tiene hacia toda la obra de Domingo y hacia el personaje.»
Sinopsis de la serie
La ficción sigue al inspector Leo Caldas, interpretado por Javier Gutiérrez, y su nuevo ayudante Estévez, al que da vida Hovik Keuchkerian, en la investigación de la desaparición de Mónica Andrade, hija de un prestigioso cirujano de Vigo. Lo que en un principio parece un caso rutinario, pronto se convierte en una compleja red de secretos, presiones familiares, injerencias políticas y mediáticas, y conflictos personales que obligarán al propio Caldas a enfrentarse a su pasado.
Alfonso Cortés-Cavanillas dirige su séptimo largometraje, rodado en blanco y negro y combinando 16mm con secuencias rodadas con el móvil
Ha comenzado el rodaje de El Alcalde, la nueva película de Alfonso Cortés-Cavanillas. La historia de un ganadero que tras descubrir que es la persona más inteligente de su municipio, es animado a presentarse a alcalde por sus vecinos. Protagoniza Urko Olazabal en el papel principal de Eladio Azcona, en un rodaje que se realiza combinando 16mm con grabaciones con el móvil y blanco y negro.
La película se rueda entre Cantabria y Canarias. Además de Olazabal, el reparto principal lo completan Ruth Díaz, Manuel Morón, Asier Etxeandia y Pastora Vega. La película también cuenta con el trabajo de los intérpretes Eric Masip, José Ángel Egido, Marta Mejías, José Luis Torrijo, Jaime Martín, Nur Olabarria y Mikel Niso.
Cortes-Cavanillas explica así el formato híbrido en que ha querido rodar su película: «Frente a la textura, la materialidad y la estética propias del cine tradicional en blanco y negro, el largometraje incorporará también escenas en color vinculadas a un lenguaje visual más inmediato y contemporáneo».
El Alcalde está producido por La Caña Sisters, una productora canaria fundada en 2024. La productora forma parte del Grupo La Caña junto a los sellos La Caña Brothers e Imagine.
Sinopsis de El Alcalde
La historia se sitúa en Horazejo, un pueblo de doce habitantes perdido en la España vaciada. Allí vive Eladio Azcona, un ganadero que ha dedicado toda su vida al cuidado de vacas y cuya rutina cambia inesperadamente tras realizar un test de inteligencia a través de una aplicación móvil. Convertido de la noche a la mañana en el supuesto hombre más inteligente de la comarca, sus vecinos lo empujan a presentarse como alcalde del municipio.
Bambú Producciones produce este thriller enfocado al público más joven que cuenta con un reparto de actores y actrices emergentes y la colaboración de Paco Tous y Verónica Sánchez
Netflix ha anunciado que Oasis, nueva serie juvenil española de la plataforma, se estrenará el 19 de junio y ha presentado sus primeras imágenes. Un thriller ambientado en un exclusivo resort de lujo en Canarias en el que tiene lugar una misteriosa desaparición en la que todos son sospechosos y que dispone de un elenco de jóvenes caras conocidas del audiovisual español reciente.
Oasis está protagonizada por Ana Garcés (La Promesa), Tomy Aguilera (Bienvenidos a Edén), Victoria Kantch (Por tus muertos), y completan el reparto Berta Castañé (Sigue mi voz), Manel Duarte, Ada Molina, Alex Mola (La Calima), Cande Méndez, Laura Simón (Mar Afuera), Jan Buxaderas (Todos los lados de la cama), Amanda Palomino (Gastronauts) y Blas Polidori (La sociedad de la nieve), quienes dan vida a los huéspedes y empleados de este exclusivo resort en el que nada es lo que parece.
Además, cuenta con la colaboración especial de Paco Tous y Verónica Sánchez.
Rodada en Tenerife, Oasis combina «el magnetismo visual del paisaje isleño» con «el ritmo y la tensión de un thriller contemporáneo». La serie se encuentra ya en fase de postproducción. Su estreno está previsto para 2026, en exclusiva en Netflix.
Oasis, lo nuevo de Bambú para Netflix
La nueva serie original de la plataforma ha sido creada por Ramón Campos, Jon de la Cuesta Olaizola, Javier Chacártegui Horrach, David Orea Arribas y Ricardo Jornet Gallego y producida por Ramón Campos con la producción ejecutiva deGema R. Neira, Jon de la Cuesta y David Pinillos, de Bambú Producciones, la firma responsable de Las chicas del cable (2017-2020), Fariña (2018) o El caso Asunta (2024).
En palabras de Ramón Campos, productor de la serie, «cuando empezamos Oasis le dije al equipo de Netflix que quería hacer una serie para mis hijas, que tienen 14 años. Una historia que hablara de lo que viven ahora: la amistad, los secretos, las dudas, las primeras decisiones que te empiezan a definir. El misterio es un vehículo. Oasis es mi forma de decirles: os veo, entiendo este momento y quiero contar algo que os hable de verdad”.
Gema R. Neira, productora ejecutiva, reconoce que «es precioso trabajar con un casting tan joven, talentoso y entusiasta. Verlos crecer y disfrutar de la experiencia es un regalo. Además, están acompañados de actores de gran trayectoria que dan ese contrapunto más adulto. El mejor casting que podríamos tener en un proyecto que va entre lo aspiracional y el thriller».
Sinopsis de la serie
Oasis es el resort vacacional más lujoso del país. Un paraíso reservado para las familias más adineradas, con playas privadas, instalaciones VIP y una seguridad impenetrable. El lugar para pasar el mejor verano de tu vida. Pero todo se desmorona cuando la policía irrumpe en el complejo para investigar una misteriosa desaparición. En un lugar tan exclusivo, la sospecha recae sobre todos, y nadie podrá abandonarlo hasta que se descubra al culpable.
Félix Viscarret empezará en septiembre el rodaje de 'Blanco', una producción que abordará "la dimensión humana" y "el impacto político y social" que tuvo la muerte del concejal del PP, ejecutado por ETA en 1997
El próximo mes de septiembre empezará el rodaje de Blanco, una película inspirada en el secuestro y asesinato de Miguel Ángel Blanco, ejecutado por la banda terrorista ETA en 1997. Félix Viscarret (Una vida no tan simple, No mires a los ojos) dirigirá esta película sobre uno de los episodios más determinantes y recordados de la historia reciente de España. Se estrenará en cines en 2027, coincidiendo con el 30 aniversario del suceso.
Impulsada por el productor Kiko Martínez desde la productora Nadie Es Perfecto, lo que se sabe de momento de Blanco es que su historia se está trabajando a partir de la experiencia de periodistas y comunicadores, como Jon Sistiaga y Jimmy Guerra, que dieron voz al secuestro y ejecución de Blanco. Concejal de Ermua del Partido Popular (PP), el episodio del asesinato de Blanco provocó las mayores manifestaciones contra el terrorismo de ETA registradas hasta el momento. No ha trascendido quién está detrás del guión del filme.
Según la información hecha pública, Blanco abordará «no solo el impacto político y social de aquellos hechos», sino también «la dimensión humana de una tragedia que movilizó a millones de ciudadanos y convirtió a Miguel Ángel Blanco en un símbolo de unidad y resistencia frente al terrorismo». La película cuenta asimismo con el apoyo de la familia de Miguel Ángel Blanco, representada por Marimar Blanco.
Para Félix Viscarret —de momento el único profesional del audiovisual, junto a Martínez, vinculado oficialmente al proyecto de Blanco— no será la primera vez que se adentra en la historia del terrorismo. En 2020 dirigió, junto a Óscar Pedraza, la serie Patria (HBO Max, 2020), la aclamada adaptación de Aitor Gabilondo de la novela de Fernando Aramburu.
La campaña Where Talent Ignites presenta su nueva fase con tres piezas que dialogan con la música, el diseño o la moda, ya disponibles gratis en Internet
Tres cortometrajes españoles han tenido su estreno en el Festival de Cannes 2026: Flamenco, de Carla Simón (Alcarràs, Romería),La Llama, del dúo Turbo, y La Tarara, de Nicolás Méndez. Las tres películas giran alrededor del imaginario creativo español, a partir del diálogo entre el audiovisual y otras industrias como la música, el diseño o la moda.
Parte de la campaña Where Talent Ignites, impulsada por Audiovisual From Spain (ICEX España Exportación e Inversiones), los cortos ya se pueden ver gratis en la página de la iniciativa, ideada para la proyección internacional del talento español. En las producciones han participado talentos como Rocío Molina, Ingrid García-Jonsson, Bárbara Lennie, Milena Smit, Jaime Hayon, Niño de Elche, La Tania o Yerai Cortés.
El estreno en Cannes, que tuvo su evento principal el 17 de mayo, es el pistoletazo de salida para el recorrido internacional de los cortometrajes como parte de Where Talent Ignites. Su siguiente parada será la Muestra de Cine Español de México, que se celebrará del 27 al 31 de mayo en las salas Cinépolis de Ciudad de México.
«La tensión permanente entre tradición e innovación» en Flamenco, de Carla Simón
El corto más esperado de la campaña no puede ser otro que Flamenco, dirigido y escrito por Carla Simón, que seguirá ahondando en el género musical en su próximo largometraje. La ganadora del Oso de Oro del Festival de Berlín firma esta pieza que «revisita el flamenco español desde una mirada contemporánea».
La pieza, protagonizada por Rocío Molina, fotografiada por Gris Jordana y con la dirección musical de Niño de Elche, «sitúa el cuerpo y el baile como espacios de memoria y transformación». A través de un recorrido que conecta tradición, archivo y escena contemporánea, el filme propone «una reflexión sobre cómo el legado cultural se resignifica generación tras generación», se explica desde la información oficial del proyecto.
Simón: «Durante décadas, existió en el cine español un auténtico género asociado al flamenco: el musical flamenco. Salvo algunas excepciones, esas películas dejaron de hacerse, pero el flamenco como música siguió evolucionando en distintas direcciones». A la directora de Verano 1993 lo que más le atrae del flamenco es «la tensión permanente entre tradición e innovación. Es un lenguaje cultural profundamente reconocido fuera de España y al mismo tiempo un espacio de creación muy vivo, donde las fronteras entre lo puro, lo moderno y lo experimental están siempre en movimiento».
La Llama, más de un siglo de «»casa mutante» de creatividad española
Por su parte, La Llama articula, desde la animación y el diseño, «un recorrido visual que conecta arquitectura, diseño e imaginario cultural español a través de una narrativa poética y sensorial». La pieza, dirigida por la dupla conocida como Turbo (Pau López y Gerardo del Hierro), reúne a White Horse y Apartamento, con animación del estudio The Post Office, para construir una obra que propone «una mirada contemporánea sobre más de un siglo de creatividad española».
Fotograma de ‘La Llama’.
La pieza gira en torno al universo de Jaime Hayon, cuya obra funciona «como metáfora de ignición creativa y eje articulador del relato». La llama se articula como «casa mutante» en «constante transformación, donde conviven distintas épocas, disciplinas y lenguajes visuales». A través de este dispositivo narrativo, la pieza presenta el diseño español como «un ecosistema creativo vivo, capaz de reinventarse sin perder identidad y de dialogar con la cultura global desde una sensibilidad propia».
Uno de los directores, Gerardo del Hierro, asegura que el proyecto «confirma nuestra premisa: no hay que esperar al meteorito, la inspiración se sale a buscar. Ha sido la prueba de que la colaboración no es teoría, sino una realidad física donde cada uno aporta su parte del fuego. Eso es lo que nos ha permitido crear una pieza de animación en tiempo récord, demostrando que la unión es tan imparable como ese meteorito que otros se quedan esperando».
«Nos obsesionaba crear un diccionario visual de lo real. Esos objetos que están ahí, en la periferia de tu vida, pero que lo dictan todo: desde la silla donde esperas un resultado médico angustiante hasta el pomo que giras o la escobilla del baño. Cosas mundanas, objetos de deseo y puro diseño útil», explica el Pau López.
La Tarara o el acto creativo como «forma de vínculo»
Para acabar el recorrido de los cortos españoles en Cannes, La Tarara se centra en el campo de la moda. Dirigida por Nicolás Méndez, responsable de videoclips para Rosalía como el de Berghain o Malamente, este tercer corto «construye un relato visual en el que dialogan «interpretación, diseño y presencia escénica». El corto está coescrito junto a Michel Gaztambide (Cerrar los ojos, Vacas).
Ingrid García-Jonsson, Lucas Catalán y Bárbara Lennie protagonizan esta historia «íntima atravesada por la imaginación, la moda y el poder transformador de los objetos creativos». Así lo explica Méndez: «Mi interés por explorar el cruce entre moda, cine y cultura visual nace de la idea de que el acto creativo es una forma de vínculo. Una obra se completa cuando alguien la recibe, la reconoce y la hace suya. Me interesa cómo la imaginación puede iluminar la verdad de los personajes y cómo una historia empieza a vivir cuando alguien la resignifica».
Para el director, «detrás de cada imagen o relato hay siempre una voluntad de explicar quiénes somos». En La Tarara ha contado también copn la participación de Pol López, Xavier Serrano, Alex Brendemühl, Rossy de Palma, Milena Smit, Eugenia Silva, Palomo Spain, Arón Piper, Miguel Bernardeau, Maria Arnal, Irene Moray, Gigi Vives y Albert Salazar.
El compromiso de Where Talent Ignites en Cannes
El lanzamiento de estos tres cortos en Cannes abre una nueva fase para Where Talent Ignites, campaña que se lanzó a finales de 2024 con otro cortometraje: La causa del accidente que provocó el incendio (2024), dirigida por Lope Serrano, que se presentó en el 72º Festival de San Sebastián. Con motivo de este nuevo paso de la campaña, Elisa Carbonell, consejera delegada de ICEX, ha subrayado que «España continúa consolidándose como un referente internacional en el sector audiovisual y, desde ICEX, queremos seguir impulsando ese posicionamiento con iniciativas que generen visibilidad y oportunidades reales de negocio».
En un certamen en el que hay hasta tres películas españolas a competición por la Palma de Oro y con presencia de otras producciones, Carbonell ha querido calificar la presencia del cine español en Cannes como «extraordinaria, tanto en competición oficial como en el resto de secciones, configurando un hito histórico para la cinematografía española por su alcance y diversidad». Según la consejera delegada, «la visibilidad lograda en Cannes este año es un reflejo claro de ese momento excepcional que vive nuestro cine y del creciente interés internacional por nuestras historias».
Elisa Carbonell ha recalcado que con esta nueva fase de la campaña Where Talent Ignites refuerzan su «compromiso con la internacionalización del talento español, fomentando conexiones con otros sectores creativos y consolidando la marca Audiovisual from Spain como sinónimo de excelencia, innovación y capacidad de colaboración global».
Este artículo se ha elaborado en colaboración con Audiovisual From Spain – ICEX.
El escritor cartagenero publicó en 2018 un artículo sobre dos hermanos que se encontraban cada uno en una trinchera en el frente de Aragón en 1938, 'La tierra de nadie'
El nuevo proyecto de Paula Ortiz se titular Brothers Land, una adaptación de un artículo de Arturo Pérez-Reverte que cuenta el caso real de dos hermanos que se reencontraron en plena Guerra Civil cada uno en una trinchera del frente de Aragón. El futuro largometraje será una coproducción con Estados Unidos de AF Films y la productora Shannon McIntosh, colaboradora habitual de Quentin Tarantino.
El anuncio se ha producido en el marco del Festival de Cannes, donde tanto la productora AF como Ortiz se encuentran buscando distribución para el documental sobre la cripta del Vaticano que ha dirigido la cineasta aragonesa conducido por la estrella estadounidense Chris Pratt. La información fue adelantada por Deadline.
Brothers Land se basará de manera libre en el artículo ‘La tierra de nadie’, publicado por Pérez-Reverte en octubre de 2018. Se trata de la historia de los hermanos Juan y Pepe Arascués —nombres ficcionados por el escritor—, quienes hicieron la Guerra Civil cada uno en un bando y estuvieron siete años sin verse. El único encuentro en ese tiempo fue en una tregua improvisada en 1938, en un punto del frente de Huesca, cuando ambos descubrieron que el otro se encontraba en la trinchera de enfrente y obtuvieron permiso de sus oficiales para encontrarse en tierra de nadie y mantener una conversación de 10 minutos.
Paula Ortiz, Brothers Land y el cine bélico
En una entrevista para Fotogramas, Ortiz ha explicado que, a pesar del tópico sobre que el cine español tiene sobreexplotada la contienda civil, «ni siquiera se han abordado todos los temas de la contienda. Justo este, que es el pico más alto de la mitología de la Guerra Civil, la guerra entre hermanos, es algo sobre lo que no hemos hecho una película; una historia de hermanos que se maten, o que se puedan llegar a matar entre sí».
La directora rodará en las cercanías de su propio pueblo de origen en la provincia de Huesca, dado que sabe «cómo son los almendrucos y los ciclos de sus campos; sé por dónde salen las liebres en esa zona, por dónde discurren los ríos y cómo cambia la luz en ese lugar exacto». No descarta rodar en inglés y para el reparto ha apuntado que son posible «perfiles internacionales».
Brothers Land no será ni siquiera la primera incursión de Ortiz en el cine bélico, ya que en Al otro lado del río y entre los árboles (2022) llevó al cine la novela de Ernest Hemingway del mismo título, ambientada en la Italia ocupada posterior a la Segunda Guerra Mundial pero con constantes flashbacks al conflicto.
La segunda temporada de la serie, uno de los éxitos de HBO Max en 2025, llegará este mismo año a la plataforma. Claudia Salas y Ana Torrent retomarán sus personajes
La segunda parte de Furia ha terminado su rodaje en Madrid con su nuevo reparto principal, del que presenta primeras imágenes. Maribel Verdú, Carmen Maura, María León, Cecilia Suárez, Ana Mena y Clara Sans se suman a la segunda temporada de la serie creada y dirigida por Félix Sabroso, en la que también estarán Claudia Salas y Ana Torrent, que retoman sus personajes de la primera temporada.
Junto a este anuncio del elenco, HBO Max ha confirmado también que esta segunda parte se estrenará este mismo año 2026. Además, la plataforma ha adelantado parte de su argumento, asegurando que en las nuevas tramas de Furia parte 2 «veremos a varias mujeres atrapadas en un sistema de mercado donde todo es susceptible de convertirse en lucrativo espectáculo. Todas ellas deberán enfrentarse a estas crudas situaciones con la única arma que les queda: la furia».
En el mes de diciembre del año pasado, cuando se anunció la renovación de la serie, Félix Sabroso ya explicó que «era más arriesgado y honesto ofrecer nuevas propuestas para que la historia siguiera corriendo con la misma fortaleza. Aun así, no quiero perder a algunos de los personajes más queridos de la primera entrega».
Furia parte 2, la continuación de un éxito para HBO
La segunda temporada de la serie original de HBO contará con 8 episodios de 30 minutos, creados y dirigidos por Sabroso, que repite con Juan Flahn para firmar los guiones y con Juan Fornés como codirector de algunos episodios. Jose María Caro, Antonio Trashorras y David Ocaña son los productores ejecutivos por parte de HBO Max, mientras que Santi Botello y el propioFélix Sabroso son los productores ejecutivos por parte de Producciones Mandarina.
Furia parte 2 llegará tras, asegura la propia HBO Max sin dar datos concretos, los buenos resultados de audiencia de la primera temporada. Según la plataforma, Furia fue la serie más vista de HBO Max en España desde 2021, solo por detrás de las superproducciones La Casa del Dragón y The Last of Us.
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