Reparto: José Manuel Poga, Julián Villagrán, Nausica Bonnín, Pau Durà
Fotografía: Alberto Bañares
Música: Zeltia Montes
Productora: Luminol Media, Goroka, Lastor Media
Sinopsis
Basada en la fuga real de dos presos de la cárcel de Ponent (Lleida) en octubre de 2001, que mantuvo en vilo a los Mossos d’Esquadra durante más de un mes. José Manuel Poga y Julián Villagrán interpretan a los dos fugitivos obligados a improvisar mientras se estrecha el cerco policial, en una historia que explora el vínculo que se forja entre ellos durante la huida.
Lo que tienes que saber
Carles Porta (Crims, Tor), rey del true-crime en España, da el salto a la ficción con esta serie inspirada en la fuga real de dos presos de la cárcel de Ponent (Lleida) en 2001, que mantuvo en alerta a las autoridades durante más de un mes. José Manuel Poga y Julián Villagrán la protagonizan.
Reparto: Candela Peña, Ana Rujas, Pol López, Manolo Solo, Kira Miró
Fotografía: Bernat Bosch
Música: Zeltia Montes
Productora: K&S Films
Sinopsis
Una mujer es encontrada amordazada y maniatada dentro de un contenedor en el puerto de Barcelona, sin recordar quién es ni cómo llegó allí. Tras sobrevivir a un intento de asesinato en el hospital, se convierte en el centro de una investigación liderada por una tenaz detective y su compañero.
Lo que tienes que saber
Gabe Ibáñez (Autómata, Hierro) dirige para Netflix este thriller sobre una mujer encontrada en el puerto de Barcelona sin identidad, protagonizado por Candela Peña y Ana Rujas. Adaptación de la novela de Rosa Montero y Olivier Truc.
Rodrigo Susarte dirige esta serie creada por María Elena Wood y Patricio Pereira, una coproducción hispano-chilena que se localiza entre el país latinoamericano y el País Vasco
Patagonia, la nueva serie de Movistar Plus, ya ha iniciado su rodaje en el sur de Chile. Protagonizada por la actriz Itziar Ituño, dirigida por Rodrigo Susarte (Isla oculta) y escrita por Luis Barrales, Anastasia Ayazi y Germán Maggiori, la producción consta de seis episodios. La historia de una mujer que viaja hasta la Patagonia chilena para encontrar a su hijo desaparecido.
Completan el reparto un elenco que reúne actores españoles y chilenos: Kandido Uranga, Pablo Macaya, Marcelo Alonso, Sara Becker, Trinidad González, Patricia Cuyul y Unai Arana. El proyecto arrancó su rodaje en abril y se prolongará hasta finales de mayo en Hornopirén, localidad de milenarios bosques de alerces. El rodaje se trasladará después al País Vasco durante dos semanas.
Según Itziar Ituño, protagonista de la serie, ha declarado que Patagonia es «una historia intensa y emocional, ambientada en un lugar de una belleza sobrecogedora. Alicia emprende la búsqueda desesperada de su hijo adolescente en un territorio salvaje y desconocido, enfrentándose también a sus propias culpas y miedos. Filmar en la Patagonia chilena, junto a un equipo de distintas culturas y nacionalidades, ha sido una experiencia impactante».
Para María Elena Wood, creadora de la serie y productora ejecutiva de Wood Producciones: «Patagonia nace de la necesidad de contar una historia profundamente humana en uno de los territorios más conmovedores y extremos del planeta. La serie expone la fragilidad de los vínculos humanos frente a la naturaleza, el poder y la supervivencia. Un thriller emocional que desafía a sus personajes a transformar sus visiones de mundo para encontrar lo que buscan».
Por su parte Nano Arrieta, productor ejecutivo de Atlantika Films, ha dicho «Patagonia representa una nueva forma de producir ficción internacional: una serie que une financiación, talento creativo y producción de Europa y Latinoamérica para crear un contenido con ambición verdaderamente global. Un modelo que no solo diversifica el riesgo, sino que amplifica el alcance de la serie con un proyecto con identidad local y resonancia mundial».
Patagonia está producida por Movistar Plus en colaboración con Wood Producciones (Chile) y Atlantika Films (España) con el apoyo de CNTV, Televisión Nacional de Chile y Diputación Foral de Bizkaia. Será distribuida internacionalmente por ZDF Studios.
Patagonia está creada por María Elena Wood y Patricio Pereira, quienes también producen por parte de Wood Producciones junto a Nano Arrieta y Claudia Ruiz (Atlantika Films), Sebastián Krekeler, Susanne Frank y Peter Nadermann (ZDF Studios) y Cristina Merino (Movistar Plus). El director de fotografía es Guisseppe Truppi, el diseño de producción es de Sebastián Muñoz, la directora de arte es Barbara Jeraldo.
Sinopsis de Patagonia
Cuando Noah (Unai Arana) desaparece sin dejar rastro, su madre Alicia (Itziar Ituño) abandona el País Vasco y viaja hasta la Patagonia chilena para encontrarlo. Allí, en un territorio salvaje atravesado por bosques milenarios y redes de tala ilegal, la búsqueda se transforma en una carrera desesperada donde cada pista revela nuevas amenazas y viejas heridas familiares.
Una historia de amor entre hermanos, de confiar en las desconocidas y reencontrarse con la familia, tan humana que no parece un 'true crime'
Abandonados es la historia de los hermanos Moral, que siendo niños fueron abandonados sin ningún tipo de explicación en una estación de tren de Barcelona a principios de los 80. Adoptados por una familia catalana y criados hasta la edad adulta, Ramón, Ricard y Elvira deciden ya como personas maduras investigar sus orígenes y los motivos de su abandono. Una búsqueda que los llevará a Francia, el sur de España y a una historia de robos, deudas y venganza.
Nuevo true crime a partir de las investigaciones de Carles Porta, más allá de su Crims (2020- ), que curiosamente se estrena casi en paralelo a 33 días, ficcionalización de otro caso del periodista que catalán que llegará a Atresplayer en una semana. En este caso, una de esas historias verdaderas que si las pusiese alguien en un guion de ficción parecerían demasiado inverosímiles. La miniserie se permite funcionar como un thriller, con sus cliffhangers y todo, con la seguridad del caso resuelto. Como leía hace poco: ojalá vivir en un true crime.
Leah, una joven aspirante a pintora, está destrozada. Desde el trágico accidente que se llevó a sus padres se ha convertido en una sombra de lo que solía ser. Cuando a Oliver, el hermano mayor de Leah, le ofrecen un trabajo lejos de casa, le pide a su mejor amigo Axel que cuide de ella. Sin saber que Leah siempre ha estado enamorada de él y que la vida de ambos está a punto de cambiar radicalmente, Axel promete cuidar de ella. Su misión es ayudar a Leah a rehacer su vida y a volver a ser la chica que era antes. A medida que su atracción mutua crece hasta proporciones insoportables, Leah y Axel deben decidir si reprimir su amor o dejar que suceda.
Lo que tienes que saber
La literatura romántica vuelve al cine con esta película con Maxi Iglesias y la actriz portuguesa Margarida Corceiro, basada en el bestseller homónimo de Alice Kellen. La dirige Jorge Alonso (El camino de la suerte).
Àlex Brendemühl, Mireia Oriol y Ariadna Gil protagonizan esta película rodada en 35mm que supone el salto al largometraje de su director, conocido por su particular universo
Velasco Broca debuta en el largometraje con El futuro testamento, una película que se presenta como «fantástico de autor» en la que un cantautor debe recuperar el estribillo de su canción de más éxito, desaparecido incluso del master original y copias antiguas del disco, y acaba viajando en el tiempo entre la España de la Transición, una Italia esotérica y un Marte colonial, donde deberá enfrentarse a fuerzas que están reescribiendo su memoria, su identidad y el universo entero.
Àlex Brendemühl, Mireia Oriol y Ariadna Gil protagonizan esta película rodada en 35mm, con textura analógica, efectos físicos, diseño conceptual e iconografía gótica y retrofuturista, la película propone «una construcción artesanal que busca fabricar un mundo físico, táctil, reconocible y misterioso», según la información remitida a prensa.
Velasco Broca explica que El futuro testamento «nace de una ausencia muy concreta. Un estribillo parece algo pequeño, pero puede contener una vida entera: una época, una identidad, un amor, una forma de ser recordado». Para el cineasta, «lo fantástico no funciona aquí como adorno, sino como una forma de llegar a zonas emocionales que una narración convencional no alcanzaría del mismo modo».
El futuro testamento cuenta con Piluca Baquero como productora ejecutiva y con Cormac Regan, Iban del Campo, Aram Garriga, Sergio Adria, Giacomo Talamini, Katrin Kissa y Georgina Terán como productores. El guion está escrito por Bárbara Mingo, Hugo Castignani y Juanjo Ramírez Mascaró.
El equipo técnico está compuesto por Mart Taniel como director de fotografía. El diseño de producción corre a cargo de Jaime Anduiza, Estupenda Jones firma el vestuario y los efectos son de Barbatos FX. El sonido directo es de Luca Rullo, y el montaje de María Sangalli. La música original está compuesta por Aránzazu Calleja y el casting corre a cargo de Ana Lambarri.
La película es una coproducción internacional encabezada por Lanzadera Films en coproducción con Limbus Filmak, Visualsuspects, Espurna Films y EFD Studios (conformando la parte española) Homeless Bob Production (Estonia) y Hive Division (Italia). Además, cuenta con el apoyo de EITB, La Rioja 360, el Gobierno Vasco, el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), el Estonian Film Institute y Filmin. Su estreno en cines en España está previsto en la segunda mitad del 2027.
Apenas dos semanas después del 23-F, el estribillo de una popular canción desaparece misteriosamente del máster original y de todas las copias vendidas del disco. Al poco tiempo, Joan Baptista Ulled—su compositor e intérprete— recibe una invitación en forma de postal instándole a acudir a un castillo, lejano en el tiempo y en el espacio, para recuperarlo.
Allí se encontrará con Propatus, un nigromante y alquimista del siglo XVIII enredado en asuntos turbios con las altas esferas de la jerarquía infernal. Lo que comienza como la búsqueda de una melodía perdida se transforma en un viaje desesperado a través del espacio-tiempo, de la España de los años 80 a un Marte colonial, pasando por una Italia decimonónica de tintes esotéricos.
Jesús Carroza y Natalia de Molina protagonizan una mezcla de drama familia y 'thriller' político que cuenta con guión de Fernando Navarro y la participación de Alex Baldwin en el reparto
Ha comenzado el rodaje de El sastre del rey, ópera prima como director del reconocido actor Pedro Casablanc, una película ambientada en Casablanca internacional de los años 60 que mezcla drama familiar y thriller político y se basa en parte en los recuerdos de infancia del cineasta. La película cuenta con producción de Álvaro Ariza y guion de Fernando Navarro,
El reparto de El sastre del rey está encabezado por Jesús Carroza y Natalia de Molina, acompañados por el joven Mateo Casado en el papel de Pablo, el niño protagonista de la historia. Junto a ellos, Alberto Ammann da vida al misterioso y carismático Tío Fredi. Completan el elenco María Gandiaga, Joaquín Núñez, Farah Hamed, Nourdin Batán, Taha El Mahroug, Gonzalo de Castro, David Rodríguez, Candela Ortiz y Roberto Lezana, junto a la participación especial de Alec Baldwin.
La película recreará el universo «cosmopolita y contradictorio» del Casablanca de mediados del siglo XX a través de «una ambiciosa apuesta visual» con una dirección de fotografía José Luis Alcaine, el diseño de producción Juan Pedro Gaspar, y la dirección de arte de Gloria Vázquez. Las localizaciones combinarán espacios históricos, interiores de época y escenarios urbanos ubicados entre Madrid y Casablanca.
El sastre del rey cuenta con la producción ejecutiva de María Luisa Gutiérrez, producida por Álvaro Ariza y María Luisa Gutiérrez Gómez, coproducida por José Fernández de Vega y Chris Hool.
El sastre del rey, los recuerdos de Pedro Casablanc
El sastre del rey «nace de recuerdos muy personales vinculados a mi infancia, a la figura de mi padre y a la fascinación que sentía de niño por el cine y por el mundo adulto», ha explicado Pedro Casablanc. «Aunque es una ficción, la película habla de cómo idealizamos ese universo cuando somos pequeños y de cómo, poco a poco, empezamos a descubrir sus contradicciones. También quería rendir homenaje a aquellas familias españolas que tuvieron que rehacer su vida fuera durante el franquismo, dentro de un contexto tan cinematográfico, misterioso y fascinante como Marruecos de los años setenta».
«Hace cuatro años me generó una gran curiosidad un artículo de Pedro Casablanc donde relataba cómo su pasión por el cine venía de la conexión que había entre la sastrería familiar, donde vivía con su familia en Casablanca de niño, y la cabina de proyección de una sala cinematográfica», ha explicado el productor Álvaro Ariz. «Tanta curiosidad que tardé un minuto en leer el artículo y un minuto y medio en llamarle para decirle: Pedro, esto es una película!».
«Cuando me amplió la información: su relación con el proyeccionista, el paralelismo entre ese acceso, casi casual, de un niño al cine en aquella época y en aquella Casablanca donde se vestía de colores, con telas bellísimas, mientras en España vestían de negro, y sus vivencias de un niño que fue espectador de todos cambios políticos y sociales que estaban ocurriendo a su alrededor, supe que esa historia tenía que escribirla Fernando Navarro, dirigirla Pedro Casablanc y llegar a la pantalla grande», ha añadido el productor.
El sastre del rey es una producción de Esto también pasará y Bowfinger International Pictures en coproducción con Glow Animation, El Sastre del Rey AIE y Studio 33, con la participación de RTVE, Canal Sur, Movistar Plus, Netflix, en asociación con Mogambo y Film Factory con la financiación del ICO. Llegará a los cines distribuida por A Contracorriente Films.
Sinopsis oficial de la película
El sastre del rey cuenta la historia de Pablo, un niño que crece en el seno de una peculiar sastrería y cuya mirada inocente comenzará a resquebrajarse al descubrir los secretos que esconden los adultos que le rodean. Entre telas, pasadizos ocultos, partidas clandestinas y personajes llegados de distintas partes del mundo, Pablo se verá arrastrado a un universo marcado por el misterio, el cine, la aventura y las tensiones políticas de la época.
La película de David Ilundain parece que va a intentar decir algo sobre corrupción, narco y bolsas de pobreza en nuestro país, pero luego opta por una historia de huida y redención con ligera moraleja antirracista
Mallorca Confidencialse ambienta en 2007 en las Baleares. Desde el poblado chabolista de Son Canal, La Chusa dirige el comercio de la droga en toda la isla de Mallorca. Pero un empresario corrupto, antiguo socio de la matriarca, quiere desalojar el barrio para construir apartamentos. En mitad de este conflicto, Nela, sobrina de La Chusa y que fue a la cárcel por ella, ahora en conflicto consigo mismo sobre si debe seguir el negocio familiar o aprovechar la oportunidad de una vida normal que se le ofrece.
David Ilundain firma su primer largometraje desde la notable Uno para todos (2020) sobre un guión de Amèlia Mora (La infiltrada) se entiende que inspirado, aunque sea levemente, en hechos reales. El protagonismo femenino y el doble juego de alguno de los personajes parecen vincular más la película al universo de la segunda, en lo que parece que va a ser un thriller más ambicioso a la hora de tocar los temas que lo atraviesan y acaba siendo una historia de suspense muy eficaz, pero nada más.
Un caso que en 1984 pasó desapercibido y que 40 años después causará mucho impacto. El 22 de abril de ese año, tres niños de 2, 4 y 6años aparecieron abandonados en una estación de tren de la ciudad de Barcelona. No sabían explicar quiénes eran, quiénes eran sus padres, ni por qué estaban allí. Nadie los reclamó jamás. Fueron adoptados por dos pedagogos barceloneses, quienes los criaron con cariño y les dieron estabilidad. Pero 40 años después, aquellos niños convertidos en adultos quieren saber quiénes son sus padres y por qué fueron abandonados.
Lo que tienes que saber
Producida por el rey del true crime en España, Carles Porta, esta serie documental de 4 episodios se mete en este particular caso de abandono a menores, «un relato coral, lleno de incógnitas, revelaciones y silencios que se arrastran desde hace décadas, al mismo tiempo que explora las capas más íntimas de la memoria, la identidad y la verdad».
El instinto nos presenta a Abel (Javier Pereira), un arquitecto que ve como toda su vida profesional y personal está pendiendo de un hilo por su grave problema de agorafobia, que le mantiene confinado en una casa de campo desde hace años. Ante un gran oportunidad laboral, su novia y socia (Eva Llorach) le anima a aceptar la oferta de un extraño adiestrador de perros (Fernando Cayo), que le promete que puede ayudarle a superar su enfermedad.
El (muy) joven Juan Albarracín se marca su primera película en largo (que ha funcionado muy bien en festivales y circuito indie) con este thriller extremado, que juega con los límites de lo físico y lo psicológico. La casi ancestral oposición y paralelismo entre humanos y animales, en las ambigüedades casi filosóficas de lo que hoy gira alrededor del especismo, se mezcla con el tema de la salud mental, muy de ahora. Y todo a partir, además, del miedo irracional al exterior, que es una sensación que le puede sonar a muchos que hayan vivido el confinamiento pandémico y el temor al contagio del coronavirus.
El instinto aprovecha un punto de partida impactante y se mantiene a piñón fijo en él, sin contemplaciones y a pulmón, a base de puro pulso narrativo. Albarracín demuestra habilidad para mantener la tensión desde unas condiciones de producción limitadas, incorporando la dificultad de salir de la localización única al propio planteamiento (no como otros). Es verdad que a la película le falta un punto de cocción en determinadas acciones, diálogos y en dirección de actores, pero no deja de ser en ningún momento una película estimulante de ver.
Domando al perro
La idea es buscar adentrarse en la fragilidad de su protagonista, un hombre completamente superado por las circunstancias y marcado por un trauma. Para conseguirlo, la película plantea una vía de entrada a la psique desde el desbloqueo de los instintos primarios y las fantasías oscuras de la sumisión total, asimilando el tratamiento psicológico que puede recibir una persona al entrenamiento de un perro de caza.
Es una situación perfecta para exponer la deshumanización, la pertenencia y entrega a la figura de autoridad, que ya hemos visto en películas recientes como la noruega Good boy (2022) que, pese a que se rehiciese aún más que esta en ciertos códigos del terror, explota esa misma idea de la subordinación total y absoluta al «amo». En escala anecdótica y en plan experimentación, pero fascismo del duro igual.
El instinto plantea una lucha entre la vulnerabilidad psicológica de su protagonista, que da una coartada más o menos creíble para que una situación así se pudiera dar e incluso se pudiese pensar en aceptarla, y un sentido común que invita a salir por patas de ese horror de frenopático, impulso natural de cualquier espectador. Aquí está el interés de las acciones del protagonista.
El instinto de dirigir
La película busca sorprender e incomodar desde esos preceptos, poniéndose siempre al filo de la navaja. Pese a que la propuesta roza el mero artefacto cruel, Albarracín es capaz de hacerla interesante, a base de compartimentar la tensión con varias técnicas narrativas (división por episodios, el in crescendo argumental), pero también formales. Ahí destacan el buen uso de los primeros planos, el sonido, la inclusión de imágenes de archivo de estilo televisivo y, sobre todo, las secuencias estiradas con cámara en mano, que van perfectas para el efecto que buscan.
Donde quizá El instinto no termina de volar tan alto es en determinadas construcciones dialogadas y la verosimilitud de ciertas situaciones. Hay ciertas líneas de guión, elementos cosméticos —se entiende que hace calor, no hace falta que todos estén sudando como pollos en cada escena— y acciones —especialmente en su tercio final— que se podrían haber pulido más. De ahí que haya algunos desajustes en las interpretaciones (sorprende sobre todo con Eva Llorach, que está especialmente floja para lo que es ella) que comprometen la credibilidad general.
Casi que con total seguridad por no tener tiempo/dinero, todos estos defectos son los que impiden a la película ser el puñetazo en el estómago que quiere ser, y lo que la separa de ser un agobio similar al de, por ejemplo, La mesita del comedor (2023), con la que comparte el perfil de película llamativa y «bajo el rádar». Con todo, El instinto tiene una idea inicial muy buena que está bien encarrilada, a base de intuición y fuerza canalizada. Juan Albarracín —que, recordemos, le quedan años para llegar a los 30— promete.
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