Después de ocho capítulos muy intensos, el final de Veneno ha llegado (en teoría). Hacemos un balance crítico sobre la serie creada por Javier Calvo y Javier Ambrossi, que ha significado un antes y después en la representación de las personas trans en la ficción española.
A partir de aquí, spoilers
Una buena historia: fantasía y tragedia
Uno de los rasgos más atractivos de la serie es cómo los Javis han sabido encontrar un interesante equilibrio entre todo lo que había de fantasía, de personaje y de realidad en el testimonio de La Veneno. Cuidar este aspecto ha sido fundamental para que haya funcionado tan bien en el arco de la serie. Escenas como las de la pelea con los nazis en el Parque del Oeste, donde se ve a Cristina atacar con una hoz a uno de ellos, son un buen ejemplo de esa fantasía que estaba presente en La Veneno y que se muestra también en la biografía en la que se basa (¡Digo! Ni Puta ni Santa: las memorias de La Veneno, escrito por Valeria Vegas). Es un acierto que los Javis no hayan querido descartar este componente imaginativo en la serie a riesgo de que pueda significar un perjuicio para el intento de realismo que, se supone, también se quiere mostrar.
Esta cruda conexión con lo real se expresa, obviamente, en una triste realidad: la difícil situación que vivían las personas transexuales en los años 90 en España. Es ejemplar en ese sentido el capítulo 7, dedicado a la etapa de tres años que vivió Cristina en una prisión de hombres. Sin caer en sensacionalismos, los Javis exponen difíciles momentos que La Veneno contó en televisión, como las torturas y chantajes que sufrió por parte de los presos -y también de quienes se supone debían protegerla-.
Muy impactante en ese sentido -pero necesaria para mostrar el sufrimiento que vivió- es la escena en la que el novio italiano (Ciro Petrone) le pega una paliza a Cristina -Daniela Santiago está magnífica en esas secuencias de dolor y angustia- y mete al perro en el microondas: es sorprendente ver cómo los Javis se atreven a enseñar una escena así. Curiosamente, en el caso de las palizas de su madre se veían casi fuera de campo.
El casting de Veneno: aciertos y desaciertos
Desde los primeros episodios ya se demostró que el gran acierto de esta serie es el casting escogido, y es algo que se ha ido confirmando semana tras semana. En el primer capítulo Isabel Torres interpretaba a la Veneno en su última etapa de una forma bastante convincente; es algo que ha mantenido a lo largo de la producción al igual que le ha ocurrido a Paca La Piraña, la gran revelación de Veneno.
Pensar en lo que ha hecho Paca La Piraña es muy emocionante: interpretarse a ella misma y tener que revivir ciertos momentos, buenos, agridulces y terribles, que pasó con su mejor amiga Cristina La Veneno. El desparpajo y la naturalidad que tiene, con cada frase que suelta, hacen imposible que el espectador no se quede hipnotizado con esta mujer.
Lola Rodríguez ha sido también otra revelación al interpretar a Valeria, el otro peso fuerte de la serie: la chica que conoce a Veneno, y escribe su biografía, al tiempo que se va descubriendo a ella misma y construye su identidad de género. Daniela Santiago (que interpreta a la Veneno en sus primeros años de famosa hasta los primeros momentos de la cárcel) y Jedet (que la interpreta en el tercer episodio, en su etapa de transición, de Joselito a Cristina) realizan también una interpretación más que brillante aunque, quizá, esta última es la que cae más en la parodia-imitación del personaje de Cristina La Veneno, algo que Los Javis podrían haber pulido más.
En otra ocasión ya comentamos lo bien que interpretaron a Joselito los actores Guille Márquez y Marcos Sotkovszki pero lo cierto es que, en líneas generales, todos los actores secundarios que participan de forma más o menos fija están muy bien escogidos: desde Goya Toledo pasando por Elvira Mínguez o Lola Dueñas.
También, al igual que hicieron en Paquita Salas, recurren a actores o rostros conocidos para realizar cameos o papeles muy pequeños. Esto funciona a veces y otras no, como es el caso de apariciones muy fugaces que poco aportan (el caso de Soy una Pringada o María Teresa Campos, entre otros). Hay otras que sí lo hacen con más peso como José Coronado, Ana Milán, Mariona Terés, Pepón Nieto, Tamar Novas, Jordi Vilches, Ester Expósito, Jorge Usón, Brays Efe, Óscar Ladoire, Anna Allen o incluso el simpático cameo de Valeria Vegas o Pepe Navarro, entre muchos otros. En ese sentido, los Javis saben buscar un buen casting hasta para los papeles más pequeños.
Entre la “sutileza” y el cutrerío
Ninguna serie es perfecta y Veneno, evidentemente, tampoco lo es. Por lo tanto, además de hablar de algunos elementos muy positivos también hay que hacer lo mismo con los negativos. Los Javis dominan muy bien los diálogos de humor; esas escenas, gracias al carisma de las actrices, suelen quedar más que correctas. Pero también tienden en las mismas, a veces, a las metáforas nada sutiles: es el caso del final del segundo episodio donde Joselito huye de su pueblo en coche junto a su hermana pero se baja para liberar a unas palomas como muestra de sus ansias de libertad.
Estas imánes simbólicas de significado muy directo se pueden considerar marca de la casa; tampoco se trata de cuestionar un estilo. Lo que sí se puede criticar es la pobreza de ciertas recreaciones televisivas, que es también es uno de los factores más importantes de la serie. En el primer episodio todo fueron halagos hacia la brillante recreación que habían realizado del famoso programa ‘Esta noche cruzamos el Mississipi’, incluida la actuación de Israel Elejalde como Pepe Navarro. En el quinto capítulo, dedicado a la parte de la televisión y a la fama efímera, se mostraba el paso del equipo a Antena 3 para presentar ‘La sonrisa del pelícano’, y es en ese momento donde se muestra cómo los Javis decidieron no esforzarse, del mismo modo, en la parte televisiva de la serie.
En general, da la sensación que, desde el capítulo 5 hasta el final de Veneno, hay algo de pudor por mostrar el mundo televisivo español de la época. Solo se atreven a mostrar cómo la televisión ridiculizó al personaje de Cristina sin citar a muchas personas reales: prefieren ir a lo fácil y escoger a Ángel Garó para encarnar a cualquier presentador, ya sea de Telecinco o Antena 3. Es quizá todo más fácil y menos incómodo de hacer si no se nombran cadenas o se inventan títulos de programas. Más fácil, pero menos currado, claro.
El final de Veneno: un bonito homenaje al colectivo trans y a la amistad
En el sexto episodio, escrito por Félix Sabroso, se hace hincapié en otro de los grandes temas de la serie: la amistad. Es lo que se forja entre las tres protagonistas (Cristina, Paca y Valeria). Es precioso ver la conexión y química que hay entre las tres (la primera interpretada por Isabel Torres) y esa sororidad que crean al apoyarse y al estar juntas en los malos momentos y no solo en los buenos, aunque también los Javis dejan un lado para hablar de la traición: Cristina acude a televisión a hablar mal de Paca y esto supone la ruptura de la amistad.
La escena de Cristina aporreando la puerta de casa de Paca La Piraña mientras esta llora sin parar es una de las más emocionantes de la serie junto con la que Paca protagoniza en el último episodio, que merecería un artículo a parte, hablando con Valeria sobre cómo, después de muerta Cristina, la ha perdonado. Imposible no emocionarse y empatizar con ese dolor, interpretado pero también real.
El último episodio dedica su arranque a la película Vestida de azul (Antonio Giménez Rico, 1983), el primer largometraje en España que trató los problemas de las transexuales en unos años donde casi la unica solución era ejercer la prostitución. En este maravilloso documental, recomendado siempre, se muestra, desde un punto de vista desenfadado, la rivalidad y la poca sororidad que hay entre las seis protagonistas, algo que también está presente, a veces, en la relación entre Cristina La Veneno y algunas compañeras del Parque del Oeste o en algunas de las escenas más divertidas en casa de Paca La Piraña. Muy acertada la decisión de hacer referencia a esta película.
Javier Calvo y Javier Ambrossi han conseguido algo muy importante: Veneno ha trascendido, y los datos de audiencia lo confirman. Hay que recordar que es el primer proyecto de serie de larga duración de sus creadores y que a priori parecía más un producto de nicho para una plataforma de pago y para unos espectadores concretos, fieles al estilo de los jóvenes realizadores. Este es un paso que va más allá en el terreno audiovisual para que surjan más proyectos donde se le de importancia y visibilidad al colectivo LGTB. Ya tocaba.
Notes sur l’emigration – Espagne 1960 fue la película secuestrada por fascistas italianos por orden de Franco y que se emitió en TVE censurada, ha sido puesta en acceso online por la Filmoteca de Cataluña recuperando un pedacito de memoria de aquella España en blanco y negro y con miles de obreros obligados a abandonar su hogar.
El film fue codirigido por el español Jacinto Esteva y el francés Paolo Brunatto, entonces estudiantes en Suiza, que por una parte consiguieron grabar de forma clandestina en varios pueblos del interior de Andalucía y en los barrios obreros del cinturón de Barcelona y por otra se dedicaron a entrevistar a migrantes españoles que llegaban a la estación de tren de Ginebra entre 1959 y 1960.
La película buscaba reflejar la situación económica del país durante la dictadura Franquista y las consecuencias de los difíciles años de la Autarquía. Entre 1960 y 1973 un millón de españoles emigró a otros países de Europa en busca de trabajo, y sus remesas económicas se convirtieron en un alivio económico para el país en medio del Plan de Estabilización.
Un libro de Goytisolo en Italia
La importancia de Notes sur l’émigration-Espagne 1960 se la otorgó en parte el «padrinazgo» de Juan Goytisolo sobre el mismo. El escritor, ya en el exilio y convertido en un símbolo de la lucha contra el Régimen, recorría Italia presentando su libro La resaca.
En un acto en Milán se organizó una charla con debate en la que se proyectaría Notes sur l’emigration – Espagne 1960, introducido por el mismo Goytisolo.
Según recogen las crónicas de la época y el testimonio de los presentes, en mitad de la charla se produjo una explosión, luego explicada mediante simples bombas de humo, y aparecieron dos camilleros supuestamente a atender a un herido por la misma. Cuando los mismos se marcharon, resultó que el rollo de la película había desaparecido.
La prensa española franquista lo atribuyó a un atentado anarquista o a protestas de los espectadores españoles molestos por la parcialidad del film. Los presentes lo consideraron un atentado de fascistas italianos. De hecho, cuatro militantes de extrema derecha serían detenidos por estos meses más tarde.
Sin embargo la sorpresa llegó 10 días más tarde, cuando el hermano de Goytisolo le contó que TVE había emitido el corto atribuyéndole a él la dirección y la «insidiosa» propaganda, cortando partes y respondiendo con otro film de propaganda Franquista y numerosas críticas a la supuesta «manipulación» de Notes sur l’emigration – Espagne 1960.
En abril de 1961 los directores conseguirían publicar una carta de rectificación lamentando el «mal uso» hecho por la prensa Franquista «y la comunista» del contenido de la película, así como desvinculando al escritor respecto de la película.
Además recordaban que el componente sociológico del mismo hizo que fuese admitido por el Cineclub de la UNESCO, que no permitía mensajes con injerencias políticas.
Memoria del audiovisual antifranquista
Olvidado en el marasmo de la lucha contra la Dictadura, en parte también por su amateurismo dentro de la posterior carrera de Jacinto Esteva, la película se quedó sin volver a ser emitida en España y nunca con su contenido íntegro, estando perdida durante más de 50 años.
De apenas 19 minutos de duración, constituye un documento sociológico hasta entonces inédito y que en Suiza se considera uno de los primeros en poner de relieve las duras condiciones de vida de los migrantes del sur de Europa.
La Filmoteca de Barcelona ya proyectóNotes sur l’émigration-Espagne 1960 acompañado de una secuencia inédita del entierro de la bailaora Carmen Amaya, que fue descartada del montaje final de Lejos de los árboles, de Esteva, 1965 a 1970. También se proyecta una escena de la inacabada Mozambique, 1970, rodada en el primero de los viajes del cineasta a África.
El algecireño Ángel Gómez dará el salto a Hollywood con El exorcista del Papa tras el éxito de su opera prima Voces. Sin salir del género del terror, el joven director español llevará al cine las memorias del sacerdote italiano Gabriele Amorth, conocido como el exorcista del Papa, que supuestamente practicó más de 100.000 exorcismos a lo largo de su vida.
Según adelanta la revista Variety y recoge en España Filmand, el proyecto llega a manos de Gómez tras posponerse la adaptación al largometraje de uno de sus cortos, Behind.
Chester Hastings y R. Dean McCreary firman el guión y Michael Patrick Kaczmarek, Jeff Katz de Worldwide Katz y el presidente de Loyola Productions, Eddie Siebert, se encargan de la producción.
Screen Gems había adquirido previamente los derechos vitalicios sobre las obras de Amorth antes en manos de Kaczmarek y Loyola, incluidos los derechos de sus memorias Un exorcista cuenta su historia y Un exorcista: más historias. Amorth, que murió en 2016, fue el tema del documental de William Friedkin The Devil and Father Amorth.
Imagen de ‘Behin’, corto de Ángel Gómez. Foto: Harmonica Films.
Ángel Gómez llegó a dirigir Voces gracias al éxito del corto Behind, protagonizado por Macarena Gómez. Como cortometrajista especializado en terror ha ganado con más de 50 premios nacionales e internacionales, así como una preselección a los Premios Oscar 2018, y a los premios Goya 2018.
El Ministerio del tiempo (RTVE), con cuatro, y La casa de papel (Netflix), con tres, son las series españolas con más nominaciones en los Premios Iris 2020, los galardones que entrega la Academia de las Ciencias y las Artes de TV. En el siguiente escalón, los premios televisivos han repartido dos nominaciones a las producciones La unidad (Movistar +), El último show (Aragón TV), Merlí: Sapere Aude (Movistar +), Promesas de arena (RTVE) y La valla (Atresmedia).
RTVE y Movistar + son las entidades que más nominaciones acumulan en los Premios Iris 2020 por sus producciones españolas estrenadas en la temporada 19/20 -se quedan fuera de ellas todas las estrenadas desde este otoño-. El premio grande de la ficción española (Mejor ficción de la televisión) se decidirá entre El Ministerio del tiempo, La casa de papel, La valla, Promesas de arena y Amar es para siempre (Antena 3), la única serie diaria que se cuela entre las favoritas.
En Mejor dirección, en la que también están representados distintos programas televisivos, están nominados a los Premios Iris 2020 Dani de la Torre por La unidad, Jon Sistiaga por la serie documental ETA, el final del silencio (Movistar+) y Javier Calvo y Javier Ambrossi por Veneno (Atresplayer Premium).
También mezclados con programas están las nominaciones al Premio Iris al Mejor guion y la Mejor producción. Aquí es donde tanto El Ministerio del Tiempo (María Roy, Alicia Yubero, Marc Vigil y Javier Olivares y su equipo de guion -) como La casa de papel (Álex Pina, Cristina López-Ferraz, Jesús Colmenar en producción; Álex Pina y Javier Gómez Santander en guion) se hacen fuertes y consiguen dos nominaciones en ambas categorías.
En guion acompañan en nominación también el equipo de guionistas comandados por Héctor Lozano de Merlí: Sapere Aude y Álex Rodrigo, Sara Alquézar y Enrique Lojo por el libreto de El último show. En producción también encontramos la única nominación paraInés del alma mía(Jorge Redondo, María Roy, Consuelo Silva, M.A. Caballero).
Malaka, Vamos Juan, Vis a vis o El vecino, también nominadas a los Premios Iris 2020
Fotograma de ‘Malaka’ (RTVE)
En las categorías interpretativas por las ficciones televisivas, a Mejor actriz están nominadas Blanca Portillo (Promesas de Arena), Ángela Molina (La valla) Emma Suárez (Néboa), Anna Castillo (La línea invisible) Nathalie Poza (La unidad) y Najwa Nimri (Vis a vis: El oasis).
Entre los actores, los nominados a los Premios Iris 2020 son Javier Cámara (Vamos Juan), Miguel Ángel Tirado (El último show), Javier Veiga (Pequeñas coincidencias), Salva Reina (Malaka), Jaime Blanch (El Ministerio del Tiempo) y Quim Gutiérrez (El vecino).
Serán los académicos de la televisión española los que votarán a las mejores ficciones españolas en estos premios, aunque también habrá uno reservado para críticos y comentarios (Premio Iris de la Crítica). Se convocan también los Premios Iris del Jurado, elegidos un comité de profesionales, en los cuales también habrá reconocimientos para las producciones españoles. A partir del 16 de noviembre se anunciarán a los ganadores, aunque no habrá gala.
Veneno, una de las series más comentadas de estas últimas semanas, estrenó ayer su último episodio por todo lo alto. Se hizo un evento especial con motivo del final de la producción y se aprovechó la buena acogida que ha tenido en la plataforma de pago Atresplayer Premium para probar con la emisión -en principio- de solo los dos primeros episodios en Antena 3 el domingo 25, donde ha sido el estreno de ficción más visto en televisión de la temporada.
Hasta ahí bien, porque todo vale para promocionar una serie, y más si se trata de un producto que representa y visibiliza de forma tan acertada a las personas transexuales. El problema aparece ante la impactante y nada esperada noticia que los Javis (Javier Ambrossi y Javier Calvo), sus creadores, han lanzado en una entrevista: hay posibilidades de que se haga una segunda temporada. A continuación, criticamos esta decisión tan espontánea de seguir con Veneno.
Un principio y un final para La Veneno
Veneno se trata de una serie con final claro (spoiler): en el último episodio asistimos a la muerte del personaje principal. Los Javis homenajean y dan conclusión a su protagonista de la mejor manera posible; recurriendo a la fantasía que tan presente estaba en todo lo que contaba, algo que la serie ha reflejado muy bien. Emocionalmente se trata de un capítulo ideal, quizá uno de los mejores de la temporada, y un buen cierre para la miniserie.
Pero ahora, aunque es aún una simple idea, los Javis anuncian que habrá continuación. Esto tiene ningún tipo de sentido desde la perspectiva de Cristina Ortiz: Veneno estaba concebida, desde el libro de memorias de Valeria Vegas en la que está basada, como una serie con un inicio y una conclusión evidentes.
Se ha contado la historia de una mujer transexual y popular (no olvidemos ese dato porque ha sido fundamental para el éxito que ha conseguido) que, sin saberlo, marcó el camino a seguir para otras muchas mujeres transexuales. A nivel de representación la serie tiene un valor enorme y supone un gran paso dentro de la ficción española, pero eso no debe implicar que se deba explotar un producto más de lo necesario.
Las otras razones
No se encuentra, por tanto, ninguna justificación argumental para realizar una segunda temporada sobre ‘La Veneno’, y la excusa que dan sus creadores y directores tampoco convence: quieren desarrollar otros personajes que tuvieron relación con Cristina. Dicen que su universo es tan potente que “se expande más allá de ella misma”. Posiblemente quieren contar la vida de otras mujeres transexuales, igual la de Paca La Piraña, sin desligarse de la marca Veneno que tanta popularidad les está dando. Pero ya no estaríamos ante una serie sobre ‘La Veneno’.
Los Javis pueden seguir por ese camino, el de realizar nuevas series con las que el colectivo LGTB se sienta identificado y así tener cada vez más referentes audiovisuales. Veneno, en cambio, es una producción que si se intenta alargar bajo ese nombre perdería su lógica interna: como miniserie cerrada de ocho capítulos ha quedado impecable, pese a tener algunos capítulos más flojos que otros. Intentar extender la marca da la sensación de que predominan los fines económicos o que, ahora mismo, sus creadores tienen una ausencia de nuevas ideas igual de potentes.
Se entiende el temor a no tener la misma repercusión si se apartan del sello Veneno para contar historias LGTB. Siendo sinceros, no van a conseguir la misma trascendencia si dedican una serie a otros personajes transexuales (con un interés menos mediático que el que tenía Veneno), pero si siguen vinculándose al personaje de Cristina se aseguran así a cierto público fiel que ha quedado encantado con esta serie.
¿Qué significa esto? Que los Javis no se la van a jugar contando otra historia de este tipo con un personaje que no tenga esa relevancia. Si lo hacen, lo harán manteniendo de alguna manera al personaje o la marca, aunque eso pueda implicar que se desvirtúe el concepto original de la serie.
Habrá que esperar a ver si ese proyecto de esta segunda temporada se desarrolla y cómo lo hace, pero lo que está claro es que ahora mismo con el nombre de Veneno es totalmente innecesario y no tiene justificación más allá de aprovechar el éxito, con el riesgo de perder calidad o credibilidad. Siempre es mejor parar en el momento adecuado.
Las mujeres en el cine español reciben premios por ser actrices, no por ser directoras o guionistas. Aunque el reconocimiento de la labor de las profesionales de la industria del cine ha aumentado en los últimos años, sigue siendo menor su acceso a cargos de responsabilidad -directoras, guionistas- y además reciben muchos menos premios por esta labor.
El informe arroja que en los festivales nacionales, se ha reconocido a un 25% de mujeres en los cargos de dirección y/o guion frente al 75% de compañeros análogos. En el caso de los festivales internacionales, las representatividades porcentuales corresponden a un 19% frente al 81%.
Este año señala que el reconocimiento nacional a las películas lideradas por mujeres es superior al de festivales internacionales. En el cómputo total de festivales nacionales e internacionales, se obtiene que el 20% de los reconocimientos otorgados han recaído sobre mujeres y el 80% sobre hombres.
Mismos premios, pero menos por dirigir o guionizar
Fotograma de ‘La hija de un ladrón’, de Belén Funes.
Las directoras y/o guionistas suman un total de 90 profesionales en los cargos y 15 han sido reconocidas, lo cual se traduce en una frecuencia de reconocimiento del 17%. En el caso de los cargos desempeñados por hombres y el número de reconocimientos, la frecuencia de reconocimiento resulta de un 18%, un punto superior al de las mujeres.
La conclusión positiva es que la diferencia, por tanto, entre el reconocimiento del trabajo de las mujeres y hombres en los festivales, no es tan acentuada como puede parecer en los porcentajes iniciales, aunque las mujeres reciben muchos menos premios porque son menos en la industria en general y en los cargos de liderazgo en particular.
En el histórico de premios es donde esta diferencia se nota más, dado que las mujeres han sido reconocidas por desarrollar cargos actorales en un 77% de las ocasiones en que han recibido premios, frente al 18% de los hombres, sobre el total de premiados, que lo son por el mismo puesto.
Así, los hombres son más reconocidos que las mujeres por cargos de liderazgo y, además, por destacar en más de un área a la vez. Finalmente, señalar como dato relevante, que se identifica una mayor resistencia de reconocimiento por parte de los premios nacionales frente a los festivales, a la hora de reconocer el trabajo de mujeres directoras y guionistas.
Más directoras en documentales
Nata Molina con su Goya por el documental ‘Ara Malikian: una vida entre las cuerdas’.
Las mujeres conforman un 30% del personal frente a un 70% de representación que corresponde a los hombres. Estos porcentajes describen al sector cinematográfico de los largometrajes como un ámbito masculinizado.
El género Documental continúa presentándose como el género con mayores porcentajes de mujeres en los cargos de liderazgo, mientras que la Animación continúa caracterizándose por ser el género con mayores niveles de masculinización. Así, la presencia de mujeres en el cine español en documental es de un 24% dirección, 24% guion y 32% producción, en ficción de un 16% dirección, 22% guion y 30% producción y en animación de un 0% dirección, 14% guion y 15% producción
La diferencia exacta entre los costes de dirección de mujeres y hombres, es decir, en el presupuesto, resulta del 49%. En 2019, esta brecha se reduce a una diferencia económica de 26%, que continúa siendo menor en los casos de dirección de mujeres. Es decir, por norma general, las películas dirigidas por mujeres reciben casi la mitad de financiación que las dirigidas por hombres pero el año pasado esa brecha se redujo.
La animación, el sector menos feminizado
Si las cifras sobre mujeres en el cine español las dejan en minoría y relegadas a cargos con menos poder, en la animación ese desnivel se sitúa hasta arrojar una cifra de 0 directoras de largometrajes de animación en 2019. Según el estudio presentado por la asociación de Mujeres en la Industria de la Animación (MIA) con motivo de la celebración del Día Mundial de la Animación el próximo 28 de octubre, ‘Las mujeres en el mundo de la animación’: «a menos poder, más mujeres».
De los catorce cargos analizados como característicos o propios del sector, un total de diez han resultado con una representación de mujeres del 0%. Los cargos específicos del género animación se tornan ampliamente masculinizados con una representatividad de mujeres del 10%.
Cabe destacar la relación que se establece entre cargos y roles tradicionalmente asignados a un género. En concreto, los puestos de dirección tienen una representación de mujeres del 0%; los de guion de un 14%, y los de digitalización o efectos visuales, representan un 22%.
Por otro lado, las mujeres se vinculan al cargo de Dirección de Producción donde representan un 80%. Único cargo de los estudiados con una representatividad femenina superior al 60%. “Este puesto por el contrario se asocia principalmente con aspectos de organización y gestión de recursos, que encajan a la perfección con ese rol tradicional femenino”, afirman desde MIA.
Veneno, el fenómeno social que ayer culminó su éxito con un gran evento entre los canales de Atresmedia, tendrá segunda temporada. Al menos esa es la intención de sus creadores, Javier Calvo y Javier Ambrossi, los Javis, que lo anunciaron en el mismísimo telediario de Antena 3 antes de que los dos primeros episodios se emitiesen por primera vez en abierto.
Con prudencia, los conocidos productores aclararon que siempre se pensó Veneno como una miniserie debido «al final trágico que conoce todo el mundo», pero que en estos meses han empezado a planear una segunda temporada. «La posibilidad de una segunda temporada», en concreto.
«Hay tantas historias alrededor de la historia de Cristina y su universo es tan potente que no se acaba en ella… puede haber algo más» afirmaron, pero sin dar más detalles sobre si, en todo caso, más que una segunda temporada hablaríamos de un spin off protagonizado por alguno de los personajes secundarios.
A las preguntas de Mónica Carrillo durante el informativo Ambrossi y Calvo aclararon que se «enamoraron» de la historia de Cristina Órtiz por el componente de «lucha por la identidad» de la misma y su deseo de mostrar a la persona «más allá del chascarrillo con el personaje» para contar «una historia brutalmente trágica». «De lo que no se habla no existe y lo que no existe se margina», concluyeron.
La emisión de Veneno culminó este domingo 25 de octubre con su capítulo octavo en Atresplayer PREMIUM además de la emisión en abierto en Antena 3 de los episodios 1 y 2, aunque el resto de la serie permanecerá solo en acceso en la plataforma de pago. Atresmedia lo dio todo para promocionar el evento entrevistando incluso a los showrunners en el informativo.
Amazon Prime Video estrena Historias lamentables de Javier Fesser meses antes de que vaya a pasar por salas y también Padre no hay más que uno 2, el gran taquillazo español del año, cuando aún se encuentra en exhibición. Son decisiones obviamente motivadas por las restricciones sanitarias pero que perjudican a unas salas que lo están pasando bastante mal, además de a los distribuidores. ¿Por qué no existe debate? ¿Qué elementos de valoración nos faltan?
En realidad a Amazon se le puede reprochar poco y el título de este artículo, en el fondo, es engañoso. La plataforma del supermercado más grande del mundo ha entrado en la producción audiovisual española e intenta que sus productos sean rentables, igual que cualquier otra empresa. A Amazon no le interesan ni el Cid ni Fernando Alonso, nos los ofrece porque cree que estamos dispuestos a pagar por verlos.
Sin embargo, decíamos ayer y la crisis de la pandemia lo subraya cada día más, que la cultura no es cualquier sector. Los profesionales, a los que cada confinamiento inevitable deja un poco más vendido, nos lo han recordado en varias movilizaciones. Las eternas polémicas en base a percepciones sesgadas demuestran el peso que todos concedemos a los mensajes que transmiten nuestra cinematografía.
Países de nuestro entorno con los que comparamos a España constantemente para otras cuestiones han tomado medidas que si bien no son la panacea al menos suponen un respaldo económico y también simbólico. Si el audiovisual, como otras muchas cuestiones públicas, está abandonado es por la actuación administrativa, que no tiene empacho e ignorarlo o visibilizarlo solo por motivos partidistas.
Atajar el monopolio antes de que exista
Fotograma de ‘Padre no hay más que uno 2’
Las salas de cine son parte del patrimonio cultural de cualquier país, y Francia por ejemplo ha demostrado tener clarísimo que desea mantenerlas a cualquier precio. También representan un modelo de consumo y producción cultural en extinción. Las multisalas en centros comerciales fueron el primer paso, la crisis del coronavirus y la indiferencia ante la invasividad del streaming puede ser la segunda.
Porque cuando un mercado cultural se convierte en un oligopolio, y más en un oligopolio controlado desde fuera del país en que se encuentra ese mercado, se pone en peligro los intereses del mismo. Intereses que tienen que ver con el legado cultural y la construcción de identidad, pero no en el sentido excluyente de los últimos tiempos en que los políticos se envuelven en banderas para ocultar su ineficacia o corrupción, sino en el de la creación de un espacio comunitario y común en el que se proteja de manera transversal a todas las personas independientemente de sus circunstancias.
El peso cada vez mayor de las grandes plataformas internacionales del streaming en la producción española puede ser una buena noticia a corto plazo y mala al largo si acaban controlando el circuito completo, convirtiéndose de facto en monopolios, de manera que solo sus productos lleguen a un gran público en lugar de dar a este la oportunidad de elegir en una oferta variada.
Probablemente productos de prestigio y arriesgados como las series españolas que ahora mismo copan nuestras pantallas, del tipo Antidisturbios, Patria o Veneno no serían posibles en un terreno más previsible y controlado de oligopolio que ya empezamos a rozar. Y esas tres series, más allá de su innegable calidad técnica o artística, son relevantes por reflejar temas de gran calado social como la corrupción, el terrorismo o la transfobia.
Amazon ya ha sido acusada de prácticas monopolísticas por su actividad como supermercado global. La crisis sanitaria ha aumentado la desigualdad en todos los ámbitos y en el de la distribución audiovisual, como en muchos otros, parece a punto de cebarse con el exhibidor más cercano al consumidor final, acabando con el cine como evento social más allá del hashtag.
Amazon hará lo que considere necesario para ganar dinero. Le da lo mismo una nueva temporada de El Internado que un documental sobre Carolina Marín, Santiago Segura que Javier Fesser. Ya ha demostrado en otros ámbitos los criterios que suele aplicar, contrarios a cualquier beneficio social o cultural. Y las plataformas de streaming mantienen una opacidad en la que los criterios para lanzamientos o cancelaciones pueden justificarse mediante motivos económicos o de audiencia aunque no haya datos accesibles que lo respalden.
La creatividad crece cuando hay competencia real
Fotograma de ‘Veneno’
Cada ley del cine que España ha visto desde la llegada de la democracia, y por supuesto antes, ha tenido sus consecuencias culturales, sociales y políticas. Todas han respondido a los cambios del entorno audiovisual. El país se prepara para recibir al menos la mitad de los 140.000 millones de euros, que dependerán de proyectos concretos que se lleven a Bruselas.
Las grandes multinacionales se preparan desde hace meses para presentar los suyos, pero el Gobierno también puede liderarlos, el sector cultural también puede estar presente. ¿Dónde está el proyecto que una el actual auge creativo del sector en España y el impulso de las nuevas formas de consumo con el respeto por una voz propia y un modelo cultural sostenible para todos los participantes?
Las salas de cine y su significado social y cultural, el modelo de producción y consumo cultural que pueden representar, incluso el de relación social que aún representan, morirán si los dejamos morir. El mercado no es magia, no cae del cielo, es la forma en la que una sociedad organiza sus relaciones económicas. Y esta también se define por la manera en la que preserva su independencia para construir unas historias y un discurso propios, más allá de intereses comerciales.
La crisis provocada por la pandemia de la Covid-19 ha vuelto a poner en valor lo rural como una suerte de paraíso perdido al que muchos sueñan con volver, una arcadia donde el tiempo parece haberse detenido y los días transcurren bajo el ritmo que impone la naturaleza. En Meseta (2019), el joven realizador Juan Palacios pretende desmitificar lo bucólico de la vida en esa España vacía tan presente (y siempre tan ausente) en los medios de comunicación durante los últimos años. Y lo hace mediante un documental muy personal, un trabajo que aúna valentía y autenticidad.
Alejado de convencionalismos, Juan Palacios utiliza con sinuosidad la cámara para hacernos un retrato que mezcla momentos poéticos con testimonios costumbristas en un cóctel que no deja indiferente. Sin una aparente línea argumental, la película nos ofrece un vagabundeo por aquellos lugares por donde todavía podemos encontrar vestigios de una vida a punto de extinguirse. En ese periplo por calles vacías y agónicos campos castellanos nos acompañan, como personajes de un tiempo pretérito, aquellos habitantes que resisten encomiablemente a la soledad, a sabiendas que constituyen el último reducto de una existencia condenada al olvido.
Con la única banda sonora de las chicharras veraniegas, el balar de las ovejas, la voz chillona del pescadero ambulante y el resonar de los aviones que sobrevuela la vasta meseta, penetramos en ese «territorio fantasma» donde los senderos van perdiendo sus huellas y los campos abandonados hace tiempo que han sido recuperados por la maleza. Entre ellos juegan dos niñas, que aburridas de buscar pokémon, se dedican a rememorar viejas leyendas, niñas que en el fondo representan el último custodio de la memoria de un pueblo que no tardarán en abandonar.
El contrapunto lo ponen esos ancianos, que, marcados en el rostro por hondas arrugas, rememoran la dura juventud en el campo o se duermen todas las noches contando las casas vacías que abundan en el pueblo. Un pueblo que nunca más resurgirá y cuyos habitantes no son más que esos espectros en que se convertirán en un futuro no muy lejano.
Meseta no trata de denunciar el olvido al que durante décadas ha sido condenado el mundo rural por las diferentes instituciones. Lo único que pretende es constatar una realidad triste y rotunda: la progresiva desaparición de centenares de pueblos en España. Ese desasosiego que a veces trasmite se rompe con la aparición de personajes pintorescos que rozan, en algunos casos, lo grotesco.
El pescador que nos relata sus aventuras amorosas en redes sociales mientras tira la caña (menuda metáfora), los dos agricultores que se fotografían con el burro, el dúo musical que construyó el monumento al camionero, que parecen una parodia de otro tiempo. Figuras esperpénticas de un mundo condenado al ostracismo, que sueñan con viajar al Caribe al lado de su rebaño pero que lo más parecido al mar que sentirán es el sonido de los coches pasando por la autovía cual rumor lejano de una ola.
El retrato sosegado de esta España vacía demanda un ritmo narrativo lento, a veces exasperante. El mundo en Meseta parece haberse detenido. Pronto, ese pueblo que inmortaliza Jesús Palacios a través de un trabajo de fotografía encomiable solo será una mancha intuida desde la vista de pájaro de un avión, un motivo repetido durante toda la película.
El vuelo solitario del avión (símbolo de la libertad) al que mira el pastor al comienzo del documental, no es más que el único reflejo del progreso que los habitantes del pueblo atisban a ver, personas que apegadas a la tierra que los vio nacer no conciben más mundo que el que los rodea, ese condenado a la inminente desaparición.
La nueva comedia de Fernando Colomo se llama Poliamor para principantes y trata del contraste entre un chico que se ha convertido en el último defensor del amor romántico y una chica entusiasta practicante del poliamor. El rodaje empezó el pasado jueves 22 de octubre y durante cinco semanas continuará en escenarios de Extremadura y Madrid.
Karra Elejalde, Quim Ávila, María Pedraza, Toni Acosta y Luis Bermejo son los protagonistas de esta coproducción hispano-francesa producida por Álvaro Longoria y las productoras Morena Films, Acuerdo de Fluidos AIE y Ran Entertainment. Vértice 360, la distribuidora, ha anunciado que su estreno llegará a salas en 2021 y Latido Films se ocupará de su venta internacional.
Este nuevo trabajo de Fernando Colomocuenta con la participación de Amazon Prime Video, que la emitirá en su plataforma tras el paso por salas, y el apoyo de la Comunidad de Madrid.
Según ha señalado Vértice 360 en su comunicado, el guion corre a cargo del propio Fernando Colomo, Casandra Macías-Gago y Marina Maesso. El reparto lo completan Inma Cuevas, Eduardo de la Rosa, Lola Rodríguez, Cristina Gallego y Susi Caramelo.
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