1. Finalmente fue Campeones. La Academia de Cine anunció el pasado jueves que la película de Javier Fesser será la encargada de representar a España en los Premios Óscar. La institución sin duda tuvo muy presente la conversación que tuvimos en nuestro anterior boletín, y se mostró partidaria de la postura de Carlos frente a la de un Arturo que apostó por Handia (este viernes llega Todos lo saben a los cines, lo que podría cambiar todo el estado de la cuestión por aquí, aunque ya no cuente).
Habrá que esperar hasta el 23 de enero para conocer a las cinco películas seleccionadas. Campeones, que sería la primera representante del cine español desde Mar adentro en 2004, competirá contra films como Cold War, de Pawel Pawlikowski, ganador en 2015 de este mismo premio por Ida, Roma, de Alfonso Cuarón, recientemente premiada en Venecia o Un asunto de familia, de Hirokazu Koreeda, ganadora en Cannes, por destacar tres títulos de un total de 92 que se presentarán. De momento, la nominación ha servido para que Javier Gutiérrez y su equipo peguen un salto en taquilla del 123%, algo enormemente meritorio tras 22 semanas en cartelera.
2. Siguiendo con la taquilla, vamos a hablar de cómo le está yendo a las películas españolas. Septiembre marca el inicio de curso y los estrenos empiezan a aumentar tanto en número como en importancia. Mientras cintas como la propia Campeones y El mejor verano de mi vida –que ha funcionado estupendamente recaudando casi 8 millones de euros- se mantienen en los tops de recaudación tras varias semanas (22 y 8 respectivamente) y Yucatán y Losfutbolísimos siguen potentes tras dos y tres semanas, el pasado viernes llegaron dos de las películas más esperadas de este inicio de curso. Nos referimos a Carmen y Lola y Las distancias.
La primera atrajo a 8.171 espectadores para una recaudación de 57.481 euros en su primer fin de semana. Tuvo el segundo mejor rendimiento por copia, con un registro de 2.737 euros tras estrenarse en 21 salas. Las distancias, por su parte, estuvo en bastantes más salas -48- y sumó 11.315 espectadores y 77.161 euros. El buen rendimiento de ambas películas podría hacer que se estrenasen en más salas este próximo fin de semana –por ejemplo, Carmen y Lola ya tienen confirmado su estreno este viernes en el cine Albéniz de Málaga- y, si consiguiesen aguantar hasta los días de la Fiesta del Cine (1-2-3 de octubre) podrían obtener unos resultados de taquilla más que reseñables para películas de estas características en España.
3. Acabamos con premios. La productora Esther García, directora de El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar, ha sido premiada con el Premio Nacional de Cinematografía concedido por el ICAA. Esta histórica productora recibe un importante y prestigioso reconocimiento a su brillante carrera en España. No solo ha sido una de las personas clave en algunas de las producciones más importantes de Almodóvar (Todo sobre mi madre, Hable con ella o Volver), sino que también ha trabajado en la producción de películas tan importantes como La vida secreta de las palabras o Relatos Salvajes. Es la primera mujer productora que recibe ese galardón. Por otro lado, Begoña Piña, periodista de información cinematográfica del diario Público, recibe el Premio de Comunicación Alfonso Sánchez que da la Academia de Cine. Una larga trayectoria la precede como crítica y redactora relacionada con el cine.
Estos son los estrenos de esta semana (14 de septiembre):
Todos lo saben. Por fin llega una de las películas más esperadas del año, que abrió el pasado Festival de Cannes. El galardonado Asghar Farhadi contó con un reparto de lujo –Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard Fernández, Bárbara Lennie, Inma Cuesta,…- para su primera película en España.
Laura viaja con su familia desde Buenos Aires a su pueblo natal en España para una celebración. Lo que iba a ser una breve visita familiar se verá trastocada por unos acontecimientos imprevistos, que cambiarán por completo las vidas de los implicados. (FILMAFFINITY)
Los amores cobardes. Primer largometraje de Carmen Blanco, que pasó por el pasado Festival de Málaga y ganó la Mejor Dirección en el Festival de Alicante.
Eva es una joven fuerte e independiente que regresa a su ciudad natal para pasar las vacaciones de verano. Allí la esperan su madre y Gema, su única e incondicional amiga. Lo que Eva no esperaba es encontrarse con Rubén, quién solía ser su mejor amigo hasta que un día el chico decidió cortar el contacto inesperadamente. Sin explicaciones. Sin despedidas. (FILMAFFINITY)
Marisa en los bosques. Tras una extensa carrera por festivales llega a las salas comerciales el debut cinematográfico en España del dramaturgo Antonio Morales protagonizado por Patricia Jordá.
Marisa es una dramaturga de 35 años que tiene la sensación de que se ha convertido en la actriz secundaria de su propia vida. Sin proyectos, sin trabajo, sin futuro… Ha acabado por olvidarse de sí misma para centrarse en el gran drama de Mina, su mejor amiga, que se ahoga en la desesperación que le provoca su ruptura con Salvador. Cuando acuda a sus amigos en busca de apoyo, lo único que encontrará serán más problemas, más vidas a la deriva. Un repentino hecho trágico vendrá a alterar el frágil equilibrio de su vida, y Marisa optará por buscar consuelo en la noche de Madrid, dispuesta a desaparecer del mundo, de manera callada y silenciosa, como en un fundido a negro. (FILMAFFINITY)
Contigo no, bicho. Una comedia adolescente con un toque gamberro dirigida por Álvaro Alonso y Miguel A. Jiménez.
Víctor, Rubio, Charly y Berni son cuatro colegas del instituto que solo piensan en tías y videojuegos. Cuando uno de ellos, Víctor, consigue perder la virginidad, los otros tres deciden cambiar su suerte. Van a irse un fin de semana, con un único objetivo: desvirgarse o morir en el intento. Un viaje con toda la libertad del mundo, sin rendir cuentas ante nadie, con el destino por delante y la bolsa de errores aún vacía. (FILMAFFINITY)
Penélope. Otra película que llega a las salas tras meses de ruta de festivales. La catalana Eva Vila dirige esta actualización del mito de La Odisea en lo que supone su primer largometraje de ficción tras dos documentales musicales (B-Side: La cara B de la música en Barcelona y Bajarí)
Versión elíptica y crepuscular de La Odisea de Homero. La Penélope de esta historia se llama Carmen, tiene el carácter de una generación dura pero sentida, y espera en Santa María de Oló. El Ulises es Ramón, que regresa al pueblo tras treinta años de ausencia. Un último viaje cuyo fin, más allá de lo vivido, es el regreso a una patria y a un modo de vida que se extinguirá con ellos. (FILMAFFINITY)
El cine centrado en una relación lésbica tiene, por fin, grandes y variados referentes. En los últimos 20 años hemos tenido la oportunidad de añadir interesantes y potentes obras a la lista de películas que tratan el amor o la atracción entre mujeres. Desde Mulholland Drive a Carol. Ahora, Arantxa Echevarría añade su valioso granito de arena con Carmen y Lola, un acercamiento potente desde una perspectiva diferente. Una historia complicada convertida, por suerte, en algo nada complejo.
Echevarría ha dicho durante varias entrevistas que vio La vida de Adèle, entre otras, durante el proceso de creación. Incluso definió su película como La vida de Adèle al otro lado de la M-30. La directora alaba el filme de Kechiche, pero también es crítico con él; sobre todo por su, según ella, mirada excesivamente masculina de la relación lésbica. En la película francesa, el punto de vista principal es el de Adèle (Adèle Exarchopoulos), que pasa de relaciones heterosexuales a un primer descubrimiento homosexual con la más experimentada Emma (Léa Seydoux).
Echevarría en su película hace lo contrario que Kechiche: la verdadera protagonista de la película es Lola. El punto de vista sobre el que más se detiene es el suyo. Ella tiene clara su orientación sexual desde el principio; es Carmen la que pasa de una relación con un chico a vivir una relación amorosa con ella. Esto es importante porque vemos claramente los estados de ánimo y sufrimiento por los que pasa Lola. Conocemos sus deseos, su ilusión y sus miedos de una forma nítida, teniendo claro qué es lo que quiere desde el principio. Un acierto para lo que va sucediendo, porque la timidez y determinación de Lola empujan hacia adelante lo que va sucediendo desde su propia mirada femenina.
Pero la diferencia fundamental entre Carmen y Lola y (la excelente) La vida de Adèle es que en la película española las dos protagonistas están ante su primera experiencia, su primer amor. Mismo punto de partida. Esa sensación de emoción compartida es la que multiplica los efectos positivos de la película. Sencilla en su forma y efectiva en su manera de plantear la inocencia, la pasión y las ganas de compartir algo que las hace felices, su historia principal es aire fresco dentro de las miradas cinematográficas realistas en nuestro país. Todas las escenas en las que están ellas dos en plano crecen en magnetismo y matices, gracias principalmente a la naturalidad de sus dos actrices principales (sobre todo por Zaira Morales, que interpreta a Lola).
Los puntos más flojos de la película son algunas situaciones, algo estereotipadas y obvias, en las que vemos con palabras qué piensan los personajes secundarios (elevando los pensamientos a veces a categoría del mundo gitano). Se sobreexplican algunas cosas relacionadas con la estructura heteropatriarcal que ya se ven solas sin necesidad de que nadie nos las señale con el dedo. Echevarría escoge representar algunas cosas y no otras para su historia con todo el derecho, pero se nota una falta de sutileza que sí tiene la relación entre ellas, con la que la directora sí que transmite sensación de realidad.
Echevarría se ha ganado con creces la atención -a veces no buscada- para que estemos pendientes de lo que haga a partir de ahora. Carmen y Lola es un camino lleno de obstáculos pero que se termina por recorrer con una facilidad tremenda. Esperamos el nuevo viaje.
Dice el refrán que los amigos se eligen mientras que la familia te toca. Podrá ser verdad, pero la cosa no acaba ahí. Y si no que se lo digan a Comas (Miki Esparbé), cuyos amigos se plantan por sorpresa en su casa de Berlín para reunirse y celebrar su cumpleaños. Pero más que para eso vemos que es un intento desesperado de aferrarse un mundo que ya no existe y a una vida que ya no viven. Las alegrías dejaron paso a otra cosa, y los amigos, que pudieron elegirse en su momento pero ya lo son simplemente por inercia, son ese clavo al que aferrarse. Pero en la fría Berlín, irónicamente, el clavo se revela como ardiente.
Las distancias (Les distàncies en su original catalán) es un drama sobre el paso del tiempo y la dificultad de crecer, de encontrar la alegría y la ilusión en las etapas ya inequívocamente -por edad- adultas de la vida. En su segundo largometraje tras la aclamada Blog (2010), Elena Trapé se confirma como una de las miradas y voces a seguir en el cine español, capaz de medirse con la actualidad y entregarnos una bonita película sobre el desencanto y la frustración de un grupo de amigos que bien pueden representar a toda una generación.
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Trapé se decide por la austeridad en la puesta en escena, reduciendo sus herramientas narrativas a lo esencial. La distancia, más emocional que geográfica, se hace presente en las conversaciones a medio acabar y las miradas que no se acaban de encontrar. Es el retrato de una generación que ha visto incumplidas sus expectativas y que no sabe muy bien qué vendrá en el futuro. La directora acierta en dejar hablar más a los gestos y a los detalles que a las propias palabras, tan fáciles de manipular. El gran trabajo del reparto hace el resto. Bruno Sevilla y María Ribera nos alegran y relajan con su simpatía, Isak Férriz y Miki Esparbé nos tensan e irritan, pero es Alexandra Jiménez quien roba la función. Su personaje es el centro de la película y ella responde con contundencia al envite con una actuación contenida, poderosa y llena de matices.
Se podría decir que los personajes están poco desarrollados, porque sí que es cierto que apenas sabemos nada de su vida anterior. Pero seguramente tenga más que ver con un intento de representar la angustia de quien no termina de encontrarse que con un fallo de guion. La catarsis final, donde por fin se dicen con palabras lo que gestos y actitudes ya habían dejado claro mucho antes, resulta tan poco catártica como el final en sí, donde los problemas, lejos de ser resueltos, simplemente se exteriorizan. Son los detalles y las miradas no encontradas quienes revelan el paso de un tiempo que parece no haber traído la felicidad que prometía. No hay final ni solución, simplemente una vida que seguir viviendo y una constatación definitiva de que el pasado no volverá.
Las distancias llega a las salas tras hacerse con los premios a mejor película española y dirección del Festival de Málaga, así como con el de mejor actriz para Alexandra Jiménez. Su reflexión sobre la amistad y el paso del tiempo, pero también sobre la crisis económica que ha, como mínimo, transformado las expectativas de una generación, consigue remover y dejar un poso amargo, mientras que el gran trabajo de su reparto hace buena la apuesta por una narrativa minimalista de su directora. Elena Trapé ha levantado una película honesta y de calidad con la que asienta su figura entre las más importantes del panorama cinematográfico español para los próximos años. Ahora solo toca desear que no haya que esperar ocho años para ver su próximo trabajo.
Toca hablar de los Óscar si se habla de cine español esta semana. Mañana jueves a las 11:30 de la mañana la Academia de Cine anunciará la película que representará a España en los Premios Oscar. Las preseleccionadas son Handia, Campeones y Todos lo saben. El equipo de Cine con Ñ al completo se ha reunido para discutir cuál tendría que ser la elegida:
Arturo Tena: Sí, vale, la otra vez no me mojé mucho, pero ahora te digo claramente que me gustaría que la película elegida sea Handia. Quiero que lo sea sobre todo porque acumula ella solita méritos suficientes para que la Academia la escoja: hicieron un excelente trabajo técnico a todos los niveles, narra bien una bonita historia y es capaz de plantear interesantes subtextos. Jon Garaño y Aitor Arregi se pusieron un enorme reto tras Loreak y cumplieron. ¿Tú sigues en tu defensa cerrada de Campeones?
Carlos Pintado Mas: Por supuesto. Si no, ¿qué gracia tiene esto? Mis argumentos se mantienen: ha sido el fenómeno más potente del cine español este año y es una película muy “premiable”, especialmente en estos momentos que la Academia de Hollywood está haciendo un esfuerzo explícito por abrirse a la diferencia (tampoco hay que descartar la política y la imagen que se quiere proyectar en unos premios).
A.T: No creo que sean tonterías enormes lo que dices, compañero, pero no me convence del todo.Campeones es un triunfo, pero no aporta ese plus a distintos niveles cinematográficos y narrativos que Handia sí ofrece. Pienso sinceramente que los académicos van a optar por esta última porque ya han demostrado que la película les gusta dándole nada menos que 10 Premios Goya. Te diría que hay argumentos para que incluso sea elegida por descarte.
C.P.M: Sin duda Handia me parece que puede dar más batalla en el plano cinematográfico y narrativo. Es una película con una factura excelente y que efectivamente plantea grandes temas, pero creo que el plus lo aporta la trayectoria que han tenido ambas películas, y ahí Campeones lleva la delantera. Tocando la tercera candidata, hay una broma mala que hacer entre el título de Todos lo saben y que yo no sepa nada de ella, más allá de la trayectoria de los implicados.
A.T: Claro, Todos lo saben parte con el hándicap de que la decisión se anunciará sin haberse estrenado aún en España, lo que, pese al obligado visionado de los miembros de la Academia, influye a la hora de crear un ambiente propicio para decantarse por ella. Además, no ha sido especialmente bien recibida inicialmente entre la crítica.
C.P.M: Desde luego, si finalmente fuera la elegida, creo que dejaría un poco fría a mucha gente por este hecho de no haberla podido ver todavía.
A.T: Por otro lado, Campeones ya ha tenido su reconocimiento de haber entrado en la terna preseleccionada. Su capacidad de impacto fuera de España es bastante limitada y no cumple el perfil por el que se suelen decantar los profesionales del sector. Que Handia sea.
C.P.M: Bueno, pues yo me quedo en el barco de Campeones. Igual hay que probar algo distinto para acabar con la mala racha (Mar adentro, en 2004, fue la última película española seleccionada, y además ganó). Mañana saldremos de dudas para los Óscar.
Es mitad de agosto en Madrid y las fortunas del calendario otorgan un día extra de fin de semana. Juan (Alfredo Landa) se va de puente. Le importan el dinero, las mujeres y la comida. Y no meterse en líos y en problemas que no le incumben, que bastante tiene con lo suyo. Es un mero espectador de lo que le rodea, tal como le describen en un momento de la película. Aunque le dejen tirado del plan inicial que tenía pensado, no pasa nada; se monta en su ‘Poderosa‘, lleno de convencimiento, y pone rumbo a Torremolinos. Por el camino verá la España de la época, transformando por completo su forma de ver y relacionarse con el mundo.
Unas guiris que buscan el sol de la costa, una familia que visita a un miembro preso por participar en una huelga, el contraste que hay en el mundo rural entre los terratenientes y los jornaleros, la brecha generacional, una compañía de teatro contestataria, el racismo de un camarero de un bar de carretera, los emigrados a Alemania a los que les fue bien, un funeral religioso, unos burgueses en busca del hedonismo, unos hippies.
Juan Antonio Bardem se sirve del formato de road movie para construir este imagen de la España inmediatamente posterior a la muerte de Franco; un contexto de impasse entre dos mundos en conflicto. El Juan que llega a Torremolinos no tiene nada que ver con el que salió de Madrid. El viaje como transformación y, en este caso, toma de conciencia. Los mismos enlaces sindicales que rechaza con desdén al inicio son abrazados al final, en un final donde queda patente el compromiso comunista de su director, en sus entrelazadas dimensiones teórica y práctica. El conocimiento y la unión os harán más libres, lo que también es una muestra de los anhelos y las herramientas de la época.
Alfredo Landa está enorme en un papel que en el fondo bien podría condensar su propia carrera. En El puente está el landismo y también Los santos inocentes. El arco de su personaje resume varias décadas y formas del cine español. Landa está conmovedor en todo momento, especialmente en las escenas en las que su mirada silenciosa se convierte en protagonista. El guion no siempre consigue exprimir al máximo su potencial interpretativo, subrayando demasiado –y de forma seguramente innecesaria- el proceso de transformación del protagonista. El monólogo interior que mantiene durante las largas y solitarias horas de carretera es difícil de llevar al cine, pero Bardem consigue que estas escenas no se hagan demasiado pesadas al combinarlas con los diferentes encuentros que Juan va teniendo.
El puente fue la primera película de Bardem tras la muerte de Franco, sin tener que preocuparse por la censura. Y seguramente por aquí venga su mayor fallo: es una película demasiado hablada y sobreexplicada. Al igual que el cine mudo estimuló la puesta en escena y las formas de actuar, la censura obligó a quienes querían salirse de lo establecido a agudizar el ingenio. Por favor, que no se entienda mal esto. Nunca puede ser buena la censura. Pero tiene sentido vincular los numerosos momentos más explícitos de lo necesario del film con el hecho de que Bardem, que en más de una ocasión manifestó que su filmografía se había visto reducida a la mitad por culpa de la censura, todavía estuviese buscando la forma óptima de gestionar las nuevas posibilidades que tenía ante él. Tener unas elecciones constituyentes a la vuelta de la esquina seguramente también influyó en que su didactismo quisiese dejar poco lugar a la interpretación.
El puente es un gran ejemplo de la época en la que se rodó y también de una forma de entender el cine, y en general la relación entre el compromiso político y la creación artística. Si bien está lejos de las mejores obras de Bardem, resulta muy útil para conocer la historia reciente de España y la evolución de su cine. Es una película que de optimista puede llegar a parecer ingenua en estos días, pero que emociona con su descubrimiento de la justicia y la conciencia de clase –evidentemente, habrá personas que, por sus ideas, la aprecien más que otras, algo por otra parte extensible al resto del cine del director-. Landa recorre la península y decide que tiene que dejar de ser un “mero espectador”.
La película tuvo un éxito considerable en círculo especialmente de izquierdas, aunque ha caído en el desconocimiento en los últimos años. Un lugar del que tendría que salir porque, aunque tenga sus fallos y sea menos redonda que otras de la época o del director, nos enseña a la perfección de dónde venimos. Bardem entrega en El puente una película socialmente verdadera, que sin embargo se ha revelado con el paso de los años–y aquí el por suerte o por desgracia va por barrios- como políticamente ineficaz. Pese a su evidente oportunismo y a algunos fallos cinematográficos, una película de calidad que hace que nos conozcamos mejor a nosotros mismos.
1. Acabamos el mes con más presencia española en festivales internacionales, aunque sea en forma de coproducción. El 29 de agosto comenzó la famosa Bienal de Venecia, uno de los eventos cinematográficos más importantes del año. Para su edición nº75 el Festival italiano ha incluido 3 películas con alguna presencia española, todas coproducciones: el plato fuerte es, sin duda, Les Frères Sisters, la nueva película del director francés Jaques Audiard (Dheepan, De óxido y hueso, Un profeta) y protagonizada por Joaquin Phoenix. Es un proyecto francés, español, rumano y belga que entrará en la Competición Oficial. Se rodó en Aragón y cuenta con la producción de Fernando Victoria de Lecea, experimentado productor de películas como La caja 507 o La fría luz del día.
Fuera de competición encontramos Mi obra maestra, otra coproducción con Argentina dirigida por Gastón Duprat y que tiene a Raúl Arévalo como uno de sus protagonistas. Por último, y no menos importante, está La noche de 12 años, que añade a Uruguay a la anterior ecuación. Álvaro Brechner, tras Kaplan, presenta este drama basado en la historia de famosos presos políticos uruguayos como José Mujica con intérpretes de la talla del omnipresente Antonio de la Torre, Chino Darín o Silvia Pérez Cruz.
2. Queremos destacar la celebración, por tercer año consecutivo, del festival Directed By Women Spain. Todavía sin programación oficial, este certamen internacional de películas dirigidas por mujeres celebrará su versión española del 13 al 18 de septiembre en la Cineteca de Matadero en Madrid. Se podrán ver, con total seguridad, los trabajos de Carla Simón, Betha Gaztelumendi o Arantxa Echevarría. El festival pretende ofrecer un espacio visible para seguir avanzando en la igualdad en lo que se refiere a la producción cultural.
3. Acabamos con una mala noticia para todos los aficionados al cine en España: el programa de TVE Historia de nuestro cine, que se proyectaba a diario en La 2, pasará a ser un programa semanal a partir del mes de octubre. La nueva dirección del ente público ha tomado la decisión de cambiar la periodicidad de un programa que acumulaba aceptables datos de audiencia, superando la media de la cadena, y había ganado premios y recibido elogios por crítica y audiencia. Es cierto que fue siempre polémico que el archivo fílmico del programa fuese propiedad, casi en su totalidad, de los productores Enrique Cerezo y José Frade, pero eso no quita la enorme pérdida que esta decisión significa para el espectador, que ya no podrá sentarse delante de la tele a conocer parte de nuestro patrimonio cinematográfico.
Para acabar el resumen, os dejamos el último tráiler de la nueva película de Julio Medem que se estrenará en noviembre: El árbol de la sangre.
Los estrenos de esta semana (31 de agosto):
Yucatán. Una de las comedias españolas más esperadas del año. Con el importante apoyo de Telecinco detrás, Daniel Monzón (Celda 211, El niño) presenta su sexta película, una historia de enredos con un reparto de lujo.
Lucas (Luis Tosar) y Clayderman (Rodrigo de la Serna) son dos estafadores, profesionales del engaño a turistas ingenuos en cruceros de lujo. Hace años trabajaban juntos, pero la rivalidad por Verónica (Stephanie Cayo), la bellísima bailarina del barco, les hizo perder la cabeza y dio al traste con su sociedad. Ahora trabajan por separado. (FILMAFFINITY)
En las estrellas. Cine fantástico para completar los estrenos de la semana. Zoe Berriatua cuenta esta vez con la producción de Álex de la Iglesia en esta película que busca dar la sorpresa en taquilla.
Víctor es un director de cine al que le superan sus propias desgracias. Es alcohólico, está en paro y terriblemente deprimido, en gran parte a causa de la muerte de su mujer. Sin embargo, Víctor sigue siendo el mejor en una cosa: contarle historias fantásticas a su hijo de nueve años, Ingmar. (FILMAFFINITY)
Trabajar por encargo como Rodrigo Cortés en Blackwood no tiene, en principio, nada de malo. En Europa en general y en España en particular, hay una cierta tendencia a valorar a priori con cierta distancia y superioridad intelectual –sobre todo desde la crítica/cinefilia– el cine que no venga con un sello personal muy definido (la famosa dupla dirección + guion firmada por la misma persona). La tradición norteamericana del cine como oficio heredada del sistema de estudios no casa del todo bien con la huella autoral con la que muchas veces se identifica lo audiovisual a este lado del Atlántico. Diferentes industrias y sistemas de producción.
El caso de la carrera de Rodrigo Cortés es un buen ejemplo de que se pueden hacer las cosas mejor (Buried) o peor (Blackwood) sin que el proyecto sea totalmente tuyo. La clave del triunfo como creador está en cómo tratas el material con el que tienes que trabajar para que consiga los equilibrios necesarios: integrarlo dentro de tu manera de entender el cine y, al mismo tiempo, satisfacer las demandas de los que te han pedido ese producto.
Cortés consiguió en Buried concentrar distintos recursos que resolvían bien la mezcla de preciso artefacto estilístico y entretenimiento abierto al público. Recibió un molde muy especial, y consiguió un resultado que era capaz de enganchar al espectador proponiendo distintos retos, aunque fuese dentro de viejas fórmulas. Blackwood, en cambio, se recrea en las dinámicas del terror y lo fantástico sin el margen suficiente para desarrollar elementos que la hagan escapar de lo rutinario.
A nivel formal y de ejecución, pocos peros se le pueden poner a Cortés. Controla la historia de una adolescente (AnnaSophia Robb) que llega a un internado donde empiezan a suceder cosas extrañas; se sirve bien del espacio y alimenta las fases por las que pasa la narración sin precipitarse, tocando las teclas en el momento justo. Además, se hace notar discretamente en su uso de la imagen (la luz y la oscuridad), el ritmo (se agradece que el que haya metido la tijera haya sido él) y la dirección de las actrices (las jóvenes están bien y Uma Thurman se contiene lo suficiente pese al acento francés).
Pero donde sí hay que exigirle al salmantino, que, según él, ha tenido libertad para hacerse con el material, y donde no se eleva, es en algunos planteamientos cinematográficos que a él le interesaban: los retos de la adolescencia, la importancia de la familia, el papel del artista o el valor del talento. Ahí es donde podía salir de la mecánica y hacer brillar otros aspectos de la narración planteándolos a su manera. Sin embargo, todo se ve arrollado por las dinámicas internas de un guion que no deja el espacio suficiente para dejar respirar estas cuestiones, que están esbozadas y no tratadas, arrolladas por las fases de las convenciones del género en las que sí se recrea.
Rodrigo Cortés es, desde hace 20 años, una pieza valiosa dentro del ecosistema cinematográfico español. Tiene todas las cualidades necesarias para hacer grandes cosas: talento, ingenio, visibilidad y seguridad en su manera de hacer cine. Es por eso que, tras el ligero paso atrás que significó Luces rojas en sus pretensiones más personales, debe volver a confiar en su capacidad para ir un poco más allá de lo que un productor tiene en su cabeza. Huir de su racionalidad cinéfila y, si la industria lo permite, llevar sus ideas hacia contextos más propicios para su progreso.
1. La Academia del Cine Europeo (EFA) anunció ayer martes los largometrajes preseleccionados para optar a la nominación a los Premios del Cine Europeo de 2018. En la lista, que sirve como recomendación a los académicos que votaran las nominaciones definitivas durante las próximas semanas, hay 49 películas, procedentes de 35 países. 20 de ellas han entrado como elección directa de los países con mayor representación en la institución, mientras el resto han sido elegidas por un comité formado por la dirección de la Academia del Cine Europeo y varios expertos.
El cine español cuenta con tres películas preseleccionadas para los Premios de Cine Europeo: Handia, Carmen y Lola y Petra. La primera, dirigida por Jon Garaño y Aitor Arregi, ya se ha podido ver en España -se estrenó hace casi un año- y obtuvo grandes resultados de crítica y público, llevándose 10 Premios Goya. La película ha tenido una gran vida comercial, con presencia en numerosos festivales y estreno en Estados Unidos, y también es una de las preseleccionadas por la Academia española de Cine para los Premios Oscars. Carmen y Lola, de Arantxa Etxebarría, y Petra, de Jaime Rosales, todavía no se han podido ver en España, pero sí en el Festival de Cannes, dejando buenas sensaciones. Las dos forman parte de los estrenos españoles más esperados. Las nominaciones definitivas se sabrán el 10 de noviembre durante el Festival de Cine Europeo que se celebrará en Sevilla. La gala de entrega de premios, que también tendrá lugar en la ciudad hispalense, será el 15 de diciembre.
The European Film Academy unveils the 49 European titles of the #EFA2018 Feature Film Selection, the list of feature-length fiction films recommended for a nomination for the European Film Awards 2018. Full list: https://t.co/mqUKNrrE8l
Congratulations to all selected films! pic.twitter.com/VCHB3Ca2JC
2. Más allá de los Premios del Cine Europeo, la Filmoteca Española ya tiene nuevo director: Josetxo Cerdán. De esta manera la Filmoteca vuelve a tener dirección, que llevaba vacante desde junio, cuando Ana Gallego, la anterior directora, dejó la institución rumbo al Ministerio de Justicia. Cerdán es catedrático de la Universidad Carlos III de Madrid, y tiene una amplia trayectoria dedicada al sector audiovisual, ya sea en el campo académico (antes de la Carlos III pasó por la Universitat Autònoma de Barcelona y la Universitat Rovira i Virgili) o como director del Festival Internacional de Cine Documental de Navarra Punto de Vista, programador del Flaherty Seminar o colaborador del Festival Internacional de Cine de Locarno y el Anthology Film Archive de Nueva York. También es autor de numerosos estudios sobre el medio cinematográfico.
Su nombramiento, que se hará efectivo a partir de septiembre, ha sido acogido con alegría en las redes sociales, donde profesionales e instituciones del mundo del cine, compañeros de trabajo y alumnos han celebrado su elección. De hecho, Josetxo Cerdán ha sido trending topic en Twitter durante la mañana del miércoles y, a diferencia de lo que suele ocurrir en la red del pajarito, los comentarios eran inequívocamente positivos.
3. Tema IVA y entradas de cine. El pasado miércoles, El Confidencial publicaba un artículo en el que, basándose en datos del Instituto Nacional de Estadística, afirmaban que las salas de cine no habían bajado el precio de las entradas tras producirse la reducción del IVA del 21 al 10%. El consumidor seguiría pagando lo mismo, y al tener las salas que pagar un porcentaje menor en impuestos sus beneficios aumentarían hasta en más de 50 millones de euros anuales. Ayer martes, el Ministro de Cultura José Guirao se pronunció al respecto y amenazó con revisar la bajada del IVA si esta no repercutía sobre el precio final de las entradas. Desde la Federación de exhibidores (FECE) citaron datos de ComScore para defender que la bajada de precios de las entradas sí se había producido. A la fiesta de la guerra de cifras podemos sumar el informe que FACUA, organización dedicada a la defensa de los consumidores, ha publicado hoy, del que también se concluye que efectivamente la rebaja del IVA no se ha notado en los precios. Habrá que seguir atentos a la evolución de esta cuestión.
Estrenos de esta semana (24 de agosto):
Llega la adaptación audiovisual de la exitosa saga infantil escrita por Roberto Santiago. La película está dirigida por Miguel Ángel Lamata y cuenta en su reparto con Carmen Ruiz, Milene Mayer, Jorge Usón, Toni Acosta y Joaquín Reyes.
Comedia de aventuras protagonizada por una pandilla de niños y niñas que, por salvar a su equipo de fútbol, se meterán en todo tipo de problemas en los que su ingenio y su amistad serán puestos a prueba. El Soto Alto Fútbol Club es el nombre del equipo, y en él juegan entre otros Pakete, Camuñas, Angustias, Helena y Toni. Todos tienen una misión fundamental: ganar los dos próximos partidos para evitar que la asociación de madres y padres de alumnos cierren el club. Si bajan a segunda, se acabó el equipo.(FILMAFFINITY)
Hace ya 25 años, ante el inminente rodaje de Kika, Pedro Almodóvar escribíauna tribuna en El País sobre el proceso de preparación y creación de la que sería su décima película como director. Curiosamente, el hilo conductor del artículo de Almodóvar era el nombre del filme; “nunca había cambiado de título tantas veces”, escribe. Desde el revelador Una violación inoportuna, pasando por Lo peor del día, el autor llegó a Collage, que era la denominación que más le convencía por las mezclas de géneros que quería crear. Pero desde la productora, la francesa Ciby 2000, le comentaron que el título sonaba “banal en francés” y que, además, ya había sido utilizado en cine. Entonces, siempre aconsejado por su hermano Agustín y su equipo, decidió volver al primero, que era el nombre de su personaje principal y con la que todo había empezado: Kika.
Este artículo es revelador para entender cuál es el gran problema de esta obra; excesivamente criticada cuando se estrenó, por otra parte. Los vaivenes en el nombre demuestran –como el propio Almodóvar ha comentado– que Kika acabó siendo algo muy distinto a lo que el director había ideado en un principio. Lo que empezó como una comedia más del estilo de Mujeres al borde de un ataque de nervios (“Quería recuperar para mi vida y para mi cine el aliento fresco de la comedia”), terminó por convertirse en una mezcla híbrida de géneros que se expresaban a través de su elenco de personajes.
Aquí es donde se equivocó. No tanto por mezclar, que ya lo había hecho con acierto anteriormente en Átame o La ley del deseo, sino porque decidió hacerlo hasta tal extremo que acabó sin priorizar a la gran materia prima de la película, que era el personaje de Kika. El pretendido collage se quedó a medias; las diferentes piezas descompensadas no tienen ese elemento vehicular que las una y las convierta en algo uniforme.
Los personajes femeninos son, como es habitual en el cine del director manchego, los más interesantes. Kika es una peluquera y maquilladora vitalista, libre e inocente que busca encontrar su sitio en medio de una sociedad degradada, donde los medios de comunicación han convertido en normalidad el cinismo y la falta de ética que han invadido la vida de la gente en la ciudad. Verónica Forqué está perfecta creando ese divertido oasis de candidez y resistencia con el personaje. El reverso perfecto de Kika en este sentido es Andrea Caracortada, la presentadora sin escrúpulos de un programa de televisión de sucesos, interpretada por Victoria Abril. Y no hay que olvidar a Juana (Rossy de Palma), la sirvienta de Kika, que funciona muy bien como el foco de honestidad que no consigue evitar que se cuelen todos esos males de la sociedad que percibe Almodóvar a su alrededor.
A pesar de esta buena construcción de símbolos, impregnada por los fantásticos tonos y colores de la fotografía de Alfredo F. Mayo, Almodóvar va, paulatinamente, dejando fuera a Kika de la trama negra y policíaca que recorre la película. Todo lo que sucede en la historia de Ramón (Álex Casanovas) y Nicholas (interpretado por Peter Coyote, en un claro error de casting) es el gran conflicto dramático de la película, y, sin embargo, pasa por Kika de soslayo o de forma forzada. No llevar la acción a través de ella cuando se produce el desenlace provoca que el conjunto pierda la fuerza y el sentido final de Kika como personificación de la esperanza ante lo que nos toca vivir.
Se entiende que, después de una década en la creación de un universo y unas determinadas coordenadas, Almodóvar se lanzase en 1993 a probar cosas diferentes, más extremas y contrapuestas. Kika puede justificarse hoy como el primer paso de la madurez que vino después, como pequeño mal necesario, pero esa realidad no hace olvidar que fue una oportunidad perdida y desequilibrada, una apuesta valiente con grandes mimbres pero sin suficiente perspectiva, que la coloca en un lugar poco destacado dentro de la ya larga carrera del director.
1. La semana pasada especulábamos sobre las 3 posibles preseleccionadas para representar a España en los Óscar. Bueno, pues ya las tenemos aquí: Handia, Todos lo saben y Campeones fueron las elegidas ayer por la Academia de Cine española. La selección ha sido, en general, bien recibida, tanto por la calidad de las películas como en términos estratégicos internacionales, aunque algunos han echado de menos la presencia de La enfermedad del domingo, seguramente la cuarta en discordia, u otras como Las distancias o Carmen y Lola. En menos de un mes, el próximo 6 de septiembre, sabremos cuál es la selección definitiva de los académicos para intentar romper los 13 años de sequía de cara a la industria de Hollywood. Pronto habrá nueva conversación al respecto de los Óscar en Cine con Ñ.
2. El pasado sábado 11 acababa el Festival Internacional de Cine de Locarno, que nos ha dejado una noticia en clave española: Elena López Riera ha ganado el Premio Pardino D’oro al mejor cortometraje con Los que desean. Tras su mediometraje Pueblo (2014) y su más corto Las vísceras, López Riera consigue saltar a la escena internacional con esta coproducción suizo-española de 25 minutos sobre una carrera de pichones. La cineasta ya ha anunciado que está trabajando en el guion del que será su primer largometraje.
Imagen de Las vísceras
3. Cerramos la semana con la triste noticia del fallecimiento del constructor de decorados Ramón Moya. El histórico decorador y creador de los estudios de decorado Moya, trabajó durante 40 años en grandes producciones internacionales y nacionales: El laberinto del fauno, Indiana Jones, Gladiator, El imperio del sol, Los otros, El perro del hortelano o Los santos inocentes son algunas de las muchas películas a las que Moya ayudó a convertir en realidad o fantasía a través de sus creaciones.
Estrenos de esta semana (17 de agosto):
El pacto. David Victori se estrena en el largometraje con este thriller sobrenatural protagonizado por Belén Rueda.
Narra cómo ante la inesperada e inminente muerte de su única hija, Mónica deberá descender al mismísimo infierno para tratar de evitarlo. Con elementos sobrenaturales, este thriller, según su director, “tiene como punto de partida las ideas: ¿Qué no serías capaz de hacer por evitar la muerte de un ser querido? y ¿qué le pasa a quien trata de sortear el curso natural de la vida?”. (FILMAFFINITY)
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Todos lo saben. Por fin llega una de las películas más esperadas del año, que abrió el pasado Festival de Cannes. El galardonado Asghar Farhadi contó con un reparto de lujo –Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard Fernández, Bárbara Lennie, Inma Cuesta,…- para su primera película en España.
Los amores cobardes. Primer largometraje de Carmen Blanco, que pasó por el pasado Festival de Málaga y ganó la Mejor Dirección en el Festival de Alicante.
Marisa en los bosques. Tras una extensa carrera por festivales llega a las salas comerciales el debut cinematográfico en España del dramaturgo Antonio Morales protagonizado por Patricia Jordá.
Contigo no, bicho. Una comedia adolescente con un toque gamberro dirigida por Álvaro Alonso y Miguel A. Jiménez.
Penélope. Otra película que llega a las salas tras meses de ruta de festivales. La catalana Eva Vila dirige esta actualización del mito de La Odisea en lo que supone su primer largometraje de ficción tras dos documentales musicales (B-Side: La cara B de la música en Barcelona y Bajarí)
