La canción Quién te cantará de Mocedades es una descarada despedida, y su ingenuo videoclip también. Plano medio de una mujer en un puerto soleado. “¿Saludo?”, dice. El plano se va abriendo, la chica se despide con la mano y se descubre a los chicos setenteros del grupo saludándola de vuelta desde el barco que se va alejando en el mar. Luego cantan todos en el bote preguntándose sobre el amor que ya no está. No hay una metáfora ni una historia que descifrar en un montaje esquizofrénico; simple, blanco y directo.
Quién te cantará, película que tampoco tiene signos de interrogación en el título pero muchos en su desarrollo, es otra despedida continua de los personajes que aparecen en pantalla, y también empieza desde una orilla. Pero el que plantea el director Carlos Vermut desde su barco es un adiós cruel, que descubre una amargura que, por su planteamiento, ya solo puede ser suya. Pese a los bajones dramáticos, el responsable de Magical girl ha vuelto con una expresividad a la altura de la expectación que había creado.
La despedida en Quién te cantará es una renuncia, personificada principalmente en Violeta (Eva Llorach), su verdadera protagonista. Violeta es una mujer que se siente sola, con unas expectativas de vida frustradas por buscar un futuro para una hija (Natalia de Molina) que la desprecia. De repente, algo cambia en su vida. La propuesta de convertirse en el recordatorio de su amnésica cantante favorita, Lila Cassen (Najwa Nimri), la expone a ese ser artístico olvidado que está dentro de ella y del que había prescindido. Mientras, Lila ansía recuperar esa fuerza musical que ve en Violeta y de la que ella se ha tenido que desprender también.
Vermut coge las despedidas, los miedos y los deseos de estas dos mujeres y los va desplegando y mezclando. Y lo hace muy bien, especialmente teniendo en cuenta que los mundos de estos dos personajes parten de realidades muy diferentes. Todo se mantiene con el mismo sentido estético a partir de lo calculado que lo tiene todo el director, que, como buen historietista, busca siempre crear espacios simbólicos y narrativos que tienes que interpretar tú. Hay un equilibrio entre la puesta en escena, la composición de los planos y la complejidad de las ideas que quiere representar. Algo realmente difícil de conseguir.
Para llenar el misterioso juego de identidades que plantea, Vermut se ha servido de cuatro actrices de primer nivel. Las dos principales (Nimri y Llorach) cumplen de sobra con lo que se les pide, especialmente Llorach. La actriz, que se confirma como la constante en el cine del madrileño, aguanta gran parte del peso dramático con ese tremendo pesar y tensión que tiene en el rostro. Impresionante. Lo que baja ese tono más conflictivo y acorde con el mundo de Vermut son algunos momentos de las secundarias: la representante de Lila (Carme Elías) y la hija de Violeta (Natalia de Molina). Las dos se desenganchan en dos situaciones clave cuando tienen que darle la réplica a Violeta y Lila, como si estuviesen fuera de sitio.
Aun así, los méritos de Quién te cantará son tantos que dejan en muy poco sus pequeños huecos dramáticos. La capacidad para construir imágenes oscuras totalmente actuales con poses del ayer es desarmante ante cualquier crítica malévola a alguna de sus inconsistencias. Renuncias y simbiosis ante un mundo sin mucha esperanza para la creación. Así es como Carlos Vermut se confirma como uno de los autores más potentes que ha dado el cine español en los últimos 30 años.
Diversos medios de comunicación han recogido en los últimos días la sobresaturación de estrenos de cine español en cartelera que ha tenido lugar en los últimos meses, con la llegada a las salas al mismo tiempo de algunas de las cintas más esperadas del año. Nada menos que unas 50 películas españolas se han estrenado desde septiembre hasta mediados de noviembre. ¿Los motivos? Los compromisos de contrato para el lanzamiento en el año natural, el paso previo por festivales o la idoneidad de estas fechas para opositar a los Goya son algunos de los factores que se han apuntado. Si por un lado hay que celebrar la variedad y calidad de los últimos lanzamientos, los primeros datos apuntan a que estos solapamientos podrían estar afectando negativamente a las cifras de taquila.
“Lente divergente” de Antonio Pontí Ibars: este ha sido el cartel seleccionado como imagen del Festival de Cine de Málaga 2019, cita ineludible para la promoción de la cinematografía española. Cada otoño la organización de Festival pone en marcha lo que ya se ha convertido en una bonita tradición: el concurso público de carteles para escoger la imagen que ilustrará la kermesse del año siguiente. En esta ocasión, un total de 324 obras fueron se presentaron al concurso para la edición de 2019. La dinámica del concurso combina una primera fase de votación popular online con un segundo momento en el que un jurado especializado selecciona, entre 20 finalistas, al ganador. Como curiosidad, hace dos años, coincidiendo con en el 20 aniversario del certamen, la organización hizo una excepción y encargó directamente el diseño a un artista malagueño.
3. También se han hecho públicos estos días la fecha de estreno y el cartel de Memorias de un hombre en pijama que llegará a la cartelera el próximo 4 de enero, entre cabalgatas de Reyes. La película es una adaptación a partir de las tiras dominicales del historietista Paco Roca, cuya popularidad y reconocimiento se ha multiplicado en los últimos años con novelas gráficas como Los surcos del azar o La casa, este último elegido Mejor Cómic Nacional de 2015. La cinta, que mezcla animación e imágenes reales, está dirigida por Carlos Fernández de Vigo y protagonizada por Raúl Arévalo y María Castro.
Estrenos de esta semana (viernes 16 de noviembre):
El desentierro. Nacho Ruipérez debuta en el largometraje con este thriller ambientado en la zona del Levante.
La repentina aparición de una mujer albanesa en un pueblo de Levante provoca que Jordi, recién llegado de Argentina para asistir al entierro de un importante Conseller, decida investigar el pasado de su padre Pau, desaparecido hace 20 años y al que todo el mundo daba ya por muerto. Cuenta con la ayuda de su primo hermano Diego, hijo del político valenciano fallecido y ahora convertido en un escritor errante que vive retirado. Juntos emprenderán a contrarreloj la búsqueda de Pau. (FILMAFFINITY)
Mi obra maestra. Coproducción entre Argentina y España dirigida por Gastón Duprat (El ciudadano ilustre) y que cuenta en su reparto con Raúl Arévalo.
Arturo (Guillermo Francella) es un galerista encantador e inescrupuloso. Renzo (Luis Brandoni) es un pintor hosco y en decadencia. Si bien los une una vieja amistad, no coinciden en (casi) nada. El galerista intenta por todos los medios reflotar la carrera artística de su amigo, pero las cosas van de mal en peor. Hasta que una idea loca y extrema aparece como una posible solución. (FILMAFFINITY)
Alegría tristeza. Primera película española producida por la plataforma Rakuten, Ibon Cormenzana dirige este drama protagonizado por Roberto Álamo y Maggie Cevantos.
Marcos (Roberto Álamo), Sandra (Maggie Civantos) y su hija Lola (Claudia Placer) forman una familia vital y carismática. Marcos, bombero de profesión y acostumbrado a vivir situaciones límite, recibirá un duro golpe que hará que su vida de un giro inesperado. A partir de entonces, sufrirá un bloqueo que no le permitirá reconocer las emociones de los demás ni empatizar con ellos. Con la ayuda de los suyos, iniciará un tratamiento para superar este shock. En el camino para volver a sentir, su hija Lola será la clave para reconstruir de nuevo su universo. (FILMAFFINITY)
Ni distintos ni diferentes: Campeones. Documental sobre las vidas del fenómenos cinematográfico del año en España, Campeones.
Documental dirigido por Álvaro Longoria sobre las vidas de los actores protagonistas de la película de Javier Fesser “Campeones”. (FILMAFFINITY)
El silencio de otros. Documental que narra la lucha de las víctimas del franquismo contra la impunidad y el recorrido de la Querella Argentina, dirigido por Almudena Carracedo y Robert Bahar.
El Silencio de Otros revela la lucha silenciada de las víctimas del largo régimen de Francisco Franco, que continúan buscando justicia hasta nuestros días. Filmado a lo largo de seis años, la película sigue a las víctimas y los supervivientes del régimen a medida que organizan la denominada “Querella Argentina” y confrontan un “pacto del olvido” sobre los crímenes que padecieron. (FILMAFFINITY)
Oscuros y lucientes. Samuel Alarcón dirige este documental sobre la muerte de Goya y la extraña suerte que corrió su cadáver.
Oscuro y Lucientes es la historia de la muerte de Francisco de Goya y Lucientes. Fallecido durante su exilio francés en 1828, su cuerpo fue enterrado en el cementerio local de Burdeos. Nadie desde España, ni siquiera su familia, reclamó su cuerpo. Pasaron décadas hasta que el Cónsul español en Burdeos encontró por casualidad la tumba del artista convertida en ruina. Tras años de trámites, el cónsul acabó consiguiendo el permiso para exhumar el cadáver y poder trasladarlo a España de vuelta. Pero al abrir la lápida, la sorpresa de todos los presentes fue grande: la cabeza de Goya había desaparecido. (FILMAFFINITY)
El cine y la música siempre han ido de la mano. Son lenguajes que pueden ser, y en muchas ocasiones así ha sido, complementarios. Pero el cine no siempre ha entendido bien a la música, más allá de usarla como recurso en muchas ocasiones. Comprensible. Primero, porque muchas veces no ha sido el objetivo, sino un recurso más a utilizar. Y luego, y sonará un poco estúpido pero es verdad, porque es muy difícil. Es un lenguaje particular que requiere formación y tiempo para comprenderlo. Pero con El amor y la muerte no estamos ante uno de estos casos.
Arantxa Aguirre conoce y entiende a la perfección la vida y obra de quien está hablando, por lo que consigue componer una película que capta la personalidad y el trabajo de Enrique Granados, y de hacerlo de forma accesible. Ya demostró en su anterior largometraje, Dancing Beethoven, tener una sensibilidad especial para transmitir la música clásica y emocionar con ella.
La película comprende la dimensión personal del compositor, a la vez que aferra el espíritu de su música y su enraizamiento en la cultura española. El amor y la muerte. Historia de Enrique Granados es un filme que, “en sus mejores momentos, no habla sino que escucha” en palabras de la propia directora. Y confirmamos que, efectivamente, por momentos parece que el propio compositor nos estuviese hablando (y además la voz de Jordi Mollà le sienta estupendamente).
La directora acierta plenamente en el tono, intercalando testimonios de expertos -los musicólogos Jorge de Persia y Walter Aaron Clark y la musicóloga Mirian Perandones- con la narración de su vida y la interpretación de fragmentos de sus obras. Rosa Pardo, también productora del film, toca al piano piezas de Granados, en unas interpretaciones que cuentan también con músicos como el guitarrista Cañizares, el cantaor Arcángel y la cantaora Rocío Márquez, o el pianista ruso Eugeny Kissin. El uso de animaciones y fotos de archivo modificadas resulta muy importante para aportar dinamismo a la narración y hacer más accesible la historia de Granados a los espectadores, especialmente a quienes la época o la música clásica les queda más lejos.
El amor y la muerte. Historia de Enrique Granados es un documental biográfico realizado con el tacto y la sensibilidad necesarios para contar algo que no es para nada fácil de trasmitir, y de hacerlo de una manera accesible y amena. Los recursos visuales aportan dinamismo y cercanía, mientras que los testimonios e interpretaciones permiten comprender, dentro de los límites de cada persona, su música y trabajo. Arantxa Aguirre vuelve a demostrar su gran capacidad para narrar historias que acerquen al mundo actual personajes y piezas artísticas del pasado.
1. Empezamos con todos los detalles españoles de la 56 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón (FICX), que empieza el próximo 16 de noviembre y se alargará hasta el 23 de ese mismo mes. El certamen asturiano contará con la presencia de muchas realizadoras y realizadores españoles, y, de hecho, confirma su apuesta por el cine español dedicándole dos Premios en específico: mejor película española y mejor Guión español. Hay 13 películas que compiten por hacerse con estos dos galardones en el FICX. Entre ellas, destacan Zaniki, un documental de de Gabriel Velázquez, La felicidad de los perros, de David Fernández, la asturiana Cantares de una revolución, de Ramón Lluis Blande, o El zoo, de Gemma Blasco.
2. Seguimos con valoraciones críticas después del FICX: se ha publicado esta semana la lista de las 100 mejores películas de habla no inglesa de la historia, elaborada por la BBC. El cineasta español que más cintas ha colocado en la lista es el genio Luis Buñuel, que tiene seis menciones:Viridiana, Los olvidados, Belle de jour, El discreto encanto de la burguesía y El ángel exterminador. Por otro lado, encontramos en su puesto 27 a El espíritu de la colmena, una de las grandes obras de Víctor Erice. Pedro Almodóvar, uno de los cineastas nacionales mejor valorados en el extranjero, solo ha conseguido que se considere en este prestigioso listado a Todo sobre mi madre. La película El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro, también está dentro, en el puesto 22. 9 películas de autores o capital español.
3. Nos despedimos con otra despedida triste para la ficción nacional. El pasado viernes falleció en Madrid el mítico actor Álvaro de Luna, recordado por su papel en la serie de televisión Curro Jiménez. De Luna tuvo una extensa y exitosa carrera como intérprete, destacando en películas españolas destacadas en varias décadas como La cera virgen, Pesadilla para un rico o¿Y tú quién eres?. Los aficionados a la televisión le recordarán también por su trabajo en Águila Roja o El Misterio de Calenda.
Estrenos de esta semana (7 de noviembre):
Tu hijo. Miguel Ángel Vivas vuelve a la dirección con este thriller de venganza protagonizada por el veterano José Coronado.
La vida del doctor Jaime Jiménez se viene abajo cuando su hijo de 17 años queda en estado vegetativo debido a una brutal paliza que recibe a la salida de una discoteca. Tras ver que la justicia no hace nada por detener a los culpables, él mismo emprenderá un viaje a los infiernos en busca de venganza. (FILMAFFINITY)
Ana de día. Por fin llega a los cines la primera película de Andrea Jaurrieta, que presenta esta historia de dobles identidades que pretende consolidar a Ingrid García Jonnson como una de las intérpretes jóvenes más solidas del panorama nacional.
Ana es una joven formal, educada en una familia de clase media tradicional. Está a punto de terminar su doctorado en derecho, entrar a formar parte de una empresa y casarse, pero no se siente realizada. Un día, descubre que una doble idéntica a ella ha ocupado su lugar, llevando a cabo todas sus responsabilidades y obligaciones. Ana entonces se debate entre luchar por su identidad perdida o, por lo contrario, intentar buscar su propia identidad ajena a todo lo que suponía su vida «normal». (FILMAFFINITY)
El amor y la muerte. Historia de Enrique Granados. La prestigiosa documentalista Arantxa Aguirre vuelve a dirigir tras Dancing Beethoven (nominada a un Goya al mejor documental), presentando en esta ocasión la historia del mítico compositor Enrique Granados.
Recrea la historia apasionante y tormentosa del compositor Enrique Granados en la Barcelona de finales del siglo XIX y principios del XX, sus viajes a Madrid, París y Nueva York, la lucha por la vida y los primeros triunfos… El relato se entremezcla con nuevas versiones de sus obras maestras a cargo de intérpretes de la talla de Rosa Torres-Pardo, Evgeny Kissin, Cañizares, Arcángel, Rocío Márquez, Carlos Álvarez o Nancy Fabiola Herrera, entre otros. (FILMAFFINITY)
Comandante Arian, una historia de mujeres, guerra y libertad. Alba Sotorra nos acerca, de primerísima mano, las vivencias de las guerrilleras kurdas que luchan en Siria.
En esta historia sobre la emancipación y la libertad en pleno frente de la guerra de Siria, la comandante Arian guía hacia Kobane a un batallón de mujeres con la misión de liberar a la población que vive bajo el yugo del Daésh (ISIS). Arian, quien siendo muy joven había presenciado el salvaje trato que recibían las víctimas de la violencia sexual, hace todo lo posible para que sus compañeras descubran el verdadero sentido de su lucha: la libertad para la próxima generación de mujeres. (FILMAFFINITY)
I hate New York. Documental producido por JA Bayona, relata la experiencia de cuatro mujeres trans en Estados Unidos. Es el debut tras las cámaras de Gustavo Sánchez.
En Nueva York, con una cámara doméstica y sin guion, el director se adentra durante 10 años (2007-2017) en las vidas íntimas de cuatro mujeres artistas y activistas transgénero de la subcultura underground de la ciudad. Sus testimonios van desvelando poco a poco retazos de su pasado, sus vivencias y sus luchas por una identidad propia. (FILMAFFINITY)
El mayor regalo. El periodista español Juan Manuel Cotelo presenta esta película sobre experiencias humanas por todo el mundo relacioandas con el perdón.
Documental que habla del perdón a través de testimonios de quienes lo han dado y quienes lo han recibido. El objetivo es demostrar que el perdón puede con las situaciones más imperdonables: desde una pequeña rencilla hasta muertes violentas durante una guerra. (FILMAFFINITY)
Una madre y una hija se duermen juntas en un sofá, arropadas por el calor que viene de una mesa camilla, con una serie de fondo. Se quieren, se cuidan y se lo demuestran, pero también se nota que hay cosas que no se dicen. Hay una tristeza instalada en el salón, junto a un acuerdo tácito de no hablar de ello. Vemos cómo quieren salir adelante, aunque el camino no esté muy claro. Acabamos conociendo el porqué de su tristeza, pero no basta solo con esto. Tampoco el amor es suficiente para expulsar el dolor del salón familiar. Pero sí lo único que pueden hacer. Viaje al cuarto de una madre es una película sobre la pérdida y el vacío, pero también, y sobre todo, sobre el amor entre una madre y una hija, un tema que el cine no ha tratado tanto como se podría esperar.
Celia Rico Clavellino nos traslada a este hogar familiar en su película debut. Viaje al cuarto de una madre es desgarradora y real, auténtica como la vida misma, y hecha con un tacto y dominio de los recursos cinematográficos sorprendentes para tratarse de una ópera prima. La directora entiende a la perfección lo que tiene entre manos y juega con inteligencia sus cartas: una puesta en escena sobria que potencie a Lola Dueñas y Anna Castillo, las dos fantásticas actrices que dan vida a la madre y a la hija, respectivamente. Es su excelente trabajo lo que eleva el film, empuja el drama a sus cotas más altas y redondea una película que remueve pero a la vez reconforta. Sin abandonar nunca la contención, y utilizando más las miradas y los gestos que las palabras, Viaje al cuarto de una madre nos muestra cómo el amor consigue hacerse hueco incluso dentro de la tragedia.
Más allá del drama humano laten la crisis y la ausencia de oportunidades, de manera que la emigración se convierta, en un cierto punto, en la solución. El personaje de Anna Castillo tiene mucho que ver, por situación social, que no por la personal, con los que visitamos en Hermosa juventud. Una generación que ha visto sus sueños truncados por la crisis económica, aunque la película tire más por el aspecto personal. Viaje al cuarto de una madre, escrita y dirigida por una mujer y protagonizada también por dos mujeres, respira de forma natural en este 2018 en el que las mujeres han dejado algunas de las noticias más felices para el cine español.
Estamos ante una película honesta y personal que, partiendo desde un anclaje social, explora las emociones humanas, la pérdida, el vacío y, por encima de todo, el poder paliativo del amor. Viaje al cuarto de una madre es una poderosa carta de presentación para Celia Rico, que se alzó con el Premio de la Juventud en el Festival de San Sebastián y bien podría seguir presente cuando cambie el año y empiece la temporada de premios. Pero más allá de reconocimientos, hemos visto a una autora consciente de lo que quiere decir y de cómo hacerlo, lo cual siempre es buena noticia para un inicio de carrera. A Lola Dueñas y Anna Castillo ya las conocíamos y sabíamos de su talento, pero siempre es de agradecer una plataforma diseñada para explotarlo al máximo, y eso es lo que encontramos en Viaje al cuarto de una madre. En conclusión, una película ejecutada con decisión y buen gusto que remueve y emociona, y encierra algunas de las mejores tendencias de este año en el cine español, añadiendo una nueva voz a una cinematografía cada día más rica.
1. La taquilla española ha visto, sin ninguna duda, días mejores. Tras una gran vuelta al cole en septiembre, el cine español se ha estancado estas últimas semanas. En las últimas semanas, películas como Ola de crímenes, La sombra de la ley, o El reino, que en principio tendrían que haber atraído más público a las salas, tanto por su propia calidad como por contar con Telecinco Cinema, la primera, y Atresmedia, las dos últimas, detrás. La sombra de la ley no le ha reportado los mismo resultados a su director Dani de la Torre, que sorprendió con los buenos resultados de su primera película, El desconocido. La película sobre los años 20 (La sombra de la ley) era una de las grandes apuestas comerciales, pero tras un primer fin de semana prometedor (600.000 euros), se ha ido hundiendo.
Más previsibles podían ser los discretos resultados de Quién te cantará, Petra o Animales sin collar, películas cuyas características las hacían, a priori, malas apuestas para convertirse en taquillazos. La buena nota la pone El fotógrafo de Mauthausen, que logró recaudar 400.000 euros con una excelente media por copia al exhibirse solo en 115 salas.
Los cien millones de recaudación anuales, la barrera simbólica que indica el éxito o no del año para el cine español, peligran, algo que parecía imposible hace un par de meses. Pero confiamos en que se alcanzarán con los últimos estrenos del año antes de los Goya.
2. Finalizó la Seminci de Valladolid, por la que han pasado grandes películas durante los últimos días. La canadiense Genèse, de Philippe Lesage, fue finalmente la premiada como Mejor Película, en una edición en la que el cine español no tuvo una gran representación en los galardones finales.
Morir para cantar, el documental de Hernán Zin, se llevó el premio en la categoría Doc España (ahí la victoria de una española era segura, comprenderéis). También podemos destacar el Premio del Público para Mi obra maestra, una producción argentina con participación española dirigida por Gastón Duprat y que cuenta en su reparto con Raúl Arévalo.
3. Seguimos en Valladolid, y seguimos en el marco del festival. Allí se firmó el manifiestoEl cine español contra el cambio climático. Declaración verde del Festival de Cine de Valladolid, firmado por numerosos profesionales de distintos campos del sector audiovisual. El texto culmina dos días de encuentros y reflexiones, de los que también ha salido la iniciativa Sello Verde, un distintivo que acompañará a aquellas producciones que garanticen y premien el espíritu sostenible, una medida parecida a la que ya existe en Alemania.
Estrenos de esta semana (31 de octubre):
El árbol de la sangre. Tres años después de ma ma, Julio Médem vuelve al largometraje con esta esperada película protagonizada por Úrsula Corberó y Álvaro Cervantes.
Marc (Álvaro Cervantes) y Rebeca (Úrsula Corberó) son una joven pareja que viaja hasta un antiguo caserío vasco que perteneció a su familia. Allí escribirán la historia común de sus raíces familiares, creando así un gran árbol genealógico donde se cobijan relaciones de amor, desamor, sexo, locura, celos e infidelidades, y bajo el que también yace una historia repleta de secretos y tragedias. (FILMAFFINITY)
Sin fin. Javier Rey y María León protagonizan la ópera prima de César y José Estebán Alenda, que dejó una gran impresión en el Festival de Málaga, donde ganó el Premio a la Mejor Ópera Prima y Javier Rey el de Mejor Actor.
Javier viaja en el tiempo para reescribir su último día junto a María, el amor de su vida. Recuerda y revive con ella el momento en que se conocieron años atrás, para conseguir que María vuelva a ser la chica alegre y risueña de la que una vez se enamoró… y de la que se volverá a enamorar. (FILMAFFINITY)
El último fracaso. Antonio Aguilar Vicente dirige este drama ambientado en el mundo del cine.
Julio Medina decide convertirse en director de cine. Con sus ahorros y algo de dinero prestado, y después de haber leído un libro sobre dirección de cine, rueda su primer largometraje. Después tendrá que estrenar la película: algo que no le resultará nada fácil. La odisea por estrenar su ópera prima se convertirá en una auténtica pesadilla. (FILMAFFINITY)
El ángel. Película argentina que incluimos aquí al contar con participación de El Deseo, la productora de los Almodóvar. El film de Luis Ortega llega a España después de numerosos reconocimientos en festivales.
Carlitos es un joven de diecisiete años con fama de estrella de cine, rizos rubios y cara de bebé. Ya en su adolescencia manifestó su verdadera vocación: ser un ladrón. Cuando conoce a Ramón en su nueva escuela, Carlitos se siente inmediatamente atraído por él y quiere llamar su atención. Juntos se embarcarán en un viaje de descubrimientos, amor y crimen. Debido a su apariencia angelical, la prensa llama a Carlitos ‘El ángel de la muerte’. Llama la atención por su belleza, se convierte en una celebridad de la noche a la mañana. En total, se cree que cometió más de cuarenta robos y once homicidios. Hoy, después de más de cuarenta y cinco años en la cárcel, Carlos Robledo Puch es el preso que más tiempo lleva en prisión en la historia de Argentina. (FILMAFFINITY)
Antes de la recién estrenada Petra, Jaime Rosales había desarrollado una personal carrera en el cine en el que la cotidianidad y el realismo siempre han tenido un puesto clave. Después de triunfar en los Goya con La soledad, sus dos siguientes films, Tiro en la cabeza (2008) y Sueño y Silencio (2012) pasaron más desapercibidos. Con Hermosa juventud, que participó en la Sección Oficial del festival de Cannes y fue finalista en los premios LUX convocados por el Parlamento Europeo, Rosales fijó su mirada en la España de crisis y especialmente en cómo afecta a los jóvenes y su futuro.
El film se tira de cabeza en el presente, marcado por la crisis económica y el desempleo. Una joven pareja, sin estudios ni trabajo y provenientes de familias humildes, pasa sus días compartiendo momentos y viéndose con amigos. No encuentran trabajo más allá de alguna chapucilla suelta, y acaban decidiendo vender lo único que poseen: su propio cuerpo. La grabación de un film porno funciona como una metáfora de la prostitución en la sociedad actual. La situación no mejorará, si acaso se verá complicada por nuevos contratiempos, y finalmente ella acabará optando por emigrar a otro país en busca de un futuro mejor.
Gran parte de la culpa de que la película funcione la tiene el reparto, con una gran pareja protagonista (Ingrid Garcia-Johnson, nominada al Goya a la mejor actriz revelación, y Carlos Rodríguez), cuyas actuaciones tienen la frescura de quien se está interpretando a sí mismos. De hecho los actores elaboraron una parte de los diálogos; sin duda su buen hacer es uno de los puntos fuertes de la obra. También son buenas las actuaciones de los secundarios, tanto de los amigos como de los familiares de los protagonistas.
Rosales abandona los experimentos formales de La soledad para apostar por un realismo en el que la historia se cuenta por sí sola. Es la propia realidad de los personajes la que conduce al drama. Un drama, eso sí, siempre contenido, sin estridencias; el propio de quien acepta con resignación su circunstancia. La película combina inteligentemente los espacios cerrados y los abiertos (generalmente en encuentros con amigos, más alegres y desahogados) para subrayar momentos de tensión y liberación. También es interesante desde el punto de vista narrativo el uso que hace el director de las nuevas tecnologías; a través de imágenes de conversaciones en la pantalla del móvil se fragua una elipsis temporal que hace avanzar rápidamente la trama.
Hermosa juventud se acerca a un tema de dolorosa actualidad, el paro juvenil, y lo hace sin moralismos ni posturas preconcebidas. Deja hablar a los protagonistas, y estos mismos completan una radiografía de lo juventud española presente. Evidentemente, la película no agota todos los posibles discursos al respecto, pero tampoco lo pretende; no hay ambición de hacer un diagnóstico, sino de mostrar una historia.
Siempre hay que celebrar cuando el cine se mide con la actualidad, y más cuando lo hace desde una postura tranquila y que huye de los discursos absolutistas. Rosales pone la cámara, los actores ponen la voz, y la España de la crisis económica, el decorado. El resultado es un film valioso que por desgracia no recibió toda la atención y el reconocimiento que hubiera merecido, especialmente en su propio país, a pesar de la buena acogida internacional.
1. Nos vamos a Valladolid, a la Semana Internacional de Cine (SEMINCI). Ayer fue la gran noche del cine español: el festival entregó cuatro Espigas de Honor al cine español. A la directora Iciar Bollaín, al director Juan Antonio Bayona, al actor Eduard Fernández y al programa Días de Cine. El día anterior fue el director Antonio Giménez-Rico quien recogió su Espiga de Honor.
Y homenajes aparte, ha habido mucho cine español por las diferentes secciones. Tu hijo, de Miguel Ángel Vivas, fue la encargada de abrir el certamen y participa en la Sección Oficial. También en la Sección Oficial encontramos Jaulas, de Nicolás Pacheco, No me despertéis, de Sara Fantova, y la coproducción entre Argentina y España Mi obra maestra, dirigida por Gastón Duprat.
Además de en la sección Spanish Cinema, donde encontramos estrenos recientes como Las distancias, La enfermedad del domingo, Petra o Carmen y Lola, también cabe destacar la fuerte presencia documental. Títulos como El amor y la muerte. Historia de Enrique Granados, de Arantxa Aguirre, El proxeneta. Paso corto, mala leche, de Mabel Lozano o Quinqui Stars, de Juan Vicente Córdoba, estamos convencidos de que darán que hablar. En cualquier caso, recomendamos consultar la programación completa, especialmente si os queda a mano para pasaros.
2. Después de la SEMINCI nos vamos a Albacete, donde se está celebrando el Festival Abycine, que alcanza con esta su vigésima edición. Atrás queda el encuentro local de cortos, pero esta vez la ciudad manchega ofrece una programación potente entre lo mejor que está dando el fin del 2018 que empezó el día 18 y acabará el 28. El Festival se abrió con ni más ni menos que Tiempo después, la esperadísima nueva comedia de José Luis Cuerda, y se cerrará con Quién te cantará, una de las grandes protagonistas hace unas semanas en San Sebastián. La película de Carlos Vermut está despertando mucho entusiasmo allá por donde pasa, y en Albacete podrán contar con la presencia del director que presentará la película dos días después de su estreno en salas (26 de octubre).
También se está contando con otros filmes en cartelera como Animales sin collar de Jota Linares y Petra de Jaime Rosales. Por otro lado, destacan la presencia en la sección oficial de las interesantes -y sin estrenar- Apuntes para una película de atracos de León Siminiani y Teatro de guerra de Lola Arias. En la sección Abycine Presenta, llaman la atención Puta y amada de Marc Ferrer y Con el viento de Meritxell Colell.
Estrenos de esta semana (26 de octubre):
Quién te cantará. Uno de los estrenos más esperados del año. Carlos Vermut vuelve tras Magical Girl con una película que ya pasó por los festivales de Toronto y San Sebastián dejando muy buenas sensaciones.
Lila Cassen (Najwa Nimri) era la cantante española con más éxito de los noventa hasta que desapareció misteriosamente de un día para otro. Diez años después, Lila prepara su triunfal vuelta a los escenarios pero, poco antes de la esperada fecha, pierde la memoria al sufrir un accidente. Violeta (Eva Llorach) vive dominada por su conflictiva hija Marta (Natalia de Molina). Cada noche escapa de su realidad haciendo lo único que la hace feliz: imitar a Lila Cassen en el karaoke donde trabaja. Un día Violeta recibe una fascinante propuesta: enseñar a Lila Cassen a volver a ser Lila Cassen. (FILMAFFINITY)
El fotógrafo de Mauthausen. Marc Taragona dirige esta película sobre la vida de Francesc Boix, un prisionero español que fue clave para obtener documentos que probasen los crímenes nazis.
Con la ayuda de un grupo de prisioneros españoles que lideran la organización clandestina del campo de concentración de Mauthausen, Francesc Boix (Mario Casas), un preso que trabaja en el laboratorio fotográfico, arriesga su vida al planear la evasión de unos negativos que demostrarán al mundo las atrocidades cometidas por los nazis. Miles de imágenes que muestran desde dentro toda la crueldad de un sistema perverso. Las fotografías que Boix y sus compañeros lograron salvar fueron determinantes para condenar a altos cargos nazis en los juicios de Núremberg en 1946. Boix fue el único español que asistió como testigo. (FILMAFFINITY)
Un día más con vida. Coproducción europea dirigida por Raúl de la Fuente y Damian Nenow que adapta, en formato de animación, la famosa novela del periodista Ryszard Kapuściński.
Relato autobiográfico de Ryszard Kapuściński que narra los últimos días de Angola como colonia portuguesa en 1975, y las terribles consecuencias de esta descolonización: una guerra civil que asoló la región hasta hace muy poco. Coproducción polaco-española de animación para adultos. (FILMAFFINITY)
Bernarda. Emilio Ruiz Barrachina vuelve a adaptar a Lorca, trasladando la acción a una fábrica contemporánea convertida en burdel de lujo. Protagonizan Assumpta Serna, Miriam Díaz Aroca y Victoria Abril.
Cinco mujeres son secuestradas y encerradas en una extraña fábrica, obligadas a ejercer la prostitución. Bernarda (Assumpta Serna), que mantiene una extraña relación con su criada Poncia (Miriam Díaz Aroca), piensa que así las redime y las libra de los males del mundo. Bernarda representa la opresión y la tiranía, mientras que su hermana Maria Josefa (Victoria Abril) simboliza la libertad. (FILMAFFINITY)
Director Z, el vendedor de ilusiones. Oskar Tejedor dirige este documental sobre José María Zabalza, el cineasta de Irún que tuvo una interesante carrera en los 60 y 70.
Documental sobre José María Zabalza, cineasta irunés que durante la década de los sesenta y setenta trabajó con los artistas más importantes de la época.(FILMAFFINITY)
Jon Garaño y José María Goenaga se conocieron en la escuela de cine de Sarobe y decidieron, junto a otros compañeros, fundar la productora Moriarti, con la que sacaron adelante diferentes cortometrajes y documentales. En 2010 debutaron en el largometraje con 80 egunean (80 días en su traducción al castellano) y cuatro años después llegaba Loreak (Las flores), en la que participaron otros compañeros de viaje como Aitor Arregi, guionista, y Pascual Gaigne, Javi Aguirre e Iñaki Díez, responsables de música, fotografía y sonido respectivamente. Loreak tuvo una gran aceptación entre los críticos y en los circuitos de festivales, siendo seleccionada por la Academia para representar a España en los premios Óscar y estrenándose en Estados Unidos con muy buenos resultados, lanzando de esta manera la carrera de la productora.
La película empieza cuando Ane (Nagore Aranburu) empieza a recibir flores de un desconocido. Podría ser el punto de partida de una película de suspense, pero los directores, manteniendo el punto de misterio, lo llevan por la vía intimista y reflexiva. A partir del hecho inicial se empiezan a cruzar historias con las flores como punto de unión entre ellas. El guión construye una reflexión sobre problemas cotidianos como la incomunicación, la dificultad de las relaciones personales o familiares -a las que, como las flores, hay que regar regularmente y con atención-, la memoria o el olvido.
Loreak es un ejemplo de puro cine. Guión, planificación y montaje al servicio de contar una historia, donde las miradas y los silencios pueden decir más que las palabras y la acción. Es un ejercicio de depuración y minimalismo, desde la aparentemente pequeña trama hasta la austera, pero no por ello menos eficaz y bonita, puesta en escena, destacando una excelente fotografía. El film puede recordar por momentos al cine de Ozu, en el que los problemas internos de los personajes son plasmados con una maravillosa sencillez, sin ninguna grandilocuencia.
Las tres actrices principales, Itziar Ituño, Nagore Aranburu e Itziar Aizpuru, hacen un grandísimo trabajo. Ituño y Aranburu aportan una contención a sus personajes que encaja plenamente con el tono de la película y la clase de problemas que plantea el guión. Itziar Aizpuru, conocida por su participación en la longeva y exitosa serie vasca Goenkale, ofrece un magnífico contrapunto en el papel de Tere, una mujer mayor con un carácter resuelto y decidido.
Loreak es un ejemplo perfecto de la riqueza del cine español, de la enorme variedad que existe dentro de él. Desde el hecho de estar rodada en vasco a la delicada forma de tratar cuestiones cotidianas. Los personajes de la película no son héroes ni heroínas sino personas con vidas corrientes, que bien podrían ser los que están al otro lado de la pantalla. Esta característica es uno de los grandes aciertos de Loreak a la hora de emocionar, pero también representa una dificultad a la hora de resultar exitosa en taquilla. Por suerte su buena acogida entre críticos y académicos puso a Moriarti en el mapa y ahora es uno de los grupos de cineastas más seguidos en nuestro país.
1. Acabó el Festival de Sitges, con su correspondiente palmarés, como no podía ser de otra manera. Climax, de Gaspar Noé, fue elegida como Mejor Película es una edición en la que un film española destacó por encima del resto. Aunque producciones potentes como La sombra de la ley o Superlópez se dejaron caer por el certamen catalán, ha sido Desenterrando Sad Hillquien se ha llevado la gloria. El documental de Guillermo de Oliveira se ha alzado con el Premio a la Mejor Película en la Sección Noves Visions.
El tema del documental ganador de Sitges, como resumíamos la semana pasada, no podía ser más romántico: en 2015 un grupo de personas, de forma voluntaria, decidieron desenterrar y restaurar el cementerio Sad Hill, construido en Burgos para el rodaje de El bueno, el feo y el malo de Sergio Leone. Una verdadera perlita para cinéfilos, especialmente para aquellos que, como el equipo de Cine con Ñ, adoran el western.
2. Nos vamos a Francia, más concretamente a Toulouse, donde se ha celebrado entre el 5 y el 14 de octubre el Festival Cinespaña, un encuentro que va ya por su edición número 23. Carmen y Lola fue la gran ganadora, al hacerse con el Premio a Mejor Película, Premio del Público y a la mejor interpretación masculina para Moreno Borja. La enfermedad del domingo también se llevó un buen bote, al hacerse con el Premio al Mejor Guion y a la mejor interpretación femenina, galardón que compartieron Bárbara Lennie y Susi Sánchez. Sergi Portabella ganó el Premio a la Mejor Dirección por Jean-François i el sentit de la vida, película que también se llevó Premio a la Mejor Música. Pau Durà se hizo con la Mejor Dirección Novel por Formentera Lady, mientras que Andrea Jaurrieta se llevó una mención especial en la misma categoría por Ana de día. Lara Vilanova, por Trinta Lumes de Diana Toucedo, se hizo con el Premio a la Mejor Fotografía, Alberto García-Alix. La línea de sombra de Nicolás Combarro ganó el Premio a Mejor Documental y Lo que dirán de Nila Núñez Urgell se llevó una mención especial en la misma categoría documental.
3. Acabamos hablando de MoviePass, un servicio de tarifa plana para las salas de cine que llegará a España próximamente. MoviePass nació en Estados Unidos en 2011 y empezó en el verano de 2017 a ofertar una tarifa plana, que permitía ir al cine una vez al día por 9,95 dólares mensuales. Problemas con las exhibidoras hicieron problemática esta iniciativa, y la compañía se quedó sin fondos el pasado julio. En principio el problema se habría resuelto, y el CEO de la empresa, Mitch Lowe, aseguraba en una entrevista reciente en El País que el servicio llegará a España en 2019. Las características del mercado de exhibición español, más fragmentado que el americano, se ajustan mejor a lo que ofrece la compañía, según su director. Habrá que ver si finalmente acaba llegando a nuestro país y cómo funciona; en cualquier caso nunca están de más medidas para revitalizar la asistencia a las salas que, como parecen demostrar los datos de la última Fiesta del Cine, tiene bastante margen de mejora.
Estrenos de esta semana (19 de octubre):
Animales sin collar
El debut de Jota Linares en la dirección tiene a Natalia Molina y Daniel Grao como protagonistas de este thriller de la productora de Tarde para la ira.
En Andalucía, Abel (Daniel Grao) es un político entregado a la lucha por los más desfavorecidos que acaba de hacer historia. Por su parte su mujer, Nora (Natalia de Molina), es guardiana de un secreto que puede cambiarlo todo. La promesa de una nueva vida para ambos se ve truncada por la aparición de Víctor, un alto cargo caído en desgracia, y de dos antiguos amigos, Virginia (Natalia Mateo) y Félix (Borja Luna), amistades de una época que prefieren olvidar… (FILMAFFINITY)
Miau
Tras la loca Justi&Cía, Ignacio Erastegui vuelve con esta película sobre la vejez.
Cuatro jubilados trazan un plan para sentirse vivos: van a robarle al aburrimiento y a la vida. Telmo ocupa su tiempo escribiendo un ensayo sobre el origen de su chiste favorito cuando se reencuentra casualmente con dos amigos de juventud. Un tercero, Monreal, sale de la cárcel con la intención de revolucionar al grupo, proponiéndoles un rocambolesco plan y poniendo patas arriba su monótona rutina. Sin nada que perder, el variopinto grupo se verá inmerso en el robo a un museo… Adaptación de la novela «Hilo musical para una piscifactoría», de Juan Luis Saldaña. (FILMAFFINITY)
Petra. Una de las películas más esperadas de la semana. El ganador del Goya Jaime Rosales presenta este drama protagonizado por Bárbara Lennie.
Petra no sabe quién es su padre, se lo han ocultado a lo largo de su vida. Tras la muerte de su madre inicia una búsqueda que le conduce a Jaume, un célebre artista plástico poderoso y despiadado. En su camino por conocer la verdad, Petra también entra en contacto con Lucas, hijo de Jaume, y Marisa, esposa de Jaume y madre de Lucas. A partir de ese momento, la historia de estos personajes se va entretejiendo en una espiral de maldad, secretos familiares y violencia que los lleva a todos al límite. El destino dará un giro a su lógica cruel abriendo un camino para la esperanza y la redención. (FILMAFFINITY)
Desenterrando Sad Hill. El documental que ha triunfado en Sitges. Participan Clint Eastwood, Álex de la Iglesia o Ennio Morricone. Para no perdersela.
Largometraje documental sobre la reconstrucción del cementerio construido en España hace 50 años para la secuencia final de la película «El bueno, el feo y el malo». (FILMAFFINITY)
Barbacana, la huella del lobo. Segundo film de Arturo Menor, estamos ante un documental que muestra la convivencia entre los lobos y el medio rural.
Documental que aborda el conflicto entre ganaderos y lobos. El film nos transporta desde Sierra Morena a las cumbres de la cordillera cantábrica. Allí se inicia el seguimiento de una manada de lobos, narrando su día a día. Las localizaciones donde transcurre la historia se sitúan en diferentes espacios naturales de Castilla y León y Andalucía. En concreto, en el Parque Natural Babia y Luna, en el Parque Regional Picos de Europa, en el Parque Natural de Fuentes Carrionas y Fuente Cobre Montaña Palentina, en el Parque Natural Sierra Norte de Sevilla y en el Parque Natural Sierra de Cardeña. (FILMAFFINITY)
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