Había ganas de ver Ola de crímenes. Un reparto de mucho calibre a las órdenes de Gracia Querejeta en una comedia negra. Suena bien. Y sin duda proporciona una ración suficiente de risas y entretenimiento. Pero había mimbres para algo más. Al final estamos ante una película que no consigue nunca ir más allá del carisma y el buen hacer de sus intérpretes, lo cual no es necesariamente malo, pero sí, para entendernos, poquita cosa.
El punto de partida (Maribel Verdú se encuentra en el medio de una serie de sucesos y tendrá que ir improvisando para evitar salir mal parada del asunto) tenía varios temas que podían haber sido explotados. La situación de la mujer, la corrupción, especialmente relacionada con las grandes constructoras, y una precariedad de fondo que hace a los personajes buscar formas de prosperar en la vida fuera de la legalidad, la moralidad, o ambas. Pero el guion no los desarrolla. Estos temas ejercen de paisaje (como mucho), de manera similar a lo que comentábamos hace una semana en la introducción a nuestra crítica de El reino. Un mayor desarrollo de estas cuestiones no habría hecho automáticamente a Ola de crímenes una mejor película, signifique esto lo que signifique, pero sí que habría aportado más capas y riqueza al conjunto del film, que termina siendo tan fácil de consumir como de olvidar.
Esta incapacidad de la película de ofrecer algo más hace que con el paso de los minutos vaya perdiendo fuelle, culminando en un final sin chispa que por otra parte era el necesario –y el anticipado- dada la estructura narrativa elegida. A los personajes se les van viendo las costuras según avanza el metraje, por eso al final dejan mejor sabor de boca las tres o cuatro escenas de Raúl Arévalo o Nora Navas que el trabajo de Juana Acosta y Paula Echeverría, que tienen más protagonismo y lo hacen bien, pero tienen unos personajes tan planos que te dejan de importar a mitad de la película.
Lo más interesante seguramente sea el cambio de roles hombre mujer que se ve en algunos momentos del film. No son los hombres quienes llenan los oídos de las mujeres con palabras bonitas para usarlas en su beneficio, sino al contrario. Tampoco hay una gran reflexión al respecto, pero ya la propia representación normalizada de algo así tiene su puntito transgresor y diferente. Seguramente el único de una película que tiene grandes dificultades para conseguir ser algo más que la suma de sus partes, cosa que de hecho no consigue.
En definitiva, había ingredientes para algo más, a pesar del innegable buen rato que hace pasar. Ya sabemos de sobra que actores y actrices de la talla de Maribel Verdú, Juana Acosta, Paula Echevarría, Antonio Resines, Javier Cámara o Raul Arévalo son capaces de llenar la pantalla y de resultar muy efectivos en la comedia (de Miguel Bernardeau igual no, por una cuestión de edad, pero es sin duda un grato descubrimiento, casi incluso lo mejor de la película). Pero, nuevamente, Ola de crímenes no consigue ir más allá. Sin duda a Gracia Querejeta le sientan mucho mejor sus propios proyectos.
Finalizó el Festival de San Sebastián y lo hizo por todo lo alto para el cine español. Isaki Lacuesta ganó la Concha de Oro a la mejor película por Entre dos aguas, sumando de esta manera su segundo premio en el certamen donostiarra tras el de 2011 por Los pasos dobles. El director catalán se une al selecto club de los dobles ganadores de la Concha de Oro, en el que ya estaban Francis Ford Coppola, Arturo Ripstein, Bahman Ghobadi, Manuel Gutiérrez Aragón e Imanol Uribe. El presidente del jurado, el director americano Alexander Payne destacó el carácter unánime de la decisión sobre Entre dos aguas así como la “compasiva mirada social” de la película.
Pero el cine español, protagonista durante todo el evento, tuvo más galardones además del de para Entre dos aguas. Yuli, de Icíar Bollaín, se llevó el Premio al Mejor Guion, escrito por Paul Laverty. Viaje al cuarto de una madre, el debut en la dirección de Celia León, se llevó el Premio de la Juventud y una mención especial en la sección Nuevos Directores, mientras que la película de animación Un día más con vida, de Raul de la Fuente y Damián Nenow, se hizo con el Premio del Público. Oreina (Ciervo) se alzó con el Premio Irízar del Cine Vasco, Elena López Riera consiguió una mención especial en la categoría Premio Zabaltegi Tabakalera por Los que desean –ya premiado en el Festival de Locarno- y Quién te cantará, el regreso de Carlos Vermut en San Sebastián tras triunfar con Magical Girl en 2014, fue reconocida por el Premio Feroz Zinemaldia.
Acaba San Sebastián con el triunfo de Entre dos aguas y empieza Sitges, otro festival potente en España. Es poco habitual, pero no hay ninguna representación española en la sección oficial. Destaca, fuera de competición, Superlópez, la comedia de Javier Ruiz Caldera. Promete ir muy bien en taquilla con Dani Rovira como protagonista y Diego San José y Borja Cobeaga encargándose del guión. La mezcla que triunfó en Ocho apellidos vascos. Se espera con ganas a ‘La sombra de la ley’, de Dani de la Torre, una película de gánsteres en la Barcelona de los años 20. El director gallego espera seguir soprendiendo en La Sección Órbita con una película de aventuras tras el buen resultado de su ópera prima, El desconocido.
Si estás por Sitges, tampoco me perdería en la misma sección 70 binladens, el thriller que ha preparado Koldo Serra. Con cine fantástico, la especialidad de Sitges, espera sorprender Carlos Martín Ferrera y su El año de la plaga, adaptación de una novela de Marc Pastor. Además, buscan su hueco en CataluñaDesenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira, El pionero, el cine parapsicológico de Sebastià D’Arbó, de Luis Esquinas Chanes, Sthattered fragments, Ánimas, de Laura Alvea y José Ortuño, The invocation of Enver Simaku, de Marco Lledó Escartín (ambas en Noves Visions) y Animales de cristal, de Guillermo Enrique Osorto.
Aunque ninguno es Entre dos aguas, hay muchos estrenos esta semana (5 de octubre):
Ola de crímenes. Gracia Querejeta dirige esta comedia negra que cuenta con un reparto plagado de caras conocidas.
El hijo adolescente de Leyre (Maribel Verdú), un ama de casa acomodadamente divorciada, mata a su padre en un arrebato. Ella decide hacer lo imposible por ocultarlo, desatando a su pesar una caótica ola de crímenes en la ciudad de Bilbao. Mientras, la nueva esposa del difunto (Paula Echevarría) y su implacable abogada (Juana Acosta) tratan de ocultar la jugosa trama de corrupción en la que se movían. Pero no habían contado con la perseverancia de la pareja de inspectores de la Ertzaintza (Antonio Resines y Raúl Peña) encargados del caso… (FILMAFFINITY)
Viaje al cuarto de una madre. Tras un exitoso paso por el Festival de San Sebastián, donde ganó el Premio de la Juventud y recibió una mención especial en la sección de Nuevos Directores, llega a las pantallas el debut en la dirección de Celia Rico.
Leonor (Anna Castillo) quiere marcharse de casa, pero no se atreve a decírselo a su madre. Estrella (Lola Dueñas) no quiere que se vaya, pero tampoco es capaz de retenerla a su lado. Madre e hija tendrán que afrontar esa nueva etapa de la vida en la que su mundo en común se tambalea. (FILMAFFINITY)
Black is Beltza. Fermin Muguruza lleva a la gran pantalla esta adaptación de su propia novela gráfica de 2014.
Octubre de 1965. La comparsa de gigantes de Pamplona, imagen típica de las fiestas de San Fermín, es invitada a desfilar en la Quinta Avenida de Nueva York. Pero no todos podrán salir: debido a la discriminación racial, las autoridades norteamericanas prohiben la participación de los dos gigantes negros. A partir de este hecho real, «Black is Beltza» narra la historia de Manex, el mozo encargado de portar a uno de los gigantes. Abocado a un largo e inesperado viaje, Manex será testigo de acontecimientos claves de la historia: los disturbios raciales derivados del asesinato de Malcolm X, las excentricidades de los personajes de The Factory, la alianza entre los servicios secretos cubanos y los Black Panthers, y la psicodelia proto-hippie de los primeros festivales de música. (FILMAFFINITY)
Ánimas. Thriller psicológico dirigido por Laura Alvea y José Ortuño adaptando la novela homónima de este último.
Álex es una chica segura de sí misma, con una fuerte personalidad y gran tenacidad. Está muy unida a su mejor amigo Abraham, a quien brinda constante ayuda y apoyo, ya que Abraham es un chico tímido, retraído e inseguro, principalmente debido a la compleja relación con sus padres. Pero todo cambia cuando Daniel, el padre de Abraham, muere en un extraño accidente, cuya causa no está clara. A partir de este momento, Álex caerá en un viaje alucinatorio que la llevará a un descenso al infierno, donde la línea entre la realidad y la pesadilla se volverá borrosa hasta el punto en el que Álex comenzará a cuestionar los fundamentos de su propia existencia. (FILMAFFINITY)
Mudar la piel. Ana Schultz y Cristóbal Fernández dirigen este documental con elementos de thriller que trata la relación entre un mediador en el conflicto vasco –el propio padre de la directora- y un espía.
Juan es un mediador que trató de alcanzar la paz entre ETA y el gobierno español. Roberto es un espía de los servicios secretos que se infiltró en su vida durante años. Mudar la piel es la historia de Juan, el padre de la directora, y Roberto, el hombre que le espió. Ambos cultivan una insólita amistad a pesar de la traición. Mudar la piel también es la crónica de la relación de los cineastas con el espía y su dificultad para atrapar su escurridiza identidad. (FILMAFFINITY)
Sotobosque. Un inmigrante africano llegado a tierras catalanas protagoniza la nueva película de David Gutiérrez Camps.
Musa vive en un pueblo de la Cataluña interior, recogiendo piñas para luego venderlas o conversando con sus compañeros. Pide trabajo en las casas de los lugareños, pero nunca lo obtiene. Intenta integrarse, pero solo consigue alguna que otra sonrisa condescendiente.
Querido Fotogramas. Sergio Oksman dirige este homenaje a la mítica revista de cine en una documental que cuenta con la presencia de numerosas personalidades del cine español.
La película toma como punto de partida el 70 aniversario de la icónica revista de cine Fotogramas, la más antigua de nuestro país, cuyo hilo conductor son las cartas que los lectores enviaban al consultorio de Mr. Belvedere. A través de la lectura de las cartas más representativas recibidas en la redacción a lo largo de estas siete décadas, se homenajea al cine, a los lectores y al periodismo. (FILMAFFINITY)
Barbacana, la huella del lobo. Segundo film de Arturo Menor, estamos ante un documental que muestra la convivencia entre los lobos y el medio rural.
Documental que aborda el conflicto entre ganaderos y lobos. El film nos transporta desde Sierra Morena a las cumbres de la cordillera cantábrica. Allí se inicia el seguimiento de una manada de lobos, narrando su día a día. Las localizaciones donde transcurre la historia se sitúan en diferentes espacios naturales de Castilla y León y Andalucía. En concreto, en el Parque Natural Babia y Luna, en el Parque Regional Picos de Europa, en el Parque Natural de Fuentes Carrionas y Fuente Cobre Montaña Palentina, en el Parque Natural Sierra Norte de Sevilla y en el Parque Natural Sierra de Cardeña. (FILMAFFINITY)
Hace tiempo que la corrupción se convirtió en el pan nuestro de cada día. Durante los últimos años ha sido habitual levantarse con una nueva trama; tanto es así, que incluso hemos llegado a normalizarlo. La indignación del principio se ha visto sustituida por la resignación, como si ya diéramos por hecho que no hay nadie limpio y es solo cuestión de tiempo que aparezcan nuevos nombres. Sin embargo, el cine no se ha hecho eco de forma tan masiva. La corrupción forma parte del paisaje de muchas películas en los últimos años, pero ya es más difícil encontrar films donde sea el tema principal. El hombre de Las mil caras, ambientada en el caso Roldán en los 80 y 90, o B o El Rey, surgidas como producciones muy pequeñas y en los márgenes de la industria, son algunos de los pocos ejemplos. Rodrigo Sorogoyen ha puesto fin a esto: si en su anterior peli, Que Dios nos perdone, se podría decir que la corrupción forma parte del paisaje, en El reino es la protagonista.
La película sigue las andanzas de un vicesecretario autonómico interpretado por Antonio de la Torre. Subido al tren de una música electrónica machacona, de la Torre, que no abandona la pantalla en ningún momento, se va tomando cortados y whiskeys de dobles dígitos de antigüedad con todo el mundo, asegurándose de que nadie se vaya de la lengua. Cuando la trama salta a los medios, su ruta se convierte en un esquizofrénico juego de traiciones y alianzas interesadas. Gracias a la magia del cine, llegamos a empatizar con el personaje mucho más de lo que seguramente deberíamos, o de lo que nos gustaría admitir.
Una pieza más del engranaje; tirar de la manta, morir matando, si caigo yo caéis vosotros también. Sorogoyen e Isabel Peña construyen un guion que capta a la perfección las dinámicas de la corrupción, su carácter estructural, las frágiles relaciones personales sobre las que se construye y el ambiente masculinizado y mayoritariamente masculino en el que se desarrolla. Solamente el Rey –el de España- se va de rositas; eléctricas, constructoras y medios de comunicación, además de, evidentemente, los propios partidos, se llevan lo suyo.
Hay algo inquietante en que Atresmedia Cine, que en principio debería verse señalada, como uno de los dos grandes grupos mediáticos de este país, haya participado en levantar un proyecto así. ¿Se puede ser juez y parte? ¿En esto ha quedado la reacción a la corrupción, en ver quién produce el mejor espectáculo? ¿Hay tanta resignación, y para otra gente seguridad, que ya todo vale? El reino deja mal cuerpo y arroja preguntas incómodas, que van mucho más allá del ámbito cinematográfico; sería gracioso, si no fuera triste, pensar en qué se habrán tenido que dejar fuera de sus textos las compañeras y compañeros de los grandes medios de comunicación. “El poder protege al poder”, nos dice Bárbara Pastor, perdón, Lennie, durante la película.
Ciñéndonos al cine, El reino es un nuevo triunfo para Rodrigo Sorogoyen. Su dirección imprime un ritmo frenético, que sin embargo es perfectamente capaz de encontrar momentos de pausa relajando el montaje y dejando el protagonismo a la oscuridad y los planos cortos. Antonio de la Torre está enorme liderando un reparto de lujo, en el que nos gustaría destacar a Luís Zahera, que consigue adueñarse de la pantalla independientemente de quien haya al lado. Esperen ver El reino en todas las quinielas para la temporada de premios. No tengan dudas de que disfrutarán de una gran experiencia cinematográfica. Pero, aunque nos encantaría equivocarnos, no podemos ser optimistas respecto a su capacidad transformadora.
1. Empezamos por el Festival de San Sebastián, que empezó el pasado viernes y copa gran parte de la actualidad sobre cine español esta semana. Películas como El reino, Quién te cantará o Yuli ya han pasado por el certamen, causando una, en líneas generales, grata impresión entre los asistentes, al igual que Tiempo después, que se ha proyectado fuera de competición. Especialmente El reino ha sido muy alabada en redes sociales y las reseñas publicadas por parte de la prensa especializada están siendo positivas sobre este retrato de la corrupción española.
En el apartado de premios, han sido celebradas las trayectorias profesionales de 3 grandes figuras internacionales: Danny DeVito, Judi Dench y Hirokazu Kore-eda recibieron el Premio Donostia. Su importante aportación a la historia del cine ha convencido a los organizadores, que han decidido darles un reconocimiento a la prestigiosa actriz británica (Una habitación con vistas, Shakespeare in love o la saga de James Bond), al multifacético norteaméricano (Taxi, Hoffa o Erin Brockovich) y al director japonés (Nadie sabe, De tal padre, tal hijo o Nuestra hermana pequeña). Al certamen todavía le quedan por proyectar las últimas obras de pesos pesados como Isaki Lacuesta (Entre dos aguas) o Enrique Urbizu (la serie Gigantes).
2. Y seguimos en San Sebastián. El pasado domingo el certamen donostiarra firmó la Carta por la Paridad y la Inclusión de las Mujeres en el Cine, uniéndose de esta manera a los Festivales de Cannes, Venecia y Locarno.
Todo se hizo con una fuerte presencia institucional, con la vicepresidenta del gobierno, Carmen Calvo, el ministro de Cultura, José Guirao, el director de Zinemaldia, José Luis Rebordinos, el alcalde de San Sebastián, Eneko Goia, y la presidente y vicepresidente de CIMA Cristina Andreu y Virginia Yagüe. Esta última organización puso de manifiesto la necesidad del pacto presentando un informe desalentador sobre la presencia y representación de las mujeres en la industria del cine española. Las mujeres son el 24% del total de profesionales del sector y solo un 12% de los directores son mujeres.
3. Acabamos el repaso con los resultados de taquilla. Todos lo saben se coloca en el top 3 de la semana, con 500.000 euros y acumulando 1,6 millones desde su estreno. En 5º lugar de la lista se mantiene Yucatán, que consigue 0,3 millones en los últimos siete días y obtiene un meritorio 4,3 en el total de las tres semanas y media que lleva en cartelera. Cerrando las diez más vistas todavía asoma Los futbolísimos, que se queda con un 3,1 millones desde su estreno hace un mes. Buenos datos para el cine español, donde Carmen y Lola, aun teniendo una distribución por copia modesta, sigue obteniendo números más que notables.
Estrenos de esta semana (28 de septiembre):
El reino. Una de las grandes esperadas del año, que ya ha dejado grandes sensaciones en San Sebastián. Sorogoyen se sumerge en la corrupción política en un thriller que seguramente sea protagonista en la temporada de premios.
Manuel (Antonio de la Torre), un influyente vicesecretario autonómico que lo tiene todo a favor para dar el salto a la política nacional, observa cómo su perfecta vida se desmorona a partir de unas filtraciones que le implican en una trama de corrupción junto a Paco, uno de sus mejores amigos. Mientras los medios de comunicación empiezan a hacerse eco de las dimensiones del escándalo, el partido cierra filas y únicamente Paco sale indemne. Manuel es expulsado del reino, señalado por la opinión pública y traicionado por los que, hasta hace unas horas, eran sus amigos. Aunque el partido pretende que él cargue con toda la responsabilidad, Manuel no se resigna a caer solo. Con el único apoyo de su mujer y de su hija, y atrapado en una espiral de supervivencia, Manuel se verá obligado a luchar contra una maquinaria de corrupción que lleva años engrasada, y contra un sistema de partidos en el que los reyes caen, pero los reinos continúan. (FILMAFFINITY)
Oreina (Ciervo). Koldo Almandoz dirige este drama ambientado en la periferia de una ciudad vasca.
Khalil es un joven desarraigado que vive en la periferia de la ciudad, allí donde los polígonos industriales confluyen con el río y la marisma. Khalil se busca la vida como puede y pasa los días junto a un viejo furtivo, que comparte una casa en la orilla del río con un hermano con el que no se habla desde hace años. En las orillas de la marisma, las mareas marcan el tiempo del amor y el desamor, de la amistad y la venganza. (FILMAFFINITY)
Qué difícil es hacer una buena película. Los amores cobardes es un ejemplo perfecto de que se tienen que hacer muchas cosas bien, y al mismo tiempo, para que salga algo que realmente valga la pena de un largometraje. La primera obra de Carmen Blanco tiene, analizados por separado, suficientes razones como para que el conjunto salga bien parado: ideas interesantes, un personaje principal con algo que transmitir, una estética cálida y con sentido… pero al final se queda fuera del espacio emocional que insiste en crear.
Estamos hablando de una película muy pequeña, sacada adelante con el ímpetu de una productora formada por 3 personas y un crowdfunding. Blanco y sus dos compañeros en Abismofilms, Jacobo Herrero y Javier Gómez, cargaron con muchísimo del trabajo que significaba hacer Los amores cobardes. Eso obligaba a restricciones de producción evidentes. Obligaba a servirse de una historia modesta y ser capaz de dar el salto de calidad audiovisual sin contar con la solidez que da tener un equipo más amplio y con más recursos. Y, pese a las buenas intenciones, no lo han conseguido.
Hay que entender qué película estás viendo sin ser paternalista. Es cierto que un filme independiente como este va a tener problemas que se pueden comprender, pero no hay que obviar que no consigue lo que se propone. Los amores cobardes cuenta la vuelta de Eva (Blanca Parés), una joven que vuelve a casa durante sus vacaciones de verano, tras varios años de su marcha. En una Málaga llena de luz, tiene que lidiar con su familia, su trabajo y sus relaciones personales del pasado.
Hay un buen personaje, sensible y bien interpretado por Parés, pero que no vive situaciones naturales, que es lo que pide una construcción cinematográfica sencilla de este tipo. El guion lleva siempre hacia situaciones importantes, decisivas, con conversaciones de lo más profundas. Esto hace que, excepto en su tramo final, todo se aplane y ninguna escena sea realmente relevante. El mundo interior de Eva se queda sin la interacción que necesita con el mundo exterior, impostado y forzado. No hace falta ser cotidiano para resultar auténtico.
Este problema de naturalidad impregna muchas escenas, pero se puede condensar en el segundo personaje más relevante de la película: Rubén (Ignacio Montes). Aunque sus diálogos son complicados, Montes patina en darle consistencia a la necesaria réplica que hay que darle a Eva. Su gestualidad es exagerada en varias secuencias y no da con el tono adecuado para que Rubén tenga tres dimensiones.
Amistad, amor, familia, decisiones, sueños, ilusiones, decepciones… Carmen Blanco mira hacia temas universales con dedicación. Es una lástima que falte el paso de darle verdad y humanidad, algo que tanto necesita una propuesta como Los amores cobardes. Viendo películas así te das cuenta de todo el enorme trabajo que hay detrás de una buena. Las capacidades para llegar a ese punto de exigencia y calidad están ahí, esperemos que en la próxima oportunidad, que esperemos que tenga, pueda demostrar lo que aquí solo se intuye.
La expectación era grande y ya podemos confirmar lo, por otra parte, previsible. La aventura española de Asghar Farhadi ha sido un éxito. Todos lo saben es una gran película, y el hecho de que uno de los directores más interesantes del momento haya decidido rodar una película en España habla del gran potencial cinematográfico que tenemos. Es una reflexión parecida a la que hicimos en su momento con Jurassic World, pese a ser producciones evidentemente muy distintas. En Todos lo saben, España no solo pone el escenario y a un reparto plagado de all stars, sino también gran parte de los equipos técnicos y de producción, con la notable excepción del montaje, donde Farhadi ha mantenido a su colaboradora habitual, Hayedeh Safiyari.
El iraní no necesita de grandes escenarios para diseccionar la condición humana. Una mudanza, un fin de semana de amigos o una separación le valen. En este caso ha sido una familia que se reúne para una boda. Laura (Penélope Cruz) vuela desde Argentina con su hijo pequeño y su hija adolescente, pero sin su marido Alejandro (Ricardo Darín), para asistir a la boda de su hermana (Inma Cuesta) en el pueblo en el que nacieron y crecieron. Allí se encontrará con su familia, y también con Paco (Javier Bardem), un antiguo novio de juventud. Lo que empieza siendo una celebración se convierte en un infierno cuando la hija de Laura es secuestrada. A partir de ese momento, la película se convierte en una cuenta atrás en la que el pasado vuelve con toda su crudeza. Mentiras, decisiones, cuentas pendientes y rencores se apoderan de unos protagonistas que ven sus vidas zarandeadas con violencia cuando menos lo esperaban.
Farhadi saca lo mejor de sí explotando los conflictos de los personajes, cocinando a fuego lento su bajada a los infiernos. El propio pueblo y sus habitantes saltan a la acción en la segunda parte de la película, mostrando unos odios y conflictos gestados tiempo atrás y nunca resueltos. La tierra y su propiedad como fuente de conflicto. Una historia tan antigua y universal como el mundo mismo, al igual que la mentira, el orgullo o el resentimiento. El director aprueba con holgura en la primera parte de la película, donde más podía haber patinado de haberse dejado llevar por estereotipos, para encontrarse con el registro habitual de su cine en la segunda. Como ocurre a menudo con este tipo de películas con secuestros de por medio, la propia investigación acaba siendo lo de menos. Es el espectro de emociones humanas lo que domina la función, aunque no se puede negar que esto acaba haciendo del final algo precipitado e incluso anticlimático. En cualquier caso, lo importante era lo de antes.
Penélope Cruz está enorme liderando un reparto de absoluto ensueño. Su Laura ríe, llora, grita y es incapaz de hacer cualquiera de estas cosas por momentos, entregando una actuación que ocupará un lugar privilegiado en su ya dilatada y exitosa carrera. Bardem está fantástico también dando la réplica, sufriendo en sus propias carnes unos acontecimientos que en principio no le tocaban directamente, y construyendo un personaje espontaneo y con un punto ingenuo que representa a la perfección la figura de nuevo terrateniente. Darín demuestra su enorme categoría al dejar su rastro en una película en la que aparece a mitad del metraje, cuando Cruz, Bardem y el resto del reparto ya se han adueñado de la pantalla. Y ojito al resto del reparto. Eduard Fernández, Inma Cuesta, Bárbara Lennie, Elvira Mínguez y Ramón Barea podrían perfectamente mantener una películas por sí mismos. No se puede decir que Farhadi se haya lanzado a la piscina a lo loco.
Todos lo saben confirma el gran momento del cine español. Estamos hablando de que uno de los mejores directores de la actualidad ha decidido venir a trabajar aquí; sería interesante ver qué dicen los detractores de oficio. Aunque el resultado pueda ser inferior a las cotas más altas de su carrera (Nader y Simin, una separación y El viajante), Todos lo saben es una película con cualidades más que de sobra para ser celebrada por motivos exclusivamente cinematográficos. Un drama fantásticamente realizado que junta a uno de los mejores repartos que cualquiera pueda imaginar. Además, aquí, que para eso somos un página de cine español, celebramos la excepcionalidad que supone que uno de los mejores directores del mundo quiera hacer una película en España.
1. Este viernes empieza el Festival de San Sebastián, el más importante de los que tienen lugar aquí, y, este año, con una fuerte presencia de cine español. Sinceramente, pensábamos hacer una lista con todas las películas españolas y coproducciones que participarán en el encuentro donostiarra, pero al empezarla hemos visto que la extensión era directamente obscena. Cualquier selección será injusta, así que seremos muy típicos. Cuatro películas españolas competirán por la Palma de Oro: Quién te cantará, de Carlos Vermut, Entre dos aguas, de Isaki Lacuesta, El reino, de Rodrigo Sorogoyen, y Yuli, de Icíar Bollaín. También destacamos la presencia de Gigantes, la serie de Enrique Urbizu para Movistar + que se proyectará fuera de concurso en la sección oficial. Por último -y a nadie puede parecerle mal que elijamos destacar precisamente esta película-, Tiempo después, de José Luis Cuerda, donde el manchego quiere recuperar las esencias de la mítica Amanece, que no es poco.
2. Hablemos ahora de plataformas de VOD después de San Sebastián (video on demand en inglés, de ahí las siglas. Demand, como habréis imaginado si no sabíais ya, significa demanda). Hace apenas unos días, Roma, una película de Netflix dirigida por Alfonso Cuarón, se llevó el León de Oro del Festival de Venecia. Vaya, que estas plataformas han venido para quedarse, aunque a Nolan y el Festival de Cannes no les guste.
Netflix ha anunciado esta semana dos películas españolas: Diecisiete y ¿A quién te llevarías a una isla desierta? La primera es el regreso al cine de Daniel Sánchez Arévalo desde que en 2013 dirigiese La gran familia española. ¿A quién te llevarías a una isla desierta? es la adaptación de una obra teatral escrita en 2012 por Paco Anaya y Jota Linares, que se encargará de la dirección (recordad que Linares estrenará el 19 de octubre Animales sin collar).
La otra noticia que hemos tenido recientemente es que Rakuten, el gigante japonés, prepara película española en el marco del lanzamiento de su sello cinematográfico. El film se llamará Alegría tristeza, estará dirigido por Ibon Cormenzana, más conocido por su trabajo en la producción pero que cuenta con dos largometrajes y varios cortos en su haber, y estará protagonizado por Maggie Cevantos y Roberto Álamo. Se estrenará el 16 de noviembre, y la compañía quiere hacerlo tanto en su propia plataforma como en salas.
3. Acabamos este boletín –que las circunstancias han obligado a que sea más a la carrera y menos sosegado de lo habitual-felicitando a dos de nuestras directoras más prometedoras por un nuevo éxito en sus carreras. Hablamos de Carla Simón y Elena López Riera, que han sido elegidas por la Cinéfondation de Cannes para una estancia en la residencia que la fundación tiene en París, durante la cual podrán trabajar en sus próximos proyectos. Simón, que maravilló al público con su debut Verano 1993, prepara su segunda película, que llevará por título Alcarras, mientras que López Riera ganó recientemente la Competición de Nacional de Cortometrajes del Festival de Locarno con Los que desean, y preparará durante su estancia su debut en el largometraje, que llevará por título El agua.
Estrenos de esta semana: 21 de septiembre
Matar a Dios. Tras una larga y exitosa trayectoria en el cortometraje, Caye Casas y Albert Pintó debutan el largometraje con esta comedia negra protagonizada por Itziar Castro.
Una familia se prepara para celebrar el fin de año en una aislada casa en medio del bosque, cuando irrumpe un misterioso vagabundo; es enano, dice ser Dios y amenaza con exterminar a la especie humana al amanecer. Sólo se salvarán dos personas, y la familia ha sido elegida para escoger a esos dos únicos supervivientes. El destino de la humanidad recae en cuatro desgraciados que, evidentemente, van a querer salvarse. (FILMAFFINITY)
Diana. Alejo Moreno, conocido por cinéfilas y cinéfilos por su trabajo en el programa Días de Cine de RTVE, debuta como director con esta provocadora –desde su propia promoción en el Festival de Málaga- que narra el encuentro entre un hombre de negocios y una prostituta de lujo.
El dormitorio de un piso de la Castellana, Madrid. Es el dormitorio de Sofía, una escort de lujo. Su nuevo cliente descubre el misterioso nombre que ella tiene tatuado en su pierna: «Diana… ¿Diana es tu nombre real?» Él se presentó como Hugo pero en realidad se llama Jano. Aparenta ser un educado hombre de negocios, un emprendedor moderno y cercano. ¿Lo es? El piso de Sofía se convertirá en el escenario de un perturbador juego donde se revelarán las personalidades que ambos ocultan, como capas de una compleja cebolla hasta llegar a su corazón. Y la clave del de Sofía se encuentra en desvelar quien es Diana y qué significa para ella. (FILMAFFINITY)
Entre los sudores de un duro verano en la capital y la resaca del 15M, Madrid se prepara para recibir al Papa. Un asesino en serie anda suelto, y dos policías, Roberto Álamo y Antonio de la Torre, con caracteres y formas de trabajar muy distintas, son los encargados de capturarlo. Tras el éxito de la pequeña Stockholm, Rodrigo Sorogoyen saltó a la primera división del cine español con este thriller con aroma a cine negro que consigue atrapar al espectador mientras construye una imagen de una ciudad –y por extensión país e incluso mundo- en clara decadencia moral y social.
El propio contexto en el que sitúa la acción genera una sensación de urgencia y cuenta atrás que, al combinarse con un fatalismo que acompaña a la película en todo momento y al papel más protagonista que de escenario que sume la ciudad de Madrid, remite a las formas tradicionales del cine negro. Sorogoyen combina con buen criterio los elementos noir con los del thriller, conformando una obra vibrante y oscura que consigue mantener enganchado en todo momento al espectador y, además, meterse debajo de su piel provocándole un desasosiego que permanece una vez finalizada la película.
Una efectiva combinación de planos generales y primeros planos, junto a una tenue banda sonora que se acelera o relaja según los momentos de mayor o menor tensión, hacen de Que Dios nos perdone una película opresora y asfixiante. Incómoda y molesta, lo que es una victoria cinematográfica para una película de estas características. El guion, a pesar de alguna subtrama que se puede alargar demasiado para lo que aporta, acierta al arrojar al espectador de lleno a la trama e ir dosificando la acción de manera que se mantenga la tensión.
Y luego está el reparto. Antonio de la Torre y Roberto Álamo lo encabezan dando vida a una pareja de policías que son prácticamente lo opuesto el uno del otro. El personaje de Álamo, con el que ganó el Goya, es hablador y tiene problemas para controlar su carácter, llegando a la violencia en varias ocasiones, mientras que el de Antonio de la Torre es más callado, muchas veces por una tartamudez que le impide expresarse tal como le gustaría, analítico y riguroso a la hora de trabajar. Javier Pereira compone un villano fascinante; su personaje, del que se habla toda la película, solo aparece al final, y el actor es capaz en pocos minutos de encarnar y dotar de personalidad a alguien del que se lleva hablando desde el principio. El actor se sometió a una exhaustiva preparación física para el rodaje, creando un malo tan fascinante que mantiene el tipo interpretativo ante dos titanes de esto como de la Torre y un torrencial Álamo.
Con esta película Rodrigo Sorogoyen se confirma como un director a seguir, aprobando con nota el salto de una película más intimista y con pocos medios a un proyecto más grande con actores famosos y que requiere dominar una mayor variedad de registros (escenas exteriores, con muchos extras, de acción,…) y a la vez combinarlos en el montaje. Que Dios nos perdone se estrenó en unos meses especialmente prolíficos para el thriller español, destacando Tarde para la ira y El hombre de las mil caras, y consiguió tanto ser asociado a ese notable grupo como distinguirse de él. Sorogoyen asciende así a primera división; como muchos de los equipos que han pasado por lo mismo estarán de acuerdo, lo verdaderamente complicado es consolidarse allí.
1. Finalmente fue Campeones. La Academia de Cine anunció el pasado jueves que la película de Javier Fesser será la encargada de representar a España en los Premios Óscar. La institución sin duda tuvo muy presente la conversación que tuvimos en nuestro anterior boletín, y se mostró partidaria de la postura de Carlos frente a la de un Arturo que apostó por Handia (este viernes llega Todos lo saben a los cines, lo que podría cambiar todo el estado de la cuestión por aquí, aunque ya no cuente).
Habrá que esperar hasta el 23 de enero para conocer a las cinco películas seleccionadas. Campeones, que sería la primera representante del cine español desde Mar adentro en 2004, competirá contra films como Cold War, de Pawel Pawlikowski, ganador en 2015 de este mismo premio por Ida, Roma, de Alfonso Cuarón, recientemente premiada en Venecia o Un asunto de familia, de Hirokazu Koreeda, ganadora en Cannes, por destacar tres títulos de un total de 92 que se presentarán. De momento, la nominación ha servido para que Javier Gutiérrez y su equipo peguen un salto en taquilla del 123%, algo enormemente meritorio tras 22 semanas en cartelera.
2. Siguiendo con la taquilla, vamos a hablar de cómo le está yendo a las películas españolas. Septiembre marca el inicio de curso y los estrenos empiezan a aumentar tanto en número como en importancia. Mientras cintas como la propia Campeones y El mejor verano de mi vida –que ha funcionado estupendamente recaudando casi 8 millones de euros- se mantienen en los tops de recaudación tras varias semanas (22 y 8 respectivamente) y Yucatán y Losfutbolísimos siguen potentes tras dos y tres semanas, el pasado viernes llegaron dos de las películas más esperadas de este inicio de curso. Nos referimos a Carmen y Lola y Las distancias.
La primera atrajo a 8.171 espectadores para una recaudación de 57.481 euros en su primer fin de semana. Tuvo el segundo mejor rendimiento por copia, con un registro de 2.737 euros tras estrenarse en 21 salas. Las distancias, por su parte, estuvo en bastantes más salas -48- y sumó 11.315 espectadores y 77.161 euros. El buen rendimiento de ambas películas podría hacer que se estrenasen en más salas este próximo fin de semana –por ejemplo, Carmen y Lola ya tienen confirmado su estreno este viernes en el cine Albéniz de Málaga- y, si consiguiesen aguantar hasta los días de la Fiesta del Cine (1-2-3 de octubre) podrían obtener unos resultados de taquilla más que reseñables para películas de estas características en España.
3. Acabamos con premios. La productora Esther García, directora de El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar, ha sido premiada con el Premio Nacional de Cinematografía concedido por el ICAA. Esta histórica productora recibe un importante y prestigioso reconocimiento a su brillante carrera en España. No solo ha sido una de las personas clave en algunas de las producciones más importantes de Almodóvar (Todo sobre mi madre, Hable con ella o Volver), sino que también ha trabajado en la producción de películas tan importantes como La vida secreta de las palabras o Relatos Salvajes. Es la primera mujer productora que recibe ese galardón. Por otro lado, Begoña Piña, periodista de información cinematográfica del diario Público, recibe el Premio de Comunicación Alfonso Sánchez que da la Academia de Cine. Una larga trayectoria la precede como crítica y redactora relacionada con el cine.
Estos son los estrenos de esta semana (14 de septiembre):
Todos lo saben. Por fin llega una de las películas más esperadas del año, que abrió el pasado Festival de Cannes. El galardonado Asghar Farhadi contó con un reparto de lujo –Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard Fernández, Bárbara Lennie, Inma Cuesta,…- para su primera película en España.
Laura viaja con su familia desde Buenos Aires a su pueblo natal en España para una celebración. Lo que iba a ser una breve visita familiar se verá trastocada por unos acontecimientos imprevistos, que cambiarán por completo las vidas de los implicados. (FILMAFFINITY)
Los amores cobardes. Primer largometraje de Carmen Blanco, que pasó por el pasado Festival de Málaga y ganó la Mejor Dirección en el Festival de Alicante.
Eva es una joven fuerte e independiente que regresa a su ciudad natal para pasar las vacaciones de verano. Allí la esperan su madre y Gema, su única e incondicional amiga. Lo que Eva no esperaba es encontrarse con Rubén, quién solía ser su mejor amigo hasta que un día el chico decidió cortar el contacto inesperadamente. Sin explicaciones. Sin despedidas. (FILMAFFINITY)
Marisa en los bosques. Tras una extensa carrera por festivales llega a las salas comerciales el debut cinematográfico en España del dramaturgo Antonio Morales protagonizado por Patricia Jordá.
Marisa es una dramaturga de 35 años que tiene la sensación de que se ha convertido en la actriz secundaria de su propia vida. Sin proyectos, sin trabajo, sin futuro… Ha acabado por olvidarse de sí misma para centrarse en el gran drama de Mina, su mejor amiga, que se ahoga en la desesperación que le provoca su ruptura con Salvador. Cuando acuda a sus amigos en busca de apoyo, lo único que encontrará serán más problemas, más vidas a la deriva. Un repentino hecho trágico vendrá a alterar el frágil equilibrio de su vida, y Marisa optará por buscar consuelo en la noche de Madrid, dispuesta a desaparecer del mundo, de manera callada y silenciosa, como en un fundido a negro. (FILMAFFINITY)
Contigo no, bicho. Una comedia adolescente con un toque gamberro dirigida por Álvaro Alonso y Miguel A. Jiménez.
Víctor, Rubio, Charly y Berni son cuatro colegas del instituto que solo piensan en tías y videojuegos. Cuando uno de ellos, Víctor, consigue perder la virginidad, los otros tres deciden cambiar su suerte. Van a irse un fin de semana, con un único objetivo: desvirgarse o morir en el intento. Un viaje con toda la libertad del mundo, sin rendir cuentas ante nadie, con el destino por delante y la bolsa de errores aún vacía. (FILMAFFINITY)
Penélope. Otra película que llega a las salas tras meses de ruta de festivales. La catalana Eva Vila dirige esta actualización del mito de La Odisea en lo que supone su primer largometraje de ficción tras dos documentales musicales (B-Side: La cara B de la música en Barcelona y Bajarí)
Versión elíptica y crepuscular de La Odisea de Homero. La Penélope de esta historia se llama Carmen, tiene el carácter de una generación dura pero sentida, y espera en Santa María de Oló. El Ulises es Ramón, que regresa al pueblo tras treinta años de ausencia. Un último viaje cuyo fin, más allá de lo vivido, es el regreso a una patria y a un modo de vida que se extinguirá con ellos. (FILMAFFINITY)
El cine centrado en una relación lésbica tiene, por fin, grandes y variados referentes. En los últimos 20 años hemos tenido la oportunidad de añadir interesantes y potentes obras a la lista de películas que tratan el amor o la atracción entre mujeres. Desde Mulholland Drive a Carol. Ahora, Arantxa Echevarría añade su valioso granito de arena con Carmen y Lola, un acercamiento potente desde una perspectiva diferente. Una historia complicada convertida, por suerte, en algo nada complejo.
Echevarría ha dicho durante varias entrevistas que vio La vida de Adèle, entre otras, durante el proceso de creación. Incluso definió su película como La vida de Adèle al otro lado de la M-30. La directora alaba el filme de Kechiche, pero también es crítico con él; sobre todo por su, según ella, mirada excesivamente masculina de la relación lésbica. En la película francesa, el punto de vista principal es el de Adèle (Adèle Exarchopoulos), que pasa de relaciones heterosexuales a un primer descubrimiento homosexual con la más experimentada Emma (Léa Seydoux).
Echevarría en su película hace lo contrario que Kechiche: la verdadera protagonista de la película es Lola. El punto de vista sobre el que más se detiene es el suyo. Ella tiene clara su orientación sexual desde el principio; es Carmen la que pasa de una relación con un chico a vivir una relación amorosa con ella. Esto es importante porque vemos claramente los estados de ánimo y sufrimiento por los que pasa Lola. Conocemos sus deseos, su ilusión y sus miedos de una forma nítida, teniendo claro qué es lo que quiere desde el principio. Un acierto para lo que va sucediendo, porque la timidez y determinación de Lola empujan hacia adelante lo que va sucediendo desde su propia mirada femenina.
Pero la diferencia fundamental entre Carmen y Lola y (la excelente) La vida de Adèle es que en la película española las dos protagonistas están ante su primera experiencia, su primer amor. Mismo punto de partida. Esa sensación de emoción compartida es la que multiplica los efectos positivos de la película. Sencilla en su forma y efectiva en su manera de plantear la inocencia, la pasión y las ganas de compartir algo que las hace felices, su historia principal es aire fresco dentro de las miradas cinematográficas realistas en nuestro país. Todas las escenas en las que están ellas dos en plano crecen en magnetismo y matices, gracias principalmente a la naturalidad de sus dos actrices principales (sobre todo por Zaira Morales, que interpreta a Lola).
Los puntos más flojos de la película son algunas situaciones, algo estereotipadas y obvias, en las que vemos con palabras qué piensan los personajes secundarios (elevando los pensamientos a veces a categoría del mundo gitano). Se sobreexplican algunas cosas relacionadas con la estructura heteropatriarcal que ya se ven solas sin necesidad de que nadie nos las señale con el dedo. Echevarría escoge representar algunas cosas y no otras para su historia con todo el derecho, pero se nota una falta de sutileza que sí tiene la relación entre ellas, con la que la directora sí que transmite sensación de realidad.
Echevarría se ha ganado con creces la atención -a veces no buscada- para que estemos pendientes de lo que haga a partir de ahora. Carmen y Lola es un camino lleno de obstáculos pero que se termina por recorrer con una facilidad tremenda. Esperamos el nuevo viaje.
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