El reto para ellos era importante, y ha salido bien. Muy bien. El trío responsable de Loreak y la ‘goyizada’ Handia zarpaba desde Euskadi con muchas expectativas sobre sus hombros (algo siempre injusto pero humano) y una ambiciosa historia para rodar entre sus manos. El resultado final con La trinchera infinita ha sido de una solidez y coherencia tal que confirma que estamos ante un grupo de cineastas capaces de absolutamente todo en España.
El trío de directores de la productora Moriarti -Jon Garaño, José Mari Goenaga y Aitor Arregi- lleva una trayectoria variable pero que se lee con una interesante continuidad. Empezó forjándose en la animación (Supertramps, Cristobal Molón) y el documental (The dragon house, Lucio, Perurena), y se construyó en su paso a la ficción en largo a base de dramas actuales e íntimos (En 80 días yLoreak). Su viaje ha continuado con dos inusuales historias centradas en el pasado (Handia y ahora La trinchera infinita) que se pueden entender perfectamente juntas. Esta nueva película sobre un topo de la Guerra Civil es el reverso de su predecesora: si Handia se centra en un hombre que es obligado a exhibirse para sobrevivir, La trinchera infinita es la de otro que debe ocultarse para lo mismo.
Garaño, Goenaga y Arregi exploran en estas dos películas, a través del sufrimiento de dos personajes masculinos de otros tiempos, los problemas de la sociedad y las instituciones de su época. Por su condición física o su posicionamiento político. Hacia fuera y hacia dentro. En el caso de la historia del ‘topo’ Higinio (Antonio de la Torre) suponía la enorme dificultad de construir ese rechazo desde el interior, desde la oscuridad del hogar y desde la experiencia subjetiva aislada. Una simple mirilla como manera de acercarse al mundo, y con una sola persona de confianza (Belén Cuesta).
El trío se ha empeñado en definir esta vivencia de Higinio durante más de 30 años como «una alegoría sobre el miedo». Los símbolos son amigos peligrosos. Sobre todo si los buscas y los quieres hacer demasiado evidentes. Evocar ideas o conceptos de forma muy consciente y premeditada a veces se puede volver en contra porque se asfixia parte de su fuerza esencial: su interpretación sin cerrar, su capacidad para abrir nuevos caminos. Lo bueno de La trinchera infinita, pese a lo clara que es en sus objetivos, es que es tan precisa y tan potente que alcanza las sensaciones ansiosas que busca sin regodearse en la dramática condición de su protagonista.
Con un inicio lleno de ansiedad y dos largo tercios de aislamiento íntimo y matrimonio desesperado, la película incorpora con inteligencia su evidente y tentadora lectura político-histórica en ese permanente agujero personal aterrorizante. La vida de Higinio a largo de tres décadas es, por supuesto, la representación extrema y física de la de muchos españoles que estaban en contra del franquismo. En negación y rebeldía en un principio, la asfixia y la oscuridad paulatina de un país que se encierra sobre si mismo crean con el tiempo un estado extraño, una mezcla de resignación y desencanto paralizante con la situación política española.
El cuidado sobre cada detalle de La trinchera infinita es máximo, desde el fuera de campo hasta las luces que implican cada plano. Un trabajo impresionante que se quedaría en una buena composición formal si la construcción de sus dos personajes principales, absolutamente protagonistas de la película, no funcionara. Tienen una enorme carga dentro de los subtextos de la obra. Y aquí los Moriarti también han dirigido exactamente a los actores hacia el difícil equilibrio dramático que querían, y tanto de la Torre como Belén Cuesta aportan muchísimo a un guion que no puede dejar de ser humano y cotidiano en su asfixia. La actriz, habitual en la comedia, borda el personaje más difícil de su carrera.
Lo que ha hecho Cuesta es el ejemplo más claro de lo que es esta película: un importante salto hacia delante para todos sus responsables. El trío de cineastas vascos cae totalmente de pie de ese vuelo componiendo un meticuloso trabajo cinematográfico y sensorial, que, sin arriesgar demasiado, es capaz de llegar a todas sus metas. La trinchera infinita será generosa e intensa con tu atención durante dos horas y media.
Siguen llegando buenas noticias para el cine español desde la taquilla. La semana pasada comentábamos como octubre está siendo un buen mes en el que los diferentes estrenos están encontrando su público y anticipábamos dos claves para estos días: la Fiesta del Cine y el estreno de El silencio de la ciudad blanca. Respecto a lo primero, que se terminó ayer, sabemos que ha llevado a las salas a más de dos millones de personas. Mientras dure la guerra y El silencio de la ciudad blanca han sido la cuarta y quinta película más vista durante lunes, martes y miércoles.
Aún con datos provisionales ya sabemos que 2.291.606 espectadores han asistido a la XVII @FiestaDelCine .
Segunda mejor edición en 10 años de la #FiestaDelCine
Nos detenemos en este último título. La película de Daniel Calparsoro consiguió superar los 100.000 espectadores durante su primer fin de semana en salas para una recaudación total de 652.354 €. El silencio de la ciudad blanca hizo una media por copia de 2.218 €, la mejor del cine español. Sin alcanzar las previsiones más optimistas sí que son unas buenas cifras que además deben de anticipar un buen mantenimiento.
Rendimiento muy discreto del resto de estrenos
A diferencia de anteriores semanas, en esta ocasión las películas españolas estrenadas la pasada semana no han tenido una acogida. De los cinco estrenos solo la ya comentada El silencio de la ciudad blanca y el documental Ara Malikian: una vida entre las cuerdas han hecho los deberes. El documental sobre el violinista libanés ha obtenido unos buenos 17.217 € gracias a un total de 3.608 espectadores. Hay que tener en cuenta que adelantó su estreno un día, saliendo el jueves 24, pero a pesar de este detalle siguen siendo muy buenos datos para un documental.
Algo que podemos comprobar rápidamente si nos fijamos en el rendimiento de los otros documentales estrenados la semana pasada, La defensa, por la libertad y Almost Ghosts. Entre los dos no llegan a los 500 espectadores y superan por poco los 2.000 € de recaudación. Algo mejor le ha ido al otro estreno de ficción de la semana, El viaje de Marta (Staff ony). El film de Neus Ballús, que solo dispuso de 22 copias, ha recaudado 13.450 € gracias a 2.000 espectadores, para una media por copia de 611 €. No son malos datos pero las pocas copias y la fuerte competencia harán difícil que pueda mejorar mucho más sus cifras.
Mientras dure la guerra sigue a la suyo
Mientras dure la guerra cedió la tercera posición a La familia Addams, el estreno internacional potente de la semana (Joker y Maléfica, maestra del mal siguen ocupando las dos primeras posiciones). Consolidada ya como la tercera película española más vista del año, la cinta de Amenábar sobre los primeros meses de la Guerra Civil sigue manteniendo una trayectoria que la podría llevar a superar los diez millones. Esta quinta semana bajo solo un 20% frente a la cuarta.
Lo que arde ha bajado un 42% respecto al fin de semana anterior. Ha superado ya los 40.000 espectadores (42.791) y suma 242.601 €. El asesino de los caprichos baja un 76% en su segunda semana, @buelos un 62% en su tercera y El crack cero un 45% en su cuarta. Cuatro títulos que han conseguido, como mínimo, cumplir con sus previsiones en cuanto a recaudación y que han hecho que el cine español tuviera varias películas entre las más vistas durante las últimas semanas.
Tres nuevos estrenos llegan esta semana a las salas, La trinchera infinita, Love me not y Los Rodríguez y el más allá. Esta última, una comedia de carácter familiar, es la que más posibilidades tiene de hacer una buena recaudación -especialmente durante este puente de Halloween- mientras que hay curiosidad por ver qué tal sienta el salto a trabajar con una multinacional a los chicos de Moriarti, que han logrado una de las películas del año con La trinchera infinita.
El Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón es uno de los últimos festivales de primer nivel del año en España. Sin casi tiempo para acabar el de Sevilla, también la atención sobre nuestras nuevas películas pasará de sur a norte. En su 57 Edición, el veterano certamen dará cabida, como es habitual, a algunas de las apuestas españolas relevantes de la próxima temporada. El estreno nacional de Blanco en blanco, flamante ganadora de premios en Venecia, será seguramente la noticia española más llamativa de un festival que, sin embargo, presentará también un nutrido grupo de propuestas nacionales a tener en cuenta y que premiará a uno de ellas en la Competición Español al Mejor Largometraje.
Court, Cepedal, Tusell, Dexeus y Gabarró en la Sección Oficial
En su Sección Oficial, hay ya tres películas españolas confirmadas. La que viene con más relumbrón, como ya se ha mencionado, es Blanco en blanco. Los reconocimientos de mejor dirección y Premio FIPRESCI en la Sección Horizontes del Festival de Venecia han alimentado la expectación en España ante la película dirigida por el hispano-chileno Théo Court, que llega acompañada por el consenso positivo de la crítica. Esta coproducción con Chile, Francia y Alemania sobre estas historia de un fotógrafo que se ve envuelto en problemas a partir de una boda en la Tierra del Fuego del siglo XX.
Fotograma de ‘Blanco en blanco’, de Théo Court
La segunda película española en la Sección Oficial es El trabajo, o a quién le pertenece el mundo, de Elena Cepedal. La cineasta asturiana debuta en el largometraje con este documental que recoge la historia de Asturias a través de sus movilizaciones y los distintos cambios socio-laborales en la región. Y la terna estatal a competición en la parte más importante del Festival se cierra con Les Perseides, de Alberto Dexeus y Ànnia Gabarró, una historia de una niña que pasa su verano en un pueblo con importantes deudas con el pasado. Fuera de concurso se podrá ver también Video Blues, de Emma Tusell, un repaso documental sobre la familia de su realizadora, que busca desentrañar el significado de distintas imágenes domésticas.
Cinco películas españolas en Competición Internacional Rellume
La sección paralela Competición Internacional Rellume tendrá una presencia española aún mayor que la Sección Oficial en el Festival de Gijón: cinco películas serán producciones nacionales en una zona del certamen llena de nuevos talentos. Uno de los pocos viejos conocidos de Competición Internacional será Cristóbal Arteaga, que estrenará aquí mundialmente su tercera película: As mortes. Tras acumular premios y reconocimiento con (sobre todo) El triste olor de la carne y Faro sin isla, el cineasta chileno vuelve con un crimen en un pueblo gallego y sus consecuencias.
Fotograma de ‘Sin techo’, de Xesc Cabot y Pep Garrido
Otros que vuelven son Xesc Cabot y Pep Garrido, que vuelven a hacer equipo después de Bustamente Perkins. Ahora se pasan a la ficción con Sin techo, una película sobre una persona sin hogar en Barcelona. Las otras tres propuestas españolas en la Rellume son de no-ficción: Enero, el debut de la artista Ione Atenea con un estudio histórico a partir de la vida de sus dos abuelas, Meseta, el segundo documental de Juan Palacios dedicado al retrato de determinadas personas en la Meseta Central española, y La educación sentimental, primer largo de Jorge Juárez sobre su propia juventud a través de distintas experiencias. La Competición Internacional también contará con el estreno del cortometraje Desaparecer, del local Diego Llorente.
Enfants terribles, Albert Serra y los reconocimientos a la carrera
Fuera de Rellume, en Gijón estará La asfixia, de la guatemalteca Ana Bustamente, un documental de la cineasta sobre las dolorosas huellas familiares del conflicto armado en Guatemala en los año 80. Pero también Las edades sensibles de la luz, de Pedro Sara y Violeta Pagán Navarro. Seleccionada en el espacio para los más jóvenes del Festival, Enfants Terribles (donde se podrán ver también Les Perseides), cuenta el extraño fenómeno que les ocurre a un grupo de estudiantes de cine cuando deciden rodar una película. El de Sara y Pagán será el último estreno español -conocido hasta ahora- del certamen.
Fotograma de ‘Les Perseides’, de Alberto Dexeus y Ànnia Gabarró
Esto no significa que el cine español se acabe ahí. Varias de nuestras películas con trayectoria previa en el circuito también estarán en Asturias. Uno de ellas será Liberté, de Albert Serra. El cineasta catalán estrena su película en cines españoles el 15 de noviembre, y pondrá el broche final a su presentación ante el público con un pase especial en Gijón. Además, el cineasta impartirá una masterclass diferenciada que se llamará ‘Metodología y cine contemporáneo’.
Otras de las películas que contarán con proyección especial en el Festival de Gijón son Ventajas de viajar en tren y El autor. Ambas forman parte del homenaje que el Festival va a rendir a las carreras de dos actores: Ernesto Alterio, secundario de la primera, y Javier Gutiérrez, protagonista de la segunda. Alterio subirá al escenario a recoger el Premio Nacho Martínez, un clásico premio a la trayectoria del Festival en recuerdo al actor asturiano, mientras que Gutiérrez se quedará con el recién inaugurado Premio Isaac del Rivero, el creador del certamen asturiano. Además habrá un foco dedicado al trabajo de Elena López Riera, que ganó en Locarno con su cortometraje Los que desean.
No ha habido demasiada suerte para las películas españolas en la 64 Edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, la Seminci. Nuestro cine se ha ido de vacío en las tres secciones principales: la Sección Oficial, Punto de Encuentro y Tiempo de Historia. Sin embargo, sí que ha habido dos reconocimientos por parte de estamentos colaboradores (una organización de medios online y la Fundación SGAE) con el Festival. Primero a Intemperie, la nueva película de Benito Zambrano, que se ha llevado el Premio Blogos De Oro de la Crítica al Mejor Largometraje. Y después a La hija de un ladrón, el debut en largo de Belén Funes, que se ha quedado con el Premio Diana Ayuso.
Ha habido también galardones dentro de las secciones dedicadas al cine español. En Doc. España, la parte reservada a los documentales, el Premio ha sido para La libertad es una palabra grande, del uruguayo Guillermo Rocamora. Una película coproducida con Uruguay y Brasil que se centra en la vida de un expreso de Guantánamo que busca rehacer su vida. La Mención Especial ha sido para El cuadro, de Andrés Sanz. Este documental muestra los misterios y los enigmas de una de las pinturas más famosas del Muso del Prado: Las Meninas, de Diego de Velázquez. Gregorio Belinchón, del diario El País, le ha dedicado un artículo a la película.
Fotograma del documental ‘El cuadro’, de Andrés Sanz
El Premio ‘La noche del corto español’ ha sido para Solsticio de verano, de Carlota González-Adrio. Un reencuentro entre tres hermanos para celebrar la noche de San Juan que no sale como esperaban. El Premio Castilla y León en corto, se lo ha llevado el cortometraje local de animación Muedra, de César Díaz Meléndez. Una muestra sobre los ciclos de la vida que ya ha conseguido varios premios en otros certámenes.
El botín para las películas españolas podría haber sido mayor por un puñado de votos de la gente. Intemperie (4.439) se quedó segunda en el Premio del Público de la Sección Oficial, que finalmente recayó en Papicha (4.532, por 93 votos. Y lo mismo le ocurrió a Un tiempo precioso, de Miki Molina, que sólo fue superada como favorita de los espectadores por Bik Eneich: un fils en Punto de encuentro. Puedes consultar todo el palmarés oficial de la 64 Seminci aquí.
Un cartel con las palabras Staff only –el título provisional de El viaje de Marta que se usó en sus presentaciones en Berlín y Málaga– separa el mundo real del ficticio de los complejos turísticos y las actividades programadas. Marta encuentra demasiado artificiales las vacaciones familiares que están pasando en Senegal y quiere por todos los medios entrar en contacto con la realidad local. También entrará, de forma algo accidentada, en el mundo adulto.
En El viaje de Marta conviven dos discursos simultáneos: la crítica a la forma en la que los europeos se relacionan con los países en vías de desarrollo de África cuando los visitan como turistas y los conflictos de una relación hija-padre en la siempre difícil etapa de tránsito que es la adolescencia. Ballús, que firma el guion junto a Pau Subirós, consigue que ambas cuestiones conviven de forma orgánica, reforzándose la una a la otra, en una película que aprovecha a la perfección los sencillos elementos con los que está construida para trasmitir ideas fuertes tanto sobre política como sobre relaciones familiares.
Siendo una película totalmente de ficción, Neus Ballús aprovecha su experiencia en anteriores trabajos –principalmente en La plaga, por la que fue nominada al Goya como mejor directora novel- para conseguir una representación realista del país africano, y también de esos extraños oasis que son los complejos hoteleros. La directora utiliza a uno de los personajes locales, que acompaña y graba las excursiones de los turistas, para poner planos rodados con cámara de vídeo, anclando su película más aún en la realidad.
Ballús además utiliza esto inteligentemente como recurso narrativo para desarrollar la trama de la película. Los planos del personaje interpretado por Diomaye Augustin Ngom son los que mejor captan los gestos de la protagonista que revelan su incomodidad respecto al “turismo exótico” y respecto a su padre. Como si la visión más auténtica y viva fuera la que saliera de la cámara, siendo el cine un lenguaje universal.
Elena Andrada hace un buen trabajo como Marta en el que es su primer trabajo en el cine, aguantando un buen número de primeros planos y navegando por diferentes estados de ánimo. Sergi López es una garantía y aporta saber estar y empaque a la película, además de un baile nocturno de lo más divertido. Y también los dos personajes senegaleses importantes en la trama, interpretados por Diomaye Augustin Ngom y Madeleine C. Ndong, se muestran naturales y creíbles ante la cámara.
El viaje de Marta es realista en su retrato del turismo a países menos desarrollados y del tránsito de la adolescencia a la adultez. Nos pone, en lo político-social, frente a nuestro incómodo presente, y nos lleva, en lo particular-emocional, a nuestro pasado más tierno e inocente. El viaje de Marta es una película rica en significados a partir de unos sencillos ingredientes. La clase de resultado cuando alguien tiene algo que decir y una idea de cómo hacerlo.
Le escribió John Steinbeck, le cantó Nat King Cole y la recorrieron en moto Peter Fonda y Dennis Hopper. Todo el mundo conoce la Ruta 66. Es la «carretera madre» de Estados Unidos, un símbolo de su historia. Primero, en el camino de emigración de su pueblo en los años 20, y, después, como icono cultural del progreso del país en los años 50 y 60. Inmortalizado en libros, películas y series, el famoso recorrido de este a oeste es sinónimo hoy de viaje experiencial y nostálgico para millones de personas. Pero estuvo a punto de dejar de ser así, y un documental español repasa ahora ese desconocido lado del mito.
Almost ghosts, dirigido y escrito por Ana Ramón Rubio, se centra en el declive y la casi desaparición de la Ruta 66. Ya en los años 50, el gobierno de Eisenhower empezó a quitarle la importancia que tuvo en la primera mitad del siglo XX. Construyeron nuevas carretera interesestales, y los coches empezaron a ir más rápido por otros asfaltos. En 1985, la Ruta fue descatalogada oficialmente de la red oficial de carreteras norteamericanas. Y con ese proceso, fueron desapareciendo la prosperidad económica y las condiciones de vida de los lugares por los que pasaba el camino. La gente que vivía del tráfico diario que pasaba por la vía se empezó a ir. Había que sobrevivir tras el cierre, y fue así como empezaron a aparecer pueblos fantasma y negocios abandonados en este espacio que cubre casi 4.000 kilómetros.
«Había recorrido un tramo de la Ruta hace años, de Chicago a San Luis, y me sorprendió: no tenía nada que ver con lo que yo siempre me había imaginado de la carretera«, explica la directora de Almost ghosts, a la que le chocaron esos parajes y lugares deshabitados. Tras ver un vídeo en Youtube de un cantante local de la Ruta, se lanzó a investigar sobre el tema, y surgió la idea de un documental sobre esa cara oscura del clásico destino: «Me pareció un enfoque muy interesante, que no se había contado. Se habían hechos muchos documentales sobre la Ruta 66 pero todos a nivel turístico, en un estilo de reportaje de viajes».
Almost ghosts es todo menos esa postal idílica de paisajes que uno puede esperarse. La película se centra en lo importante de esta historia: las personas que habitan la Ruta. Ramón Rubio ha escogido a tres hombres para protagonizar su documental; tres supervivientes que sufrieron el olvido de la carretera y la despoblación. A través de estas tres entrevistas intercaladas, se transita por esa memoria compartida entre miles de personas sobre cómo las instituciones se olvidaron de esa parte imprescindible de su historia durante muchos años. «La gente tenía muchas ganas de contar su historia, de explicar lo abandonados que habían estado todo este tiempo», dice la directora.
Fue precisamente la gente la que se encargó de que la Ruta 66 no se perdiese en el sumidero del pasado. Tras el olvido y la descatalogación definitiva, los ciudadanos norteamericanos de la zona empezaron a organizarse en asociaciones para luchar contra la desmemoria. Sin ningún apoyo. Años de peticiones a los distintos estamentos gubernamentales para conseguir su conservación y rehabilitación económica. Finalmente, el Estado de Misuri declaró su tramo Ruta Estatal Histórica. Una victoria de las asociaciones, un inicio para recuperar la gloria perdida. «Cuando empezó a resurgir el turismo y comenzó a interesar fuera que el Gobierno de EEUU se empezó a interesar realmente en su preservación», explica Ana Ramón Rubio, que destaca también lo mucho que han tenido que batallar los habitantes de la zona: «Si no hubiese sido por la gente de ahí, toda ese patrimonio se habría perdido por completo».
Hoy la Ruta ha recuperado parte del esplendor del pasado. La insistencia de sus habitantes y el apoyo económico que significa el turismo ha devuelto la vida a muchas partes del mítico recorrido. Cada año miles de personas -sin llegar aún a la masificación turística- llegan a algún punto de su recorrido para tener esa emocionante experiencia de viaje nostálgico al pasado. Almostghosts busca ponerle cara a esa experiencia: «Lo más interesante de la Ruta 66 son las personas. Hay que sentarse en un bar cualquiera de carretera, ponerse a hablar con el regente de hablar y que te cuente historias. Lo mejor es la gente; sin ellos sería una carretera más con un decorado vintage«, concluye la directora del documental.
Después de una primera mitad de año muy complicada el cine español empieza a despegar en taquilla. Bajo el paraguas del magnífico rendimiento de Mientras dure la guerra que comentamos el lunes –y de la incombustible Padre no hay más que uno, que sigue sumando y ya ha superado los 14 millones de euros de recaudación- los nuevos estrenos que han ido llegando estas últimas semanas han conseguido encontrar su espacio en la cartelera pese a la dura competencia. Pasó con El crack cero, después con Lo que arde y @buelos, y ahora ha ocurrido lo mismo con El asesino de los caprichos.
Buenos resultados para El asesino de los caprichos en su primer fin de semana
20.199 espectadores se han acercado a las salas durante el fin de semana del 18 al 20 de octubre a ver El asesino de los caprichos, sumando una recaudación de 132.076 €. Son buenos resultados para una película que ha tenido una distribución de tamaño medio (116 copias) y ha conseguido ser la segunda película española más vista del fin de semana y la octava en general. Su media por copia de 1.139 euros solo es superada en el cine español por Mientras dure la guerra y Lo que arde.
Buen mantenimiento de Lo que arde
Después de conseguir el mejor estreno independiente del año en el cine español -aunque con los matices que comentamos la semana pasada-, Lo que arde ha seguido sumando espectadores en su segunda semana. Después de bajar solo un 22% (la menor bajada respecto al fin de semana anterior del top 10 del cine español) la película de Oliver Laxe suma un total de 173.319 € y 30.072 entradas vendidas. Son ya mejores cifras que dos películas independientes de este año como Los días que vendrán y La virgen de agosto, y podría llegar a alcanzar los 348.781 de Vitoria, 3 de marzo si sigue manteniendo este buen comportamiento.
@buelos bajó un 52% en su segunda semana, cayendo también su media por copia a unos discretos 446 €. El film de Santiago Requejo supera los 400.000 € de recaudación gracias a 67.592 espectadores. Paradise Hills, el último estreno de la semana pasada que nos faltaba por comentar, ha confirmado el pinchazo en taquilla. Después de un fin de semana inicial bastante pobre se ha desplomado en el segundo, cayendo un 91%. El crack cero, en su tercera semana, ha mantenido una buena media por copia de 855 € -la cuarta más alta del cine español- y suma ya 275.328 euros de recaudación.
Dos eventos importantes en la agenda inmediata del cine español en lo que a taquilla se refiere. El primero, el estreno mañana de El silencio de la ciudad blanca. La adaptación de la exitosa novela policiaca de Eva García Sáenz de Urturi debería de atraer a gente a las salas, sobre todo contando con la potente campaña de Atresmedia. El otro evento importante es la Fiesta del Cine que se celebrará los próximos 28, 29 y 30 de octubre (lunes, martes y miércoles respectivamente). Tres días de entradas a precio reducido -2,90 €- que serán una buena oportunidad para que las producciones españolas sigan sumando. Ayer publicamos en Taquilla España un artículo con cinco películas españolas para ver durante esos días.
Ya desde el primer plano de la película queda claro qué estamos viendo: un intento de imitación de narrativa hollywoodiense. Cien años de perdón reproduce en todas las disciplinas a los grandes thrillers del cine americano sin lograr estar a la altura.
El guion no llega (especialmente a nivel de diálogos, más propios de un estudiante de primero de guion); algunas interpretaciones son sencillamente penosas (¿quién contrató a esa actriz para directora del banco?); los planos de efectos parecen sacados de videojuegos (esos planos de Valencia desde el cielo lluvioso); los personajes están impostados y son estereotípicos y del mismo estilo que los estadounidenses (como el de Raúl Arévalo o Coronado). Valía más la pena que se hubiese explotado la identidad española que intentar emular una totalmente ajena al principal espectador que va a acudir a las salas: el español.
Un ejemplo de buen thriller que bebe de la cultura española (sin por ello ser casposo) es La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014). En Cien años de perdón lo único genuino es el personaje del Uruguayo (bien trabajado por Rodrigo de la Serna) porque incluso los argentinos parecen parodias de sí mismos. Por eso hay un gran error de montaje (y de dirección): acabar la película con Luis Tosar. Por decirlo rápido: a nadie le importa Tosar, se trata de un secundario (de lujo, eso sí) toda la película, el auténtico protagonista es y será el Uruguayo.
El plano anterior, en el que se despiden del metro, encaja a la perfección para concluir pero se va más allá y se incluye una coda pretendidamente espectacular que sólo busca rimar con el inicio pero ensucia el cierre. Volviendo al Uruguayo, ese es el personaje con el que el espectador se ha identificado verdaderamente, es el más rico en matices y el mejor interpretado, por eso el final, que estaba dejando buen sabor de boca, se desinfla de golpe.
Otro elemento exasperante de la película está en el banal retrato de la estupidez de un personaje, una ruptura de tono que tiene lugar en varios momentos y abarata sin motivo el thriller en favor de una comedia paupérrima. Da la sensación de que el guionista haya sentido una gran inseguridad y necesite dejar bien claro que este personaje no tiene muchas. Tiene lugar por tanto un gran error de integración narrativa: es esencial contar que este personaje es tonto por lo que hará más tarde, pero está tan absolutamente descolgado de la película que parece encajado a la fuerza. La solución podría haber sido integrar la estupidez del personaje en otras secuencias de la película, sembrarlo poco a poco, pero durante más tiempo.
En general Cien años de perdón es una película que se deja ver, es entretenida y a nivel narrativo está bien llevada, aunque hay que creerse demasiadas cosas para poder disfrutarla y puede llevar al espectador a la desesperación por su empeño en emular un estilo de thriller, el norteamericano, al que no sabe cómo llegar en ningún aspecto.
Texto publicado originalmente en La Verdad Extática.
A pesar de contar con únicamente siete largometrajes realizados, Alejandro Amenábar está dentro del grupo de directores más prestigiosos y populares de nuestro país. Con su última película aún en salas comerciales y haciendo un buen papel, es un buen momento para hacer un repaso comercial por su filmografía.
Tesis
Alejandro Amenábar no pudo comenzar mejor su filmografía. De la mano de José Luis Cuerda sacó adelante este proyecto, un thriller con Ana Torrent, Fele Martínez y Eduardo Noriega. Obtuvo muy buenas críticas en el Festival de Berlín y se llevó a casa siete goyas, entre ellos el de mejor película de ese año, 1996. Todo ello se reflejó en taquilla. Obtuvo más de 2,64M€ gracias a 854.000 espectadores. Y Amenábar estaría ya en boca de todos.
Abre los ojos
No hubo que esperar mucho para poder ver su siguiente obra: Abre los ojos se estrenaría al año siguiente, en 1997. Película de ciencia ficción con Eduardo Noriega y Penélope Cruz, pasó de nuevo por el Festival de Berlín obteniendo otra vez grandes críticas. Esta película fue el salto de Amenábar y recaudó 6,44M€ de recaudación gracias a 1.794.000 espectadores.
Tom Cruise, además, compró los derechos para realizar su propia versión.Vanilla Sky, que se estrenó en Norteamérica en las navidades de 2001. La cinta fue un éxito allí. Con un presupuesto de 68M$, recaudó en EEUU más de 100M$ y en el resto del mundo otros 102M$. En España, claro, a pesar de Tom Cruise y Penélope Cruz, que repitió papel y que empezaba sus pasos en Hollywood, recaudó “solo” 2,55M€ gracias a 581.000 espectadores.
Los otros
Ese mismo año 2001, Amenábar estrenó su tercer largometraje, Los otros, cinta más cercana al terror con Nicole Kidman como protagonista (y Tom Cruise de productor ejecutivo). Y fue todo un boom comercial. El mayor del director hasta el momento.
En España recaudó más de 27,25 millones de euros gracias a más de 6.410.000 espectadores. Es la decimosexta película más taquillera de todos los tiempos en España. A nivel internacional, su éxito no fue menor. En Norteamérica recaudó 96M$ y en todo el mundo más de 209M$. Si su presupuesto fue de 17M$, la película fue mucho más que rentable. Y no solo fue bien en taquilla: el filme ganó ocho premios Goya, entre ellos el de mejor película y director.
Mar adentro
Hubo que esperar tres años hasta que en 2004 presentó su siguiente película, basada en la historia de Ramón Sampedro y su defensa de la muerte digna. Mar adentro ganó catorce goyas, entre ellos el de mejor película y director, y, por supuesto, el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. En taquilla, sus cifras no son como las de Los otros pero son enormes también. En España obtuvo 19,83 millones de euros gracias a más de 4.099.000 espectadores. En todo el mundo obtuvo más de 38M$.
Ágora
Ya en 2009, Alejandro Amenábar estrenó su siguiente película, Ágora. La cinta contó con el mayor presupuesto jamás para un filme español, 50 millones de euros. Se estrenó en España con unos fantásticos 5,36M€ para terminar su paso por salas españolas con más de 21,39M€. Son datos muy buenos pero que no pudieron cubrir los costes de producción. En España la cinta fue muy bien, pero en el extranjero la cosa fue un tanto peor. Sin premios que aupasen a la película, obtuvo en total 39M$.
Regresión
Si entre Mar adentro y Ágora esperamos cinco años, entre ésta y la siguiente, Regresión, pasaron seis. Quizás por un cierto olvido o por unas críticas menos entusiastas, lo cierto es que la película no tuvo tanta repercusión como las anteriores. Se estrenó con 2,55M€ y llegó a recaudar 8,95M€ gracias a 1.444.000 espectadores. Es la obra menos vista del director desde Tesis.
Mientras dure la guerra
Ya este mismo año, Alejandro Amenábar ha estrenado su última película, Mientras dure la guerra. Sin contar con el apoyo de una gran televisión detrás, el director ha sabido sacar adelante entre el público su visión de la Guerra Civil a través del personaje de Unamuno.
La película empezó de una manera aun discreta con 1,21M€ pero el mantenimiento de la cinta está siendo más que bueno. Tras cuatro fines de semana, ha recaudado más de 6,5M€ y, lo mejor, es que superará probablemente los 10M€ en total, mejorando lo obtenido por Regresión. Es cierto que no son los datos de sus películas más famosas, pero es un buen punto de inflexión para devolver al director a la senda del éxito en taquilla.
La nueva película de Alejandro Amenábar, Mientras dure la guerra, ya está entre las tres películas españolas más taquilleras del 2019. El filme sobre Miguel de Unamuno acumula ya más de 6 millones de euros -según su productora, 6,5M €-, y supera así por más de un millón a la tercera clasificada hasta ahora, Dolor y gloria (5.756.448 €). La potente recaudación de este fin de semana vuelve a darle un importante impulso a la producción de Movistar +, que supera ya el millón de espectadores.
El recorrido comercial de la último del director Tesis está siendo importante. Con cuatro viernes ya a sus espaldas, sigue compitiendo de tú a tú con las grandes producciones norteamericanas: sólo dos grandes estrenos como Maléfica: Maestra del mal y Abominable la han apeado del segundo puesto este fin de semana. Frente a una intratable Joker, la película de Amenábar había aguantado sus buenos promedios de recaudación con el paso del tiempo, algo que ha seguido haciendo también estos últimos días, donde baja menos del 30% con respecto al último recuento semanal.
Tras esta nueva escalada de posición, sólo hay dos películas que hayan superado a Mientras dure la guerra en venta de entradas: las comedias Lo dejo cuando quieray Padre no hay más que uno, que no ha acabado aún su exitoso paso por los cines. Es decir, Mientras dure la guerra es la película española, fuera del humor, a la que mejor le ha ido en taquilla en 2019. En un mercado estatal dominado por las comedias, es noticia: hay que remontarse a 2016 para encontrar algún drama entre las tres españolas más taquilleras (Palmeras en la nieve y Un monstruo viene a verme).
¿Alcanzará Mientras dure la guerra a Lo dejo cuando quiera (11,3M €) en la segunda posición? Es difícil, pero no imposible. Cuando la comedia de Carlos Theron alcanzó su cuarto fin de semana consecutivo en los cines, acumulaba ya 8,2 millones en su hucha particular. Millón y medio más de lo que lleva ahora mismo el filme de Amenábar (6,5M €). Es decir, la perspectiva es que se llegue sin problema a los 10M €, pero se pone complicado alcanzar los once con este ritmo. La esperanza a la que se pueden agarrar sus productores y su distribuidora es que se llegue con garantías a la siempre rentable y cercana Fiesta del Cine (28, 29 y 30 de octubre). Tres días de descuentos en los que se disparan las recaudaciones de algunas películas elegidas.
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Fotograma de ‘Sin techo’, de Xesc Cabot y Pep Garrido
Fotograma del documental ‘El cuadro’, de Andrés Sanz
