Las tres mellizas, la popular serie de dibujos animados de los años 90 basada en los cuentos de Roser Capdevila, tendrá una versión actualizada al siglo XXI de la mano de la productora barcelonesa Brutal Media, según ha adelantado en exclusiva la revista Variety. Otra noticia que demuestra la buena salud de la animación española.
Parte del equipo responsable de la serie original de Las tres mellizas, emitida entre los 90s y 2000s, participará en el nuevo proyecto, encabezado por Raimon Masllorens, CEO de Brutal Media. Por ejemplo, Jordi Gasull, guionista y productor Las aventuras de Tadeo Jones y Atrapa la bandera, que dirigirá la escritura de la serie. La fidelidad al original está asegurada porque la autora de los libros, Roser Capdevila, supervisará la dirección de arte.
La serie de televisión de Las tres mellizas se emitió entre 1997 y 2003, alcanzando los 140 episodios y siendo traducida a 35 idiomas y emitida en 158 territorios. Tuvo dos spin-off, La bruja aburrida (1999-2000) y Las tres mellizas bebés (2005), además de una película para televisión, también de 2005: Las tres mellizas y el enigma de Don Quijote.
Producida originalmente por la radiotelevisión pública catalana, la serie ha continuado en emisión en TV3, La 2 o el canal Clan de RTVE. Online ha acumulado más de 30 millones de reproducciones en diferentes formatos en los últimos años. En el mercado secundario Las tres mellizas tienen más de 500 productos licenciados con 10 millones de unidades vendidas y más de 2 millones de libros comprados en 20 idiomas.
Tres mellizas con casi 40 años
La franquicia nació en 1983 con los libros de Roser Capdevila, que basó a las niñas en sus propias hijas, ya adolescentes en aquél momento puesto que nacieron en 1969. La autora recibió en febrero de 2010 la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes por el Consejo de Ministros de España y fue condecorada con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña.
Este proyecto llega tres años después de que la escritora ganase un largo proceso judicial contra la productora Cromosoma, a la cual había cedido los derechos de su creación en 2010 para la producción de un largometraje para cines. El proyecto nunca vio la luz dado que Capdevila abandonó el mismo al entender que no se estaba respetando el espíritu de los cuentos originales.
En 2013 la escritora acabó demandando a la productora, que pretendía mantener los derechos de explotación e incluso la posesión de ilustraciones originales. Un año antes Cromosoma había entrado en concurso de acreedores y usaba como aval la propiedad de los personajes. Finalmente en 2017 se resolvió el contencioso, regresando los derechos a manos de Capdevila y siendo indemnizada con 381.000 euros por la usurpación ilícita de los mismos.
Ambición y respeto
Los responsables de Brutal Media han explicado que en la serie actualizada, ambientada 20 años después de la primera terminada, el trío representará a la próxima generación de trillizos y, según Brutal, «experimentará nuevas aventuras para una nueva generación, viajando una vez más a cuentos clásicos y descubriendo personajes de la historia, tal como lo hicieron sus padres».
«Nuestro entusiasmo y ambición detrás del relanzamiento de Las tres mellizas solo pueden ser igualados por el respeto que tenemos por una de nuestras creaciones infantiles más exitosas y rentables internacionalmente«, explicó Masllorens. «Su mundo y sus valores han trascendido los confines de la pantalla durante varias generaciones, y su relevancia y potencial hoy es tan obvio que volver a visitarlos está demostrando ser una experiencia increíblemente gratificante».
El interés en los personajes y su potencial éxito actualizados a los nuevos consumos de ficción es tan obvio como para que incluso haya sido pasto de las célebre fake news. En 2019 las redes recogieron un presunto diseño para un remake por parte de Netflix de Las tres mellizas al estilo de la animación de CalArts (Steven Universe o El mundo de Gumball) que era en realidad un fanart de un artista chileno.
No es casualidad que, en el arco de año y medio, hayamos tenido varias películas españolas que rescatan a mujeres maltratadas y olvidadas por la historia. El campo abierto y las gafas violetas han hecho posible Elisa y Marcela, La isla de las mentiras, María Solinha y, muy pronto, La vampira de Barcelona. A esta lista se le puede sumar fácilmente esta interesante Akelarre, que, sin embargo, se desmarca del relato histórico concreto de mujeres reales para arder en pura libertad feminista.
Es cierto que la inspiración de la película de Pablo Agüero sí es real: Akelarre se apoya -en contexto histórico y creencias demoníacas, principalmente- en las memorias de un juez francés, Pierre de Lancre, que protagonizó y relató las decenas de casos en el País Vasco de mujeres acusadas de brujería y posteriormente condenadas a muerte. Lancre se transforma libremente en Rostegui (el incombustible Álex Brendemühl), que se centra en un rito satánico supuestamente protagonizado por un grupo de jóvenes de un pueblo vasco.
La película empieza rápida, algo confusa -incluso con un salto de eje frente al fuego- y sin encontrar su tono entre lo atropellado de los sucesos y la gravedad de los hipócritas inquisidores. Pero poco a poco va llegando a la forma que más le conviene gracias al duelo entre Ana (Amaia Aberasturi), una de las chicas acusadas, y el juez. En esa relación se da rienda suelta a una serie de choques dialécticos y una dinámica de relaciones de poder que coloca los temas de la película en el lugar que más le convienen.
Acusadas de brujería sin posibilidad de defensa real, Ana se atreve a cambiar las reglas del juego impugnando, desde su propia imaginación, el relato demoníaco con el que sentencian los inquisidores. La principal reivindicación de la película, la defensa de la libertad de unas jóvenes mujeres reprimidas, se vuelve así natural, provocadora y contundente. Esto es lo mejor de Akelarre: hace feminismo radical y colectivo desde la propia forma narrativa y sin proclamarlo demasiado, algo que habría resultado anacrónico en el siglo XVII.
La película llega así a su momento de éxtasis cada vez más fuerte y acaba en un final litúrgico y fantasmal que da pie a distintas interpretaciones sobre lo que ha sucedido en pantalla. Con este discurso feminista troncal ya coherente, brillan además otros aspectos de la producción: los minuciosos encuadres y los planos detalle, el gran trabajo de luces y oscuridad esotérica de un fuera de serie como Javier Agirre Erauso (director de fotografía) o unas interpretaciones -muy atentos a Aberasturi- que sí encuentran el carácter que se les pide.
Aunque no pone nombres y apellidos de mujeres que realmente sufrieron estos procesos, paradójicamente Akelarre es la película histórica española reciente que mejor reivindica la memoria de estas mujeres olvidadas. Porque la resignifica. El filme propone un discurso que no se queda en la denuncia del maltrato de un mundo de hombres y su secular silencio interesado, sino porque plantea, mirándote a los ojos, una insumisión que permite imaginar un mundo que esté contado entre todas y todos.
La nueva serie de Pau Freixas para Movistar+, Todos mienten, comienza a grabar el próximo lunes 5 de octubre con Irene Arcos como protagonista. Una miniserie de seis episodios ambientada en Barcelona que cuenta en su reparto con Natalia Verbeke. Se trata de una serie original de Movistar producida en colaboración con Filmax.
Pau Freixas (Pulseras rojas, Sé quién eres) es el creador, director y guionista de este thriller de seis episodios que cuenta cómo Macarena (Arcos), una profesora residente en una exclusiva urbanización, se convierte en una paria social tras conocerse que ha mantenido una relación con uno de sus alumnos. La serie se rodará en Barcelona y alrededores durante 12 semanas.
En palabras del propio Freixas, «Todos mienten es un rompecabezas, un misterio, un puzzle. Igual que la cabeza de nuestras protagonistas, la serie es un enigma; y cuando consigamos entenderlas, veremos que más allá de juicios morales, sus miedos y sus ilusiones se parecen mucho a las nuestras propias».
Pau Freixas en una imagen promocional de Todos mienten. Foto: Daniel Escale/Movistar+
Irene Arcos (El Embarcadero) como Macarena, y Natalia Verbeke (El otro lado de la cama, Doctor Mateo) en el papel de Ana lideran el reparto junto al ganador del Goya Leonardo Sbaraglia (Felix, Dolor y Gloria) como Néstor, y a Ernesto Alterio (Perfectos desconocidos, Narcos) como Diego.
Completan el reparto principal de Todos mienten Miren Ibarguren como Maite; Juan Diego Botto como Sergio; Eva Santolaria como Yolanda; Amaia Salamanca como Sofía; Jorge Bosch como Arturo; y los jóvenes Lucas Nabor como Iván; Carmen Arrufat como Natalia; Berta Castañé como Lucía, Marc Balaguer como Óscar y Lu Colomina como Iris.
Un cuerpo sin vida como inicio de la trama
El reparto joven de Todos mienten. Foto: Daniel Escale/Movistar+
La sinopsis de Todos mienten difundida por Movistar+ cuenta que la apacible vida de los vecinos de la urbanización costera de Belmonte cambia radicalmente el día en que aparece en las redes un vídeo sexual de Macarena, profesora de la escuela, e Iván, uno de sus alumnos mayor de edad.
Este hecho sacude la vida de todos ellos, especialmente de Macarena, quien es repudiada por su familia y sus vecinos, incluyendo a Ana, su mejor amiga y madre de Iván. Las cosas en el pueblo se complican aún más cuando aparece el cuerpo sin vida de uno de los habitantes de Belmonte en el acantilado. ¿De quién es el cuerpo? ¿Tiene algo que ver esta muerte con el vídeo sexual de la profesora y el alumno?
Paquita Salas no ha acabado, aún queda más. Sus creadores, Javier Ambrossi y Javier Calvo, Los Javis, han confirmado en una entrevista para el programa Tarde lo que tarde de Radio Nacional que el personaje tendrá una cuarta temporada, además de la continuidad que le da la publicación de sus memorias ficticias.
Los productores y directores se encuentran en plena campaña de promoción de Paquita Salas: Superviviente. Mis memorias, también de su propia autoría y que constituye la autobiografía no oficial del personaje de la serie de Netflix. En numerosas entrevistas no han dudado en afirmar que «queda Paquita Salas para rato«.
El personaje interpretado para Brays Efe es para ellos «una superviviente del mundo del espectáculo» que les ha dado la lección «de que en la vida hay que ir adaptándose«. Lanzadas el pasado 23 de septiembre, las memorias de la representante de ficción repasan su niñez y episodios «desconocidos» como cuando intentó fichar al niño protagonista de Manolito Gafotas.
Los Javis y Brays Efe caracterizado como Paquita Salas en un rodaje. Foto: Netflix.
Los creadores de La llamada tienen en estos momentos en emisión en Movistar+ Veneno, la biografía en formato serie de Cristina Ortiz, la Veneno, que incluso ha pasado algunos de sus capítulos por salas de cine con respaldo del público. También preparan una nueva serie para TNT «basada en un juguete roto de la industria española del entretenimiento«.
30 monedas, el thriller sobrenatural de Álex de la Iglesia para HBO, ya tiene mes de estreno, aunque no fecha concreta, y tráiler. La plataforma lanzará la miniserie de ocho episodios el próximo noviembre, en un día aún por determinar, según ha anunciado la propia HBO en sus redes.
Estrenada en el reciente Festival de Venecia, 30 monedas cuenta en su reparto con Eduard Fernández como el protagonista y Megan Montaner, Miguel Ángel Silvestre, Macarena Gómez, Pepón Nieto o Manolo Solo, entre otros. Para el guión de la Iglesia ha colaborado una vez más con Jorge Guerricaechevarría.
30 Monedas narra la historia del padre Vergara, el cura de un pueblo de la España profunda, exorcista, boxeado y exconvicto. Llegó allí huyendo de su pasado, pero este le perseguirá cuando se descubra que en la localidad se encuentra una de las 30 monedas por las que Judas vendió a Jesucristo, un objeto de gran poder debido al sufrimiento asociado a él.
La serie ha sido calificada de «satanismo castizo» o, por el propio director, de «thriller teológico«. Será la segunda serie de Álex de la Iglesia. La primera fue hace más de una década: Plutón BRB Nero, una serie cómica de ciencia-ficción que tuvo dos temporada en TVE.
El arte toma valor cuando adquiere ese carácter universal de poder ser percibido y apreciado por cualquier persona independientemente de su raza o cultura, cuando suspende el tiempo en un instante eterno, cuando es capaz de transmitir su mensaje sin necesidad de palabras. Esta es la concepción de la creación artística que está detrás de Jaume Plensa, artista catalán y protagonista absoluto del documental ¿Puedes oírme? (Pedro Ballesteros, 2020), película presentada en el pasado y atípico DocsBarcelona y que se alzó con el Premio del Público en dicho certamen.
¿Puedes oírme? constituye un acercamiento al trabajo de un artista cuya obra se disemina por todo el mundo. Pensado como un viaje de ida y vuelta, al modo homérico, la película se convierte en un ilustrativo tour, guiado por el propio creador, por aquellas sugerentes esculturas instaladas en Nueva York, Tokio, Chicago o Madrid, que dan fe de la relevancia que en las últimas décadas ha adquirido la obra de Jaume Plensa a nivel internacional.
Sin perder nunca de vista sus orígenes, desde ese polígono de Sant Feliu de Llobregat donde trabaja, vemos la labor creativa de un artista cuya concepción del arte remite, en cierto modo, a su acepción más primitiva, aquella donde el arte se funde con la techne, en sentido griego. “Yo soy artista de polígono”, afirma orgulloso Plensa durante la película. Para dar forma a esas ideas creativas que boceta en un papel, cuenta con un nutrido número de operarios y técnicos que terminan dando forma y relieve a esas grandiosas esculturas de hierro o acero, en una forma de crear de reminiscencias cosmológicas.
A través del sugerente viaje que nos propone Pedro Ballesteros, iremos descubriendo de una forma didáctica los lugares comunes que recorre la obra de Jaume Plensa, un vagabundeo por desolados bosques y grandes urbes que se convierte, en el fondo, en una forma de autodescubrimiento personal. En un deseo casi obsesivo por integrar el arte dentro del espacio público, comprobamos cómo su obra se mimetiza a la perfección en el entorno llegando incluso a desvanecerse, como es el caso de “Invisibles” (2018), colección que expuso en el Palacio de Cristal de Madrid.
El alfabeto como expresión del entendimiento humano, el agua como elemento primigenio que dio vida al mundo, el silencio como invitación de la armonía interior. Todos estos motivos confluyen en una obra de gran calado conceptual y sinuosa plasticidad. “Muchas veces he envidiado a mis esculturas, porque están en un lugar privilegiado y solas”, afirma el artista rememorando su obra “Anna” (2015), uno de esos rostros femeninos inmortalizados en posición meditabunda.
Como Ulises, el documental nos muestra a un Jaume Plensa de regreso a casa, Barcelona, aquel que fue el punto de partida del viaje que lo llevó a forjarse como artista y que le hizo entender su trabajo como una forma de unir puentes entre las personas con el único fin de consolidarnos como comunidad.
El artista catalán termina concibiendo su obra al modo de Torre de Babel. Esta opción remarca algo que al mismo tiempo nos diferencias y nos une: el lenguaje como logos, aquello que nos decía Aristóteles que hacía posible la sociedad y que Jaume Plensa lo tatúa en esas figuras de posición recogida o esas esfera que no son más que “Voces” que buscan, en una idea con grandes referencias pitagóricas, la armonía social y cósmica.
Ese monólogo del artista que recorre toda la película, en torno a grandes reflexiones sobre el arte expresadas con su característica voz grave pero de tono pausado, son el correlato perfecto de la obra artística del escultor representada en su gran mayoría por figuras grandilocuentes a nivel visual pero que al mismo tiempo invitan al sosiego espiritual del espectador.
¿Puedes oírme?, salvando las distancias, me ha recordado a Una escalera al cielo: El arte de Cai Guo-Qiang (Kevin Macdonald, 2016). Ambos, documentales de gran fuerza visual y marcado carácter testimonial que ahondan en las inquietudes creativas expresadas en primera persona de estos dos artistas. Una forma de creación artística que en los dos casos invitan a mirar hacia arriba, ya sea a modo de artificio pirotécnico o de esculturas gigantescas.
Almodóvar. Pedro Almodóvar. ¿Es que no saben que en este pueblo es verdadera devoción lo que hay por Almodóvar? Como Almodóvar vuestro que soy, os debo una explicación, y esa explicación que os debo, os la voy a pagar. Almodóvar es algo muy cómodo. Se le puede echar la culpa de todo
El Almodóvar no es solo patrimonio de los hombres. De hecho, los hombres con Almodóvar o son maricones o fachas. O ambas cosas a la vez. Para las cosas malas las dos juntas, pero para Almodóvar tú sola. Porque no es a Almodóvar a quien le gusta el cine, sino el cine a quien le gusta Almodóvar.
¿Cómo se puede ser machista con semejante Almodóvar? En Almodóvar todo es de mentiras. Es un truco. Ay, Almodóvar, excepto beber, qué difícil me resulta todo.
Almodóvar, un admirador, un amigo, un esclavo, un siervo. ¡Qué me va usted a contar, Almodóvar!
Pero al fin y al cabo, ¿qué ha hecho Almodóvar por nosotros?
Acción mutante, la primera película de Álex de la Iglesia, fue también la primera que produjeron Agustín y Pedro Almodóvar no dirigida por el segundo. Si uno rebusca en la hemeroteca, aparte de darse cuenta de lo mucho que ha cambiado el cine español en estos 30 años en cuanto a identificar los géneros, se encuentra con una de esas frases de gran divo que suele usar el manchego:
«Estoy disfrutando más que cuando presento una película dirigida por mí. No estoy tan nervioso. La dirección es como tener un hijo -siendo la madre, por supuesto- y la producción es como tener un sobrino de un hermano al que quieres mucho. Es muy emocionante, pero no te va la vida en ello».
Hace unos días celebrábamos además que El silencio de los otros, el documental de Almudena Carracedo y Robert Bahar, pasaba ya de más de 40 premios y nominaciones en certámenes nacionales e internacionales. La película sobe la querella argentina y la Memoria Democrática es una producción de El Deseo, que empezó con Acción Mutante y hasta hoy sigue dando oportunidades al talento nacional. Por no mencionar El espinazo del diablo, Mi vida sin mí o Relatos salvajes.
Representatividad LGTBI
El personaje escrito por Javier Cercas en La velocidad de la luz llega en los 80 de profesor de intercambio a una Universidad en EEUU y lo primero por lo que le preguntan es qué le parecen las películas de Almodóvar. Él responde, y cito, «para demostrar su cosmopolitismo», que le parecen una mariconada. Así que sus compañeros de departamento, que son pareja, lo llevan a una discoteca gay sin decírselo, a que disfrute la experiencia.
No existen los sucesos sino los procesos. Antes, durante y después del éxito de Almodóvar rompiendo tabúes en los 80 existieron otros directores y directoras que reflejaron la diversidad de la sociedad española y abrieron debates y mentes, y en esta casa hemos hablado de ellos. Sin embargo, el éxito internacional del manchego y su entendimiento festivo y sin complejos de las relaciones si que contribuyeron a una normalización en la que decir eso que decía el personaje de Javier Cercas estaba cada vez peor visto. Algo solo al alcance de los clásicos.
Dos Oscar. Mínimo.
Mejor Película Extranjera por Todo sobre mi madre y Mejor Guión Original por Hable con ella, aparte de las nominaciones que no cuajaron. Bueno, y los cuatro Bafta. Y los cuatro César. Y los dos Globos de Oro. Y Mejor Director y Mejor Guión en Cannes. Y León de Oro a toda su trayectoria en Venecia. Vale, pero, ¿y aparte? Quizás el David de Donatello al Mejor Director Extranjero por Mujeres al borde de un ataque de nervios.
Marca España
¿Han visto ustedes El Ministerio del Tiempo? Aquí somos mucho de El Ministerio del Tiempo. Hasta esta cuarta y quizás última temporada nunca le habían dedicado el capítulo a un personaje histórico todavía vivo. ¿Y qué estaba en juego? ¿Qué había que lograr? Que Almodóvar conociese a Antonio Banderas.
Nosotros no le enmendamos la plana a la capital. No vamos por ahí dándonos pisto. Así que no dudamos que el talento de Antonio Banderas, Penélope Cruz, Javier Cámara o Javier Bardem habría cruzado el charco o recorrido Europa más tarde o más temprano. Pero todos sabemos cómo llegaron ahí en primer lugar.
E incluyo un recital de vírgenes como discurso de agradecimiento en la ceremonia de los Oscar.
Porque Almodóvar, como personaje más allá de la persona física que tendrá que lavarse los dientes todos los días, es POP. Quizás a estas alturas el único icono internacional que nos quede vivo en el cine español. Piensen que hay tres manchegos universales: Don Quijote, Iniesta y Almodóvar. Y solo Almodóvar no tiene una serie de dibujos animados.
La Academia de Cine
Bueno, miren esto mejor lo dejamos. Da igual por qué los hermanos Almodóvar se fueron de la Academia o qué premios se sigan llevando. Porque no se trata tanto de discutir si el disidente es el Frente Cinematográfico Popular o el Movimiento Almodovárico de Liberación, sino de combatir al enemigo común. No, el Frente Popular Cinemático no. Los romanos.
HBO España ha cerrado un acuerdo con Filmax para hacerse con los derechos de emisión de El Estado contra Pablo Ibar, la miniserie documental sobre el juicio a un español condenado al corredor de la muerte en EEUU, según adelantó ayer la revista Variety.
La serie, dirigida por el andaluz Olmo Figueredo y está coproducida por La Claqueta PC e Irusoin, se ha presentado estos días en el Festival de Cine de San Sebastián, donde se verán los dos primeros capítulos de los seis que la componen.
Según informa Variety, gracias a este acuerdo entre HBO España y Filmax El Estado contra Pablo Ibar se estrenará en España y Portugal a través de la plataforma de streaming en una fecha que aún no se ha especificado.
HBO España sigue en la línea de estrenar documentales que reflejan la actualidad reciente como El pionero y que también llevan otras plataformas como Amazon Prime Video con El desafío: ETA.
Acceso privilegiado al juicio
«Esta es una gran serie, comparable con algunas de las mejores series de crímenes reales jamás realizadas, y estamos seguros de que también funcionará muy bien fuera de España. En definitiva, también es una historia estadounidense, una historia latina y un programa con muchas capas», ha comentado Iván Díaz, director de Ventas Internacionales de Filmax.
La serie se ha grabado a lo largo de seis años y ha tenido acceso privilegiado al equipo legal de Ibar y a otros 50 fuentes, entre las que se encuentran víctimas, familiares, abogados, fiscales, testigos, jueces, policías y el propio acusado. Las cámaras del documental fueron las únicas a las que se permitió grabar durante las sesiones que se celebraron en el tribunal.
El equipo de Figueredo fue el único al que se permitió grabar el segundo juicio. El juez autorizó su acceso a la sala con siete cámaras y ocho micrófonos. Incluso permitió filmar los rostros del jurado y las discusiones entre la acusación y la defensa cuando la vista quedaba interrumpida.
Un caso mediático
Una conversación entre el juez y los abogados captada por las cámaras. Foto: La Claqueta.
En 1994 el español Pablo Ibar fue arrestado y sentenciado a muerte por un triple asesinato ocurrido en el sur de Florida. El crimen fue recogido por una cámara de seguridad oculta en una estantería de la vivienda donde se produjeron los hechos.
En las imágenes se podía ver a dos personas. El parecido de uno de los asesinos con Pablo Ibar sirvió para sentarlo en el banquillo de los acusados, aunque la baja calidad de las imágenes impedía asegurar que fuese él.
En 2016 y tras 16 años en el corredor de la muerte, los abogados de Ibar consiguieron reabrir el caso alegando numerosas irregularidades durante el proceso además de la debilidad e inconsistencia de las pruebas.
De nuevo en la casilla de salida, el documental empieza cuando Pablo Ibar se prepara para un nuevo juicio en el que la Fiscalía continúa pidiendo para él la pena máxima.
Black Beach existe ahí fuera. Conocida también como Playa Negra, es una cárcel ecuatoguineana cerca del mar y con fama de maltratar a sus reclusos. Esteban Crespo, director de Black Beach, coge prestado el nombre de ese lugar para construir su segunda película: un thriller de secuestros con Rául Arévalo y Candela Peña en el que apunta a una sociedad pisoteada por los intereses de las grandes corporaciones.
En Black Beach todo empieza y acaba en Carlos (Arévalo), un ejecutivo a punto de ser padre que busca un ansiado ascenso en un país africano donde se le ha encomendado la misión de resolver un secuestro. Aquí descubrirá sucesos vinculados a su pasado y a la trama económica y política que envuelve al caso. «Las capas principales de la película son la historia emotiva, personal y familiar, y luego la política, que tiene que ver con el gran dominio de las grandes empresas sobre los ciudadanos y los países», explica Crespo a Cine con Ñ.
La película presenta un país africano ficticio gobernado por una élite corrupta a merced del corporativismo. Aunque Guinea Ecuatorial puede parecer la obvia inspiración por la referencia a Playa Negra, Crespo asegura que la trama de la película es ficticia y que el problema de las imposiciones empresariales, la lucha por los recursos y sus duras consecuencias ocurren en todo el mundo. «No hay que irse muy lejos: esto se puede extrapolar también a España o al resto del mundo», asegura el cineasta, «los intereses económicos, que entran también en contradicción con intereses personales, están por todas partes».
Aunque Black Beach señala directamente a las grandes empresas que compran gobiernos y extraen recursos sin importarles cómo ni dónde, Crespo aclara que quiere huir de la caricatura malvada de los empresarios: «En las compañías de ese nivel trabajan personas que muchas veces simplemente no son conscientes de las consecuencias que tienen sus acciones. Cuando entras en una dinámica de trabajo y de competitividad tan extrema como las que tienen ellos, no pasar ciertos límites es muy difícil».
Además de los gobiernos y las empresas, en Black Beach también entran en escena organizaciones internacionales y ONGs, que cumplen un papel difícil en estos contextos económicos y sociales. «Estas organizaciones hacen un bien, con personas que lo necesitan. Su intención es buena y hacen lo que pueden. Pero si haces un estudio y vas a ver a dónde se destinan los recursos de cada país para cooperación y van a aquellos lugares donde tienen intereses económicos«.
Ante la ley del mercado, Crespo apunta a la importancia de establecer unos límites para proteger a los ciudadanos y a las instituciones de estas dinámicas, que asegura que siempre tienen alguna repercusión. «El verdadero drama es que todo pueda ser una mercancía. Tenemos que luchar juntos para que no sea así: hacen falta políticas fuertes, leyes, normativas o lo que haga falta para que haya un control, para que haya repercusiones luego», dice el director.
El envoltorio elegido para esta historia, donde Carlos se enfrenta también a circunstancias que le tocan emocionalmente, es el thriller. Un género que una vez más sirve a los cineastas españoles como lienzo atractivo sobre el que pintar sus inquietudes. «Me encanta el thriller también porque, como la comedia, te permite ser muy cañero en los temas que tratas. Es esa estructura divertida, que engancha, la que te arrastra hacia adelante», concluye Crespo. Black Beach se estrena en cines el 25 de septiembre.
Reyes de la noche, la serie de Movistar+ que reflejará el mundo de la radio deportiva en los 80, ha finalizado su rodaje y ya tenemos las primeras imágenes. La serie sigue sin fecha de estreno pero ya hemos podido ver a los protagonistas, Javier Gutiérrez y Miki Esparbé, caracterizados como estrellas de la radio deportiva en la edad de oro de este formato en España.
Movistar+ produce, en colaboración con Zeta Studios, Reyes de la Noche, una nueva comedia con dosis de drama creada por Cristóbal Garrido (Fariña, Cuerpo de élite) y Adolfo Valor (Lo dejo cuando quiera, Promoción Fantasma). La serie está inspirada en las batallas radiofónicas del periodismo deportivo de los años 90 y se estrenará en 2021.
Dirigida por Carlos Therón y Adolfo Valor, el reparto principal lo completa Itsaso Arana en el papel de Marga, una joven y brillante periodista.
Los seis episodios de 30 minutos nos sitúan a finales de 1980 y principios de 1990, una época en la que el periodismo radiofónico se hacía de una forma muy diferente a la actual. En tono de comedia, y a través de la rivalidad de estos dos personajes, la serie se desarrolla en un momento de cambio de nuestro país, que por fin entraba en la modernidad.
La historia de Reyes de la noche
Francisco Javier Maldonado, alias Paco el Cóndor (interpretado por Javier Gutiérrez), es el periodista deportivo más importante de la radio española en los 80. Los oyentes le admiran, los jugadores le temen, los presidentes de clubes (y el gobierno) le odian. Cada medianoche reúne a millones de oyentes junto al transistor. Desde hace años, el Cóndor no tiene rival. Hasta ahora.
Miki Esparbé coprotagoniza esta serie en el papel de Jota, la mano derecha de Paco el Cóndor. Él ocupará el hueco de Paco cuando su equipo se marche. Por su carácter, desaprueba las formas del que hasta ahora ha sido su mentor, pero pronto se dará cuenta de que sólo podrá competir con él usando las mismas armas.
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