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Formación para DOP
Cómo romper la dictadura del algoritmo visual: el futuro de la dirección de fotografía está en el pasado
©Escuela TAI
Arturo Tena
Artículo ofrecido por
Las películas y series que vemos se parecen demasiado. Las mismas imágenes oscuras, los mismos colores apagados y desaturados. Es una crítica cada vez más habitual en redes sociales, y que aparece con fuerza en estrenos esperados como la nueva serie de Harry Potter o El diablo viste de Prada 2. De las quejas sobre la ‘estética Netflix’ a los VFX poco trabajados, la sensación de que lo que vemos en salas y plataformas se ha homogeneizado para mal se ha instalado en la conversación pública.
Los expertos y profesionales del sector ya analizan estos cambios en la imagen cinematográfica mainstream. Como explican el crítico Javier Acevedo o desde el canal Fuera de Foco, detrás de determinados estándares hay una mezcla de razones y decisiones. Entre ellas, el abaratamiento de las grandes producciones —que afecta, entre otras cosas, a la posproducción digital—, la búsqueda de un look de prestigio exportable o las necesidades del streaming en cuanto a rangos dinámicos, compresiones y especificaciones técnicas.
En este contexto general de réplica y saturación algorítmica, termina destacando lo que se sale de esos patrones. Basta con ver lo que acaba premiándose: trabajos de fotografía como los de Los pecadores (Óscar por su retrato del Sur norteamericano de los años 30) o Sirât (Goya por absorber el sol del desierto) demuestran que un tratamiento de la imagen con personalidad propia marca la diferencia.
La fotografía en el cine, en busca de una sensibilidad artística
La dirección de fotografía más buscada es, por tanto, la que se centra en desarrollar una sensibilidad artística abierta al proyecto y las circunstancias. Mauro Herce, director de fotografía (DoP) de Sirât, ha explicado que pensaron en rodar en 35 mm anamórfico, pero que las condiciones de rodaje y el presupuesto les llevaron a filmar en 16 mm con lentes más resistentes. Un ejemplo de que una limitación convertida en una decisión concreta acaba por dar resultados.
“Hay que aspirar a descubrir una atmósfera visual diferente y original para cada película y para cada secuencia, tratar de obtener variedad, riqueza y textura en la luz, sin renunciar por ello a ciertas técnicas actuales», escribió —ahora traducido en Días de una cámara (Imprenta Dinámica)— el director de fotografía Néstor Almendros, ganador del Óscar por Días del cielo (1979) y colaborador habitual de cineastas como François Truffaut o Éric Rohmer.
Un maestro como Almendros ya refutaba la idea de que un buen DoP tenga que centrarse en estar a la última en ópticas o en las cámaras más potentes del mercado: «Las cualidades principales de un director de fotografía son la sensibilidad plástica y una sólida cultura. Lo que llaman ‘técnica cinematográfica’ no posee más que un valor secundario», pensaba.
Una carrera en dirección de fotografía con futuro
¿Cómo puede entonces un aspirante a DoP desarrollar el tipo de cualidades de las que hablaba Almendros? El responsable de la fotografía de Kramer contra Kramer hablaba de «desarrollar una apreciación de las artes» y citaba los «museos de pintura» como referencia de base para la iluminación. Desde la inspiración de los pintores holandeses para la iluminación de Barry Lyndon (1975) hasta el simbolismo en El faro (2019), la historia del arte ha sido una base ineludible para los grandes directores de fotografía de la historia del cine.
Estos postulados clásicos del arte como fuente para dar alma y autoría a las películas son uno de los principales legados que dejan los mejores profesionales a los directores de fotografía del futuro. Otro referente como José Luis Alcaine, colaborador habitual de, por ejemplo, Pedro Almodóvar, ha explicado cómo pintores como Joaquín Sorolla han influido en su manejo de la luz en el cine.
Los ciclos formativos empiezan a tener en cuenta el valor al alza de profesionales con este tipo de bagaje y capacidad de relación multidisciplinar. El Grado en Cinematografía de la Escuela TAI busca romper ese tipo de aislamiento de las escuelas técnicas tradicionales fomentando que los alumnos del Grado crucen sus proyectos con los de Bellas Artes, Artes Escénicas o Composición Musical.
Junto a las certificaciones oficiales de referencia del mercado (ARRI, Sony y Avid Media Composer según la especialidad) y el respaldo de más de 800 acuerdos con productoras del sector, la inmersión artística que ofrece TAI busca ser diferencial: «Mucho de nuestro alumnado ha iniciado sus carreras profesionales de la mano de compañeros y compañeras de disciplinas diferentes, o han desarrollado sus primeras reels gracias a la colaboración en proyectos interdisciplinares. La convivencia de diferentes materias que, al fin y al cabo, son afines entre sí, en una misma universidad de artes siempre es positiva», señala Irene Garcés (cineasta, docente y directora del área de másteres de cine en TAI).
Parece claro que el futuro de la cinematografía no se escribirá a base de píxeles y reciclajes de IA, sino con ideas visuales originales que puedan nacer desde la artesanía, la atención por la realidad y el legado de otros artistas. La industria del mañana necesitará más que nunca de estas miradas.
