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El asesino de los caprichos: previsible policíaco con una novedad

Una de las construcciones más repetidas dentro del género policíaco en el cine es la pareja de agentes. De distinta clase y condición, ambos han pasado por muchas cosas en la vida y generalmente suelen tener personalidades opuestas. Y esta diferencia suele revelarse útil para resolver el caso, objetivo último de este tipo de películas. El asesino de los caprichos se construye sobre este conocido esquema, pero con una diferencia fundamental: las dos partes de la pareja de policías son mujeres.

Realmente esto es lo único original de la película, que narra la búsqueda de un asesino en serie que reproduce los caprichos de Goya en sus crímenes. Las víctimas tienen en común vivir solas, en el acomodado barrio de Salamanca de Madrid y poseer algún grabado del pintor aragonés. La pareja protagonista sigue los pasos pautados del género policíaco, y entre entrevistas con allegados de las víctimas, puntuales referencias a la corrupción policial y contratiempos con la prensa irán estrechando el cerco hasta dar con el asesino.

Lo más interesante, decíamos al principio, es la novedad que supone que la pareja de policías esté formada por mujeres. Y ya. Porque estos personajes ya los hemos visto muchas veces, aunque fuera con barba. Policía de carácter que vive solo para su trabajo, que fuma y bebe sin parar, y policía que compagina como puede su vida laboral con la familiar. Maribel Verdú y Aura Garrido son dos buenas actrices y tiran de oficio para llegar a la línea de meta, pero poco más pueden hacer con unos personajes tan planos.

El asesino de los caprichos: previsible policíaco con una novedad 1

A pesar de lo previsible El asesino de los caprichos se deja ver, y resulta entretenida entre paseos en coche por el centro de Madrid y visitas al mundo de coleccionistas de arte. Pero no deja de sorprender el poco riesgo a la hora de explorar algunas subtramas o de zambullirse en el prolífico formato de la buddy movie, así como la poca imaginación formal, que nunca abandona la corrección. Aplica aquí el tópico de que se ve con la misma facilidad que se olvida.

El Asesino de los caprichos es por lo tanto una correcta y rutinaria reproducción de un modelo ya probado con una única novedad. Surge entonces la pregunta malintencionada: ¿Qué diríamos si el mundo fuese solo un poquito mejor y no fuera noticia que dos mujeres protagonizaran una película de policías? Seguramente en el futuro encontremos casos así. De momento podemos hablar de una película entretenida a pesar de lo previsible, lo cual no está mal cuando la principal sorpresa la encontramos ya en el cartel.

 

Carlos Pintado Mas (@CarlosPM76)

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‘Lo que arde’ triunfa en taquilla: mejor estreno indie español del año

Muy buenas noticias desde la gran pantalla para la película Lo que arde. En su primer fin de semana en los cines, la película de Oliver Laxe se ha convertido en el mejor estreno español independiente de este 2019. Con 46 pantallas a su disposición, el filme gallego se ha embolsado 1.463 euros de media por copia. En total, ha conseguido 67.277 € y 10.966 espectadores en tres días. Unos números excelentes que suponen el arranque comercial más destacado del año para una película española con distribución nacional pero que tiene menos de 100 copias*. Supera así el inicio de media por copia de Vitoria, 3 de marzo, que con 51 pantallas se llevó 1.324 € de media en mayo.

La ganadora del Premio del Jurado (Un Certain Regard) en Cannes está convenciendo al público para ir al cine. Y parece que no sólo en el fin de semana. El lunes la película cerró el TOP 10 general de taquilla; un logro teniendo la competición que existe en la cartelera. Esto es un salto importante de exposición para la carrera de Laxe. En tres días ha conseguido casi los mismos espectadores que los que logró en total Mimosas, la anterior película del cineasta gallego. Un gran éxito también para la joven distribuidora independiente Numax, que se encargará también de distribuir este año la también gallega Longa noite, de Eloy Enciso.

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@buelos cumple, Paradise hills pincha

El estreno español que tenía más copias el pasado fin de semana era @buelos. La comedia de Santiago Requejo ha cumplido con solvencia llevándose 211.486 € de recaudación, aunando a 32.927 espectadores y con unos dignos 843 € de media por pantalla.  La película tiene una distribución muy importante (251 cines) de una importante multinacional como Entertainment One Films. Será clave su segunda semana para consolidar este inicio sólido.

El tercer y último filme español que llegaba a los cines el viernes 11 era Paradise Hills, de la bilbaína Alice Waddington. La película de ciencia ficción tenía 83 copias para debutar, pero no ha alcanzado para aprovecharlas: 18.957 € de recaudación y 2.937 espectadores para unos pobres 228 € de media por copia. La propuesta con estilo futurista que ha llevado a las salas Alfa Pictures no ha logrado seducir lo suficiente a los espectadores. Previsiblemente su número de copias caerá en su segunda semana.

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Mientras dure la guerra ya es la 4ª película española más taquillera del año

En la parte más alta de la tabla, la noticia está en Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar. En su tercer fin de semana ha registrado excelentes cifras de venta de entradas (1,1 millones de recaudación, baja sólo un 15%), y ya es la cuarta película española más taquillera del 2019. Con 5, 1 millones en el bolsillo ya el pasado domingo, previsiblemente durante esta semana la película sobre Miguel de Unamuno supere a Dolor y gloria (5,7M) y se coloque en el TOP 3 español del año, sólo con Lo dejo cuando quiera y Padre no hay más que uno por delante.

El viernes, el sábado y el domingo pasados únicamente la intratable Joker y el estreno de Abominable han podido con ella. Mientras dure la guerra se ha mantenido con unos grandes promedios de recaudación por copia (3.478 €), lo que han hecho que otros estrenos internacionales potentes como Geminis o Día de lluvia en Nueva York se hayan quedado muy lejos de la película de Amenábar en recaudación. Si este ritmo se mantiene una semana más, los diez millones al final del viaje son un objetivo más que alcanzable.

 

*Hay dos películas españolas que han tenido mejor promedio en su estreno que Lo que arde este año: Las manos de la virgen (2.373€) y Barcelona 1714 (2.362€). No se han categorízado como estrenos independientes de distribución nacional por su testimonial exhibición en el primer caso (Las manos de la virgen), y por estar circunscrito su distribución a Cataluña (Barcelona 1714) en el segundo.

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‘Mientras dure la guerra’: ¿Eficaz crónica histórica o fallida tesis de Amenábar?

Carlos Pintado Mas: Compañero, me temo que no comparto demasiado tu postura sobre Mientras dure la guerra.

Arturo Tena: No me digas. Cuéntame.

C.P.M: Yo he visto en la película una eficaz crónica histórica. Con elementos que podían hacerse mejor o directamente sobran (pienso principalmente en los flashbacks), un clasicismo formal tan correcto y aseado como poco estimulante y una presencia de música un tanto excesiva. Pero, antes que nada, una eficaz crónica histórica partiendo de la figura de Unamuno rodada con mucho oficio y con excelentes interpretaciones.

A.T: Sí, no estamos de acuerdo principalmente porque la «eficaz crónica histórica» no la veo en ninguna parte. Amenábar no plantea un simple relato de los hechos, sino una tesis sobre qué significó el personaje de Unamuno en aquel momento, y, a través de él, plantear un camino alejado de la dos Españas. Hay una intención detrás de intelectualizar una postura. Por eso no es eficaz: porque Mientras dure la guerra no es capaz en esas casi dos horas de plantear un discurso elaborado a nivel político, y toda la preparación del climax en el Paraninfo es muy fría porque a nivel emocional se resuelve todo de forma bastante simple.

C.P.M: No lo termino de ver esto que dices. Unamuno es una figura demasiado compleja como para representar a nadie más que a sí mismo. Como figura central de la narración me parece eficaz porque vive un proceso interior que, aunque con subrayados innecesarios en forma de flashback o de alguna de las conversaciones que tiene con la familia, sí que se muestra de forma eficaz, sobre todo a través de las conversaciones que tiene con su amigo Santiago Vila. Creo que es más fino el retrato del bando nacional, pero el de Unamuno me parece correcto y más allá de alguna licencia que se haya tomado Amenábar la película lo refleja bien.

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A.T: Ahí creo que no nos entendemos. Pienso que cuando se analizan figuras históricas se puede ir más allá, y un cineasta como Amenábar recoge el guante y utiliza una figura de mucha enjundia para unos conceptos muy determinados. Y eso lo fuerza a nivel intelectual y no conecta a nivel dramático. En lo que sí estoy de acuerdo contigo (no todo va a ser disputa) es en lo de la finura del bando nacional. Ahí sí que se componen símbolos, producción potente y matices en la psicología de Franco. Es que es justo eso lo contrasta tanto con Unamuno. Amenábar parece más interesado en Franco que en el escritor, ¿no crees?

C.P.M: No sé si interesarle más, pero desde luego sí que creo que le queda mejor. Los momentos de realpolitik dentro del bando nacional me parecen potentísimos, igual que la caracterización de Franco (y la interpretación de Santiago Prego). A mí personalmente me habría encantado que la película se centrara en eso. Pero no es el caso. Estoy de acuerdo contigo en que el contraste con cómo presenta a Unamuno no le sienta bien al conjunto, pero sigo en mis trece de que tomando al autor vasco como eje narrativo más que como protagonista la película funciona bastante correctamente.

A.T: Yo sigo en los míos: la película está estructurada para llegar al clímax en la famosa escena del Paraninfo. Ahí se concentra toda la épica. Y más allá de una buena puesta en escena, el momento pasa sin transmitir la energía que debería. Si es un eje narrativo, acaba de otra forma. No puede ser que Unamuno sea una excusa para hablar de otras cosas: es un pretexto demasiado importante. En él se concentra mucho del qué y cómo de Mientras dure la guerra. Todo para avanzar en esa escalada de revelación que lleva a esa floja escena en la Universidad de Salamanca el Día de la Raza.

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C.P.M: Claro, Mientras dure la guerra está encaminada a esa clímax pero por los propios hechos históricos (y sí, para ser el clímax no tiene demasiada fuerza). Por eso mi idea inicial de crónica. Me parece interesante lo que dices de que Amenábar concentra en Unamuno una parte importante de las ideas que quiere transmitir, pero no lo veo incompatible con la propia lógica interna de la película. Dicho de otra forma, no creo que Amenábar ponga en boca de Unamuno lo que quiere decir, sino que lo pone en el centro de una historia que quiere contar. Y ponerlo en el centro, por supuesto, ya es una decisión en sí misma relevante, pero me parece que la desarrolla con coherencia. En fin, no parece que en este punto vayamos a estar de acuerdo.

A.T: Sí, no es esa mi impresión. En Mientras dure la guerra veo demasiada necesidad de expresar eso que quiere poner en el centro, además, con palabras y no con imágenes. Hay mucha justificación, poca emoción y menos cine. Por poner una nota positiva, lo que sí le concedo a la película es que hace gala una vez más de la maestría de Amenábar en planificación de escenas y precisión técnica. Eso funciona como un reloj. Además, da muestras de una buena dirección de actores: todos están muy bien, especialmente Karra Elejalde, Santi Prego y Eduard Fernández. Sobre todo estos dos últimos.

C.P.M: Y otra cosa positiva que no se ha destacado (y si alguien lo ha hecho, lo siento, no lo he visto): la duración. Que una película de estas características, que se podía haber ido a las dos horas largas sin problema, dure una hora y tres cuartos, me parece que revela un muy buen trabajo de economía de escritura y ejecución.

 

Carlos Pintado Mas (@CarlosPM76) y Arturo Tena (@artena_)

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Mamen Díaz, Jaione Camborda o Polo Menárguez: nuevos cineastas españoles para el Festival de Sevilla

Tras conocer la semana pasada las primeras películas españolas confirmadas del Festival de Cine Europeo de Sevilla, ahora llegan todos los nuevos títulos del cine español que estarán en la capital andaluza. Buscando mezclar experiencia con nuevas caras, el certamen internacional ha seleccionado películas de autores conocidos (José Luis Guerin o Benito Zambrano) con los estrenos de nuevos creadores de nuestro audiovisual (El silencio del pantano, Una vez más, El plan). Además, se podrán ver algunas apuestas del cine español más independiente (Violeta no coge el ascensor, La reina de los lagartos, Cemetery. Amira o This Film Is About Me). Enciso (Longa noite), Serra (Liberté) y Sorogoyen (Madre) ya tienen compañía española.

 

Guerin y Zambrano, los veteranos 

Uno los rostros reconocibles en Sevilla será el de José Luis Guerin, cineasta nacional ya con una trayectoria extensa y muy reconocida. Guerin presentará De una isla, un corto de 25 minutos centrado en la isla de Lanzarote (Canarias) y la vida de César Manrique. Su mitología, sus orígenes, su naturaleza en una nueva aproximación del cineasta al documental tras la ficción La academia de las musas en 2015. El director también contará una proyección en Sevilla de su primera película, Los motivos de Berta (2014), a modo de homenaje.

El otro veterano del cine español en la ciudad andaluza será Benito Zambrano. El director de Solas estará en las proyecciones especiales del Festival (Special Screenings) con Intemperie, su vuelta al cine ocho años después de La voz dormida. La película, que inaugurará estos días la Seminci, adapta la novela de Jesús Carrasco sobre un niño que escapa de casa y se encuentra en su camino a un pastor (Luis Tosar), su compañero de viaje.

Mamen Díaz, Jaione Camborda o Polo Menárguez: nuevos cineastas españoles para el Festival de Sevilla 4Fotograma de ‘Intemperie’, de Benito Zambrano

 

Debuts sin competir: El silencio del pantano, El plan y Una vez más

Por el lado de los nuevos creadores, la capital andaluza también dará espacio en su 16 edición a cineastas que vienen pisando fuerte con sus primeras películas. Uno de los nombres propios será el de Marc Vigil, que presentará en la Sección Oficial – Fuera de Concurso su El silencio del pantano, una película que ya se estrenó en el Festival de Busan, en Corea del Sur. Vigil viene de una larga experiencia en televisión dirigiendo series como El ministerio del tiempo, Águila Roja o ahora Malaka. Da el salto en largo con esta historia de corrupción política en la Comunidad Valenciana que protagonizan Pedro Alonso o Carmina Barrios.

Como Zambrano, también vendrá de la Seminci Polo Menárguez. El director estará en Sevilla, en proyección especial, con su segunda película: El plan. Adaptación de una novela de mismo nombre de Ignasi Vidal, cuenta la historia de tres amigos en paro (Antonio de la Torre, Raúl Arévalo y Chema del Barco) que quedan una mañana para ejecutar un plan que les saque de su situación, pero todo empieza a torcerse. Su potente trío protagonista puede ser una de las bazas importantes para este filme, que se estrenará en cines el 21 de febrero.

Mamen Díaz, Jaione Camborda o Polo Menárguez: nuevos cineastas españoles para el Festival de Sevilla 5Fotograma de la película ‘El plan’, de Polo Menárguez

Otro que debuta en Special Screenings es Guillermo Rojas, que presenta la comedía sevillana Una vez más. Silvia Acosta y Jacinto Bobo son los intérpretes principales de esta historia de recuerdos y sueños de juventud a partir de un entierro. Rojas llega a la dirección tras una larga experiencia en labores de producción, entre las que destacan documentales como Elio Berhanyer, maestro del diseño o la reciente Mujeres, de Coque Malla. En ficción produjo la película El Rayo, que obtuvo grandes críticas en 2013.

 

Revoluciones Permanentes, el espacio para el cine español más atrevido

Otro lugar clásico para el cine español en Sevilla es el de Revoluciones Permanentes, la parte menos convencional del certamen. En ella podremos ver la primera película de Mamen Díaz: Violeta no coge el ascensor. Coescrita con la actriz protagonista, Violeta Rodríguez, la película cuenta la historia de una joven que se ve obligada a pasar el verano trabajando en una editorial en Madrid. En la película hacen cameos los hermanos Aixa y Julián Villagrán, y está narrada en su tráiler por Nacho Vigalondo. «Un homenaje castizo y punk de la película Hannah takes the stairs«.


La dupla de cineastas humorísticos Burnin’ Percebes (Fernando Martínez y Juan González) vuelven a la carga tras Searching for Meritxell e Ikea 2 con una película que se llama La reina de los lagartos. Un romance entre una mujer y un extraterrestre es la base para una nueva creación de esta pareja, que ha vuelto a contar con uno de sus viejos colaboradores delante de la pantalla, Javier Botet, que acompañará a Bruna Cusí (Verano 1993) como protagonistas de esta absurda historia. En Filmin puedes encontrar las dos obras anteriores de este peculiar tándem.

El artista visual Carlos Casas presentará en Revoluciones Permanentes Cemeteryuna «experiencia sensorial» sobre los cementerios de elefantes, uno de los lugares más misteriosos y desconocidos del mundo. Los cazadores furtivos en la jungla son el medio para conocerlos en esta película que está dividida en tres partes. La obra cinematográfica de Casas es ya extensa, y siempre se ha movido en el documental rodando por todo el mundo. Ahora ha contado con la producción de distintas entidades en Francia, Reino Unido, Polonia y Uzbekistán.

Además, se podrá ver el documental de 2017 Esta película es sobre mí, de Alexis Delgado, que cuenta la historia real de una mujer, Renata Felicitas-Soskey, que asesinó a su vecino y que cumple su pena por ello. Metarrelato que ya se pudo ver en DocumentaMadrid en 2018, el filme de Delgado llega ahora a un festival internacional como el sevillano. La película cuenta con la producción y fotografía de José L. Alayón, que también participó en películas como La ciudad oculta o Dead slow ahead.

Otro documental, aunque en tono muy diferente, es Big, Big, Big. Carmen Haro y Miguel Rodríguez han parido esta propuesta que nace a partir de la propuesta de ver 30 veces, en 30 días seguidos, el clásico norteamericano Big, protagonizado por Tom Hanks. Todo lo que surge a partir de cada uno de los visionados, junto a amigos o solos, es la base de esta película sobre cómo afecta el cine a nuestras vidas.

 

Arima, Zumiriki, Barzaj, Los páramos y Año cero, olas y continentes

Jaione Camborda es la única española -y la segunda directora que citamos en todo el artículo- que competirá en la Sección Las Nuevas Olas, espacio también clásico ya del Festival. Arima es la primera película de Camborda, cineasta que hasta el momento se había vinculado especialmente al Novo Cinema Galego tras empezar a vivir en Santiago de Compostela. Después de varios cortos y trabajos en producción, guion y dirección artística, Camborda da el paso de dirigir su propio proyecto en largo, un misterioso viaje en el que espera sobresalir entre las apuestas de Las Nuevas Olas.

En Las Nuevas Olas – No Ficción estarán Barzaj, del cineasta Alejandro Salgado y Zumiriki, de Oskar Alegria. Este último ya había pasado por el Festival de Locarno con su creación, y recientemente ha ganado el Festival de Cine Social de Perugia (Italia) con ella. La selección en Sevilla es otra nueva alegría para la inusual propuesta del cineasta navarro.  En cuanto a Barzajse trata de un acercamiento diferente a la realidad de los llamados MENAS, que intentan llegar a Europa desde Melilla.

En la sección Un Joven Continente, dedicada a las obras hechas bajo el paraguas de las escuelas de cine españolas, encontramos a Los páramos, una película rural que ha levantada el joven Jaime Puertas gracias a la ESCAC (Barcelona). La cinta trata sobre una mujer gitana a la que le cambia la vida la aparición de un nuevo guardia forestal en su pueblo de la sierra. La otra es 365, de Mario Jara, uno de las apuestas del otro gran centro de formación español: la ECAM (Madrid). Trata la vida de una aspirante a música que empieza a vivir en la calle para perseguir su sueño. En los próximos días se conocerán los detalles de la única sección española que falta, la local Sección Panorama Andaluz.

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@buelos: un buen trío de amigos sin terminar de aprovechar

Las comedias a tres siempre han dado juego en nuestro cine. Aunque son menos numerosas que las protagonizadas por parejas, las historias con un trío de amigos funcionan en España desde Tres de la Cruz Roja o Los dinamiteros en los 60, pasando por Los caraduros en los 80, Airbag en los 90 y llegando a las más recientes Primos o Es por tu bien. Este año ha llegado el éxito de los tres de Lo dejo cuando quiera, y ahora en los cines tenemos a los veteranos de @buelos, una película que funciona mejor cuando se centra precisamente en las características de sus tres personajes principales.

El triunvirato de la primera película de Santiago Requejo, que pasó por el Festival de Málaga, está formado una vez más por tres viejos amigos (interpretados por Carlos Iglesias, Ramón Barea y Roberto Álvarez), que esta vez tienen problemas familiares y profesionales al llegar a la última etapa de su vida. Consciente de su importancia, Requejo maneja con inteligencia uno de los ingredientes imprescindibles para una buena comedia a tres: crear un triángulo principal que contraste y se complemente al mismo tiempo.

@buelos concentra y aprovecha el talento de sus tres experimentados actores principales para darle profundidad, ternura y expresividad a su historia. Sobre sus espaldas se asienta lo mejor del espíritu de esta película, que consigue recoger momentos cómicos bien resueltos y asentarse al mismo tiempo sobre un alma sensiblera sin que el conjunto rechine. Aunque haya otros personajes peor dibujados, el equipo de mayores eleva siempre cada escena en la que están presentes.

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Iglesias, Álvarez y Barea van encajando y dando forma a los distintos temas de la película con menos convencionalismos de los que se podría esperar. Requejo, especialista en contenidos para Internet, quiere hacer un homenaje millennial a nuestra generación más veterana y una de las que más ha sufrido la crisis económica reciente. Y lo hace al principio con un aroma reinvidicativo que se ajusta a la ternura, el desconcierto, la sabiduría y la pasión de estos mayores.

Pero a medida que avanza el filme -y pese a sus esfuerzos por crear momentos anticlimáticos que rompan con el tópico-, Requejo va cayendo poco a poco en la positividad en la que se meten sus personajes: al final su trío con alma se ve atrapado por la retórica artificial del emprendimiento en un epílogo que se apresura más en resolver con emoción que en tratar bien a sus personajes. Se compra el pack completo sin ninguna reserva que aporte complejidad, y se desactivan así las tiernas y divertidas aristas de sus protagonistas.

@buelos tiene cosas (tres, más concretamente) lo suficientemente buenas como para que deje buenas sensaciones. Liderados por un gran Iglesias, los actores principales dan lo mejor de sí mismos para que la película se vea con la calidez y la gracia que busca en todo momento. Ellos arrastran por sí solos sus diferentes líneas argumentales, más o menos acertadas. Requejo, que también firma el guion junto a Javier Lorenzo, da muestras de una buena dirección de actores y de tener pulso para la comedia menos gamberra. No sé si no lo ha hecho por convencimiento o por motivos publicitarios, pero ojalá hubiese decidido dejarse guiar más por sus personajes.

 

Arturo Tena (@artena_)

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‘El hoyo’ triunfa en el Festival de Sitges

El hoyo, el primer largometraje como director del bilbaíno Galder Gaztelu-Urrutia, ha triunfado en el Festival de Sitges. Se trata de la primera producción española que lo consigue (o por lo menos en solitario, ya que hay datos contradictorios respecto al palmarés de la edición de 1994 y la película Justino, un asesino de la tercera edad de Santiago Aguilar y Luis Guridi). El hoyo se ha hecho con los premios a Mejor Película de la Sección Oficial, el Premio Citizen Kane a Mejor Director Revelación para el bilbaíno, los mejores efectos especiales –para Iñaki Madariaga- y el Premio del Público. Esta nueva distinción se suma a la que obtuvo en el pasado Festival de Toronto en el que Galder Gaztelu-Urrutia se convirtió en el primer español en llevarse el People’s Choice Midnight Madness Award.

El hoyo nos transporta a un futuro distópico en el que personas malviven en una estructura que hace las veces de cárcel donde son alimentados con los restos que van descendiendo de los niveles superiores. La película, protagonizada por Iván Massagué, Zorion Agileor, Antonia San Juan, Emilio Buale y Alexandra Masangkai, propone una visión crítica con la realidad. El hoyo, cuyos derechos internacionales ya han sido adquiridos por Netflix, se estrenará en España el próximo 1 de noviembre de la mano de la distribuidora Festival Films. Antes participará en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.


Pero no solo El hoyo trae grandes noticias para el cine español desde la ciudad catalana. La película Jesus shows you the way to the highway, de Miguel Llansó, se ha llevado la segunda Mención Especial del Jurado de la Sección Noves Visions. Polter, del director Álvaro Vicario, ha sido elegido Mejor Cortometraje. El corto sigue las andanzas de un tipo al que le empiezan a ocurrir sucesos paranormales en su casa e intentará descubrir sus causas para poder volver a la normalidad.

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Lo que arde: La maestría de Laxe para llegar a lo esencial

En contra de lo que opinaría cualquier coach, a veces es mejor autolimitarse para llegar a tu verdadero potencial. Por lo menos a los cineastas les funciona: cuando reducen su película a lo más elemental, a la pura observación de la vida a través de la imagen, en ocasiones el conjunto les acaba encajando para llegar justo a lo que querían transmitir. Es difícil de hacer y montar -¡cuánto hay que medir!-, pero en esas sencillas imágenes se pueden atrapar los significados más profundos; tan inabarcables que se les pueden escapar incluso a sus propios autores. Eso es lo que hace que las películas estén vivas. Eso es lo que consigue y sigue a rajatabla Oliver Laxe en Lo que arde.

Digo a rajatabla porque el director gallego, que viene de zambullirse en la realidad con el género documental, lleva ese camino hacia lo esencial en forma y fondo (que en una buena película son lo mismo). Incluso en un prólogo y un tramo final espectaculares en composición, el filme conecta siempre por debajo con los elementos más primarios de la existencia: con la naturaleza originaria y redentora; con la creación y destrucción de la vida en la Tierra. La Galicia rural a la que vuelve un pirómano (Amador Arias) tras salir de la cárcel es un ejemplo de ese espacio primigenio que aún (nos) pervive, y que Laxe recoge en su desnudez e impenetrabilidad.

El fuego es el elemento central de este impresionante viaje a las raíces en las imágenes. Y es el que establece la conexión entre la naturaleza y la especie humana, también a nivel originario. El descubrimiento del fuego es el hallazgo más importante de la humanidad, un salto de gigante en nuestro progreso. Pero en el caso de los incendios se rompe el verdadero logro que nos hizo conseguir ese desarrollo: el control del mismo. Laxe sitúa lo que arde sin freno como algo instintivamente desasosegante y a la vez fascinante para el hombre casi a nivel evolutivo.

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En medio de esa contradicción prehistórica y emocional es donde el responsable de Mimosas coloca su historia concreta, centrada en lo que ocurre en el reencuentro entre una madre y su hijo. Aquí Laxe es capaz de llegar a los sentimientos a través de unos personajes que son una extensión más de esa mirada desnuda que quiere poner sobre lo que transcurre. La representación positiva de esa reducción a lo básico es Benedicta (Benedicta Sánchez), la madre. Lo de este personaje es impresionante no sólo por la gran interpretación que consigue Sánchez, sino también porque en sus gestos, lo que dice y calla, en su manera de vivir y sentir, atrapa una conexión verdaderamente humana y sana con el mundo. Es mágico lo suyo.

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Por el otro lado encontramos a Amador, el otro protagonista de la película que representa lo contrario a su progenitora: el sufrimiento y el lado conflictivo de ese vínculo indeleble entre el hombre y su entorno. Mientras su relación con el fuego se mantiene en un segundo plano, Amador le da una oportunidad a las relaciones humanas para encontrar su lugar en el mundo. En él, Laxe concentra precisamente la incomprensión y los miedos dentro de las dinámicas sociales sin perder la naturalidad poética de su propuesta. El estigma social del ex-preso entre silencios y bromas sueltas.

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Hace tres años se estrenó Mimosas, la anterior película del director. 11.837 personas la vieron en el cine en España. Un impacto testimonial. Para entendernos, es más o menos un tercio de los espectadores que han pagado este año por ir a ver una película independiente como Los días que vendrán. Ahora el cineasta tiene una gran oportunidad de romper -o resquebrajar al menos- la difícil barrera de la invisibilidad a la que están abocadas muchas propuestas españolas sin apoyo de televisiones o una distribuidora multinacional. Lo que arde tiene que abrirse paso entre la gente porque, en su sencillez, es una de las películas españolas más vivas y deslumbrantes de los últimos años.

 

Arturo Tena (@artena_)

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‘El crack cero’ cuaja grandes resultados en su estreno en salas

El lunes hablábamos de cómo Mientras dure la guerra mejoró sus registros en taquilla en su segundo fin de semana en salas, subiendo un 10% su recaudación, y encaminándose a unas cifras que seguramente la lleven a colocarse el podio de las películas españolas con mayor recaudación del año. Hoy nos fijamos en el comportamiento que han tenido el resto de producciones españolas, empezando por El crack cero.

El regreso de José Luis Garci al personaje de Germán Areta y al Madrid de cine negro ha tenido unos resultados muy buenos para su limitada distribución. Con solo 79 copias, El crack cero ha llevado a las salas a 14.281 espectadores para un total de 97.631 euros recaudados. Su media por copia -1.236 €- es la tercera mejor de todo el fin de semana, solo por detrás de Joker y Mientras dure la guerra.

La combinación de la nostalgia por lo conocido, las -en su mayoría- buenas críticas y una eficaz aunque pequeña campaña de promoción han conseguido estos buenos resultados para la película de Garci, que ha seguido colándose en las últimas posiciones del top 10 diario que publica Comscore durante esta semana. Filmax se resarce así de los modestos resultados de sus últimos estrenos, Vivir dos veces, Litus y Sordo, que se quedaron por debajo de las expectativas (especialmente la última, que ha recaudado menos en un mes que El crack cero en tres días).

Respecto a los otros dos estrenos de la semana, Diecisiete y Varados, hay poco que contar. De la primera no tenemos datos, algo que por ejemplo no ocurrió en otra producción de Netflix como Elisa y Marcela. La segunda, el documental de Helena Taberna, no consiguió grandes cifras, quedándose en un total de 1.269 euros en las seis salas en las que se proyectó.

'El crack cero' cuaja grandes resultados en su estreno en salas 8

 

Padre no hay más que uno sigue tirando del resto del cine español

La película familiar de Santiago Segura puso velocidad de crucero a principios de agosto y no la ha bajado. Casi un mes después de convertirse en la película española más taquillera del año. Padre no hay más que uno ha vuelto a aparecer entre las cinco películas más vistas del fin de semana después de caer solo un 15% respecto al tramo anterior. La comedia de Segura alcanza ya los 13,5 millones de recaudación y mantuvo casi 300 pantallas el pasado fin de semana, por lo que podría seguir sumando.

Dos producciones de carácter marcadamente localista como Agur Etxebeste!, en su segunda semana en cines, y Barcelona 1714, en su tercera, han mantenido unas medias por copia razonablemente buenas de 983 y 537 euros respectivamente, aunque sus pronunciadas caídas invitan a pensar en que se están acercando al final de su vida comercial. Quien a hierro mata vivió una caída del 58% y va a tener complicado llegar a los tres millones totales de recaudación.

Con esta nueva actualización el cine español supera los 60 millones de euros recaudados en lo que va de año. Aunque parece casi imposible que se llegue a la barrera simbólica de los 100 millones que se lleva superando los últimos cinco años, el buen funcionamiento de algunos títulos está por lo menos dejando un buen sabor de boca en esta segunda mitad de año. Esta semana se estrenará tres nuevas películas, Lo que arde, Paradise Hills y @buelos, que intentarán seguir sumando.

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Balance positivo para el cine español en Sitges

Entramos en la última fase del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, que se está celebrando desde el 3 de octubre en la ciudad catalana. Después de seis días completos de certamen, ya se puede hacer un balance consistente de lo que está dando de sí uno de nuestros festivales más queridos y respetados para las películas españolas seleccionadas. Y las sensaciones generales, teniendo en cuenta las reacciones publicadas de la prensa y del público, están siendo positivas para el cine español en el certamen. ¿Se llevará una película española el Premio de Mejor Película por primera vez en la historia de Sitges?

 

Ventajas de viajar en tren y El hoyo, las más aplaudidas

Las películas que más atención y elogios han acaparado hasta el momento han sido Ventajas de viajar en tren y El hoyo, dos de los platos fuertes de la competición más importante de Sitges: la Sección Oficial Fantàstic. Sobre la ópera prima de Aritz Moreno (Ventajas de viajar en tren), la prensa se ha manifestado de forma entusiasta: calificada como «elegante y brutal» en El Mundo, «delirio sórdido pero fascinante» en El Correo o como «brillante» en SensaCine, las primeras sensaciones publicadas han sido muy buenas para la adaptación de la famosa novela de Antonio Orejudo. La única opinión más tibia ha sido en Otros Cines. El resto de opiniones sobre la película en redes sociales están siendo también, en general, favorables.

Balance positivo para el cine español en Sitges 9Fotograma de ‘Ventajas de viajar en tren’, de Aritz Moreno

Algo parecido ha pasado con El hoyo, el debut en largo de Galder Gaztelu-Urrutia. La distopía planteada por el cineasta vasco ya se llevó un premio del público en el Festival de Toronto, y en casa parece haber causado un impacto positivo parecido. Según la revista Fotogramas, la película protagonizada por Iván Massagué «sigue recibiendo aplausos del público» en Sitges, y en La Vanguardia han asegurado que la película «encandila en el festival». En la veterana web Espinof, la han calificado como «uno de los grandes bombazos del cine de género de 2019». Basta pasar por su hashtag en Twitter para ver que ha sido bien recibida entre los asistentes al festival.

 

Desigualdad para Paradise Hills,  buen recibimiento para Amigo y dos documentales

Menos buenos adjetivos se ha llevado Paradise hills, la primera película de la bilbaína Alice Waddington, que también compite en la Sección Oficial. Las reacciones han sido desiguales. Si bien el crítico Luis Martínez, de El Mundo, la califica como «deslumbrante», Fausto Fernández, colaborador de Fotogramas, la calificaba como «interminable stories de Instagram». Por otro lado, John Tones, de Espinof, aseguraba que «es asombrosa en su buceo por un gótico imaginario y onírico». La película llega este viernes a los cines.

La última película española de la Sección Oficial que acaba de aterrizar en Sitges ha sido Amigodirigida por Óscar Martín y protagonizada, escrita y producida por la dupla Javier Botet-David Pareja. La prensa ha coincidido en que se trata de una película modesta, pequeña, pero que merece atención. En Europa Press aseguran que «algunos fans han considerado que, de momento, está por encima de la media de Sitges», y en Otros Cines le dedican también buenas palabras.  Sin recibir unas reacciones tan cautivadas como Ventajas de viajar en tren y El hoyo, la película está pasando más que dignamente por el certamen.

Balance positivo para el cine español en Sitges 10Fotograma de ‘Amigo’, de Óscar Martín

Fuera de la Sección Oficial, también han hecho ruido otras propuestas españolas como los documentales Sesión Salvaje, dedicado a homenajear nuestro cine de géneros en los 60, 70 y 80, o An American Satan, un repaso al seguimiento y claves del satanismo en Estados Unidos. Ambas han tenido un buen recibimiento y atención dedicada en medios como El Confidencial en el caso del documental cinéfilo o de Fotogramas para hablar de la película sobre religión de Aram Garriga.

Las principales apuestas españolas ya han hecho, por tanto,su acto de presentación y exhibición en Sitges. En los próximos días llegarán Cuerdas, la primera película de José Luis Montesinos y la única española que falta por proyectarse de la Sección Oficial Fantàstic, el thriller de la Trilogía del Baztán Legado en los huesos, de Fernando González Molina, y la película de ciencia ficción independiente Jesus Shows You the Way to the Highway, de Miguel Llansó. El cine español presenta su candidatura a los premios importantes del certamen.

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Mimosas: Fe en el cine de vanguardia

 

Mimosas ha sido definido como un “western espiritual”. Sin duda es una cinta profundamente clásica en apariencia, alejada en la forma de esa corriente a la que se la adscribe, el Novo Cinema Galego, a la que pertenecen colaboradores de la talla de Mauro Herce, creador de los fascinantes paisajes marroquíes en celuloide y director de fotografía de obras como Arraianos (Eloy Enciso, 2012) o la impresionante Dead Slow Ahead (Mauro Herce, 2015).

Pero aun siguiendo una forma relativamente canónica, la película está muy enraizada en lo rompedor del movimiento gallego. Anclada en un lenguaje convencional, sin grandes alardes formales, la película gana enteros en la reflexión sensitiva que provoca en el espectador. Laxe insiste constantemente en que el cine no debe intentar desentrañarse, no debe ser algo reducible a una fórmula matemática sino hay que sentirlo, hay que dejarse llevar por él. Mimosas busca esto continuamente, explorando un lenguaje esotérico y aprovechándose del impresionante paisaje del Atlas marroquí.

La película es una búsqueda, un viaje que nos lleva por los derroteros de la fe, de lo transcendental, de la elevación espiritual. La fe es uno de los grandes temas: en Dios, en los demás, en un mismo, en la vida, en la realidad, en la existencia… Se trata de una forma tan inasible que es imposible describirla con palabras. Hay una lucha constante entre los personajes por imponer su concepto de qué es la fe, de porqué continuar el viaje, de cómo superar los peligros y evitar desfallecer.

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Se relaciona la existencia terrenal con un mundo espiritual por encima de nosotros, que se mueve a toda velocidad y nos transporta, si queremos, a lugares inexistentes. No es una película sobre Alá o sobre el Islam, transciende la religión y la religiosidad, porque no hay que ser religioso para ser un creyente. Ahí reside la universalidad de Mimosas, en que, aunque está ambientada en Marruecos, podría estarlo en la jungla amazónica o en la estepa siberiana y mantendría el mismo espíritu integrador. Todos tenemos interiorizado el concepto de fe, todos la hemos experimentado y podemos ser creyentes.

Sin duda el gran éxito de Laxe es crear una experiencia sobre la espiritualidad de forma totalmente desapegada de cualquier religión organizada, apelando única y exclusivamente a su forma más primordial, casi atávica. Muchos no entenderán racionalmente la película (yo incluido) pero que eso no suponga un problema: Mimosas no va de entender, va de tener fe.

 

Marco Barada (@MarcoBarada)

Texto publicado originalmente en La Verdad Extática. Mimosas está disponible a partir del 9 de octubre en Filmin

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